Crítica de cine: Marea humana

Mañana se estrena en los cines del país el colosal documental Marea Humana (Human Flow) del aclamado artista plástico Ai Weiwei, que nos ofrece su visión poética y sincera de los refugiados en la actualidad. Tras filmar en 22 regiones del mundo, nos invita a conocer cuáles son las ciudades que se convirtieron en blanco de misiles, cómo sucede el desplazamiento masivo de quienes buscan amparo de la guerra y cuáles son las fronteras que permanecen cerradas para ellos. ¿Podemos llegar a imaginar cómo es quedar varado tras el alambre de púas, armar campamento y esperar durante meses la ayuda de los organismos internacionales, sin la certeza de si se presentará?

Oriente, esa parte del planeta que hoy en día más nos duele, es a la que el cineasta nos desea aproximar para que conozcamos a su gente. A pesar de la cruda realidad a la que las familias inmigrantes se somenten y a las zonas inhóspitas que la película pretende dar a conocer, carece de golpes bajos. En cambio, nos deslumbra con la belleza indescriptible de los paisajes y la identificación que podemos experimentar con esos hombres y sus preocupaciones, aún en medio de la profunda crisis del humanismo en la que estamos inmersos.

En las montañas de la región turca, un anciano y su esposa hablan a cámara sentados entre los yuyos. Él no puede meter bocadillo, lo intenta pero ella no lo deja; su verborragia se lo impide. Expresa con velocidad y hondo dolor lo que pasó en la ciudad y cómo la guerra afectó a toda la sociedad. Explica que hay quienes, como ellos, se quedan a vivir entre los escombros. Otros embarcan al mar, sin la certeza de si será su medio de escape o su tumba, provocando el oleaje humano que desemboca en las hostiles costas vecinas.

Mientras tanto, en tierra firme, los diferentes tipos de campamentos y asentamientos de refugiados se expanden y varían en volumen, antigüedad y cimientos. También, nos asombra conocer aquellas zonas que se encuentran bloqueadas e impiden una necesaria inmigración, como Gaza, hogar de un grupo de mujeres jóvenes y agradables que hablan acerca de cuáles son sus sueños y explican cómo viven en esa prisión, como llaman a su país.

Desde noviembre hasta finales de febrero de 2017, Weiwei exhibirá en Fundación Proa (de Buenos Aires, barrio de La Boca) algunas de sus célebres obras, entre ellas, una adaptación local de Semillas de girasol. Se trata de cien millones de semillas de girasoles, cada una de ellas realizadas en porcelana y pintadas a mano por miles de artesanos. Aparentemente idénticas, pero únicas cada una, las semillas funcionan como una alusión al consumo masivo y a la producción industrial que caracteriza China, su país. La misma lógica mercantilista parece ser blanco de sus críticas en la película, que descarta a los seres humanos por su condición de refugiados y, por lo tanto, improductivos. En este punto, el documental explicita muy bien cómo el humanismo está en crisis en la actualidad y deja en evidencia las consecuencias que supone que los gobiernos sean inmunes al dolor de sus vecinos.

Marea Humana tiene una duración de 140 minutos y participará de la sección Panorama del 32° Festival del Mar del Plata 2017 (17 al 26 de noviembre). Debido a su extensión y a algunas fallas en el montaje que hacen que sea ardua de sostener hasta el final.

Vale la pena ir a verla al cine con un anotador y una lapicera en mano para tomar registro de los datos y los fragmentos literarios que el documental proporciona.

Calificación 8/10

Lara Salinas

DATOS PELÍCULA

Título original: Human Flow
Dirección: Ai Weiwei
Origen: Alemania . USA
Idioma: inglés – subtitulado castellano
Duración: 140 min
Guión: Boris Cheshirkov, Tim Finch, Chin-Chin Yap
Fotografía: Zanbo Zhang, Xie Zhenwei
Montaje: Nils Pagh Andersen
Productora: 24 Media Production Company/
AC Films / Ai Weiwei Studio
Fecha de estreno: 23/11/2017
Distribuidora: LAT-E
2017: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes a concurso

Reseña: Los Huesos, de Leticia Mazur

Una luz como eje central y cinco entidades despojadas de todo, solamente sus anatomías, sus huesos transmitiendo sin diálogo mensajes a ser captados por el publico.

Huesos sin fisuras.

