Crítica: La noche más larga

Por Bruno Glas

Entre 1985 y 2004, Marcelo Mario Sajen atacó y abuso a casi un centenar de mujeres en la provincia de Córdoba. Esta es la historia que se cuenta en “La noche más larga”. Moroco Colman elige para narrar esto una estructura narrativa dividida en episodios, que además aparecen desordenados desde el punto de vista cronológico. Es así que en esta película se ve cómo de una situación se pasa a otra más alejada en el tiempo. El momento que mejor deja en evidencia este procedimiento formal es aquel en que pasamos de ver cómo el violador (interpretado por un Daniel Aráoz en estado de gracia) elige y captura a sus víctimas, para de inmediato pasar a mostrar cómo es su vida en familia, con su mujer e hijos. De esta manera, el personaje puede ser un tipo repulsivo y moralmente condenable, al mismo tiempo que un padre que toma mate con su mujer en el living de su casa. El montaje veloz termina por crear una sensación de incomodidad y de desconcierto entre un aspecto del personaje y el otro. A esto también contribuye el paso entre un sonido chirriante a un momento cotidiano en el que prácticamente no se escuchan más que diálogos.

A la narrativa no-lineal se le suma otra característica que tiene que ver con la superposición de registros. Es decir, lejos de ser enteramente una historia que ilustra el accionar de Sajen, la película añade las huellas de lo que fue la investigación llevada a cabo para capturarlo. Es así que se pasa de la ficción al documental, incluyendo notas publicadas en los diarios sobre las violaciones, videos de archivo donde vemos el rostro del verdadero Sajen, y los comentarios de varias jóvenes cordobesas sobre el peligro de andar solas de noche en los sitios donde merodeaba el violador. 

Pero hay varios problemas en “La noche más larga”. Uno de ellos tiene que ver con la necesidad del director de recurrir a la palabra, allí donde solamente hubieran bastado las imágenes. Esto se ve en el momento en que una de las muchachas escapa del violador, y llega hasta una plaza en la que se yergue una escultura mitológica. Entonces, el director decide interrumpir la acción para contar a qué refiere dicha escultura, y así ilustrar una obvia comparación entre un hecho histórico y las víctimas de Sajen. Algo similar ocurre con la voz en off que traza un paralelismo entre éste y la figura del sátiro. Son momentos en que la voz interrumpe la narración para ponerse por encima de ella e indicar un sentido único. Sin embargo, hay que decir que esto no es lo más molesto. Sucede que el film de Colman, con su superposición de registros, tiene la intención (por momentos demasiado evidente) de dar cuenta de lo horroroso del accionar de Sajen, y del pedido de justicia en nombre de sus víctimas. Las escenas de violaciones están filmadas de manera que se vea claramente el horror que pasaban las jóvenes capturadas. A priori, no hay nada de malo en la crudeza de las imágenes; lo que sí resulta más cuestionable es el hecho de que el film pueda mostrar las violaciones de manera explícita, pero no sea capaz de construir a las mismas chicas que las sufren como personajes con algún rasgo más allá de su rol de víctimas. Que todo esto termine, además, con imágenes de la marcha del “Ni una menos” habla a las claras de una película demasiado interesada en cuestiones de agenda, que termina por desechar las virtudes formales que la acercaban a ser un relato menos convencional.

Calificación 4/10

Análisis: Crash Bandicoot 4 – It’s about time para Nintendo Switch

Por Luciano Macchioli

El día de hoy analizaremos un juego que muchos pensaron que nunca llegaría. Que el personaje de Crash fue un producto de su época, y que sus años dorados no pasarían de la primera PlayStation. Pocas veces me alegré tanto por haberme equivocado, ya que de la mano de Toys for Bob, desarrolladora que cada día quiero un poco más, recibimos la cuarta entrega de esta saga tan exitosa, iniciada por Naughty Dog. Veamos de qué trata.

“It’s about time” no sólo quiere decir que ya era hora, sino que literalmente la historia se centra en el tiempo. Comienza inmediatamente después de los acontecimientos de Warped, donde veremos a Neo Cortex, N. Tropy y Uka Uka prisioneros, pero el poder de este último logra abrir un portal que les permite escapar. Es entonces cuando nuestro protagonista Crash deberá emprender un viaje en búsqueda de diversas máscaras cuánticas en distintas líneas temporales que lograrán poner en prisión nuevamente a los malvados. Pero no estará solo, ya que su hermana Coco podrá ayudarlo en su travesía, pudiendo jugar con ella toda la aventura si ese es nuestro deseo.

