Primavera Sound Buenos Aires: Arranque a puro poder femenino en Costanera Sur



#PrimaveraSoundBuenosAires ya es una realidad. En medio de la semana que tiene a Buenos Aires como la meca musical del momento, con shows distribuidos en varios venues de la capital en el marco de Primavera en la Ciudad, anoche tuvo lugar la primera de las tres fechas más importantes del festival. Costanera Sur fue hipnotizado por el talento de cuatro artistas singulares como lo son Björk, Julieta Venegas, Javiera Mena y Feli Colina. Con performances destacadas, cada una con su estilo, dejaron la vara muy alta para lo que aún queda por disfrutar en los próximos días en esta edición inaugural en Argentina del mítico festival europeo.


Noviembre trajo por primera vez a la Argentina, uno de los festivales más renombrados del mundo. #PrimaveraSoundBuenosAires está en boca de todos mientras salpica la capital con su segmento Primavera en la Ciudad, dedicado a la música emergente, con sonidos provenientes de distintos géneros y de diferentes partes del mundo, así como mucha presencia de artistas locales. Luego del espectacular evento inaugural que fue Road to Primavera, con Jack White, Pixies, Cat Power y Las Ligas Menores, el 14 de octubre en Costanera Sur, había mucha expectativa entre los melómanos locales por lo que sería el plato fuerte del festival, que se desarrolla toda esta semana. Primavera Sound es un festival único en su especie, que comprende varios festivales en uno. Es así que después de ese tentempié, el festival producido por DF Entertainment y Primavera Sound, se plantea en dos grandes partes: Primavera en la Ciudad, que salpica locaciones distribuidas por Buenos Aires con lo mejor de la música emergente, y Primavera Sound propiamente dicho, con los platos fuertes de esta primera grilla argentina. Anoche se vivió la primera de las tres noches de Primavera Sound, con un debut contundente a cargo de cuatro artistas singulares, con sellos personales y una fuerte apuesta por la experimentación: la siempre islandesa Björk, cuyo nombre es sinónimo de vanguardia, la mexicana Julieta Venegas, una de las reinas de la canción que supo mezclar tradición y renovación, Javiera Mena, artista chilena cultora de un electropop inigualable, y la argentina Feli Colina, cuyo estilo minimal e introspectivo fue el responsable de sentar las bases del clima para el arranque de la fecha.


Alrededor de las cinco de la tarde, el predio de Costanera Sur se fue colmando de espectadores ávidos por ser parte de una noche histórica en la música local. Bastaron pocos instantes para que Feli Colina sumiera al público en un clima que supo manejar como una prestidigitadora. La artista salteña viene de lanzar El Valle Encantado, un nombre más que apropiado para sus canciones minimalistas e introspectivas de letras altamente líricas que suenan como un embrujo. No dudó en deleitar al público que la acompañaba con El Valle Encantado (tema que le da nombre al nuevo disco), Martes, Chakaymanta, Chakatrunka y Babalu entre otras. Cerró su performance con Diabla y fue muy ovacionada por los presentes.

A continuación, fue el turno de Javiera Mena, y el embrujo tomó otro rumbo, más bailable y nocturno, ideal para las últimas luces de la jornada. La chilena que marca el rumbo en el electropop hizo varias canciones de su último trabajo discográfico, Nocturna, lanzado en septiembre de este año, “Debilidad”, “La isla de Lesbos”, “Me gustas tu” y “Sincronización”. No faltaron los clásicos hits “Otra Era” y “Corazón astral” con los que todos los presentes cantaron y bailaron junto a la artista.

Las canciones de Julieta Venegas atraviesan las biografías de todos los presentes. Es por eso que escucharlas en vivo es una experiencia de alta carga emocional. La mexicana brindó un show con énfasis en su búsqueda actual, que cristaliza en su disco Tu Historia, del cual contó que estrenará la próxima semana. con interpretaciones de “Caminar sola”, “Te encontré” y “Mismo amor”. Con una trayectoria que comienza en 1998, Julieta no privó a sus fans de cantar con ella canciones indelebles que son parte de las historias de todos como “Me Voy”, “Eres Para Mí”, “Limón y Sal”, “Lento” y “Andar Conmigo” y cerró su presentación con “El presente” dejando el clima perfecto para recibir a la icónica artista islandesa.
Ante un público ya extasiado con el nivel musical de la noche, llegó el turno de Bjork, una de las artistas más relevantes de la música contemporánea, más imitadas y menos igualables del mundo. Desde su primer álbum, Debut, lanzado en 1993, los ojos y los oídos del mundo jamás pudieron prescindir de la propuesta siempre cambiante y siempre vanguardista de la islandesa. Dueña de una voz expresiva y poderosa, Björk dio un recital fuera de serie, con momentos álgidos como con el hit “Hyper-ballad” e instantes emocionantes como el que generó con “Come to me”. Arrancó su show con “Stonemilker”, pero con su sola presencia, antes de comenzar a cantar, el público que la esperaba ansioso, comenzó a delirar con su sola presencia. Habiendo lanzado Fossora, su décimo álbum de estudio, en septiembre de este año, los asistentes estuvieron entre los primeros en disfrutar en vivo. el tema que le da título al álbum.



