La Butaca Web. El sitio de difusión de arte y cultura de Buenos Aires y España Reseñas, noticias, críticas en video y mucho más. Visitanos en www.labutacaweb.com ó en alguna de nuestras plataformas. Contacto labutacawebar@gmail.com
¿Cuántas veces hemos dicho »La vida es una mierd#, trabajo de mierd#, amor de mierd#, gente de mierd#, papis de mierd#? Hoy lo dije unas cinco veces, y es que no todo nos sale bien, más aún cuando nuestras expectativas son cada vez más altas.
»Teresita se encierra en su baño decidida a terminar con su vida. Con un fondo blanco de Procenex se lanza a un viaje místico-gástrico para enfrentar su propia mierda. De la mano de un dúo de soretes cantores transita catárticos números musicales que juegan con lo bizarro y con los clichés más hermosos del teatro musical. Juntos van a tirarle la cadena a esa vida de mierda que Teresita ya no se banca más» Es la sinopsis de esta obra musical creada por Alejandro Ibarra y Chechu Vargas y musicalizada por Matías Ibarra.Un baño con un inodoro gigante, un altar a la virgen de Caacupé, una mujer en crisis y dos »soretes» que se vuelven coach ontológicos de ella.Números musicales de piano de Agustín Konsol que hacen recordar a los cabarets newyorkinos, bailes de tap fusionados con tango y folclore, todo esto con un carismático e incómodo musical sobre la mierd#.
Ya con el nombre de la obra podemos deducir que será sobre la mierd# pero la trama no es una mierd# ni el musical tampoco, el humor escatológico son las bases de este hilarante y simpático musical, que se vuelve imprescindible para desconectar de tanto caos nacional y mundial y poder reir hasta que las mejillas se hinchen. Nahuel Adhami, Mariano Magnífico son los agentes de la digestión que ayudarán a Teresita (Chechu Vargas) a encontrarse consigo misma.Una obra musical rara pero de trama original que agradará a todo aquel que esté dispuesto a divertirse y a olvidar la vida de mierd# que tenemos.
Teresita una vida de mierda está disponible los Domingos a las 18:30 en el Teatro Picadilly (Corrientes 1524). Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
En Mar del Plata, hace 100 años nació el músico que vino a revolucionarlo todo, »El asesino del Tango» le llamaron los remiseros pues rompió con todas las bases del tango estándar, llevando su bandoneón a distintas latitudes, sobre todo Europa y Estados Unidos, donde su »nuevo tango» y su vanguardia marcaron un antes y después, el comienzo de la internacionalización del género porteño. ¿Quién no ha escuchado Libertango?, es capaz la composición más conocida de Astor Piazzolla, en mi país el repertorio de Piazzolla era vital en los cursos de Tango, al ver bailar esta pieza quedamos perplejos, pero El Teatro San Martín lo lleva a otro nivel, involucrando a su Ballet Contemporáneo para interpretar las melodías de Piazzolla.
Un programa integrado por tres obras de Mauricio Wainrot y una coreografía de Ana Itelman. Los integrantes del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín –dirigido por Andrea Chinetti son Constanza Agüero, Brenda Arana, Lucía Bargados, Melisa Buchelli, Carolina Capriati, Flavia Dilorenzo, Fiorella Federico, Paula Ferraris, Daniela López, Silvina Pérez, Eliana Picallo, Andrea Pollini, Eva Prediger, Sol Rourich, Ivana Santaella, Agostina Scarafia, Manuela Suárez Poch, Adriel Ballatore, Darío Calabi, Matías Coria, Matías De Cruz, Lautaro Dolz, Rodrigo Etelechea, Darcio Gonçales, Jonas Grassi, Alejo Herrera, David Millán, Andrés Ortiz, Benjamín Parada, Boris Pereyra, Emiliano Pi Álvarez, Rubén Rodríguez y Damián Saban. Los asistentes coreográficos son Diego
Los tres actos de esta entrega van desde Escualo (dúo de estaciones porteñas), Libertango y Las cuatro Estaciones de Buenos Aires, siendo esta última la más intensa de todas y mi favorita. El Ballet dirigido por Andrea Chinetti nos muestra su fuerza e intensidad durante 60 minutos de sumo deleite, donde la música de Piazzolla esculpe los cuerpos de los bailarines, siendo una experiencia que deja las pupilas dilatadas incluso luego de salir y el tango grabado en tu cabeza por horas. Como dato anecdótico frente de mí estaba una familia conformada por los padres e hijos pequeños, al terminar la función los chicos comentaron sobre el espectáculo »Papá me encantó», es que este homenaje puede agradar incluso a los que poco conocen del género porteño como a quienes lo amen.
