Por José Rossi

  La revista de las mujeres reales es un espectáculo que sucede todos los martes a la noche en Maipo Kabaret. Este show Integra numerosos elementos artísticos propios del teatro de revista. Una obra construida a partir del humor televisivo, el stand up, la música y la danza. Una presentación completa, de corte feminista.

    No nos encontramos aquí con un teatro que relata una historia, ya que los actores van cambiando de personaje continuamente al transcurrir las diferentes escenas. Estas no guardan una relación entre sí, más que su temática.

    No se trata del clásico teatro de revista, con vedettes de cuerpos voluptuosos, operados y falsos, al servicio de el/la televidente promedio. Sino que cada intervalo o escena consta de un sketch donde se busca deconstruir (pronunciadamente) el ideal comercial o comercializado de “cuerpo femenino”. Claro que esto no se estancó solamente en el texto de los actores, sino que también se demostró cambiando el staff típico de bailarinas del genero revista convencional, por uno más heterogéneo, donde podemos ver mujeres de todas las fisonomías y cuerpos: Altas, bajas, gordas, flacas, etc. El único factor que englobaba a estas bailarinas por igual era su gran talento.  

Ficha técnica

Idea: Belén Caccia

Dirección: Andie Say

Coreografía: Florencia Pupi Cella

Stage Manager: Guillermina Gonza

Asistencia de dirección: Sirey Zabeth

Diseño y realización de vestuario: Lara Blisniuk

Asistencia de coreografía: Andrea Lecuona

Diseño de iluminación: James Murray

Producción ejecutiva: Susana Halperin

Asistente de producción: Carmin Micheli

Coach Stand Up Pato Galván: Fanny Vega

Colaboración sketch consultorio: Víctor Wolf

Fotografía: Paula Lobariñas

Multimedia: Luis Tomás La Madrid

Prensa y comunicación: BMZ Comunicaciones

Todos los martes a las 21:30

Maipo Kabaret – Esmeralda 443

Entradas $450.-

En la boletería del teatro o PLATEANET

Por Nicolás Katopodis

Los jueves  en el Maipo, Thelma Biral y Francisco Pesqueira interpretan una obra cuyo eje está puesto en el arte, en la poesía, en la narración. Con citas de grandes pensadores y poetas históricos, hacen un recorrido narrativo en el que se articula al espectador con textos y líneas de la prosa.

Ambos eran conocidos, pero se reencontraron años después, y ese reencuentro entre los personajes que interpretan Biral y Pesqueira es solo una figura transparente, donde del otro lado hay una línea narrativa cuya base son las letras, tanto la poesía como la literatura.

Edith Piaf, García Lorca, Alfonsina Storni…son algunos de los nombres de los autores que, bajo la dirección de Emiliano Samar, ambos ilustran arriba del escenario. El recorrido por momentos histórico-temporales, como la infancia en Córdoba del personaje que interpreta Pesqueira, o contextos situacionales, como la música española, da un pie emotivo, y hasta en algunos momentos cómicos, donde es el público el que tiene la última interpretación del (balu)arte.

Por Bruno Glas 

El teatro Método Kairos presenta los sábados por la noche “La patada del camello”, una obra extraña igual que su título, un verdadero viaje para las protagonistas como para el espectador.

La trama presenta a dos mujeres que se cruzan, de casualidad, en un vuelo a Egipto. Tenemos, por un lado, a Candela Castro, famosa artista plástica, que escapa de una situación difícil; por el otro, a Pilar, con otros motivos diferentes, aunque como se verá, sus destinos más conectados entre sí de lo que ellas creen…

La acción transcurre casi en su totalidad en los asientos de avión que ellas comparten, creando a través de la reducción del espacio una unidad narrativa potente y de lo más original. A esto debemos agregar las excelentes interpretaciones de Sofía González y Sandra Criolani. Son ellas quienes llevan el peso de la trama sobre sus hombros. Ambas se sacan chispas a través del contraste entre sus personajes, y construyen a través de la incomodidad (valor narrativo alto y sinuoso) situaciones cómicas sumamente logradas.

En la trama, lo que se dice tiene tanto peso como lo que queda implícito, y a partir de allí es que surge tanto la comedia como el drama posterior. Por eso el cambio entre una y otra parte resulta tan marcado, y allí pierde algo de fuerza. Pero incluso con esto, no hay dudas de que la obra resulta de lo más original, y demuestra que en la escena teatral puede lograrse mucho con poco.

Por Sebastián Sabio

Un viaje a través del mundo de las relaciones amorosas.