Con una puesta en escena sorprendente, y un singular y colorido vestuario (como es su costumbre), Björk realizó un show haciendo hincapié en repasar varios hits de álbumes anteriores, como Isobel y Jóga, pero siempre acompañada por la orquesta del Teatro Colón, sorpresa que le dió a la noche un sello impactante y majestuoso, y que quedará en la memoria de todos los que tuvieron la oportunidad de ser parte de una noche mágica.


A esta gran celebración de la música aún le queda mucho por dar en su primera edición argentina. Fiel a las ideas que lo hicieron uno de los festivales más renombrados del mundo, la versión local, con producción de DF Entertainment y Primavera Sound, ofrece una grilla diversa, pensada con un espíritu disruptivo y curada para amalgamar propuestas locales e internacionales, consagradas y nuevas, conocidas y por descubrir. En total, serán más de 100 actuaciones distribuidas en distintos puntos de la ciudad, convirtiendo a Buenos Aires en el punto de encuentro de lo mejor de la música contemporánea.

El próximo fin de semana (sábado 12 y domingo 13), será el plato fuerte del festival, donde se podrá disfrutar de los shows de artistas como Travis Scott, Lorde, Hernán Cattáneo, Charli XCX, Interpol, Mitski, los esperados Arctic Monkeys, y muchas bandas y artistas más que completarán una grilla muy ambiciosa de la mejor música del momento.

Como siempre que desembarca en un nuevo destino, Primavera Sound busca integrarse con la cultura y el entorno local desde los valores de la sustentabilidad, la igualdad de género, el compromiso social y la integración urbanística. Para lograrlo, celebra la música de increíbles artistas argentinos además de acercarnos artistas internacionales, y reparte sus actividades entre varios espacios de la ciudad, aprovechando al máximo las posibilidades de nuestra capital.

Así como ha planteado la edición española de Primavera Sound, la versión nacional será un festival que es a la vez varios festivales en uno, donde la curaduría será la estrella indiscutida.

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Back to the orchestra: una gran celebración al cine y la cultura pop en formato sinfónico.

El pasado 4 de noviembre asistimos al evento llamado «Back to the orchestra» quienes celebraron su segundo episodio con una orquesta sinfónica que interpretó la música de películas y series con las que hemos crecido y en la que ha estado presente la música de volver al futuro, star wars, E.T entre otras producciones.

Damian Mahler fue el encargado de dirigir este evento, donde además de ser un talentoso compositor y director de orquesta, se nota que es un gran apasionado del cine y la música, y que se ha visto plasmado en esta increíble función. El directo, se tomó todo el tiempo que quiso para enriquecernos de datos sobre la música de ciertas películas, de los compositores que el admira y el porque ha decidido hacer un show de estas características para el público. Pudimos apreciar muchas de las melodías que fueron compuestas por de John Williams, desde Star Wars, Jurassic Park, E.T entre otras. También pasamos por un corte de música de televisión donde se ha hecho presente Thundercats, He man, Batman y muchas composiciones que son conocidas por todo.

El público se ha animado a ir a la función como sus personajes favoritos, aludiendo a la consigna de retro sci fi que representaba este espectáculo. Así, en la entrada pudimos ver a Darth Vader, los Stormtroopers, Chewbacca, Indiana Jones, Marty Mcfly y El Doc Brown e infinitos personajes que se hicieron presentes en el concierto.

Casi al terminar la función, Mahler nos da regalado un gran tramo de lo que es la secuencia final de la película E.T, haciendo mención de que el próximo 11 de diciembre se llevará a cabo el show en el que se proyectará la película con la orquesta en vivo, sin duda algo para no perderse. Si bien la consigna del show es la música retro sci fi, donde el repertorio es en su mayoría de cine y series de los 80, se tomaron la libertad de tocar una pieza más moderna por pedido del público en las redes sociales. Es así como pudimos apreciar a la música compuesta por Howard Shore, quien creó la banda sonora de las películas de El señor de los anillos. El show terminó también con un pedido de un niño fanático de volver al futuro quien pidió la banda sonora de la tercera película y se le dio el gusto para culminar este increíble espectáculo.

