Crítica: Próximo, de Claudio Tolcachir

Después de una exitosa temporada en el Teatro Sarmiento (Perteneciente al CTBA), la obra Próximo se ha estrenado en Timbre 4, hogar del director y dramaturgo Claudio Tolcachir. La obra ahonda la relación de dos personas a la distancia , de como el uso de la tecnología puede acercar a desconocidos en cualquier parte del mundo, y de cómo así podemos tener a estas personas siendo la única compañía a las que les podemos confiar nuestros secretos y sentimientos reales.

Dos seres desarrollan una historia de amor a la distancia y, poco a poco, cada uno se convierte en lo único que tiene el otro en el mundo, pero lejos, sin tocarse.

Próximo nace de ese instante en donde la comunicación se corta y esa falsa sensación de ocupar el mismo espacio se rompe y la soledad lo inunda todo. Pero también es la construcción de un vínculo aceptando esa distancia, construyendo sobre la distancia.

Elián es español, se encuentra en su país y es actor de una reconocida serie médica. Pablo es argentino pero se encuentra residiendo en Australia, el no sabe casi nada de inglés y es un inmigrante ilegal que trabaja en el país oceánico. Elián y Pablo hablan por Skype , terminan llevando una relación que tiende a lo amoroso , el problema es la distancia. Eso que al principio les permitió acercarse , ya que ninguno podía expresarse libremente con quienes tenían físicamente cerca , les permitió que puedan sentirse plenos con alguien desconocido y lejano. La cuestión es que la vida personal de cada uno no marcha bien , por eso la realidad de cada uno se vive plenamente cuando están en conexión , pero ¿Se puede sentirse pleno alguien que está pero no a la vez ? El otro es un refugio , una escapatoria , algo que quiere ser real pero no alcanza.

La historia es sencilla y moderna , en nuestros tiempos es común que alguien pueda encontrar refugio en algún ser lejano, ya que las redes y la tecnología lo hacen cada vez más posible. A veces uno es capaz de confiar sus secretos y sentimientos en esa persona en la que crees que no hará un cambio significativo en su vida, pero a veces sucede lo contrario , y es esa posibilidad la que plantea la obra. De forma muy inteligente vemos a aquellos personajes juntos , muy juntos , pero aún así teniendo en cuenta esa brecha que los separa.

Los actores en escena cumplen con su labor de manera sobresaliente , la química entre los personajes es innegable, y era algo muy necesario para brindarle credibilidad a la historia. Los actores juegan con el humor , la obra se presta para momentos de comedia, desde la ironía y la parodia sobre la cultura de ambos personajes.

La dirección de Claudio Tolcachir es precisa , logra plasmar en escena la cercanía y la distancia de los personajes de manera única. Los espacios , el vestuario y el actuar de los personajes recrean perfectamente el sitio que los separa y los coloca en un mismo lugar cuando se conectan. Es muy importante prestarle atención a las miradas de los personajes, a aquello que transmiten cuando están en plena comunicación, haciendo desaparecer la línea espacial que los distancia , para así contar esta historia con total libertad.

Próximo es una obra precisa, entretenida e interesante desde el punto de vista del ser humano relacionándose con otros en una sociedad actual. Sobresalientes actuaciones nos invitan a que podamos ser parte de una historia donde la distancia es irrelevante pero que a la vez es un peso cuando queremos desatar todas nuestras emociones.

Ficha Técnica

Dramaturgia: Claudio Tolcachir
Actúan: Santi Marín, Lautaro Perotti
Diseño de vestuario: Cinthia Guerra
Diseño de escenografía: Sofía Vicini
Diseño de luces: Ricardo Sica
Asistencia artística: Cinthia Guerra
Asistencia de iluminación: Lucia Feijoó
Prensa: Marisol Cambre
Producción ejecutiva: Timbre4, Maxime Seugé, Jonathan Zak
Dirección: Claudio Tolcachir

TIMBRE 4
México 3554
Capital Federal Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: 4932-4395
Web: http://www.timbre4.com
Entrada: $ 280,00 – Sábado – 20:30 hs – Hasta el 11/11/2017
Entrada: $ 280,00 – Domingo – 19:30 hs – Hasta el 12/11/2017
Entrada: $ 280,00 – Viernes – 22:45 hs – Hasta el 10/11/2017

Daniel Alvarez

Reseña: Afuera Piedras

Un asesinato múltiple, una intendente corrupta, un pueblo movilizado que necesita un culpable real o inventado.