La jugabilidad es muy fiel a las primeras tres entregas. Es un plataformero simple en sus mecánicas, pero increíblemente complejo en cuanto a su dificultad. Desde el primer nivel nos daremos cuenta que no va a ser un hueso fácil de roer, donde los más impacientes se verán tentados de abandonar la aventura. Pero es un título tan excelentemente pulido, divertido y desafiante, que nos costará despegarnos de la pantalla. 

Los niveles principales son realmente extensos, y no sólo por la cantidad de veces que moriremos. En cada uno de ellos habrá 6 gemas: 3 las conseguiremos en función de la fruta wumpa que obtengamos, otra habrá escondida en el nivel, una por no morir más de tres veces y la última por romper todas las cajas. En mi experiencia, en sólo un nivel obtuve las seis gemas. Al obtenerlas, nos recompensarán con una skin para Crash o Coco.

A medida que avancemos en la aventura, iremos desbloqueando diferentes retos extra, como los obtenidos por las cintas de video o los “N. Vertidos”, que son reversiones de niveles de la historia principal.

Gráficamente se ve espectacular. A pesar de que sufre obvios recortes respecto a las versiones de PlayStation y Xbox, es increíblemente meritorio el trabajo hecho en esta versión, que no nos queda a deber para nada. Su banda sonora es otro de los ya muchos puntos altos, con muchas reminiscencias a la trilogía original.

En cuanto a rendimiento, se ha hecho magia con este port. A pesar de los muchos elementos en pantalla que encontramos por momentos y la calidad de las animaciones y gráficos, en ningún momento me vi afectado por caídas de frames, ni en modo portátil ni en modo televisor.

La historia principal, dependiendo de nuestra habilidad, la podremos terminar en unas diez horas. Pero si queremos el 100%, entre modos contrarreloj, seis gemas en cada nivel, niveles invertidos, cintas de vídeo y un largo etcétera, el tiempo de juego no bajará de las 60 horas.

Que la historia me juzgue: Toys for Bob no sólo ha alcanzado la vara tan alta que dejó Naughty Dog con esta saga, sino que la superó con creces. La cantidad de contenido y el nivel de pulido de todos sus apartados, lo hace ser la mejor entrega de las cuatro. Y en cuanto a esta versión, es un port excelente de un juego perfecto. Infaltable en tu biblioteca de Nintendo Switch.

Calificación: 10/10

Reseña: ¿Cuántas son muchas?

Por Sebastián Arismendi

La estadística no suficiente

Hace un mes vi el documental mexicano Las tres muertes de Marisela Escobedo, largometraje que me dejó atónito pues refleja la realidad no solo de un país, sino de un mundo lleno de violencia, donde las mujeres corren mucho más riesgos. Marisela Escobedo fue asesinada frente la gobernación de Chihuahua luego de 2 años de intensa campaña en busca de justicia por el femicidio de su hija.


Hoy pude ver la obra «¿Cuántas son muchas?» Dirgida por Valeria Lorca, siendo una adaptación del libro de Humberto Robles, el cual narra los femicidios en Ciudad de Juárez, Estado de Chihuahua.
Lorca asume el desafío de mostrarnos una obra musical e interpretativa sobre una problemática que hoy día persiste. 5 actores:4 mujeres y un hombre, todos de distintas edades y contextos dramatizan testimonios de familiares y víctimas, especialmente en lo último se enfoca más en el momento previo a la tragedia, siendo los que enfrentan el duelo los que tienen voz para pedir justicia.


El manejo de luces es sublime, siendo el rojo el color más concretado en el escenario, los actores realizan cambios de vestuario fugaces entre acto y acto, y es aquí donde señalo que posee la estructura de un musical, ya que mediante la danza interpretativa, lenguaje corporal y canciones, los personajes dan vida a las que se fueron, manteniendo su voz en alto con la finalidad de que la ley y autoridades tomen cartas en el asunto.


Hay una frase que rescato de la obra: «El gobernador de Juárez dijo que 69 femicidios no son una cifra».
¿Entonces cuántas mujeres más deben morir?, ¿Cuál debe ser la estadística suficiente?. Si bien la obra es ambientada en Mexico, es una realidad muy latente en Latinoamérica, aunque algunos países posean tasas mas altas de femicidios que otros, ¿Cuántas son muchas y cuántas son suficientes?
No más.