La dirección es de Leticia Mazur, y está interpretado por Lucas Cánepa, Ana D´orta, María Kuhmichel, Valeria Licciardi, Gianluca Zonzini. La bailarina María Kuhmichel pertenece al Grupo G5, también en estos días, está haciendo otra obra danza teatro que se encuentra en cartelera con un estilo parecido.

En la gacetilla del espectáculo buscaba el nombre del autor y menciona a Fernando Alarcón y Manuel Hermelo con el rol de acompañantes del pensamiento. Me parece muy acertada la definición porque la obra a partir de una gran luz en escena, que podría ser interpretada como el sol y esas entidades alrededor interactuan.

La obra se centra en un mundo de sensaciones representadas en el movimiento tales como miedo, aproximaciones, acercamientos, acompañado con la música de fondo de Patricio Lisandro Ortiz, y de golpe el silencio pero el movimiento como un péndulo que nunca para.

La obra promueve la libre expresión de los personajes, la precisión en los movimientos, la sincronización entre ellos. La puesta en escena es muy buena, pero mientras la iba viendo y pensaba en la crónica que debía realizar, no podía evitar pensar todos los que estábamos en platea cuan similar y cuan distinto estaríamos elaborando las secuencias de imágenes en nuestra mente a partir de lo que capta la retina y escuchamos en nuestros oídos.

La realización es en el teatro EL GALPÓN DE GUEVARA los días martes a las 21. Sus protagonistas tendrán por misión llegar hasta el hueso de la historia descubriendo y reinventándose alrededor de esa la luz principal que les dará un sentido a sus vidas.

LEIDENSCHAFT = Pasión, Fervor

Danza teatro, a través del movimiento, sugiere imágenes y situaciones. El público acompaña a la mutación que van sufriendo los personajes en el tiempo y espacio persiguiendo la libertad como manera de expresión.

El título de la obra LEIDENSCHAFT (lai:den:shaft), es una palabra proveniente de la lengua alemana que fue acuñada en el siglo XVII para expresar “Las pasiones del Alma”. Hoy esta palabra implica también un “entusiasmo desmesurado”, un “desenfreno”, y abarca tanto al amor como al odio y no necesariamente se aplica a una relación de pareja sino a toda relación que esté sujeta a un objeto de deseo que perturbe los sentidos.

El Grupo G5 son tres bailarines/actores y dos actrices/bailarinas encargados con su físico de transmitir al público emociones y mantener un diálogo inusual: el sentimiento a través del movimiento. El texto físico es interpretado por Flor Alonso, María Kuhmichel, Federico Luna, Sergio Villalba y Lucas Flores

El despliegue en escena es excelente, la coordinación de los bailarines, la fuerza de las escenas, la iluminación con que se nutre la coreografía, el uso escaso de diálogo en palabras pero exacto para entender las situaciones. Con una banda sonora y musicalización en vivo de Roberto Galván ajustada en forma precisa como una pieza de reloj donde todo funciona perfectamente y en armonía.

La idea y dirección también es de Galván y está Inspirada en `Cuentos de Amor de Locura y de Muerte` de Horacio Quiroga. Transcribiendo sus propias palabras “Cuentos de Amor de Locura y de Muerte se asociaron a mi inconsciente para elaborar una obra que amalgama los dos mundos que me hablan, el alemán y el argentino”.

La obra mediante movimientos de danza contemporánea o perfomáticos, valiéndose de un excelente vestuario y escenografía, donde libremente vuelan sentimientos tales como amor, violencia , donde se manifiesta el desprecio por la mujer, la pelea entre machos cabríos y en contraposición a escenas eróticas.

Esta obra se presenta todos los domingos en el ELKAFKA ESPACIO TEATRAL LAMBARÉ 866, a las 21 hs. Donde bailarines demuestran las otras formas existentes de expresión sin necesidad de la palabra y como se puede recitar poesía a partir de como vibren en escena los cuerpos físicos.

Ficha técnica:

Idea y dirección: Roberto Galván

Texto físico: Florencia Alonso, María Kuhmichel, Federico Luna, Sergio Villalba y Lucas Flores

Diseño de Iluminación: Pehuen Stordeur

Vestuario: Grupo G5 y Roberto Galván

Banda sonora y musicalización en vivo: Roberto Galván

Voz en off y textos originales: Roberto Galván

Espacio escénico: GM Villa Elisa

Vestuario y accesorios: Grupo G5 y Roberto Galván

Fotografía: Lili Okretich / Evelina Gallarato

Funciones:

Domingo 29/10 a las 21hs. y domingos 5, 12 y 19/11 a las 21 hs

Precio de la entrada: $250.-

Desc. Estudiantes y Jubilados: $180.-

http://www.alternativateatral.com

ELKAFKA, Espacio teatral.