Encerrada en su despacho, Fanny Méndez, intendenta de Plaza Huincul, ensaya su discurso para dirigirse a un pueblo conmocionado, que afuera se encuentra reclamando justicia por unos crímenes cometidos un mes atrás. Han asesinado a una importante familia y aun no se sabe quién es el responsable; el único modo de seguir en el cargo es encontrar a un culpable, y para eso Sofía, su asistente, trae a Víctor, un electricista, quién está dispuesto a hacerse cargo del crimen, a cambio de que cumplan con sus pedidos. Su culpabilidad podría devolverle al pueblo la seguridad y tranquilidad que necesitan.

Una puesta interesante y dinámica en un espacio reducido en el que se lleva a cabo la intendencia. Tres personajes reunidos en escena, con movimientos circulares en ese limitado sitio, mientras el afuera, que los invade en sus cuerpos de a ratos y los desacomoda, permite reflejar un quiebre, y el temor que sienten.

Actuaciones convincentes, con una intendenta que se luce en su papel, y un trabajo general de cuerpo y voces que accionan y transmiten,

Una obra cuya dramaturgia es atravesada por un desfragmentado orden cronológico y el juego con la forma y el como narrar. Habla sobre la lucha de poderes, el encubrimiento y la impunidad, provocando en el espectador interrogantes sobre los limites de la inocencia y la culpabilidad, así también sobre la construcción de la verdad.

FICHA TÉCNICA . AFUERA PIEDRAS

Elenco: Gisela Corsello, Zoilo Garcés y Martina López

Escenografía: Betania Rabino

Vestuario: Amparo Guirao

Diseño de luces: Lucas Orchessi

Diseño gráfico: Martín Speroni

Fotografía: Laura Mastroscello

Asesoramiento coreográfico: Rodolfo Opazo

Asistencia de dirección: Patricia Reyes Barrena

Producción: Zoilo Garcés

Dramaturgia y Dirección: Laura Loredo Rubio

Funciones: domingos a las 21:00hs / Teatro Anfitrión – Venezuela 3340, C.A.B.A

Reservas: Alternativa Teatral

Julieta Ale

Crítica: La novia del desierto

Sabemos que Teresa, trabajaba en una casa de familia, que crió y cuidó un
niño, que se hizo hombre, y que ya no la necesitan más. Viaja hacia San Juan, al encuentro de una nueva familia, a comenzar de nuevo.

Sabemos que El Gringo, mezcla de centauro del desierto en cuatro ruedas y vendedor de abalorios, no carente de la simpatía llana y ese modo simple de mirar la vida, propio de mucha gente del interior del país.Tiene un puesto de venta en el santuario de la Difunta Correa.
Un percance en el ómnibus que viajaba Teresa y su consecuente espera en el santuario, hace que sus caminos se crucen.
Sabemos del olvido de su cartera, la de Teresa, en el trailer de El Gringo, al
probarse una prenda en esa noche de tormenta. La consiguiente búsqueda del vendedor y su encuentro, no así la cartera, la posterior recorrida ya juntos, de lugares donde pudo quedar olvidada, junto con materiales de trabajo del puestero. El desértico espacio sanjuanino, sus pequeños y cuasi rudimentarios parajes, operan durante la recorrida de Teresa y El Gringo, como capullo contenedor de esos dos seres solitarios (que no necesariamente padecen de
soledad), diáfanos, que en el otoño de su vida parecen como niños, y se
descubren. Lo que no sabemos, nosotros los espectadores, ni Teresa, tampoco El Gringo, si lo que ha sucedido posee la entidad de un leve milagro ó solo es una de esas pequeñas sorpresas que, a veces, te presenta la vida.

La ópera prima de Cecilia Atán y Valeria Privato, road movie en el desierto, de dos solitarios que como todos los solitarios, sus mundos poseen gran densidad. Filmada con un criterio formal muy cuidado, resulta una película interesante y
predispone al espectador a entrar en el código que se propone.

La actriz chilena Paulina García y el argentino Claudi Rissi, componen dos
personajes queribles. Una película que, como aquellos pequeños parajes en el desierto, posee cierto
encanto.

Guión y Dirección: Cecilia Atán y Valeria Pivato

Fotografía: Sergio Armstrong

Música: Leo Sujatovich

Elenco: Paulina García, Claudio Rissi

A. R. Belano

Reseña: Cámara lenta

En la cotidianidad de un ex boxeador que es cuidado por su entrenador logramos entrar en sus mentes para que con sus textos nos describan el pasado que los hizo estar ahí.