Sin dudas vivimos una noche mágica, que en alguna medida se repetirá con la función de E.T y con el anuncio de un nuevo show dedicado a John Williams. Así que no se alejen mucho de las redes de Back to the orchestra, porque si vuelven pronto, es un espectáculo emocionante del que no te puedes perder si eres amante del cine y la ciencia ficción.

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Análisis: Bayonetta 3 para Nintendo Switch

Bastante parece que se había hecho esperar la tercera parte de Bayonetta, cuyo segundo juego salió en el 2014 en exclusiva para la consola Wii U, pero que ganó mayor popularidad y éxito con los ports de los dos juegos que salieron en Nintendo Switch. Apenas Platinum Games publicó los primeros avances del juego, eran altas las expectativas y ahora que llegó, toca decir que es un gran juego que pone por todo lo alto a los hack’n slash aunque tenga pequeñas cosas para recriminar.

El regreso de Bayonetta supone la vuelta de un título que ha sabido recolectar fans aunque empezó como un título de nicho. Para poder abrirse a nuevas audiencias, esta tercera parte apunta a una historia más independiente, que obviamente nos ayuda el seguimiento de toda la serie pero tampoco nos sentiremos tan desorientados si es el primer título que tocamos. Aquí nos enfrentamos a los Hominculos, que son unas armas biológicas que fueron creadas por un ente que amenaza destruir cada uno de los universos. Si bien se trata de un juego con una gran importancia en el contenido narrativo, esto funciona muy bien, pero quizá sea una de las historias más flojas de las tres, tal vez por querer buscar esta independencia para hacer entrar a cualquier jugador a su universo. De todos modos la esencia de sus protagonistas jamás se pierde, y lo grandilocuente que intenta abarcar su historia se traslada de forma magistral a lo jugable.

El éxito se bayonetta no sólo radicó en su narrativa y el carisma de nuestra sensual bruja, sino también lo bien que representaba al género hack and slash , considerándose como uno de los mejores juegos del género desde su lanzamiento en dos generaciones pasadas de consolas. Ahora se intentó hacer un cambio, de que se mantenga la esencia de lo que teníamos pero agregando mecánicas para tener un juego más completo y diferente. La realidad es que es una apuesta algo arriesgada pero que al final su resultado fue muchísimo más que satisfactorio, teniendo con nosotros un juego intenso, desenfrenado pero que también debemos entender sus mecánicas, y lo importante, es muy divertido hacerlo. Primero se empieza con el arsenal conocido de Bayonetta, las armas en sus manos y combinaciones que para el jugador habitual es algo fácil de adecuar. Luego iremos teniendo acceso a una serie de invocaciones como la Madama Butterfly o el dragón Gomorra. Existe también la posibilidad de invocar bestias durante un tiempo mayor, lo que hará que nuestra protagonista se debilite, pero puede ser útil y necesario lograr un balance entre ataque y defensa para derrotar a unos tantos enemigos. Existe un gran número de combinaciones, lo que hace a lo largo del juego, que el sistema de combate se vuelva mucho más complejo, pero lo frenético de su gameplay hace que valga la pena empezar a aprender un sinfín de combinaciones.

Ahora vamos por el tema técnico, mucho se ha hablado sobre las limitaciones que tendría Nintendo Switch, y que al ser un juego exclusivo, se tendría que adaptar a las capacidades de la consola y aprovecharla al máximo ya que es la única plataforma a la que se podría optimizar mejor las características del juego. Vamos a decir la verdad, no son los gráficos de nueva generación, pero realmente se ve muy bien desde el apartado artístico y diseño de niveles. El rendimiento del juego es el necesario, correr a 60fps sin bajones . Quizá la única mala es que en algunos escenarios, el ambiente se siente un tanto pobre y hasta repetitivo. Se abrió la discusión sobre la necesidad de una Switch más potente, pero en realidad no creo que sea una cuestión de limitación, ya que se nota que platinum games hizo todo lo posible para dar un juego grande, bello y ambicioso, aunque también toca tener en cuenta, que aunque cuenta con una gran base de fans, no es un AAA que aspira a ventas astronómicas. Los anteriores juegos vendieron alrededor de un millón de copias, y esto fue gracias a la popularidad que ganó en la generación de Nintendo Switch.