Lambaré 866 – CABA- (54-11) 4862.5439

Elkafka@gmail.com / http//elkafkaespacioteatral.blogspot.com

Diana Decunto

Reseña: La furia del volcán

En su segunda temporada teatral “La Furia del Volcán” escrita por Gerardo Grillea y Marina Munilla logran traer a escena una Ingrid Bergman en una faceta diferente de la actriz ganadora al Oscar en Hollywood, por Juana de Arco.

Un volcán en erupción y sus cenizas

La historia transcurre en la década del 1950. Relata la vida de una actriz famosa, de origen sueco, en el cenit de la fama, casada y con una hija, que decide dejarlo todo para juntarse con el director de cine italiano Roberto Rossellini. El nombre de la obra justamente se debe porque Rosellini e Ingrid filmaron en isla de Stromboli, y justo el volcán entró en erupción durante el rodaje.

La actriz Marina Munilla ha sido nominada en los ACE 2017 como revelación femenina. Marina encarna el personaje de Ingrid Bergman, contando los pormenores sobre los sufrimientos padecidos por su separación y el escándalo que levantó en la sociedad norteamericana al extremo de haber sido declarada persona no grata en EEUU, lo que la obligó a radicarse en Italia. Las acusaciones de mujer adúltera la llevaron a la lucha por la tenencia de su hija.

También la obra narra los vaivenes sentimentales de Ingrid Bergman junto a Rosellini y la ruptura de la relación en 1957 cuando terminan separándose.

La ambientación es la adecuada a la época, el vestuario es excelente, la dirección de Gerardo Grillea ha logrado una obra intensa de una trama consistente con un cuerpo actoral sólido de la protagonista y de todos quienes la acompañan.

Una obra que se vale de herramientas digitales para traer imágenes reales de la actriz que para aquellos que no la conocen permite dar una visión más acabada de la historia y para quienes la hemos vista una y otra vez en Casa Blanca, con esa mirada tan particular, que cautivo a Hitcock, nos iremos del teatro envueltos en esa magia de cine de oro hollywoodense, habiendo conocido el detrás de cámara, sobre los padecimientos de una mujer que fue una defensora de sus derechos en una época donde cruzar la línea se pagaba con un costo muy alto.

Temporada 2017

Sábados 20 hs

Teatro No Avestruz.

Dirección: Humboldt 1857. Palermo

Reservas al: 4777 6956 – reservas@noavestruz.com.ar

Reservas y compra online: www.noavestruz.com.ar/reservas

Localidades: $190 General y $160 est. y jub

Facebook: www.facebook.com/lafuriadelvolcan

Twitter:@furiadelvolcan

Ficha artístico técnica:
Elenco: (Por orden de aparición)

Marina Munilla / Patricia Giovetti / Roberto Mauri / Gabriela Granda / Mariano Gómez Kotiuk / Matias Rodríguez Davila / Azul Badino Buono / Rubén Otero / Mirella Calentino.

Escenografía: Claudio Hanczyc / Voz en off: Pablo Gandolfo / Maquillaje: Adriana Alamos / Edición de videos: Álvaro Martínez Rota / Animación y diseño gráfico: Bruno Ravaglia / Fotografía: Valentina Gómez Kempel / Prensa & Difusión: Simkin & Franco / Asistente de Dirección: Yamille Martínez / Dramaturgia: Marina Munilla – Gerardo Grillea / Dirección: Gerardo Grillea

Diana Decunto

Teatro: Crisis, de Flor Berthold

Pocas horas para la muerte de un padre provocan tormentas donde los personajes navegan en un mar encrespado de «crisis» y demuestren como navegar para alejarse de la tormenta.

El fallecimiento del padre de Omar es inminente. Ana, es su pareja. Ambos han viajado para que Omar pueda tener la oportunidad de visitar y despedirse de su padre.

En la tranquilidad de ese lugar, aflora «la crisis» de pareja. A esa crisis, se suma la de Omar con su hermano Davi porque se echan culpas mutuas y en realidad ninguno de los dos puede afrontar la muerte de su padre.