Es la historia de tres seres, un exboxeador, su manager y una amiga en común, que bordean el abismo de lo marginal.Buscan con nostalgia,violencia y amor, revitalizar los puentes de sus existencias a través de un pasado ya disecado. Los sueños se diseminan en el viento del olvido,sin embargo, bregan por encontrarse en el espejo que les devuelva un trozo de ello mismos, aquello que desearon y pudieron ser.

La obra lo hace el texto, la mirada y tu imaginación, es decir, toda la obra pasa en tu cabeza. Mientras estás ahí sentado escuchando las anécdotas, miedos, sueños y hasta esperanzas de los personajes, en otro plano pasa el día a día de cada uno, es como si
lográramos poner pausa al tiempo solo para escuchar lo que piensan y quisieran decir y al poner play dicen, al parecer, lo que no quieren, porque así es el ser humano, primero
medimos nuestras palabras.

El aplauso sin duda es a esa mirada de los actores que te sumergen en sus mini monologos para contarte lo que fueron, lo que pasó para llegar ahí y así, de pensamiento en pensamiento pasará la obra en “cámara lenta”.

Ficha técnica

Elenco: Jorge Lorenzo, Lorena Penón
Julio Pallares

Asist. de dirección: Gabriela Perera

Adaptación y dirección: Christian Forteza

Funciones: Sábados 20.45hs

KOWALSKI CLUB DE CULTURA Billinghurst 835 CABA

Teléfonos: (011) 2060 6493

Ariana Marín

Crítica: Geo Tormenta

En esta ocasión Hollywood vuelve a enfrentarse a uno de sus favoritos villanos: la naturaleza. La cuestión es que no es el único que ocasiona problemas y pone en gran peligro a la población. Una pelea entre la gente que utiliza el recurso de controlar el clima para salvar a la gente y los que la quieren como arma de poder , hacen de esta película un contrareloj donde la Geo tormenta puede ocasionar una gran catástrofe.

Después de que una serie de desastres naturales sin precedentes amenazara el planeta, los líderes del mundo se reúnen para crear una intrincada red de satélites para controlar el clima global y mantener a salvo a todos. Sin embargo, la solución dura poco y el sistema diseñado para proteger la Tierra empieza a atacarla. Inicia entonces una carrera contra reloj: es preciso descubrir cuál es la verdadera amenaza antes de que una geotormenta mundial arrase con todo… y todos.

Estamos ante una película de Cine catástrofe, la trama gira en torno a la creación de un sistema de satélites que funcionan para controlar el clima a su gusto, evitando de este modo, grandes desastres naturales que ha dañado a la población en el pasado. Resulta que este sistema está ocasionando fallas, justo cuando el gobierno de los Estados unidos debe entregar esta máquina a autoridades internacionales , por eso convocan al ingeniero que creo esta arma para poder repararla. La cuestión es que al parecer el sistema fue saboteado y no se sabe ni porque ni por quien , el problema es que esto ocasiona grandes desastres en el mundo y es algo que los protagonistas deben detener antes que sea muy tarde.

La trama puede resultar una excusa para poder mostrar los grandes desastres que se ocasionan en el mundo, como tornados , terremotos, maremotos, etc… El film le da un gran espacio a la conspiración de por medio ,siendo el gran acierto de la historia, ya que logra mantener el suspenso hacia el final. No faltan los chistes fáciles , el gran cliché del poderío yankee y las escenas bizarras junto al «Presidente» de la nación. Estamos ante una película ligera y sin grandes pretensiones , pero que al fin y al cabo cumple con su cometido, que es entretener.

En cuanto a las actuaciones podemos decir que la historia tiene como protagonista a Gerald Buttler («300») y Jim Sturges («Across the universe») , como los hermanos que tienen una enemistad desde hace tiempo , pero que logran hacer las pases cuando el peligro los azota. Del resto nos, las interpretaciones son más bien automáticas pero que terminan siendo efectivas para lo que le requiere la trama.

La dirección está a cargo de Dean Devlin , quien ha trabajado como guionista en las películas de Día de la independencia. Claramente se nota las referencias a los filmes de Roland Emmerich, con quien a trabajado anteriormente el nuevo director. No busquemos verosimilitud en las escenas de desastres , más bien se han juntado todas cosas posibles y se les ha multiplicado por mil. Es lo que busca el film, brindar un divertimento visual grande y lo logra.

Geo tormenta es una película que puede parecer terrible , y a quien le parezca así seguramente tendría razón . De todos modos se agarra de los recursos que tiene para divertir y entretener, presentando una película sin grandes pretensiones pero pochoclera en fin.