Piazolla está disponible los sábados y domingos a las 20 horas hasta el 11 de septiembre en el Teatro San Martín en calle Corrientes. Les escribió Sebastián Arismendi para la Butaca Web.
Cada uno lleva la Fe de maneras distintas; si está en un templo, un libro sagrado o en nosotros mismos es un tema personal, que una religión te encierre solo por la convicción de que te puede salvar del pecado y el infierno, es harina de otro costal. ¿Cuántos hemos perdido la Fe en estos últimos tiempos?,¿Cuántos la hemos recuperado?, más en contexto pandemia dónde parece oscuro y predecible, en algo debemos conectar pues la creencia es la base de la humanidad. Hoy pude ver la obra de Redención, original de Máximo Duem y dirigida por Leonardo Gavriloff, »Una historia de culpa y fe. ¿Hasta dónde serán capaces de reprimir sus deseos para seguir el camino que marca su Señor y encontrar por fin Redención?»
Un grupo de jóvenes envueltos en drogas, sexo y mentiras se ven abrazados por el cristianismo que los »salva» del pecado, en su afán por redimirse y cumplir con la vida que manda el Señor, unos no podrán reprimir lo que realmente son, otros intentarán llevar una máscara y conservar las apariencias aunque en el fondo la hipocresia es el pecado más grande que el querer ser como es sin caretas. Diego Armel, Carla Di Amore, Emmanuel Maximiliano, Agustina Rivarola, Nicole Trasandes, Pablo Ventre y Kevin Vainer; forman parte del elenco de esta obra, talento joven cuyas interpretaciones destacan, hay debutantes dentro del reparto que lo hacen muy bien pero si pudiera destacar dos actuaciones sería la de Diego Armel como el pastor y Carla Di Amore como la esposa engañada.
En Redención se las ingenian en su puesta en escena, mediante palets de madera que van cambiando para asimilar distintas locaciones, esta sencillez creada por el mismo director de la obra la hace única. La trama es algo que ya conocemos: Las religiones no cambian a las personas, crean caretas que a veces son destructivas, hay otros elementos que verán durante la obra que también son lugares comunes, sin embargo la manera de desarrollarlo se hace intensa y bien planteada más allá de lo obvio, siendo una obra que puede incomodar al público conservador y agotar al más progresista, por la que hay verla desde un punto intermedio.
Redención está disponible los viernes a las 20 horas en el Bar de fondo (Julián Álvarez, 1200) Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
Hace un par de años pudimos ver la genial película de Noah Bambauch »Historia de un matrimonio» protagonizada por Scarlet Johansson Adam Driver, como antecedente tenemos a Kramer vs Kramer de Robert Breton (1980) y en otra muestra pero de otra cultura está A separation de Asghar Farhadi (Irán). Todas hablan de lo mismo: El divorcio, cada uno desde un enfoque distinto, pero en El amor es una mierda vemos una mirada muy porteña y realista, El amor es una mierda es un monólogo escrito y dirigido por Cecilia Mejilde y protagonizado por Vanesa Maja, cuya sinopsis nos dice: »Una mujer se prepara para encontrarse con su reciente ex pareja. Ensaya una y mil veces formas para aparentar estar bien y práctica modos para que nada de su dolor salga a la superficie».
Un escenario que se asimila a un estudio jurídico o sala de espera del mismo, una mujer y muchos sentimientos. Vanesa Maja nos da una interpretación plausible dentro del carisma, lo sincero, lo excéntrico y el desamor.
»Pensé que al casarnos sería una forma de estar juntos para siempre», señala una de líneas de Cecilia Mejilde, y es que se tiene un concepto del amor legalizado muy definido, dónde no se piensa en el divorcio ya que este se asocia con el fracaso de la unión conyugal, sin embargo son situaciones que no son imposibles y en algún momento hay que aceptarlas.