El mensaje que deja la obra es contundente, se destaca la dirección de Lorca y las versátiles interpretaciones actorales que en sincronía cumplen la meta de ser audaces y complementarios para poder realizar distintos papeles a la vez en escenas diferentes entre sí.


La obra se iba a estrenar el 19 de marzo de 2020, por conocimiento común no se pudo. Hoy 19 de marzo de 2021 está disponible los viernes restantes del mes y de todo marzo a las 21 horas en el piso 4 del Centro Teatral San Martín sobre la calle Corrientes.

BALAN WONDERWORLD SE PREPARA PARA SU PRIMER ACTO EL 26 DE MARZO

Durante el evento digital, SQUARE ENIX® PRESENTS, SQUARE ENIX reveló el trailer más reciente de su próximo platformer 3D, BALAN WONDERWORLD™, en donde se muestra más acerca de la aventura misteriosa y musical en la que los jugadores se aventurarán el 26 de marzo del 2021.

El trailer de A Hero or Two está disponible en YouTube aquí: https://youtu.be/pow07l5bWiE

El nuevo trailer ofrece una nueva mirada a los jugadores a BALAN WONDERWORLD, enfatizando la mágica y fantástica tierra de Wonderworld a través de las estrellas del juego, Leo y Emma. Con la ayuda del enigmático maestro Balan, los jugadores deben ayudar a restaurar el balance a los corazones de las 12 almas acomplejadas al limpiarlas de Negati, manifestaciones físicas de preocupación y otras emociones negativas. Para cumplir con estos objetivos, los jugadores brincarán, treparán, volarán, aplastarán y más, mioentras exploran la gran cantidad de áreas únicas, coleccionando los más de 80 atuendos únicos que otorgan poderes especiales que les ayudan en su viaje.

El trailer también muestra el modo multijugador cooperativo, donde los jugadores puede explorar en un modo cooperativo local, utilizando su creatividad para superar los desafíos al trabajar juntos para encontrar las combinaciones de disfraces ideales y utilizar sus habilidades para derrotar a los enemigos juntos y salvar el día.

Crítica: Mujer Maravilla 1984

Por Daniel Alvarez

Llega a las salas de cine en Argentina el film Wonder Woman 1984, y toca ser sinceros, ya hay muchos que la vieron por sus propios medios luego de su estreno por HBO Max , aunque a muchos les tocó verla por otros sitios ya que la plataforma no se encuentra en el país. ¿Porque hablo de esto? Porque el film protagonizado por Gal Gadot ya tuvo esa etapa dónde se generaron expectativas y el público ya le dió una respuesta al film, con opiniones divididas.

Mujer maravilla 1984 es el gran estreno que nos trae Warner en esta apertura de cines en Argentina, y nos cuenta un capítulo en las aventuras de la princesa guerrera de las amazonas, situada en los años 80, dónde un objeto hace que se cumpla cualquier deseo, dándole la oportunidad a Diana de que sorpresivamente recupere a un viejo amor. Después de los hechos de Wonder Woman, nuestra heroína se quedó haciendo de las suyas, aunque también pasando desapercibida formando parte del equipo de un museo. Luego de un atraco que ella misma impide, llegan al museo una serie de objetos extraños, dónde se encuentra una piedra que cumple deseos, y es aquí donde sin intención de que sea real, pide el regreso de Steve Trevor, quien murió en la primera entrega. Los deseos se cumplen, pero todo tiene una trampa, ya que a cambio te quitan algo, y es cuando ella de a poco comienza a perder sus poderes. A si mismo nos presentan una serie de personajes, quienes serán los antagonistas de la historia, Maxwell Lord, quien utiliza la piedra para conseguir grandeza, junto a Bárbara Minera, quien quiere ser como Diana, terminan desatando el caos.