Calificación : Buena

TITULO ORIGINAL: Geostorm

ACTORES: Abbie Cornish, Gerard Butler.

GENERO: Suspenso, Ciencia Ficción, Acción.

DIRECCION: Dean Devlin.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: Warner Bros

ESTRENO: 19 de Octubre de 2017

109 Minutos

Apta para todo público con leyenda

Alfonsina, un «Alma desnuda» a puro «Dolor»

Alfonsina Storni, una mujer guerrera, recitando sus poemas, reivindicando los derechos igualitarios de la mujer, defendiendo su posición de madre soltera.

Desde el lunes 11 de setiembre y por ocho funciones, una de las salas del Teatro La Comedia, ambientada como una habitación escritorio, cierra sus puertas, el público frente a un piano, velas encendidas, luz tenue, un espejo contra la pared, siendo testigo mudo de la escena y el silencio. Hasta que irrumpe, ella: la actriz Guadalupe Berrino, encarnando una de las mujeres más polémicas de Buenos Aires, de las primeras décadas del siglo XX, la escritora Alfonsina Storni, haciendo honor al título de la obra: una mujer libre.

Alfonsina, irrumpe en esa sala para que podamos conocer sus ideas, sus secretos más íntimos, algunos confesados a ese público, que en muchos casos, tal vez, sea la primera vez que toman contacto con esta escritora.

Esta obra ganó Premio Estrella de Mar dentro del género unipersonal. Muy meritorio por ser la primera vez que la categoría de Mejor Unipersonal tuvo una mención.

El libro y dirección es de María Esther Fernández quién logro ensamblar fragmentos de la obra literaria de Alfonsina Storni con reportajes, conferencias, notas periodísticas. Amalgamó el pensamiento de esta mujer, sus obras de teatro, poesías, su lucha, su doctrina, un trabajo no menor y la condensó en 60 minutos.

La actriz Guadalupe Berrino luciendo un vestuario de Natalia Mendez Huergo adecuado para la ocasion, despierta el espíritu de Alfonsina relatando sus apremios económicos sufridos durante su infancia, su vida en San Juan, su viaje a Rosario. Alfonsina traerá al Teatro La Comedia, su discurso «Una charlilla apurada», pronunciada en 1938, en Montevideo, donde cuenta como desde niña sentía su inclinación por los libros. “a los nueve, diez, miento desaforadamente”. “A los doce escribo por primera vez, hablo de los cementerios y de mi propia muerte…Desde entonces los bolsillos de mi delantal, los corpiñitos de mis enaguas, están llenos de papeluchos borroneados como migas de pan”

Alfonsina recitará el fragmentos de Hombre pequeñito que jaula me das. Digo pequeñito porque no me entiendes, ni me entenderás..”. pasando inevitablemente por La Loba: “Yo tengo un hijo fruto del amor, de amor sin ley, Que no pude ser como las otras, casta de buey”. Donde le da pie a contar las humillaciones a las cuales fue sometida por ser una madre soltera, por tener que enarbolar la bandera de lucha ante una sociedad, que discriminaba a un hijo natural de uno, legítimo.

Relata sus estudios de maestra, habla sutilmente de su enfermedad, de esa atracción fatal hacia el mar. Su soledad, de los derechos del sufragio de la mujer.

Y así transcurre esa hora, donde podemos gracias a la dirección y la actuación de estas dos mujeres, retratar la vida de otra mujer, de otro tiempo, en otro espacio, revalorando a Alfonsina, capaz de combatir con la pluma, muy joven, padeciendo una enfermedad muy femenina , internándose en el mar, al que tanto le había escrito, en Mar del Plata en la escollera del Club Argentino de Mujeres un 25 de octubre de 1938 a los 46 años. Se apagan las velas, se encienden las luces, se escuchan los aplausos…..

Funciones: Lunes a las 20:30 hs.

Teatro La Comedia. Rodríguez Peña 1062. Tel: 4815-5665. CABA

Entradas: $250

Club La Nación 2X1

Planeanet www.plateanet.com

Duración: 60 minutos

FICHA TECNICA:

Textos: Alfonsina Storni
Vestuario: Natalia Mendez Huergo
Diseño de luces y sonido: Juan Elías Ranieri
Música: Mariano Cossa
Fotografía: Gianni Mesticcelli
Diseño gráfico: Javier Alemanno
Asistencia de dirección: Omar Esteban Morón

Dirección: María Esther Fernández

Prensa: Natalia Bocca

Diana Decunto

Crítica: No me digas que ya sé

La delgada línea entre predecir el futuro y “ver venir las cosas», ese don o esa enfermedad que todos padecemos en algún momento.