Bayonetta 3 es todo lo que se podía esperar de este juego, un frenético y muy divertido hack and slash que nos trae a la hermosa bruja otra vez con nosotros. Si bien su historia es un poco más simple y está hecho para que los nuevos jugadores no se sientan tan perdidos, es un juego que vale la pena para todo el público, desde los fans acerrimos y para aquellos que le han llamado la atención este exclusivo de Switch de la mano de Platinum Games.

Calificación 9/10

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Análisis: Sackboy:A Big Adventure para PC


Vuelve al hogar con un plataformas hecho a mano


No importa el momento ni la situación, siempre hay sitio para un nuevo juego de plataformas. Independientemente de si se trata de una apuesta por actualizar el género o una vuelta a los orígenes, dedicar una parte de tu tiempo a “pegar saltitos” suele ser una inversión eficiente en la mayoría de las ocasiones. No pude jugar la última aventura de Sackboy en su lanzamiento original para PS5 (analizar videojuegos no paga suficiente como para adquirir el sistema actualmente), por lo que no dude en subirme al tren de su versión para PC cuando surgió la oportunidad, deseoso de ver con que iba a encontrarme en esta ocasión en el mundo artesano.


De buenas a primeras, no es necesario introducirse mucho en el título para notar el principal cambio. Donde antaño había un juego de plataformas en dos dimensiones y media, en esta ocasión se apuesta por las tres dimensiones en su totalidad, ampliando de forma notable el abanico jugable. La llegada de Little Big Planet a PS3 supuso en su momento el nacimiento de una mascota querida y original. El héroe de lana y el mundo artesano conformaban un camino artístico poco experimentado en el medio. Diseñar niveles con materiales comunes en cualquier casa, dando forma física (digitalmente hablando) a todas esas ensoñaciones que armábamos cuando éramos pequeños no deja de ser un disfrute en todo momento. Ese castillo que construimos con cajas de zapatos y rollos de papel ahora es una gigante fortaleza que podemos recorrer tanto por dentro como por fuera. Esa pequeña ciudad materializada mediante trastos ahora es una verdadera metrópolis. En el mundo artesano siempre hay sitio para soñar y crear.



Sin ser un elemento fundamental en la experiencia, es indudable la existencia de una respuesta a la universal pregunta acerca de quiénes somos y a dónde vamos. En esta ocasión, tomamos el papel del héroe de la puntada, responsable de salvar el mundo artesano de las garras de Vex, el malvado de turno que quiere convertirlo todo en un erial, de la misma forma que nuestro cuarto se vacía de juguetes y otros objetos infantiles conforme avanzamos hacia la madurez. Para ello, tendremos que avanzar a lo largo de 5 mundos y cerca de 60 niveles, en los que crearemos vínculos con distintos aliados que nos ayudarán en nuestro periplo.
A lo largo de las diferentes pantallas, nos encontraremos con todo tipo de diseños de nivel. Tanto de los más habituales en el entorno de las tres dimensiones como otros más experimentales, como carreras, descensos en tobogán o vueltas temporales al scroll lateral. Sin ofrecer una duración muy elevada (unas 10-12 horas serán necesarias para completar los niveles principales), el título porteado por PlayStation PC LLC ofrece tanta rejugabilidad como queramos darle, ofreciendo en cada uno de los niveles distintos desafíos a cumplir para desbloquear logros y cosméticos.


Junto a esto, al igual que el resto de aventuras de la saga, se presta a ser disfrutada en solitario o en cooperativo, donde podremos juntarnos hasta cuatro jugadores. Más allá de únicamente facilitar los niveles, podremos acceder a contenido exclusivo del juego compartido, secciones donde será fundamental la participación de al menos dos jugadores para salir airosos de la situación. Además, siempre hay espacio para la jarana. Podremos agarrar, aporrear, empujar y molestar a nuestros compañeros, de una forma saludable y sin riesgo (la mayoría de las ocasiones). De esta manera, cada nivel se convierte en una competición por ver quien es digno de sostener la copa al obtener el mayor puntuaje posible.

No puedo irme sin remarcar lo bonito de esta aventura. A parte de contar con un motor gráfico sorprendentemente potente y detallista (en sus máximas opciones gráficas es uno de los títulos más demandantes del año), resalta sobremanera el apartado artístico, donde cada uno de los mundos utiliza su diferente temática para mostrar todo tipo de diseños originales, impidiendo en ningún momento la sensación de Déjà vu, al observar algo muy parecido a lo ya visto. Junto a esto, destaca el apartado sonoro, que combina pistas originales, muy características de la saga con otras con licencia, dando lugar a situaciones cuanto menos características y originales.