Por otro lado, se muestran sentimientos confundidos o no, entre la cuñada Ana y Davi.

Lucia, una hija adolescente de Omar con su ex, Marcia. La trama cuenta como Lucia estaba alejada de su padre por un hecho turbio del pasado aparentemente inventado por Marcia y a esa crisis agregamos la crisis de una madre, Marcia, obsesivamente controladora sobre su hija.

La escritora Flor Berthold va regando estas semillas de crisis en la obra, en algunos casos de a poco y en otros como una enredadera se desborda.

Santiago Fondevila es el actor que encarna al personaje de Omar muestra como se hunde y emerge del momento de crisis, en una interpretación muy creíble.

Lo acompaña en el personaje de Ana, la actriz Florencia Benitez, quien en la ficciòn trata de insinuar un rol de moderaciòn ante la crisis y termina desbarrancando, en una excelente interpretación.

Guillermo Berthold es el actor que hace de Davi, ese hermano que enfrenta todo el tiempo a Omar, resaltando todo el tiempo lo negativo que ve de èl. Es un papel muy creible

Bianca Brandimarte interpreta el persona adolescente, en un papel difícil, en donde encarna el personaje que debe tratar de navegar en un mundo de adultos donde ella es vulnerable con un entorno que intenta protegerla y a su vez la lastima.

Y por último, Cecilia Bassano encarna a Marcia, la ex. Marcia se encuentra en un congreso y vía Skype se comunica con su hija Lucia. Es muy interesante la propuesta porque de alguna manera deja abierta la brecha para discutir sobre la crisis comunicacional entre las personas y si ahondamos en el tema sobre el dialogo en el seno familiar.

Recomendamos esta obra donde las crisis son excelentes muestras de desafío teatral. La directora Flor Berthold le ha querido imprimir una marca propia de dinamismo a la obra, lograndolo. Donde las crisis no son lacrimogenas sino mechadas de humor, se caen y se rearman, las hay de todos los gustos,, dulces y saladas. Donde el mensaje final si se quiere es que mientras exista el amor, esas crisis pueden ser oportunidades para reafirmar los vínculos afectivos.

El nombre del teatro El grito se encuentra en Costa Rica 5459 en Palermo, saliendo del circulo tradicional de teatros y con una casa hermosamente ambientada con esculturas, cuadros en un formato antiguo, logrando en el espectador que una noche de teatro, en esta primavera, se torne en una salida de placer para el alma y los sentidos.

Ficha Técnica:

Estreno: viernes 13 de octubre

Funciones: viernes, 22:30 hs. (hasta el 15 de diciembre)
El viernes 27/10 no habrá función.

Lugar: Teatro El Grito (Costa Rica 5459, CABA)

Entrada: $200 | Descuento jubilados y estudiantes: $160

Reservas: 4989-2620 | Alternativateatral

Duración: 60 min.

Ficha técnica

Elenco:

Santiago Fondevila – Omar, el papá
Florencia Benítez – Ana, su mujer
Guillermo Berthold – Davi, su hermano
Bianca Brandimarte – Lucía, su hija
Cecilia Bassano – Marcia, su ex
Diseño de escenografía: Magali Acha
Diseño de vestuario: Facundo Veiras
Diseño de iluminación: Patricio Pérez
Asistente de escenografía: Vanessa Giraldo
Realización de escenografía: Realizaciones Bravas
Fotografía y diseño gráfico: Queli Berthold
Edición de sonido: Emilio Zinerón
Asesoramiento técnico: Rocco Brandimarte

Prensa: OCTAVIA Comunicación
Asistente de dirección: Emilio Zinerón
Dramaturgia y Dirección: Flor Berthold

Diana Decunto

1975, de Sandra Massera.

La obra narra las penurias por las que pasa una familia en Uruguay que espera el regreso del hermano de la protagonista quien ha viajado a Buenos Aires y nunca más se supo nada.

La autora Sandra Massera en 1975 relata las cartas entre la abuela y la protagonista. Las cartas se cruzan entre las ciudades de Buenos Aires y Montevideo. Quienes compartes esas misivas son la abuela de la protagonista quien vive en Buenos Aires y ella. Estas cartas leídas en voz alta al público son las que permiten armar el rompecabezas de un hermano mayor, el cual suponemos se exilió a Buenos Aires y luego se produce su desaparición física. Nunca su imagen sale de escena, acompaña a la protagonista, en los diferentes momentos de su vida.