Saber todo, absolutamente todo lo que va a pasar, ¿es un don, una condición o una enfermedad? Y si supieras que tu pareja te va a dejar y conocieras con certeza cada palabra que va a decir, ¿qué harías? «No me digas que ya sé».

Con una escenografía minimalista –con el telón de fondo a la vista, con pocos muebles y escaso diseño de luces– se ambienta el comedor del departamento de una pareja: Lola (Mariel Percossi) y Pedro (Diego Cassere), que están a punto de romper su relación: él la va a dejar, aunque ella ya está anticipada a ese momento. Lola tiene, muy a su pesar, la facultad de ver el futuro, hecho que fascina a su mejor amigo, Laureano (Julián Pucheta). En torno al vínculo de Lola
con estos dos hombres, con su madre (Laura Silva), y con Berta, una vecinita (Sol Macchia), se construye este musical hilarante, naïf y placentero.

Por sobre la escenografía y el vistoso vestuario, se destacan las actuaciones de todo el elenco. Los momentos musicales no son gratuitos, sino que gracias a ellos la trama avanza minutos, horas, días… Y esto se agradece, ya que es común encontrar en otras obras que, durante los momentos musicales, la trama se
detiene y se ahonda en las sensaciones que experimenta el personaje. Lejos de hacernos padecer ese tipo de calvario, adquiere un ritmo ameno, fácil de seguir.

El ensamble vocal que hacen en reiteradas oportunidades y las bellas melodías de Vanesa Butera nos dejan boquiabiertos. La calidad musical de la puesta en escena no escatima en talento. Se destacan la electrizante voz de Laura Silva y el estelar de Mariel Percossi, el arduo trabajo que ambas han realizado para alcanzar este nivel de excelencia.

Mención aparte para el texto de Matías Prieto Peccia y Mariel Vélez, que está pensado con varios guiños a la cultura pop, especialmente para fanáticos de los superhéroes de Marvel y DC, correctamente interpretado por los cinco actores.
Deja entrever los distintos matices que tiene la intuición, los mecanismos
anticipatorios que usan las madres y la necesidad de despojarse de las certezas emocionales para entregarse a ciegas al porvenir; en fin, la importancia de disfrutar del momento presente.

Si bien en esta obra la historia de amor adquiere mayor relevancia que las subtramas, se presenta como una propuesta original la idea de ahondar en el vínculo entre Lola y Berta, una vecina en edad escolar por la que la protagonista tomará cariño inusitado y que será clave para el desarrollo de la historia.

“No me digas que ya sé” formó parte de la Bienal Arte Joven Buenos Aires 2017, entre otras 180 actividades seleccionadas. Actualmente se presenta los miércoles en el teatro El Picadero, a las 21 hs. Si gustan de los musicales, no dejen de verla.

Ficha técnico artística
Libro: Matías Prieto Peccia, Mariel Vélez
Actúan: Diego Cassere, Sol Macchia, Mariel Percossi, Julián Pucheta, Laura Silva
Músicos: Serafín Martín Y Herrera, Edgardo Villarino
Vestuario: Carla Torrico Ramírez
Escenografía: Gonzalo Cordoba Estevez
Iluminación: Gonzalo Cordoba Estevez
Música original: Vanesa Butera
Letras de canciones: Vanesa Butera
Producción ejecutiva: Francisco Hails
Dirección: Matías Prieto Peccia, Mariel Vélez

TEATRO EL PICADERO
Pasaje Santos Discépolo 1857
Web: http://www.teatropicadero.com.ar/
Entradas desde: $ 180,00 – Miércoles 21:00 hs.

Lara Salinas

Crítica: El sueño de Nahuel

Para comenzar esta reseña, quisiera hacer la aclaración de que voy a tratar de analizar con el mayor respeto posible el conflicto que desata la obra «El sueño de Nahuel» , que retrata la vida de un chico que tiene una discapacidad y que refleja en la vida de las personas que son partes de su entorno. Se trata de una obra de teatro/danza que nos invita a reír, emocionarse y reflexionar sobre algo que es parte de nuestra realidad.

Una madre debe lidiar con un hijo con discapacidad en un sistema político y social que no está preparado para contenerlo; viviendo sola con Nahuel y con una enfermedad terminal se pone a prueba su propio juicio mental para sobrellevar dicha situación. Paula, una asistente terapéutica intentará hacer que Nahuel pueda valerse por sí mismo para enfrentarse a la sociedad desenmarañando problemáticas familiares.