“dialogo en privado” es una obra que busca entramarse en los conflictos tanto sexuales como amorosos de parejas. La trama habla de un hombre que le es infiel a su mujer. La historia muestra como se sienten ambas mujeres ante esta situación que compromete tanto a la esposa como a la amante.

Repleto de ideas y argumentos más que interesantes sobre el sexo, el cuerpo y la mujer, este proyecto teatral realiza un profundo e innovador análisis sobre la infidelidad y los sentimientos de sus participantes. Esto se produce gracias a un inteligente guión, lleno de imágenes sumamente claras y una estructura de sucesos que atrapan al espectador.

El ritmo de la obra es otro factor que mantiene el interés. Los recursos nunca se agotan y cambian en el momento justo, lo que dejan a uno con ganas de más y con la sensación de que la obra pasó muy rápido.

Estreno: 15 de marzo

Viernes 23 hs
Teatro: Noavestruz
Dirección: Humboldt 1857, Palermo

Entrada general: $300. Estudiantes y jubilados: $200.
Compra y reserva: Por Alternativa Teatral

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Ficha técnica:

Reparto: Carolina Silva – Fabián Bril – Sandra Arrechea
Producción General: María Paula del Olmo y Pancho Tuesta
Producción Ejecutiva: Jennifer Aguirre
Diseño de Iluminación y Realización Audiovisual: Pancho Tuesta
Diseño de Escenografía: Vanessa Giraldo
Prensa: Martin Dichiera para ALFA prensa
Dramaturgia y Dirección: María Paula del Olmo

Duración: 65 minutos

Por Victoria Seri

La sala Maipo Kabaret presenta los viernes y sábados el espectáculo Diario de un ama de casa protagonizado por Solange Freyre. Para quienes no la conocen es una artista muy completa, que tiene una vasta experiencia en el campo de la comedia musical, en Argentina y en el mundo.

La actriz ha perfeccionado sus estudios en Nueva York y en España, ha obtenido mucha atención y reconocimiento debido a  su aparición en Got talent. En su debut en el reality show en el año 2017, se  destacó obteniendo gracias a su infinito talento, el ticket dorado, máximo premio en una primera instancia. En la actualidad reparte su tiempo trabajando entre Argentina y España.

Diario de un ama de casa es un espectáculo que habla sobre los sueños postergados que tiene una madre que dedica todo su tiempo a su familia y los que haceres domésticos. Sin embargo no se encuentra realizada. Está atrapada en la cotidianeidad y siente un vacío, el de no ser totalmente feliz.

La realización musical está a cargo de Esteban Rozenszain. Como corresponde a este tipo de espectáculos la música es en vivo. Muy buena su colaboración.

La obra está planteada desde el humor, en definitiva es una obra para pasar un buen momento. Los temas se tratan con ironía y sarcasmo, pero también tiene su lado reflexivo. El mérito aquí se lo lleva todo Solange Freyre ya que baila, canta y actúa, con un training y un timing único, no parando ni un segundo.

Ficha técnico artística

Intérpretes: Solange Freyre

Coreografía: Sebastián Codega

Dirección musical: Esteban Rozenszain

Dirección: Valeria Ambrosio

Funciones: Viernes y Sábados 21:30 en Maipo Kabaret

Por Agustín Arosa

Obras creadas a partir de Benedetti, como un modesto puntapié, abundan. Confesos homenajes, por el contrario, eran debidos. “A la izquierda del Roble” viene a cumplir esta digna decisión, brindándonos una mirada entrañablemente didáctica sobre el autor y sus producciones.

A través de comentarios, recitados y canciones quienes asistimos al encuentro participamos de esa mirada que busca más la simpleza del compartir que las pretensiones del avasallamiento. Mención aparte merece la labor de Fiorentino, quien exhibe un despliegue prosódico aleccionador.

“A la izquierda del roble” es una buena oportunidad para acercarnos a Benedetti desde el lugar más proveedor, desde el íntimo encuentro.

Reestreno: sábado 9 de marzo a las 20 hs

Funciones: sábados a las 20 hs

Dónde: Centro Cultural de la Cooperación, Sala Tuñón

Dirección: Av. Corrientes 1543

Entradas: por Alternativa entradas, $300

Descuentos 2×1 con Club La Nación y Tarjetas CABAL

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Por Sebastián Sabio

Música, rebeldía e historia en una obra llena de realidades.

Este musical de estilo documental hace un repaso por varias canciones, tanto nacionales como internacionales, que fueron prohibidas en su momento por presentar mensajes de protesta o en contra del poder.