En resumidas cuentas, Sackboy TM: Una aventura a lo grande es todo aquello que los seguidores de Little Big Planet podrían esperar. Sin innovar en el género, ofrece un rato de diversión asegurada tanto en solitario como en cooperativo, aprovechando al máximo el apartado artístico artesanal en todos sus aspectos. Quizá su precio completo pueda suponer una barrera de entrada, pero conseguirlo con una ligera rebaja es una opción que deberíais tener en mente. Bueno y si no, siempre podéis coger una madeja de lana y crear vuestra propia aventura.


Calificación:7,5/10

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KYGO, el DJ revelación del año, eligió Argentina pará cerrar 2022.

Desde que se catapultó a la fama con su single “Firestone” en 2014 y fue contactado por artistas de la talla de Chris Martin de Coldplay y Avicii para realizar remezclas de sus temas, KYGO se asentó en la escena electrónica como un referente ineludible del house tropical y del dance pop. Hoy, con tres discos en su haber y una larga lista de éxitos colosales, recorre Latinoamérica con una gira que también incluye Colombia, Brasil y Chile. Su paso por suelo argentino lo encontrará a cargo de las bandejas -y los teclados- en una noche inolvidable producida por DF Entertainment y presentada por Flow el 19 de noviembre en Madero Boardwalk. Una fiesta de primavera que además tendrá una apertura de lujo con el DJ y productor canadiense Frank Walker, gran promesa de la escena, y un after party a cargo de la Bresh, la fiesta argentina que conquista el mundo y se convirtió en la favorita de las nuevas generaciones.



Kyrre Gørvell-Dahll encontró su camino en la música primero como pianista. Luego se adentró progresivamente en la producción y experimentando como DJ, hasta que adoptó su alter ego Kygo y saltó al estrellato con “Firestone”, su carta de presentación con Conrad Sewell. Desde aquel entonces, es común ver su nombre en las primeras posiciones de las listas de éxitos y en las grillas de los festivales más importantes del mundo: KYGO es sin dudas, uno de los artistas más influyentes del EDM (electronic dance music). Su inclinación por aprovechar recursos de producción de ese género para temas más pop ha marcado una tendencia que no para de crecer, atrayendo nuevos oyentes que ingresan al mundo de la electrónica desde sus temas más dance pop. KYGO ha cosechado alrededor de 23 mil millones de streams entre sus canciones y videos, con éxitos en diferentes géneros como “Here For You” o “Higher Love” así como reinterpretaciones de clásicos de la música disco como “What’s Love Got to Do With It”, de Tina Turner, y “Hot Stuff” de Donna Summer; y colaboraciones con artistas como Selena Gómez, The Weeknd, Ellie Goulding, Coldplay y OneRepublic.

Pero como siempre ocurre con la música, y quizás en la electrónica de forma particular, no todo termina en la cantidad de reproducciones. KYGO ha juntado kilómetros y horas a cargo de la pista de festivales centrales de la electrónica en el mundo, como el Ultra Music Festival (cerró la edición de Miami este año) y el TomorrowWorld, con shows electrizantes de principio a fin. Además, ha estado como artista principal en eventos como los Juegos Olímpicos de 2016 en Río y el Gran Prix de Fórmula 1 en México de 2021. El show lo encuentra trabajando en su ansiado cuarto álbum -sucesor de Golden Hour (2020)- del que ya tuvimos cuatro adelantos: ‘Freeze’, ‘Dancing Feet’ junto al grupo comandado por Joe Jonas, DNCE; ‘Never Really Loved Me’ y ‘Lost Without You’, ambas con la colaboración del cantante australiano Dean Lewis. Además de traernos estas novedades, seguramente sea la oportunidad de disfrutar de clásicos en vivo como “It Ain’t Me”, junto a Selena Gómez, que tiene más de 2.9 mil millones de streams y “Woke Up In Love”.

La gira de KYGO trae al DJ y productor canadiense Frank Walker, una figura prometedora que viene en un rápido ascenso a nivel global. Con solo dos EPs al momento, Walker acaba de firmar contrato con Sony y ya hay mucha expectativa por su primer trabajo discográfico. Su canción “Only When It Rains”, con vocals de Astrid S, le valió varias nominaciones y se convirtió en un gran éxito, al igual que “Imagine”, donde trabajó junto a Steve Aoki y AJ Mitchell. Una apertura para conocer a este gran talento e ir entrando en el clima.