Nahuel es un Joven 25 años que se encuentra viviendo con su madre , a él le encanta ver «La ley y el orden» Jugar con sus cartas y tomar «Coca cola». Después de tanto tiempo , lo último que ha llegado a aprender es poder ir al baño a hacer sus necesidades sin ayuda, siendo un logro de gran orgullo para sus padres , quienes se encuentran separados. Su madre , quien tiene la necesidad de realizar constantes visitas al médico, contrata a una chica para que se encargue del cuidado de Nahuel. Paula es una asistente terapéutica, que dice haber estudiado para hacer algo más que cuidar a alguien con cierto nivel de dependencia , su objetivo es llegar más allá de eso, lograr que mediante el aprendizaje este chico pueda tener mayor autonomía e inserción social , una tarea que le resulta muy difícil. Su familia se ha encargado de la crianza del chico de la forma en que pudieron, adaptándose a las necesidades de su hijo , el problema surge ante la aparición de una enfermedad terminal de la madre y que pone en duda sobre cuál será el futuro de Nahuel .

La obra toca un tema socialmente presente, algo real entre las personas que tocan vivirlo, como dicen en alguna parte de la obra «A nadie se les enseña a cómo tener a un hijo con discapacidad» como también «A nadie se les enseña a ser padres». Puede ser que la segunda cuestión esté más instalada socialmente , aunque siempre cada caso es particular y es a través de la experiencia como se llega al aprendizaje. El aprendizaje es uno de los temas principales de la obra, son las lecciones que deben aprender los padres para tratar de dejarle lo mejor a su hijo, lo que debe aprender la terapeuta al poner en práctica lo que ha adquirido en sus años de estudio y el aprendizaje de Nahuel, quien puede hacer uso de sus capacidades con el fin de tener una mayor autonomía .

En cuanto a las actuaciones toca remarcar el trabajo que ha hecho Mariano Carabajal al interpretar a Nahuel, ya que resulta un trabajo complejo de realizar, mostrando su personaje con realismo y respeto , evitando lo que puede resultar una parodia sobre la discapacidad . Se destaca también la presencia de bailarines dentro de la obra , es lo que permite adentrarse dentro de la mente de Nahuel , sin la necesidad de que este deba transmitirlo directamente. Las caricaturas y los personajes que forman parte de la rutina del joven salen a escena acompañando a las acciones del chico de manera cómica y dinámica . El resto de las actuaciones han sido correctas en función a la historia y el contenido dramático que esta posee, aportando cada uno parte de sus emociones a raíz de lo que sucede.

No es poca cosa que la obra haya contado con el auspicio del INADI, si bien la historia es tratada con mucho respeto e invita a la reflexión, la obra está hecha para disfrutarse más allá de su enseñanza. De todos modos sería algo positivo que luego de ver la obra la gente pueda quedarse con algo de ella y quizá aprender un poco más sobre lo que implica la discapacidad en nuestro país, tanto a nivel social como político. El tomar conciencia es un valor fundamental que en muchos casos puede transmitir el teatro y es lo que está obra intenta hacer .

El sueño de Nahuel una obra que gira en torno al drama que circula alrededor de un joven con discapacidad. Es una historia que juega con el humor y apela a la emoción , combinando teatro y danza en su ejecución. Con una actuación convincente, su protagonista intenta que sepamos más de el mediante los que lo rodean, permitiendo que podamos disfrutar de una buena obra y a la vez tomar un poco de conciencia sobre la discapacidad en nuestra sociedad .

LIBRO Y DIRECCIÓN GENERAL: Matías Exequiel Cancemi

DIRECCIÓN COREOGRÁFICA: Soledad Noelia Ravazzoli

COMPOSITOR: Maximiliano Spoltore

DIRECTOR DE ACTORES: Carlos Álvarez

ASISTENTE DE COREOGRAFÍAS: Viviana Clement Arencibia

PRODUCCIÓN GENERAL: Matías Exequiel Cancemi

VESTUARIO: Wilfrida Zarza

ELENCO POR ORDEN ALFABÉTICO – ACTORES:

  • Mariela Bonilla (Laura)
  • Mariano Carabajal (Nahuel)
  • Lucila Madeo (Paula)
  • Karina Otero (Patricia Marquez)
  • Eduardo Pizzini (Marcos)

ELENCO POR ORDEN ALFABÉTICO – ENSAMBLE:

  • Fernando Benitez Ortiz
  • Julieta Boland
  • Nahuel Casini Soto
  • Viviana Clement Arencibia
  • Mora Díaz
  • Nahuel Guzmán
  • Mariel Muñoz
  • Sofía Pelle
  • Emilia Ramos
  • Antonio Vlasic

Funciones: sábados 7, 14, 21 y 28 de octubre.