El film fue catalogado como decepcionante, y puede que en partes lo sea. Se había generado una expectativa, sobre todo porque allá en 2017, la primera entrega de Wonder Woman, fue aquella que sin ser sorprendente, nos salvó de aquel desencanto que teníamos sobre las películas de DC hasta entonces. También nos presentó a una excelente Gal Gadot, en el papel, en el que muchos no creían en la elección de la actriz israelí pero que aún así logro sorprender desde su aparición en Batman vs Superman. Si bien el elemento fantástico del uso de una piedra que cumple deseos suena bastante atractivo, lamentablemente su guión arriesga poco y nos cuenta una historia bastante personal sobre deseos personales y egoístas, que a veces terminan rozando lo absurdo. La falta de acción también se hace ver, aunque no podemos negar que la aparición del personaje de Chris Pine y su relación con Diana Prince, es lo mejor que tiene el film. El resto de los personajes, incluso teniendo a Pedro Pascal, que parece ser el actor del momento, nos muestra algo poco desarrollado y parecido a una caricatura de si mismo.

Obviamente no es un mal film, Gal Gadot nos sigue atrapando con su personaje, a pesar de la falta de acción e incongruencias en el guión, el film es bastante entretenido, la cuestión es que resulta un capítulo sin demasiada relevancia para el personaje, obviando el tema de la resurrección de Steve.

Mujer Maravilla 1984 nos trae nuevamente a Patty Jekins en la dirección, que nos trae una interesante ambientación en lo visual, pero que lamentable no es tan relevante en lo narrativo. Deberíamos ver este film como un capítulo intermedio en la historia del personaje, algo que no aporta mucho pero aún así nos entretiene. Porque a decir verdad, nos gustaría seguir viendo a Gal Gadot, en un personaje que le calza muy bien.

Calificación 6.5/10

Reseña: Te quiero, sos perfecto, cambiá

Por Daniel Alvarez

La obra Te quiero, sos perfecto, cambiá es un musical en el que nos presentan diversas situaciones de pareja desde una perspectiva cómica y musical, a través de sketchs interpretado por cuatro talentosos actores. Si, no nos olvidemos de los músicos en vivo, que acompañan a un espectáculo sumamente entretenido.

Te quiero, sos perfecto cambiá es una obra basado en un musical del off de Broadway, adaptado por Gonzalo Demaria para su versión en Buenos Aires en la reapertura de teatros con protocolos. A través de varios sketchs, este musical nos va contando diversas situaciones que van desde las primeras citas, noviazgos, vida de casados, de padres, hasta llegar a las relaciones en la vejez. Si bien cada una de las historias son independientes una de la otra, siguen una línea de progreso para contar todas las etapas de la vida en cuanto a las relaciones humanas. Cada sketchs cuenta con su dosis de humor, parodiando situaciones reales en las que muchos se pueden identificar, sin olvidarse del componente musical que acompaña con letras y melodías a todas las historias. Es verdad que algunas situaciones son mejores que otras, también depende de la identificación del público con ellas, pero en términos generales mantienen un ritmo muy dinámico, son entretenidas y denotan creatividad en sus representaciones.

Los actores en escena son los que ayudan considerablemente a que nos mantengamos entretenidos con cada historia y la gran cantidad de personajes interpretados. Laura Oliva, Florencia Otero, Roberto Peloni y Agustín Sullivan son los encargados de entrar y salir de escena, cambiar de vestuarios y personajes constantemente, todo con agilidad e histrionismo. No hay que olvidarse de los músicos en escena, con Gaspar Scabuzzo en el piano y Valeria Matsuda en el violín, que además de encargarse de la musicalización del espectáculo, cuentan con algunas participaciones en lo narrativo de la obra.

La dirección está a cargo de Ricky Pashkus, que ha sabido poner a estos cuatro artistas a hacer de todo en escena, logrando que casa uno destaque en determinados momentos , tanto en lo cómico como en lo musical. La escenografía está bien utilizada, manejando la creatividad en los cambios de ambiente de cada sketchs, en conjunto con un atractivo diseño de luces.

Te quiero, sos perfecto, cambiá es una obra simple, que lo que busca es que logremos divertirnos con cada una de sus historias, aunque al final guarde un pequeño lugar para la reflexión. Los sketchs son muy entretenidos gracias a la labor de sus actores, que dan todo de si para destacar en cada uno de sus personajes. Puede que la cantidad de situaciones sean bastantes y se siente un poco larga la historia, pero no sé asusten, porque en ningún momento decae. El show logra que podamos terminar la función con una sonrisa.

La comedia musical está protagonizada por Laura Oliva, Flor Otero, Roberto Peloni y Agustín Sullivan.