La noche tendrá un cierre épico en manos de verdaderos expertos: con DJs de la Bresh, la fiesta argentina que recorre el mundo y suma fans edición tras edición. Con más de 900 ediciones repartidas en 12 países y alrededor de 90 ciudades, la Bresh es uno de los puntos de encuentro predilectos de los jóvenes en cada destino que suma. Buena música, buena onda y un show que siempre está a la altura: no por nada lleva el mote de “la fiesta más linda del mundo”.

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Teatro Colón: Los Pescadores de Perlas

Las perlas y los amores

El pasado mes de julio el Teatro Colón presentó su versión de la famosa ópera ‘Carmen’, del autor francés Georges Bizet; esta fue una adaptación encargada por el Ballet Estable. 109 años después, el Colón remota una de las puestas más reconocidas (aunque no la más popular) de Georges Bizet: Los Pescadores de Perlas.



Les Pêcheurs de Perles) es una ópera en tres actos con música de Georges Bizet y libreto en francés de Eugène Cormon y Michel Carré. Fue estrenada el 30 de septiembre de 1863 en el Théâtre Lyrique (Théâtre-Lyrique du Châtelet) de París.

Llevar este clásico a las tablas luego de un siglo, supuso de dar una visión moderna sin perder lo tradicional, para ello el director musical valenciano Ramón Tebar junto al escenógrafo y artista polaco Michal Znaniecki, hacen de Los Pescadores de Perlas, una puesta deleitante, marina y cautivadora.. Con un total de cuatro personajes y un equipo de bailarines e intérpretes, El Pescador de Perlas nos lleva a Sri Lanka y su litoral, dos amigos enamorados de la misma mujer y una comunidad pesquera que busca a alguna diosa para adorar.

Hasmik Torosyan, Federica Guida, Dmitry Korchak, Sang-Jun Lee, Gustavo Fefien, Germán Alcántara, Fernando Radó y Emiliano Bulacios forman parte de los intérpretes líricos de esta obra. Los mismos entregan más allá de la voz, la pasión pues, Los pescadores de Perlas involucra mucha nostalgia. Quizá el acto más sobresaliente es aquel donde los cantantes Dmitry Korchak y Sang-Jun Lee (Nadir) interpretan la legendaria y dolorosa canción “Je crois entendre encore».



La puesta en escena de Michal Znaniecki se destaca por el juego de luces y uso de telas transparentes para emular el agua, los bailarines simulan el nado mediante la danza interpretativa, este efecto hace de la obra enigmática. El azul está en sus tonos oscuros, el mismo se conjuga con el verde turquesa y el morado. La proyección de embarcaciones y mar embravecido aportan misterio a esta obra que opta por lo solemne y el sosiego antes que lo cálido.



La coreografía de Diana Theocharidis es delicada, combina el ballet clásico con el contemporáneo, le da movilidad a los bailarines asi como si fuese tritones y sirenas. Mini Zuccheri y su vestuario, aporta balance a la paleta de colores de Luigi Scogio en su escenografía. Zuccheri se encarga de representar a este pueblo costero singalés, así como también recrear la vestimenta de dioses, hechiceros y marineros.



Los Pescadores de Perlas fue el gran retorno de un clásico al colón, una ópera delicada y cautivadora. Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web

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Nicki Nicole: Brilló en la última edición de Movistar Fri Music en un show realmente único.

El pasado 30 de octubre se llevó a cabo la nueva edición de Movistar Fri Music, un evento que organiza la compañía de telefonía, que ofrece un show gratuito a los clientes de la marca. En esta ocasión fue el turno de Nicki Nicole, quien se encargó de hacer un show único y que se puede considerar uno de los mejores vistos en esta campaña, ya que ha brillado desde la producción, el talento y carisma de la artista, así como la participación de invitados especiales.

Nicki Nicole abrió pasada las 21 horas su show con un estadio totalmente repleto, en el que pudimos ver un cambio de look hecho para este show. Con un traje gris y el pelo platinado, salió al escenario con el fervor del público interpretando «Tengo to» con un gran despliegue visual junto a bailarines. También fue una noche donde los invitados no faltaron, el primero fue NTVG con la canción veganzada. A la segunda mitad del show apareció sorpresivamente Wos para «Cambiando la piel». La última participación fue la de Trueno, pareja actual de la artista, que cantaron juntos «Dangerous» y «Mamichula»

Nicki tomó este show para dedicárselo a su público y agradecer por el lugar en el que se encuentra. Es así como interactuó constantemente con la gente, acercándose a saludar y leyendo los carteles que le habían dedicado para ese show. En esas lecturas de carteles, subió a una fan para cantar Wapo Traketero y a otra a bailar «Otra noche «. Uno de los momentos de color de la noche fue cuando hizo subir a un fan que se había tatuado la cara de la artista en su brazo y quería una firma de ella para poder tatuarselo también. Entre risas , nicki accedió el pedido, siendo uno de los momentos más divertidos de la noche.