Horario: 20:30 hs.

Entrada: $250-.

Teatro: Teatro El Cubo – Zelaya 3053, CABA.

Reservas: Ticket Hoy y Boletería del Teatro.

El circuito escalera, una novela que no da puntada sin hilo.

«El circuito escalera» de «Javier Daulte» es una novela dinámica, actual donde se plantean las relaciones de padres a hijos, las familias ensambladas condimentadas con la vida personal de un director exitoso de teatro y TV.

El autor: Javier Daulte, es la primera novela que escribe y promete mucho más para las próximas porque su debut como novelista es excelente.

Javier Daulte es dramaturgo, guionista y director de teatro. En su novela hay impresas las huellas del guionista, cortando los capítulos en algún momento culmine del conflicto y capítulos más adelante retomando donde había dejado. Esta forma de narrar a la novela le da un estilo muy personal de escritura, enriqueciéndola, logrando en el lector quedar atrapado con la historia desde el primer capítulo y con deseos de llegar al final para saber cómo cierra la trama.

El personaje principal de la novela es Walter Ponce un famoso director de teatro y TV, de cuarenta y cuatro años, con un hijo adolescente, divorciado de su primera mujer: Marina.

Walter sufre una crisis con dudas existenciales, bajo psicoanálisis, y replanteándose el mundo en el que vive. El personal y el laboral. Dejándose llevar por el vertiginoso ritmo de la vida, aprendiendo a educar a un hijo adolescente.

Un entorno que tampoco permanece estático, el cual también hecha leña al fuego a la historia, porque los personajes que se interrelacionan con Walter, tienen varios capítulos, donde cada personaje se transforma en el protagonista principal teniendo su propia historia paralela a la de Walter, sufriendo cada personaje sus propias crisis personales, vicisitudes y formando parte del circuito escalera.

Es muy interesante el análisis que hace sobre “el arte de engañar” referido al fenómeno del cine, la TV y el Teatro, en cuanto a un público haciendo taquillas ante una ficción. Resalta el grado de aceptación o no, que hoy tienen en el público, las ficciones que nos ofrecen los diferentes medios audiovisuales.

La relación padre – hijo está contada desde el punto de vista de cada uno. Relatada minuciosamente con un corte intimista. Los miedos de Walter como padre. Un padre “presente” que ama a su hijo Martín. Un hijo adolescente, el cual tiene un amor reciproco hacia su padre pero ambos se sienten incomprendidos. Es excelente el planteo sobre la incomunicación entre ambos, como intentan y se esfuerzan por querer mantener un diálogo y la frustración que sienten cuando no logran cada uno de ellos desde su rol, llegar al otro.

Es muy interesante avanzar en la lectura y apreciar como esa relación va cambiando a medida que Martín va transformándose en un adulto. La novela narra esa evolución de Martín y el crecimiento de sus padres: Walter y Marina, basado en comprender que Martín ha dejado de ser un niño.

El ámbito laboral de Walter, sus amigos reales y sus vínculos por compromiso, las zancadillas que presenta el medio, la banalidad los abarca de una manera natural. Resulta interesante descubrir un mundo de ficción que habla sobre algunos estilos de vida de la farándula que hacen también al marco de la obra.

Walter sufre crisis matrimoniales, Marina su primer esposa, Cristina es la segunda mujer. Muestra como los personajes se acomodan a vivir en el formato de familias ensambladas. En el fondo,l Walter intenta alejarse, necesita tomar distancia para analizar su entorno y así ayudar y autoyudarse. Muchos personajes que penden en “El circuito escalera”, lo acusan de egocéntrico, cuando en el fondo, el resto no es mejor ni peor.

Esta novela, comentada por su autor, se escribió en el verano del 2008. Luego la retomó en el 2014. Javier Daulte en su libro cuenta: “«El circuito Escalera» fue un refugio y un descanso de lo que más me ocupa, que es el teatro. ¿Qué motivo su escritura? Quizá la necesidad de algo que fuera distinto de lo que estaba haciendo y no me obligara a renunciar a lo que más me atrae que es narrar historias”.