Al arte siempre intentaron prohibirlo o callarlo, pero a pesar de las persecuciones, las muertes y la censura, los poetas nunca callaron. Muchos ya no están, pero sus canciones siguen vivas con ellos. De eso no se canta es un musical documental-testimonial que repasa aquellas canciones que alguna vez fueron prohibidas, unidas por textos de escritores y poetas que también alguna vez fueron censurados. Desde la época de la Segunda Guerra Mundial, pasando por la Guerra Civil Española, la Guerra de Secesión norteamericana, el convulsionado 1968 y las dictaduras militares latinoamericanas hubo canciones que hoy perduran como: “¡Ay, Carmela!”, “Bella Ciao”, “Te recuerdo, Amanda”, “StrangeFruit”, “La balada del ComodusViscach”, “Canción de Alicia en el País” o “La marcha de la bronca”, entre muchas otras. Es el momento de recordarlas, de decirlas, de cantarlas para mantener viva la memoria.

Algo a mejorar de este proyecto: cada canción es precedida por un pequeño recitado que por momentos se vuelve confuso y distrae en vez de sumar.

La obra es interpretada por cuatro cantantes que, junto a dos músicos, logran darle vida nuevamente a estas canciones del pasado con excelentes voces y grandes arreglos musicales, pero sobre todo con gran pasión y emoción. Esto genera un espectador conmovido y con ganas de más. De saber más y de hacer más.

Un musical documental-testimonial de PABLO GORLERO

Funciones: lunes 21.15 hs.

Teatro La Comedia – Rodríguez Peña 1062 (4815-5665)

Entradas en venta por Plateanet.

Elenco:

DÉBORAH TURZA – JULIÁN RUBINO – LAURA GONZÁLEZ – NICOLÁS CÚCARO

Músicos: Juan Ignacio López y Tomás Pol

En una habitación tenuemente iluminada, una confesión se hace esperar. En la conversación entre dos hombres de personalidades opuestas se huele sutilmente el peligro: una venganza, tal vez, un hecho oscuro del pasado, aunque todo en un clima de visita cordial y cordial recepción.

Arturo Bonín se pone en el cuerpo de un cura de parroquia alejada, austero y solitario, que parece haberlo abandonado todo y, sin embargo, hay algo que se niega a soltar aun cuando amerita la sospecha de la muerte. Nelson Rueda interpreta al enérgico empresario que lo interpela, quien, en principio, llega a la iglesia a hacer una gran donación, pero luego insiste en mantener un diálogo profundo con este sacerdote.

La tensión es creciente cuando ciertas preguntas del empresario visitante incomodan a tal punto al cura que éste le pide que se vaya, y lo deje tranquilo, ya que él es quien hace confesar a los fieles y no viceversa. No obstante, sigue dándole lugar a un interrogatorio respecto a la fe, a la decisión de haberse ido tan lejos, a su conocimiento de lo que pasaba en la última dictadura militar…

Afloran los recuerdos, el haber dejado solo a un chico en la estación y que luego lo llevó la policía, su época de seminarista, las citas de la Biblia, el legado de algunos santos, pero nada parece satisfacer aún el interés del otro hombre que se muestra joven, poderoso y libre.

Comparten una cena, beben un vino que trae el empresario para compartir, se sientan cada uno en los vértices de la habitación, y los recuerdos retenidos de éste, que se manifiesta en última instancia como justiciero, revelan al fin el objetivo de tal visita.

Esta obra critica a la Iglesia Católica como institución argentina desde dos puntos definidos. Muy bien actuada, muy bien dirigida. En cuanto al guión, le resta haber caído en un cuestionamiento que se hace cliché y un final que no da cuenta de los indicios ofrecidos anteriormente.

Un instante sin Dios

Nün–Teatro Bar –  Juan Ramirez de Velasco 419, C1414 CABA

Todos los martes 21 hs

Entradas desde $ 300

Ficha técnica

Autor: Daniel Dalmaroni

Actúan: Arturo Bonín, Nelson Rueda

Fotografía: Nacho Lunadei

Diseño: Karina Hernandez

Redes: Maia Segal

Comunicación y prensa : Varas Otero

Producción general: NüN Teatro Bar

Dirección de arte: Marcelo Salvioli

Dirección: Daniel Dalmaroni

Por Victoria Seri

El jueves 28 de febrero vi Lo mejor de mí está por llegar en El Arenal Teatro ubicado en el barrio de Villa Crespo. Como bien dice la gacetilla, su eje central es el patriarcado. La obra es una versión libre de  Medea de Eurípides.

Para aquellos que no conocen esta historia, se trata de una antigua tragedia griega basada en el mito de Jasón y Medea, en el cual ella es abandonada por Jasón, para casarse con otra mujer, la hija de un rey. Esta situación hace que Medea se sienta deshonrada y emocionalmente inestable, traicionada. Así que mata a la prometida de Jasón. Para evitar represalias también mata a sus propios hijos y escapa.