El drama esta interpretado por Silvina Franc quien estudiò con Carlos Gandolfo, María Ester Fernández, David Amitin y Julio Chávez.

En la obra todo resulta sutil a medida que la historia avanza, el público acompaña comprendiendo , cada vez más, lo sucedido. Esa tangencialidad al momento histórico vivido, sobre todo para aquellos que la conocimos en carne propia, le da más fuerza, porque logra despojar al drama del mensaje político para dar mayor intensidad al sufrimiento de una familia. En consecuencia, la visión resulta ser mucho más humana que política y éso hace que redoble la apuesta para aquellos que no quieren renunciar a soslayar el marco política que encierra la obra.

La representación teatral se realiza en el Teatro La Comedia, los días domingos a las 18 hs. Quedan pocas funciones para su retiro de cartelera. Está dirigida por Elba Degrossi quien logra captar al público desde el inicio, gracias a un excelente guión teatral acompañado por un duro y muy sentido monologo de Silvina. No decae, en ningún momento, tampoco incurre en un exceso de drama que la torne pesada, el velo se va descubriendo gradualmente. Se mecha con la alegría de vida de una adolescente, quien es feliz junto a su padres, hermano y su novio. Contará como la vida continua, a pesar de todo, haciendo referencia a su amor de adolescente, su casamiento y sus hijos. Con un persona quien va adquiriendo una madurez, porque comienza no comprendiendo nada de lo ocurrido, intuye que ha sucedido lo peor pero ninguno de su familia, nunca ha tenido el coraje para sincerar la situación.

Esta pieza teatral ha recibido premios que avalan lo que decimos: en 2015 el PREMIO FLORENCIO de la Crítica a mejor texto de autor nacional, Mención CONVOCATORIA “SOLOS EN EL ESCENARIO” Escenario III del Centro Cultural de España en Montevideo-3-4-y 5 Marzo 2017 elegida para ser representada en el Ciclo Ellas en la Delmira-Teatro Solís de Montevideo (Uruguay) y Trabajos académicos en Congresos Internacionales en Uruguay e Italia.

La invitación queda abierta a compartir el publico las cartas de una adolescente con su abuela acompañándola por un tortuoso camino cubierto de vergüenzas para encontrarse al final con una triste verdad.

Ficha artístico técnica:

Unipersonal de: Sandra Massera / Actriz: Silvia Franc.

Escenografía, vestuario y luces: Pablo Graziano / Asesoramiento corporal: Cristina Soloaga / Video: Javier Vasser / Prensa y Difusión: Simkin & Franco / Asistencia de dirección: María Agustina Silvestrini / Dirección: Elba Degrossi

Funciones: domingos 18 hs

Entradas: $250-2×1 La Nacion-Plateanet

Teatro: La Comedia

Dirección: Rodríguez Peña 1062

Informes: 5236- 3000

Reservas: plateanet

Diana Decunto

Reseña: Brochero, de Joaquin Stringa

Este musical cubrió cuatro sábados de octubre en su tercer temporada estando Mariano Taccagni nominado al mejor actor musical OFF (Premios Hugo al teatro Musical 2017) y Ariel Juin a Mejor Coreografía (Premios ACE 2017).

Es una obra, apta para toda la familia, escrita por Joaquin Stringa, quien también actúa en el rol de Manuel, un joven periodista algo engreído que llega a Villa del Tránsito, una zona perdida en Traslasierra ( Córdoba), quien dice “Querer contar la historia que nadie conoce del Cura Brochero”.

Éste es el puntapié inicial, para desarrollar una historia que se vale del recurso de la comedia musical, amalgamándose música original de Maxi Larghi, Hernán Matorra con una precisa coreografía de Ariel Juin, junto a una escenografía apropiada para ponernos en situación y un coro potente logrando en conjunto un producto autóctono de mucha belleza y ternura.

Mariano Taccagni hace del Cura Brochero, un actor altamente compenetrado con su personaje, tanto como Joaquin Stringa. El Cura Brochero se divierte junto al público evadiendo las preguntas del periodista cuando lo interroga sobre su fama de curar el alma a asesinos y ladrones.

La dirección es de Ricardo Bangueses quien logró poner once actores en escena, lo cual estamos poco acostumbrados a ver en Buenos Aires. Tiene el toque femenino de Florencia Fernández, Ángeles Rossi quienes se han ocupado de la dirección artística de la obra.