Esperamos que el autor vuelva a necesitar unas vacaciones, para recrear otra tan interesante historia como ésta, con una lectura ágil, simple que nos permita sacar conclusiones sobre cómo vivimos en esta sociedad con sus defectos y virtudes y en que deberíamos mejorar. ¡Javier Daulte, esperamos que repitas la experiencia! Voy a extrañar ese espacio de tiempo que había reservado para la lectura, para avanzar en otro capítulo, que me permitiera descubrir porqué el título es «El circuito Escalera».

EL CIRCUITO ESCALERA

Por Javier Daulte

Editorial Alfaguara. 445 páginas.

Diana Decunto

Subir el telón para degustar platos fuertes con sabor a teatro

Microdegustación Teatral

La propuesta consiste en puestas en escenas de quince minutos llamadas Teatro Breve donde el público puede entrar y salir de un conflicto sin depender del tiempo.

Microdegustación Teatral Buenos Aires propone ocho micro-propuestas teatrales, las cuales duran quince minutos cada una, en espacios y con elencos diferentes, los días viernes con cuatro micro-obras y otras cuatro, los días sábados.

Para Buenos Aires, es innovar en el formato de la propuesta teatral, en cuanto a la dinámica del espectáculo. El logro es la diversidad de géneros, temas y puestas en escenas que le permiten al público contar con más opciones que respondan a su sensibilidad.

Este viernes pasado degusté cuatro obras. La primera «Happy Birthday Mr. President». El dramaturgo Jose Luis Useche, bajo la dirección de Yorbi Bastidas lograron presentar en quince minutos, el drama de la vida de Marilyn Monroe interpretado por Julieta Rapetta y Gustavo Bayley.

Apenas se prendieron las luces en el foro, nos sumergimos en esa habitación, con la pesada mochila de vida de Marilyn dialogando con un agente de la CIA: Norman Hudges.

Luego pasamos a «Natural» creación de Mariana Alvarez, donde dos mujeres hacen una puesta perfomática donde sin palabras se expresa la violencia dando por resultado una excelente plástica, con momentos fuertes pero excelentemente logrados por Mariana Alvarez y Camila Luco. Dos mujeres enfrentadas al compás de la música de Fernando Bernsten

La tercer micro-obra se llama «Coquita, Vicente y Raúl», al mejor estilo de los clowns, una historia contada desde un siquiátrico, un asesinato de por medio, tres enfermos. Escrita por Ariel Boiola y Áluck, dirigida por Ariel Boiola e interpretada por Juan Carlos Anton, Marina Petit de Meurville y Martina Kobrinsky logrando en el público disfrutar de quince minutos de mucho humor incluidas las carcajadas.

La cuarta micro-obra se llama «Del mismo lado» escrita y dirigida por Martina Kobrinsky. Siguiendo por la ruta del género cómico, esta obra pone en escena a Juan Carlos Anton, Marina Petit de Meurville y Martina Kobrinsky encarnando una historia que gira en torno a la pasión futbolística, con una mujer con ciertos apremios sentimentales y con la voz de su conciencia que no la abandona en ningún momento.

Lamentablemente no pude degustar las cuatro obras del día sábado, ellas son «Las Afeminadas», «No Toda la Culpa es de Yoko», «Irremediablemente Carlos», «Venus 3017». Pero no faltará oportunidad, algún sábado, antes que comience noviembre, antes que finalice el ciclo, degustar las obras que me faltan.

La animadora Vero Barr, una simpática cordobesa, que va guiando al público en el devenir de las cuatro puestas en escena. El pùblico llega a «Espacio Tole Tole Teatro» y siente estar atendido por sus dueños y ofrecen una bandeja con un abanico de ágapes artísticos. La palabra ágape es una expresión griega que describe un tipo de amor incondicional y reflexivo, donde el amante tiene en cuenta solo el bien del ser amado. Quienes organizaron esta propuesta Soña Miral, Yorbi Bastidas, Yonathan Bastidas y Joseph Rivero tienen un amor incondicional por el teatro y pensaron en el bien del ser amado que es el público quien se va feliz de haber probado estos canapés, pequeños pero muy sabrosos en arte.

Entrada General cada día: $220 (Cuatro obras cada función)

Reservas y consultas a nuestro teléfono de línea: 3972-4042 o a nuestro mail: espaciotoletole@gmail.com

y en

http://www.alternativateatral.com/obra53929-microdegustacion-teatral-4

Espacio Tole Tole Teatro

Pasteur 683 – Balvanera

Diana Decunto