Movistar Fri music nos regaló un show único, la primera vez que Nicki Nicole se presentaba en el estadio Movistar Arena y que ha superado todas las expectativas con un show increíble desde la producción hasta la presencia de una artista llena de carisma y talento.

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Lit Killah presenta «SnipeZ», su segundo álbum.

Luego de un 2022 en el que LIT killah dio a conocer hits como “La Trampa Es Ley”, “KU”, “Bipolar”, “La Tormenta” y “Killer Bombón”, llega su esperado segundo álbum “SNIPEZ”, producido por Big One y Zecca.

“SNIPEZ” viene acompañado por los recientes lanzamientos y por “MANSION” como focus track. Además será presentado en un mega show que tendrá lugar el 6 de diciembre en el Movistar Arena, donde LIT no sólo iluminará con su espectáculo la cara de miles de fanáticos si no que despedirá a pura música él exitoso álbum “MAWZ” que tantos éxitos le permitió cosechar.

El álbum está compuesto por trece temas. Cuenta con dos caras: LADO S Y LADO Z. El Lado S es más experimental, inspirado en los sonidos de la Electrónica, Trap y Hip Hop. Por otra parte, el Lado Z, permite que el oyente pueda disfrutar temas originales sampleados, algo que LIT supo desarrollar con profesionalismo y una versatilidad musical que cautivó a sus fanáticos y a nuevas audiencias.

El martes 4 de octubre se reveló el tracklist completo a través de las redes de Lit killah y Viva Latino, el festival más grande de Latinoamérica y plataforma de presentación de nuevas propuestas musicales.

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Análisis: Dragon Ball: The Breakers para Nintendo Switch



Por Luciano Macchioli

Hace ya un tiempo que los lanzamientos de videojuegos de Dragon Ball no me despiertan entusiasmo. Me disculparán los más acérrimos fanáticos de la serie, pero un juego de peleas ambientado en la saga de Freezer o de Cell, llega a aburrir a la vez número 37. Pero cuando Bandai Namco dio detalles del nuevo título que hoy nos cita, noté que, al menos, no se trataba de lo mismo de siempre. Veamos de qué trata.


Dragon Ball: The Breakers es un multijugador de tipo asimétrico, como lo que podemos ver en títulos como Dead by Daylight pero, lógicamente, ambientado en el universo creado por Akira Toriyama. Lo curioso de esta propuesta es que quienes se enfrentarán al villano de turno serán civiles que carecen por completo de poderes. Sólo podrán valerse de escondites y de un puñado de armamentos para poder sobrevivir. En el proceso, dichos civiles deberán encontrar unas llaves especiales que activarán una máquina del tiempo para poder escapar.


El problema de esto es que replica las falencias propias del género: es mucho más divertido encarnar al villano. E hilando fino, es lo único divertido que encontraremos aquí.
Al momento de iniciar nuestra primera partida, poco o nada sabremos respecto de la jugabilidad. Si bien es cierto que contamos con un tutorial donde Trunks nos explicará los conceptos básicos del juego, nos resultará poco claro y serán las partidas en línea las que nos ayudarán a comprender cómo se juega. Lo que nos lleva a otro problema, el multijugador online.


A pocos días del lanzamiento, al menos en la versión de Nintendo Switch, se complica encontrar partida. Ocho jugadores se necesitan, y aun así hay tiempos de espera de hasta 5 minutos. Si por una casualidad encontramos personas que quieran jugar a esto, la cosa no va a mejor. Aunque cuenta con unas visuales bastante dignas para la consola, la interfaz dentro del juego es poco intuitiva. El mapa es confuso y las herramientas que se nos brindan para la comunicación con otros jugadores, algo clave en títulos como este, resultan insuficientes.


En conclusión, si obviásemos la docena de problemas que Dragon Ball: The Breakers presenta sería un título muy divertido, ¿no? Bueno, no. Con la infinidad de motivos que presenté para mantenerse alejado, me dejo el más contundente para el final: es un juego aburrido. La mayoría del tiempo nos encontrará a nosotros dando vueltas por un mapa (de diseño cuestionable) buscando llaves, sin tener en cuenta lo que sucede alrededor y casi deseando que el villano nos elimine para poder ir a jugar otra cosa.