Tuve la oportunidad de presenciar la última función de despedida de este año. Fue muy emocionante, es un elenco con integrantes muy jóvenes. Mariano Taccagni contó cuando el elenco viajó a Villa del Cura Brochero a conocer el lugar y eso les abrió nuevas puertas para transmitir con mayor sentimiento el mensaje de la obra.

Deseamos que este género se repita. Esperamos que la compañía vuelvan el año que viene. En medio de los aplausos fluyó la calidez humana de todo el elenco. El espectador disfrutó mucho de ese final porque se puso en evidencia, mientras aplaudíamos, la empatía del elenco, el orgullo y felicidad con que realizan la obra.

El público disfrutó de una historia que llega al corazón y seguramente a muchos de nosotros le despertó el bichito de la curiosidad sobre ¿quién fue el Cura Brochero?

Dramaturgia: Joaquín Stringa

Música Original: Maxi Larghi y Hernán Matorra

ELENCO: Mariano Taccagni – Joaquin Stringa – Nico Leguizamon – Matias Ignacio Acosta – Marina Gaud Arena – Leandro Anríquez – Natalia Mouras – Luciana Sapia – Franco Zamorano – Vero Pacenza

Músicos: Gastón Matorra / Guitarra – Eze Quinteiro / Percusión

Coreografías: Ariel Juin

Asistencia de Dirección: Deby Tescione

Producción Ejecutiva: Germán Martins

Diseño Gráfico: Emiliano Páez

Fotografía Puli Bechech y Fiorella Romay

Prensa: Belen Badia

Dirección General Ricardo Bangueses

Diana Decunto

Crítica: Coronado de gloria

Historias cruzadas sobre la letra y música del himno nacional argentino.

Esta obra de teatro gira alrededor de dos personajes reales de la historia argentina: Vicente López y Planes, autor de la letra del Himno Nacional Argentino y Blas Parera, célebre por ser el autor musical.


La obra de teatro de Mariano Cossa nos lleva a reflexionar sobre cuanto ignoramos de la historia argentina y percatarnos de cuanto nos fue ocultado por el sistema educativo.

La historia comienza contando sobre Blas Parera quien en realidad se llamaba Blas Perera Morat de origen catalán nacido en Murcia. Quien por el momento político y económico que atravesaba nuestro país decide regresar a España dejando atrás en el recuerdo el haber sido el compositor que puso a disposición su arte para crear la música del Himno Nacional Argentino.

Los personajes encarnados por los actores Juan Manuel Correa (Blas Parera) y secundados por los actores Jorge García Marino, Marcelo Serre y Miguel Sorrentino logran en el público un muy alto grado de credibilidad.

Es una obra donde afloran pasiones y miedos de los protagonistas, no hay que olvidar el contexto complicado en que vivió el país en la época de la Asamblea General Constituyente de 1813.

La dirección teatral de Daniel Marcove ha logrado llevar la obra teatral a una sintonía especial usando como marco la música y la letra del Himno Nacional Argentino.

Es interesante el planteo del personaje de Blas Parera acerca de su creación. Sus discusiones y enfrentamientos con Vicente López y Planes quien se había propuesto crear un himno cantado a lo largo y a lo ancho de las Provincias Unidas del Río de la Plata a ser usado en el campo de batalla como el arma más letal para combatir al realista y enfervorizar al criollo.

Además de los excelentes diálogos entre Blas y Vicente Lopez contando con magníficas interpretaciones, asimismo, hay dos personajes más en la obra, con excelente calidad actoral quienes se cruzan en la vida de Blas para atemperar la presión existente en el entorno permitiendo que el protagonista holgadamente entre y salga del conflicto, presionando para que el personaje principal reniegue de su identidad y de sus actos.

No se la pierdan. Podrán conocer el desenlance sobre Blas Parera o mejor dicho Blas Perera Morat, si puede o no, regresar a su tierra natal en España.

Ficha artístico técnica:

Elenco: Jorge García Marino, Juan Manuel Correa, Marcelo Serre y Miguel Sorrentino.