El amor es una mierda es un deleite cargado de humor, neurosis y sentimientos dentro de lo que se planea decir durante un momento tan difícil, pues ¿Quien no tiene líneas y escenarios predeterminados ante trámites tan determinantes para la vida?
El amor es una mierda está disponible los viernes a las 20 horas en el teatro El extranjero (Valentín Gómez 3378). Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
La primera vez que salió una película llamada The Purge, nunca habíamos pensado que se convertiría en una saga que lleva cuatro películas y una serie de televisión. Este primer film, sin ser algo espectacular, nos traía una premisa novedosa y bien interesante, que fue la idea de que por un día (o unas horas) el crimen sea totalmente legal. Todo empezó con actores de la talla de Ethan Hawke y Lena Headey, en una película de bajo presupuesto que funcionó tan bien que llegó a tener secuelas que jugaron con la cultura popular, mediante el uso de máscaras y vestuarios propio de halloween. En esta cuarta película se nota que las ideas se agotaron, y quisieron ir más allá de la noche de la purga, el film es correcto, pero se nota que pierde la escencia de lo que este producto era.
En el film vemos que se viene un nuevo día de purga, todo normal, pero resulta que un grupo de personas decidió que esto debe durar más allá de ese día, dejando una purga eterna. Nos da un poco de trama sobre el anarquismo, sobre el racismo, pero todo tratado de una forma superficial un poco estereotipada. Si, hay mucho estereotipo en el tema del racismo entre gringos y mexicanos, llevado a un ambiente dónde existe el asesinato legal. El film lleva un ritmo correcto, con escenas que entretiene, pero con personajes que son poco entrañables. Por un lado tenemos a los extranjeros latinos , que trabajan para sobrevivir con los americanos ricos, que en un principio no hay mucha empatía, pero hacen amistad cuando viene el peligro. Extrañamente parece que da el mensaje de que «Hazte amigo de un mexicano porque quizá algún día te salve la vida». Bueno, quitando eso, hay buenas escenas de acción que arrastra esta nueva anarquía , aunque juega desde lo predecible.
Si hay algo que se extraña es aquello que hacía especial a The Purge, que eran sus vestuarios. Si bien nunca fue galardón de una gran trama, al menos nos traía una forma interesante de ver los asesinatos desde lo visual, cómo el uso de máscaras , vestuarios y formas en las que se llevaba a cabo las muertes. Aquí hay poco de eso, predominan el uso de armas tradicionales, por lo que se vuelve más en un film de acción.
La purga por siempre es una película que trató de ir más allá mostrando el descontrol que un día podía llegar a aparecer con esta premisa, pero la realidad es que pierde su escencia de lo que alguna vez fue. El film es entretenido, aunque resulte bastante olvidable, tanto por sus personajes como por lo predecible de la trama.
Si hay algo que caracteriza a los musicales son las canciones entrañables y sus historias, si bien hablamos de producciones de Hollywood que adaptaron grandes obras de Broadway o viceversa (sin contar las producciones fuera de Estados Unidos), hemos visto al menos cinco documentales en nuestra vida, también hemos soltado lágrimas o risas en alguno de ellos.
A Chorus in Line es un musical de Broadway estrenado en 1975 por James Kirkwood, Jr. y Nicholas Dante, con música de Marvin Hamlisch y letras de Edward Kleban, recibió múltiples galardones en los premios Tony y adaptaciones en otros teatros a nivel mundial, también una película en 1985 dirigida por Richard Attenborough.
En 2019 se estrena la adaptación argentina en el Teatro Astral, dirigida por el gran Ricky Pashkus y adaptada por Fernando Masllorens y Federico Gonzalez Del Pino. Por razones de común conocimiento la obra estuvo suspendida casi todo el 2020 hasta que este año volvió siendo el jueves antepasado su reestreno.
La historia de A chorus in line es la misma a la del musical de Broadway: Un grupo de 12 bailarines audiciona para entrar a un prestigioso musical, pero solo se podrá elegir a la mitad, por lo que cada uno compite, cuenta su historia y da las razones de por la cual bailan.