Con Dirección General de Ricky Pashkus

Una Producción General de Rimas Producciones

Teatro Astral (Avenida Corrientes 1639, CABA)

Funciones: Miércoles a las 21 hs. Jueves a las 21 hs.

Sábados a las 19.30 hs.

Entradas a la venta en boletería o por Plateanet.

Análisis: Chacal para PC

Por Luciano Macchioli

La industria de videojuegos en Argentina crece muy paulatinamente. Si bien en los últimos años salieron a la luz éxitos como Forager, los títulos desarrollados por nuestros compatriotas triunfan en raras ocasiones. Por eso considero importante darle lugar a títulos como Chacal, desarrollado por Tomás Pernich. Veamos de qué trata.

La historia nos sitúa en Argentina, donde un régimen dictatorial mantiene atemorizada a la población. Con la excusa del esparcimiento de un virus (muy actual, como podrán notar), el gobierno de turno aprovecha el contexto para fortalecer la economía de los poderosos y volver sumisos a los habitantes de la nación. Sólo un misterioso hombre, Chacal, podrá impartir justicia para los desposeídos.

El título desde el minuto 1 está profundamente politizado. No es un aspecto negativo, ni mucho menos, pero al tomar política partidaria, puede herir ciertas susceptibilidades y alejar a algunos jugadores. Porque para quienes son de nuestro país, se nota claramente a qué partido se está parodiando.

La jugabilidad que nos presenta es bastante sencilla. Chacal, nuestro protagonista, avanzará de manera automática por las diferentes pantallas, donde sólo podremos golpear, saltar y agacharnos. La dificultad es bastante alta, ya que el viaje por los diferentes niveles está plagado de enemigos y obstáculos.

Visualmente no es una maravilla, pero está lo suficientemente logrado para dejar escenarios bien detallados. En lo que sí destaca es en su banda sonora, que acompaña muy bien al gameplay y crea un clima idóneo.

Si es cuestión de ponerse críticos, Chacal tiene muchísimas cosas por mejorar. Controles más intuitivos, modelados mejor diseñados, posibilidad de guardar entre niveles, y un largo etcétera. Sin embargo, es un título con mucho potencial. Y por menos de lo que sale un café (50 pesos argentinos en Steam) podemos ayudar a este desarrollador para que nos entregue un juego mejor pulido que, con sus debilidades y todo, puedo recomendar tranquilamente.

Calificación: 6/10

Reseña: Suyay

Por Sebastián Arismendi

La espera de la siesta

El teatro under no muere, se transforma y en tiempos de Covid-19 sigue presente y quiere seguir. El espacio cultural Moscú en Villa Crespo nos recibe con una foto de Anton Chéjov canchero en la entrada y con el monólogo dominical de Pilar Ruiz: Suyay.

Agustina Groba interpreta a la Gringa, Gringuita, Grin-ga, cómo suele este personaje separar en sílabas las palabras nuevas que descubre. Calor intenso, una finca y la espera de la lluvia para levantar la cosecha, algún paisaje del norte Argentino y una amistad pre-adolescente llena de ilusiones e inocencia.

Pilar Ruiz en su texto nos muestra cómo las diferencias de clase son definidas y establecidas para los adultos pero insignificantes para los más chicos, que las barreras lingüísticas pueden ser derrumbadas cuando hay vínculos de por medio y que la amistad suele ser un sentimiento intenso cuando se es más joven y se sufre igual que el amor.

En 50 minutos se desarrolla esta obra cuyo escenario simula ser un quincho, con cuadrados de paja y sillas reposeras, al entrar ya vemos a la actriz en espera de que todos los espectadores entren, el protocolo de distancia social e higiene se cumple para ser un teatro pequeño, una vez todo listo Agustina Groba nos regala un perfomance explosivo, inocente y tierno, estando en ella la niña y la ilusión.

Las funciones de Suyay son los domingos las 20:30 en el acogedor espacio cultural Moscú en Villa Crespo (Juan Ramírez Velasco 535)

Les escribió Sebastian Arismendi para La Butaca Web.

Crítica: Amor en las montañas

Por: Marie Alvarez

La película comienza como si fuera un cuento, y es que es la trama es similar a la historia de Romeo y Julieta, pero en una campiña irlandesa con familias que se quieren entre ellas y con un final feliz (no estoy spoileando nada, basta con ver el poster).