Músico en escena: Mariano Cossa y Christian de Miguel

Escenografía y vestuario: Paula Molina/ Diseño de luces: Miguel Morales/ Fotografía: Gianni Mestichelli/ Diseño Gráfico: EN diseño/ Prensa y difusión: Simkin y Franco/Producción Ejecutiva: Pablo Silva /Producción Asociada: Claudio Meilan / Asistencia de dirección: Christian De Miguel /

Dirección: Daniel Marcove

Funciones: jueves 20 hs

Teatro: Del Pueblo

Dirección: Av Roque Saenz Peña 943

Entradas: $200 Entrada General. $170 Estudiantes y Jubilados

Informes: 4326-3606

Diana Decunto

Alfonsina, un «Alma desnuda» a puro «Dolor»

Alfonsina Storni, una mujer guerrera, recitando sus poemas, reivindicando los derechos igualitarios de la mujer, defendiendo su posición de madre soltera.

Desde el lunes 11 de setiembre y por ocho funciones, una de las salas del Teatro La Comedia, ambientada como una habitación escritorio, cierra sus puertas, el público frente a un piano, velas encendidas, luz tenue, un espejo contra la pared, siendo testigo mudo de la escena y el silencio. Hasta que irrumpe, ella: la actriz Guadalupe Berrino, encarnando una de las mujeres más polémicas de Buenos Aires, de las primeras décadas del siglo XX, la escritora Alfonsina Storni, haciendo honor al título de la obra: una mujer libre.

Alfonsina, irrumpe en esa sala para que podamos conocer sus ideas, sus secretos más íntimos, algunos confesados a ese público, que en muchos casos, tal vez, sea la primera vez que toman contacto con esta escritora.

Esta obra ganó Premio Estrella de Mar dentro del género unipersonal. Muy meritorio por ser la primera vez que la categoría de Mejor Unipersonal tuvo una mención.

El libro y dirección es de María Esther Fernández quién logro ensamblar fragmentos de la obra literaria de Alfonsina Storni con reportajes, conferencias, notas periodísticas. Amalgamó el pensamiento de esta mujer, sus obras de teatro, poesías, su lucha, su doctrina, un trabajo no menor y la condensó en 60 minutos.

La actriz Guadalupe Berrino luciendo un vestuario de Natalia Mendez Huergo adecuado para la ocasion, despierta el espíritu de Alfonsina relatando sus apremios económicos sufridos durante su infancia, su vida en San Juan, su viaje a Rosario. Alfonsina traerá al Teatro La Comedia, su discurso «Una charlilla apurada», pronunciada en 1938, en Montevideo, donde cuenta como desde niña sentía su inclinación por los libros. “a los nueve, diez, miento desaforadamente”. “A los doce escribo por primera vez, hablo de los cementerios y de mi propia muerte…Desde entonces los bolsillos de mi delantal, los corpiñitos de mis enaguas, están llenos de papeluchos borroneados como migas de pan”

Alfonsina recitará el fragmentos de Hombre pequeñito que jaula me das. Digo pequeñito porque no me entiendes, ni me entenderás..”. pasando inevitablemente por La Loba: “Yo tengo un hijo fruto del amor, de amor sin ley, Que no pude ser como las otras, casta de buey”. Donde le da pie a contar las humillaciones a las cuales fue sometida por ser una madre soltera, por tener que enarbolar la bandera de lucha ante una sociedad, que discriminaba a un hijo natural de uno, legítimo.

Relata sus estudios de maestra, habla sutilmente de su enfermedad, de esa atracción fatal hacia el mar. Su soledad, de los derechos del sufragio de la mujer.

Y así transcurre esa hora, donde podemos gracias a la dirección y la actuación de estas dos mujeres, retratar la vida de otra mujer, de otro tiempo, en otro espacio, revalorando a Alfonsina, capaz de combatir con la pluma, muy joven, padeciendo una enfermedad muy femenina , internándose en el mar, al que tanto le había escrito, en Mar del Plata en la escollera del Club Argentino de Mujeres un 25 de octubre de 1938 a los 46 años. Se apagan las velas, se encienden las luces, se escuchan los aplausos…..

Funciones: Lunes a las 20:30 hs.

Teatro La Comedia. Rodríguez Peña 1062. Tel: 4815-5665. CABA

Entradas: $250

Club La Nación 2X1

Planeanet www.plateanet.com

Duración: 60 minutos

FICHA TECNICA:

Textos: Alfonsina Storni
Vestuario: Natalia Mendez Huergo
Diseño de luces y sonido: Juan Elías Ranieri
Música: Mariano Cossa
Fotografía: Gianni Mesticcelli
Diseño gráfico: Javier Alemanno
Asistencia de dirección: Omar Esteban Morón

Dirección: María Esther Fernández

Prensa: Natalia Bocca

Diana Decunto

El circuito escalera, una novela que no da puntada sin hilo.