Jessica Abouchain, Mariana Barcia, Evelyn Basile, Menelik Cambiaso, Juan Martin Delgado, Nicolás Di Pace, Fede Fedele, Mariu Fernandez, Alejandro Ibarra, Martina Loyato, Matias Prieto Peccia, Roberto Peloni, Georgina Tirotta y Sofía Val, son las jóvenes promesas que demuestran su grandiosa habilidad actoral, potentes voces y gran coreografía hecha por Gustavo Wons.
Durante la proyección de A Chorus in Line el público no dejaba de aplaudir durante los números musicales, escuché risas, llanto y sobre todo mucha alegría transmitida por este elenco coral y su desenvolvimiento en escena. A chorus in Line es una excelente decisión para un jueves a la noche. Disponible los Jueves 20 horas en el Teatro Astral (Corrientes 1639)
Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
Dentro de la escena indie, si el título comienza, cualquiera sea, con el logo de Team 17, nuestras expectativas respecto al mismo se incrementarán. Es que el estudio suele tener buenos ojos respecto a las novedades dentro de la industria. Esta vez su discípulo es Astral Pixel, una pequeña desarrolladora barcelonesa que cuenta con una única entrega, la que hoy nos cita. Veamos qué tal está.
La historia comienza en una galaxia, donde emerge la estrella Magnetia, desparramando miles de imanes por todos los planetas. Lamentablemente, este enorme poder llego a oídos de Magsteroid, un asteroide malvado. Sediento de poder, buscará absorber el poder de esta gran estrella y así conquistar el universo. Para evitarlo, nuestro héroe Super Magbot deberá reunir todos los fragmentos estelares y recuperar la paz. ¿Alguien entendió algo? Yo tampoco. Pero la historia es sólo una excusa y en lo que debemos centrarnos es en la jugabilidad.
Nuestro entorno de juego va a ser niveles de una sola pantalla que, debo destacar, están excelentemente diseñados. Pero lo que más destaca dentro del gameplay es que no podemos saltar, algo rarísimo en un título plataformero. Para suplir con esta función, contamos con un arma magnética que, al relacionarse con diferentes superficies, nos permite “algo así” como saltar. Los niveles pueden superarse en entre 5 y 20 segundos, mostrando un marcador con nuestro récord y con algunos fragmentos a modo de coleccionables. Éstos comienzan siendo fáciles, pero a medida que avanzamos pueden volverse un desafío. Vamos a necesitar de la prueba y error, porque es un juego que se presta mucho a la memoria y a los reflejos, más que a la habilidad.
El píxel art no es uno más del montón, sino que cuida cada detalle del entorno y de nuestro protagonista. Le guardo cierto cariño porque me recuerda a Celeste, uno de mis videojuegos favoritos. La banda sonora acompaña de manera correcta, pero no está ni cerca de ser memorable.
Los problemas con Super Magbot comienzan a la hora de juego. Es que… no tiene mucho sentido seguir jugando. A medida que avanzamos en los niveles, los cambios en las mecánicas son pocos o nulos, volviéndose rápidamente repetitivo. Y en un juego que de milagro rasca las 4 horas de duración, eso es un inconveniente digno de mencionar.
Por lo demás, el trabajo hecho por Astral Pixel es correcto. No reinventa la rueda, pero nos ameniza la tardecita o dos que nos llevará completar su título. Lo tenemos disponible en la eShop de Nintendo Switch por 18 dólares.
Miedo a lo desconocido. Es una de las sensaciones más primigenias que tiene el ser humano. Es una mezcla de acongoje y atracción hacia algo que no comprendemos o que se nos escapa de nuestro control. Es por ello que muchos de nosotros (entre los cuales me incluyo) sentimos una pasión (casi enfermiza) por las películas y videojuegos de terror. En este caso he podido disfrutar como un enano del juego desarrollado por Protocol Games (estudio español fundado en 2014) cuya primer título tengo el placer de analizar ha sabido dar con la tecla en muchos aspectos que ahora pasaré a detallar. La historia nos sitúa en en el papel de Daniel (un antiguo ex-alcohólico) que trabaja en una editorial y cuyo jefe le encarga investigar la desaparición del escritor de referencia de la misma (y su familia) en extrañas circunstancias. Esta breve introducción nos permite familiarizarnos con los controles básicos y poder introducirnos en este mundo de pesadillas que nos esperan. Se trata de una aventura que nos permite jugar con una gran variedad de personajes (hasta 16 con diferentes habilidades) a lo largo de cinco capítulos con una longitud muy bien ajustada.