Los protagonistas son vecinos desde la infancia porque sus familias tienen granjas linderas: Rosemary (Emily Blunt) y Anthony (James Dorman) tienen una relación aparente de apática coexistencia, aunque por supuesto, hay indicios sueltos de que están enamorados el uno del otro. Los padres de ellos, personajes sumamente adorables que aportan comicidad a la historia (Christopher Walken y Dearbhla Molloy), son los acompañantes de nuestros antihéroes. Además, hay un primo que viene desde Estados Unidos (Jon Hamm), que juega un papel importante para acomodar las piezas de este romance.

Lo bueno: sabemos de antemano que es una comedia romántica, con un excelente elenco y unas locaciones divinas. Hay imágenes bellas y momentos actorales de brillo a lo largo de la hora y cuarenta que dura la peli. Además, si seguimos la veta de Emily Blunt como actriz de musicales, no vamos a salir defraudadxs porque, obviamente, hay una escena donde ella canta (por demás emotiva, pero efectiva para la narración). Si nos gusta el género, tiene un ritmo ágil y una buena dirección; cumple su función de emocionar e ilusionarnos por un rato. 

Lo malo: es una comedia romántica… que no tiene nada original, salvo estar localizada en Irlanda. Como espectadora, pienso que podría haber funcionado muy bien hace 20 años atrás; hoy por hoy no aporta nada nuevo y continua mitificando ese tipo de amor “épico” fabricado en Hollywood o en la literatura, hace quién sabe cuántos siglos atrás: relato en el cual dos amantes son unidos por la fuerza imparable del destino (¡¿cuantas historias “épicas” de parejas que se sostienen en el tiempo conocemos en la vida real?!). Por otro lado, en su intento de ser original, el guion tiene unas idas y vueltas extrañas que parecen rebasar la fantasía, pero en fin…

En definitiva, si buscamos una peli de amor (y aceptamos las convenciones del género) para pasar el rato, esta es una opción muy óptima, y podemos aprovechar su estreno el 18 de marzo en el cine online de Cinemark Hoyts.

Calificación: 6/10.

Reseña: Bergman & Liv. Correspondencia Amorosa

Por Sebastián Arismendi

Cartas escandinavas

Para conocedores del séptimo arte, especialmente aquellos que van más allá de Hollywood y se dirigen hacia los directores más influyentes del siglo XX del mundo en general, seguro conocerán a Ingmar Bergman, el director sueco que causó sensaciones y toneladas de premios durante 4 décadas con sus películas. Bergman en 1966 contrata a Liv Ullmann, una joven actriz noruega de teatro para que debute en su película de thriller psicológico Persona, rodada en la isla Fårö, cuando se conocen comenzará entre ellos un romance tan apasionado, que incluso llevandose 20 años de diferencia entre si y con matrimonios ya establecidos, la relación será tan avasallante que a pesar de que la convivencia solo fue por un lustro, Liv fue la eterna musa y confidente de Bergman durante una docena de filmes. De igual modo no hay que ser cinefilo para poder empatizar con la obra que escribe Lázaro Droznes, el cual dramatiza cartas que Bergman y Ullmann se escribieron y da rienda libre a su imaginario para recrear esta maravilla epistolar con la dirección de Leonor Manso y las interpretaciones de Ingrid Pelicori como Liv y Osmar Núñez como Bergman.


Todo este contexto anécdotico de la historia cine que mencioné al principio es narrado por la voz en off de Leonor Manso al principio de la obra, con fotos de los personajes reales, así nos adentramos en la historia.


La escenografía es simple y la luz del escenario no cambia, ambos actores comienzan no una lectura epistolar sino una explosión de sentimientos, reproches, ira y pasiones al momento de dramatizar las mismas, mientras uno escribe el otro a la distancia escucha. Durante el rodaje de una pelicula es común que se formen romances entre actores con sus directores o entre cualquier integrante del equipo, estas historias van más allá de la ficción y quedan para siempre en la historia del cine.


La dirección de actores que da Manso es sencilla pero contundente para que Pelicori y Núñez expresen el contenido de estas cartas y depositen las emociones en el público que también será parte de esta historia de amor que capaz nos parecerá ajena, pero seguramente como espectadores estaremos también en el contenido de esas cartas escandinavas con nuestras propias historias.

Bergman y Liv estará disponible por 6 funciones más los viernes y sábados a las 20:30 en el Centro cultural 25 de mayo en Villa Urquiza (Triunvirato 4444)