Calificación: 3/10

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Reseña: La Fundación



Por Sofía Luna Roberts

“Entonces, Marta, ¿ya está lista para firmar?” son las palabras que Amalia le pronuncia a la protagonista y que, de alguna manera, también nos las dice a nosotros como espectadores. ¿Vos firmarías y asumirías un compromiso el cual va en contra de tus creencias? La tensión de los diálogos y la presión en escena nos anticipan el contexto delicado al cual nos enfrentamos. Marta y Pedro nos hacen partícipes de una de las decisiones más importantes de su vida: ser padres. Nos abren las puertas de “La Fundación” y nos sumergen en ese mundo que ya considerábamos lejano. Todos los Jueves a las 21:30 hs, “La Fundación” nos espera en Muy Teatro, Cabrera 4255 CABA.



La obra escrita y pensada por Susana Torres Molina nos ubica en un período del horror en donde el deseo de Marta y Pedro por ser padres se aleja cada vez más. Por esta razón, apelan a una “fundación” que les puede brindar lo que ellos tanto desean, pero ¿a qué costo?. La Fundación se caracteriza por ser una organización que tiene como objetivo primordial la entrega de niños y niñas a familias seleccionadas previamente. Esta elección somete a los futuros padres a un riguroso interrogatorio para corroborar de que éstos sean aptos, capaces de brindarle a esos niños y niñas el mejor hogar con la mejor educación posible; siempre y cuando cumplan estrictamente con los valores y preceptos de la religión católica. Con el objetivo de proveer una pureza que sea impecable.

A partir de aquí, se desencadena un tsunami de cruces con distintas ideas que atravesaron a la sociedad argentina, con el hincapié realizado en las palabras y en la creación de sentido a través de las mismas. Todo lo que se escucha de esos diálogos resulta demasiado familiar para la percepción del argentino/a, es un déyà vu constante a las épocas más oscuras de nuestro país. Es interesante el cuidadoso tratamiento del lenguaje que utiliza cada uno de los personajes que van desde la contundencia de las ideas expresadas por el personaje de Amalia, la fuerte manipulación del Doctor Palacios, la negación constante de Pedro y las preguntas inquietantes de Marta al querer saber el origen de esos bebés que brindan en adopción.

La dirección de Federico Nanyo es muy precisa en cada uno de los requerimientos del texto al que dota de un dinamismo tan atrapante como armónico. Todo se desenvuelve con naturalidad a pesar de ser un desarrollo triste de los acontecimientos. La manera en que le da vida a la Fundación es muy acertada ya que logra la fugaz empatía del espectador. El vestuario y la escenografía cumplen roles fundamentales para la concepción de ese ambiente abominable, frío y seco. La magnificencia de los objetos que componen la escena deja en exposición la notable inferioridad de esos padres en busca de su felicidad. La dicotomía del blanco y el negro en sus vestimentas también demuestra la formalidad y doctrina en la que se encuentran dado el contexto de la obra teatral.

El elenco es parte fundamental para hacer funcionar todo lo escrito por Susana Torres Molina y lo dirigido por Federico Nanyo. Ángel Blanco y Sofía González le dan vida a Pedro y Marta, conforman una pareja que busca satisfacer su deseo más profundo e íntimo pero con diferencias en la concreción del mismo. La dicotomía va más allá de sus vestimentas y se vuelve parte de sus personalidades ya que los orígenes y vivencias de cada uno son puestos sobre la mesa en fuerte contradicción. Pero será la pareja la que tenga una gran actuación en tanto que capta la esencia de lo requerido por el texto y la dirección. Merceditas Elordi se pone en la piel de Amalia, un personaje difícil en tanto el discurso que representa pero lo lleva con una fluidez admirable y un potente convencimiento de sus ideas y creencias. El Doctor Palacios es encabezado por Alejandro Botto de una manera llamativa, ya que la manipulación tanto psicológica como física, en sentido de su constante presencia en escena, sus movimientos precisos e imponentes, dan cuenta de una superioridad que intimida la historia que se cuenta.

“La Fundación” conlleva una catarata de emociones y sentimientos que te obliga a compartirlos con el otro ya que la reflexión está asegurada. De alguna manera u otra, todos fuimos atravesados por este período dictatorial y nos sentimos parte de sus consecuencias como sociedad. La impronta de cada personaje en sus diálogos se encadena armoniosamente en escena generando una creciente tensión construida a partir de sus interpretaciones, en conjunto con el inquietante final comprueban la vivencia de una experiencia movilizadora que es imposible de olvidar.

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