Antes de nada comentaros que existe la opción de muerte permanente (creo que es la mejor opción) que permite que la experiencia sea más inmersiva puesto que si tomamos alguna decisión errónea o si avanzamos sin cautela nos penalizará en el avance aunque también nos obligará a ser más cuidadosos y observadores mejorando la experiencia jugable en su conjunto. Esto se verá incrementado con una excelente IA adaptativa en función del tipo de jugador (si permanecemos quietos mucho tiempo en un determinado punto empezaremos a escuchar ruidos o ver que determinados objetos empiezan a moverse sin razón aparente y en el caso que seamos más impulsivos veremos como nos encontraremos con situaciones que nos exigirán rapidez para salvar nuestra vida). Os comento que en el supuesto que elijamos muerte permanente y todos los personajes jugables corran la misma suerte de fallecer en un mismo capítulo nos tocará repetirlo desde el principio. Dos detalles muy positivos son que no perdemos los ítems que ya teníamos así como el salvado en cualquier punto. Aunque debemos tener en cuenta que disponemos de un número limitado de personajes jugables por fase por lo que debemos tener bien claro la manera de afrontar cada uno de los diferentes retos que se nos plantean.
La mezcla de rutinas de investigación con puzles de dificultad intermedia hacen que nos atrape poco a poco la historia y se nos pase el tiempo volando. Los gráficos son buenos con un nivel de detalle razonable (aunque peca de exceso de grano en algunos puntos) y el apartado sonoro está bien integrado con melodías efectistas que destacan en algunos momentos donde el miedo psicológico nos hará pensar si debemos avanzar o retroceder en busca de más pistas u objetos que nos permitan abrir puertas o combinar objetos. Respecto a los aspectos menos pulidos de este juego destacan el manejo del personaje cuyos movimientos son algo robotizados y en planteamiento de aventura sobre raíles que penaliza a los jugadores más experimentados en esta clase de juego puesto que no permite avanzar siguiendo un árbol de decisiones diferente al planteado por los desarrolladores.
En resumen nos encontramos con un gran juego con muchos detalles positivos que hará las delicias de los amantes del suspense (y de los juegos de terror) obligándonos a meternos de lleno en la boca del lobo para averiguar por qué ha sucedido esos acontecimientos tan misteriosos. Si no tenéis miedo a lo desconocido os recomiendo encarecidamente que juguéis a esta suerte de aventura gráfica con tintes de suspense.
P.D. Os recomiendo jugar por la noche para disfrutar al máximo de este título…
Espero que os haya gustado este análisis y nos vemos pronto en La Butaca Web.
Los juegos cooperativos , aquellos que apuestan por usar esta modalidad como la única posibilidad jugar un videojuego, han tomado relevancia luego de títulos como A Way Out. Este título nos presenta una premisa interesante en la que un jugador debe ser un hacker y el otro un agente de campo en el que juntos deben cumplir misiones de espionaje. Se trata de una aventura que además de ser exclusivamente cooperativa, también lo es en el cooperativo en línea, ya que es la única forma de jugarlo, es una propuesta entretenida, aunque arriesgada.
La premisa es sencilla, un jugador es un agente de campo y el otro un hacker. Mientras uno debe estar detrás de una computadora, el otro debe explorar el campo para ponerle el cuerpo a las misiones, aunque la realidad que ninguno puede avanzar sin el otro. Acá juegas sin ojos sobre lo que pasa al otro lado de la conexión, ya que no hay posibilidad de ver lo que ve tu amigo, tienes que comunicarte permanentemente con el para obtener las pistas para seguir adelante. En ese sentido el juego usa mucho de la comunicación en línea, haciéndola parte del juego, a la hora de dar la mitad de las pistas en cada lado, aunque la realidad algunas no están muy bien medidas. Existen minijuegos como los que debes armar un camino en una cuadrícula, dónde pasan máquinas que borran tu paso, y necesitas de tu amigo para que te diga por dónde ir. Ese es uno de los juegos más difíciles , ya que al no contar con una pantalla partida debes guiarte por lo que dice tu compañero en el chat de voz, y si bien es algo interesante en lo jugable, algunos tramos la dificultad no está bien medida. En líneas generales el título tiene mucha variedad de exploración y misiones, y permite la cooperación real y la posibilidad de invertir los roles al iniciar una nueva sesión de la misma partida.