En la adaptación contemporánea que realiza Jorge Acebo y Juan Carlos Rivera del drama griego en Lo mejor de mí está por llegar, aparecen los personajes principales, Medea y Jasón, mostrando una relación desigual en la cual prima la violencia de género. Se trata de una relación abusiva donde hay encubrimiento por supuesto, porque si no estas maneras de vinculación no podrían existir.

La propuesta teatral es insuperable. El espacio se encuentra bien acondicionado y preparado para toda la puesta. Es muy ameno el teatro.

El equipo lo es todo. Florencia Galiñanes lo da todo y más en el escenario, con una actuación comprometidísima. Salvo por algunos momentos de visuales y voces en off, está en el escenario transmitiendo constantemente con una intensidad y solidez que llega al espectador, lo hipnotiza. Los momentos de la narración más duros son acompañados por música en vivo de parte de Maximiliano Pugliese. El recurso de la cámara en vivo que maneja Nicolás Condito no lo había visto antes en teatro. Le suma realidad y permite la interacción de Medea con otros personajes. Así como también nos hace pensar por momentos que estamos al frente de un documental con primeros planos de Medea que nos acercan a su dura historia y relato.

Un dato para tener en cuenta, Lo mejor de mí está por llegar fue declarada de interés social y cultural por la Confederación Parlamentaria de las Américas, Red de Mujeres Parlamentarias de las Américas y cuenta con el apoyo de Mujeres sin miedo y Juntas y a la izquierda.

Ficha técnico artística:

Dramaturgia: Jorge Acebo, Juan Carlos Rivera

Actúan: Florencia Galiñanes

Músicos: Maximiliano Pugliese

Diseño de vestuario: Priscila Iaria

Diseño de luces: Paula Fraga

Audiovisuales: Nicolas Tete

Cámara: Nicolás Condito

Fotografía: Juli Rodríguez

Diseño gráfico: Maximiliano Pugliese

Asistencia de dirección: Nicolás Condito

Prensa: Marisol Cambre

Dirección: Jorge Acebo

Duración: 75 minutos

El jueves 28 de febrero se llevó a cabo el reestreno de la obra En lo alto para siempre en la sala Oreste Caviglia del Teatro Nacional Cervantes. Una obra que además de tener presente una intensa labor actoral, con una excepcional María Onetto, nos coloca al espectador desde una vista privilegiada, mostrándonos el golpe de realidad que su historia presenta.

Esta obra se encuentra construida a través de textos del escritor estadounidense David Foster Wallace, un autor que forma parte de la cofradía de los escritores suicidas. Esta obra escrita por Camila Fabbri y Eugenia Pérez Tomas, nos cuenta la historia de Virginia, una mujer que se pasa todo el día en la terraza de su hogar, sitio donde tiempo atrás su hijo se había suicidado. Incapaz de superar esa pérdida, ella vive constantemente sintiendo el impulso de arrojo, denotando esa tensión que existe entre el cuerpo y el pensamiento. Ante la necesidad de realizar reparaciones en la casa, la aparición de la hija de Virginia y de un plomero, funciona como catarsis a la visión que cada uno de los personajes tienen sobre cómo la vida se ve desde arriba. El hijo, hace un reflejo de su presencia, recordándonos en repetidas ocasiones aquel arrojo, remarcando los quiebres que ocurren a lo largo de la historia.

Esta puesta en escena, se desarrolla a través de la excelente labor de los actores. María Onetto compone un personaje que transmite toda su sensibilidad en cada palabra y cada gesto. Por momentos los gestos hablan mucho más que el texto, el personaje del hijo no llega a emitir palabras pero aún así su mensaje es muy claro.

La escenografía está representado en un espacio mínimo e íntimo, donde la altura tiene un significado hacia la vista del espectador. A su vez tenemos un trabajo muy detallado en lo amoblado, que poco llega a usarse pero que en momentos logra desviar la atención en los momentos que los personajes transmites su incomodidad. La música juega un papel importante dentro de la obra, aunque en fragmentos determinados , cada melodía y letra pone a los personajes en su lugar, a la vista de todos los que nos encontramos debajo.

En lo alto para siempre es una obra que se aprecia desde su sensibilidad, una emotiva mirada de una madre que no puede evitar ver todo desde arriba, donde ves todo, pero no todo lo miras llegas a comprender. Magnífica interpretación de María Onetto, acompañada de una intensa labora actoral por parte de todo el reparto. Se trata de una propuesta más que recomendable, que nos ataca desde lo alto con un golpe de realidad que nos permite ver la fragilidad humana desde un lugar privilegiado.