El juego salió en un principio como parte de los juegos de Playstation Plus exclusivamente en Playstation 5. Nosotros lo hemos probado en una PS4, y si bien en líneas generales el juego se ve muy bien, en algunos tramos podemos notar algunas fallas en el rendimiento, aunque tampoco nada grave, más que algunas pantallas que se relentizan y tiempos de cargas largos. Luego de eso creería que el título tiene una mejor optimización en las consolas de nueva generación, recientemente también salido en Xbox, pero que realmente lo podemos disfrutar en cualquier plataforma. En opinión personal, me gusta más el desarrollo, tanto en jugabilidad como en gráficos, del jugador que encarna al agente de campo, aunque el hacker tiene muchas opciones de juego, en su mayoría va siguiendo el camino de aquel espía que le pone el cuerpo al peligro.
Operation Tango es un juego muy partícular pero también muy entretenido. Primero debes tener a alguien con quién jugar en línea, en el caso de Playstation necesitas una suscripción de PS Plus, eso sí, solo uno debe comprar el juego ya que cuenta con un friend pass . Luego de eso tienes que encontrar a alguien con quién te entiendas muy bien, ya que en ambos roles dependes de la cooperación del otro para poder tener éxito. Yo he tenido un buen compañero de juego, por lo que me la he pasado muy bien con sus ingeniosas misiones y minijuegos, algunos requieren un poco más de pistas y una dificultad más moderada, pero la realidad es que el título es bueno si tienes con quien disfrutarlo.
Pasaron más de 20 años y por fin le llegó el turno de una remasterización al Legend of Mana, que para los que no lo conocieron fue un título para la Playstation 1, en donde se mezclaba la acción en tiempo real combinado con aspectos de JRPG clásicos. Como bien indica su nombre, este título está ligado a la saga Mana, y quizás lo más particular que nos podemos encontrar en él, para diversión de varios y desencanto de muchos, es como se nos presenta la historia del juego. Vayamos juntos a descubrir en este review que es lo más interesante de este remaster.
Como bien ya sabemos a esta altura, hay remasterizaciones que se concentran en ofrecernos mayor resolución en la pantalla y poca cosa más, y otras como en este caso en que vemos un tremendo trabajo. Originalmente tuve la suerte de conocer Legend of Mana en su versión original para la Playstation 1, y tener la oportunidad de jugarlo en una pantalla de alta resolución, adaptada a widescreen y con todos sus escenarios, los cuales fueron dibujados a mano, en un nuevo esplendor de definición, colores y detalles fue como volverlo a jugar por primera vez. Tanto los personajes como todos los enemigos, equipamiento y jefes fueron retrabajados, manteniendo ese distintivo pixel art que hace un contraste genial entre los escenarios y sus movimientos pero con ese aire de frescura visual. La música y los sonidos también fueron remasterizados, con lo cual vamos a estar escuchando unas armonías de alta calidad en el transcurso de nuestras aventuras por el mundo de Fa’Diel. Otras novedades que nos brinda esta versión, son las opciones de guardado rápido de la partida, algo que en el titulo original solo estaba reservado en los Save Points que son unas estatuas, opción para continuar en el último punto de la partida en donde te encontrabas, algo así como un autoguardado pero en esteroides, y también la opción de deshabilitar los combates contra enemigos de zona, una opción un tanto tramposa contra la esencia original del juego pero que se entiende después de 20 años cuando ya enfrentarte contra hordas de enemigos te resulta un poco tedioso si necesitas explorar una zona para continuar el progreso de la historia. Otra novedad que fue incluida de la versión japonesa, es el “minijuego” Ring Ring Land, en donde podremos enviar a nuestros monstruos para obtener ítems especiales y hacer que estos se vuelvan más fuertes. Este minijuego solo estaba en la versión japonesa de la mano de la PocketStation.
Habiendo hablado un poco de lo que este remaster nos trae como novedad, nos toca ahora centrarnos en el juego en sí. Legend of Mana nos sitúa en el mundo de Fa’Diel, en donde tendremos que devolver a la vida el Árbol de Mana, cual fuera reducido a cenizas nueve siglos atrás y todo el Mana esparcido en artefactos los cuales fueron olvidados. Como héroes, en este caso totalmente anónimos, deberemos restaurar el equilibrio del mundo y su mana. Algo notablemente remarcable es la forma totalmente desarticulada en contarnos la historia del juego. La realidad es que si comparamos a otros juegos del genero RPG, donde nos encontramos con historias más lineales, Legend of Mana se desentiende por completo de esto, ya que, la forma en que avanzaremos es progresiva a medida que vayamos terminando con los escenarios que desbloqueemos. Esto puede no gustar a la mayoría de los fanáticos del género, pero no deja de ser una forma interesante, en especial en la época en que salió originalmente. No todos los juegos deben arrojarnos libros de textos para meternos en una historia y que este sea bueno. El progreso en el juego, la evolución de nuestro personaje y las mejoras de sus habilidades y nuevos poderes también van de la mano en la progresión de los nuevos escenarios. El sistema de magias en el juego es particularmente interesante, ya que para conseguir estos poderes vamos a tener que tocar melodías a entidades mágicas, y dependiendo de los gustos musicales de las mismas, podremos obtener o no sus artefactos mágicos.
Lo más destacable de Legend of Mana, además de sus pintorescos escenarios y una banda sonora compuesta por la gran Yoko Shimomura (Street Fighter II, Kingdom Hearts, Final Fantasy XV entre otros) es la jugabilidad y los combates. Los combates son en tiempo real, como buen juego de acción, en los cuales nos vamos a enfrentar a una muy diversa cantidad de enemigos, cada uno con sus propios ataques singulares que nos pueden dejar fuera de combate si no somos del todo cuidadosos. Los movimientos y ataques son relativamente pocos al principio, contando además de nuestros ataques con evasión y el más importante de todos el contrataque, movimientos que nos va a tomar un tiempo dominarlos pero una vez que nos acostumbremos a los patrones de los enemigos y nos desenvolvamos de manera fluida en el campo de batalla van a sentirse muy reconfortantes cuando ejecutemos a nuestros enemigos con éxito, algo que vamos a querer tener muy ensayado contra los jefes, los cuales no solamente cuentan con diseños únicos e increíbles visualmente, sino que además tienen una amplia variedad de ataques y patrones de combate muy singulares. Otro punto destacable del gameplay son los nuestros compañeros de aventura, los cuales iremos desbloqueando a medida que avancemos en el juego pero que pueden ir y venir según les dé la gana, un factor algo azaroso y que puede resultar un poco chocante cuando nos encariñemos con algún simpático personaje y este nos abandone de un momento a otro. Algo que si nos consta completamente a nosotros es la captura, crianza y entrenamiento de monstruos compañeros. La primera vez que jugué Legend of Mana estaba muy atado con Pokemon, y que un juego de Squaresoft tuviera esta posibilidad fue como comer helado por primera vez. El sistema si bien simple, es muy entretenido, ya que tendremos que capturar a nuestro monstruo de manera sigilosa y con cierta habilidad, luego lo trasladaremos a nuestro rancho y de ahí deberemos criarlo. Como complemento se suma el ya mencionado Ring Ring Land, en donde usaremos a nuestros capturados compañeros para hacerlos más poderosos y que nos consigan objetos extras.
Además de todo lo mencionado anteriormente, el juego nos ofrece un libro de arte donde podremos visualizar los diseños conceptuales del juego y esta traducido en un total de 8 idiomas. Legend of Mana es una de las propuestas de RPG mas particulares hasta el día de la fecha dentro del género, que puede resultarle algo chocante a los más puristas, pero que realmente vale la pena jugarlo y disfrutar de todas las bondades que nos ofrece. El trabajo de remasterización de M2 en este título es simplemente excelente, y se agradece enormemente el esfuerzo que Square Enix está realizando para traernos estos tremendos títulos a nuestras consolas modernas con una calidad realmente única y que mejora con cada entrega. Se hace un especial agradecimiento a Square Enix por brindarnos este código de revisión y otro por haber tenido la posibilidad de traerme tan gratos recuerdos de la infancia al volver a jugar esta joya que no puede pasar desapercibida.
La Butaca Web 