«El circuito escalera» de «Javier Daulte» es una novela dinámica, actual donde se plantean las relaciones de padres a hijos, las familias ensambladas condimentadas con la vida personal de un director exitoso de teatro y TV.

El autor: Javier Daulte, es la primera novela que escribe y promete mucho más para las próximas porque su debut como novelista es excelente.

Javier Daulte es dramaturgo, guionista y director de teatro. En su novela hay impresas las huellas del guionista, cortando los capítulos en algún momento culmine del conflicto y capítulos más adelante retomando donde había dejado. Esta forma de narrar a la novela le da un estilo muy personal de escritura, enriqueciéndola, logrando en el lector quedar atrapado con la historia desde el primer capítulo y con deseos de llegar al final para saber cómo cierra la trama.

El personaje principal de la novela es Walter Ponce un famoso director de teatro y TV, de cuarenta y cuatro años, con un hijo adolescente, divorciado de su primera mujer: Marina.

Walter sufre una crisis con dudas existenciales, bajo psicoanálisis, y replanteándose el mundo en el que vive. El personal y el laboral. Dejándose llevar por el vertiginoso ritmo de la vida, aprendiendo a educar a un hijo adolescente.

Un entorno que tampoco permanece estático, el cual también hecha leña al fuego a la historia, porque los personajes que se interrelacionan con Walter, tienen varios capítulos, donde cada personaje se transforma en el protagonista principal teniendo su propia historia paralela a la de Walter, sufriendo cada personaje sus propias crisis personales, vicisitudes y formando parte del circuito escalera.

Es muy interesante el análisis que hace sobre “el arte de engañar” referido al fenómeno del cine, la TV y el Teatro, en cuanto a un público haciendo taquillas ante una ficción. Resalta el grado de aceptación o no, que hoy tienen en el público, las ficciones que nos ofrecen los diferentes medios audiovisuales.

La relación padre – hijo está contada desde el punto de vista de cada uno. Relatada minuciosamente con un corte intimista. Los miedos de Walter como padre. Un padre “presente” que ama a su hijo Martín. Un hijo adolescente, el cual tiene un amor reciproco hacia su padre pero ambos se sienten incomprendidos. Es excelente el planteo sobre la incomunicación entre ambos, como intentan y se esfuerzan por querer mantener un diálogo y la frustración que sienten cuando no logran cada uno de ellos desde su rol, llegar al otro.

Es muy interesante avanzar en la lectura y apreciar como esa relación va cambiando a medida que Martín va transformándose en un adulto. La novela narra esa evolución de Martín y el crecimiento de sus padres: Walter y Marina, basado en comprender que Martín ha dejado de ser un niño.

El ámbito laboral de Walter, sus amigos reales y sus vínculos por compromiso, las zancadillas que presenta el medio, la banalidad los abarca de una manera natural. Resulta interesante descubrir un mundo de ficción que habla sobre algunos estilos de vida de la farándula que hacen también al marco de la obra.

Walter sufre crisis matrimoniales, Marina su primer esposa, Cristina es la segunda mujer. Muestra como los personajes se acomodan a vivir en el formato de familias ensambladas. En el fondo,l Walter intenta alejarse, necesita tomar distancia para analizar su entorno y así ayudar y autoyudarse. Muchos personajes que penden en “El circuito escalera”, lo acusan de egocéntrico, cuando en el fondo, el resto no es mejor ni peor.

Esta novela, comentada por su autor, se escribió en el verano del 2008. Luego la retomó en el 2014. Javier Daulte en su libro cuenta: “«El circuito Escalera» fue un refugio y un descanso de lo que más me ocupa, que es el teatro. ¿Qué motivo su escritura? Quizá la necesidad de algo que fuera distinto de lo que estaba haciendo y no me obligara a renunciar a lo que más me atrae que es narrar historias”.

Esperamos que el autor vuelva a necesitar unas vacaciones, para recrear otra tan interesante historia como ésta, con una lectura ágil, simple que nos permita sacar conclusiones sobre cómo vivimos en esta sociedad con sus defectos y virtudes y en que deberíamos mejorar. ¡Javier Daulte, esperamos que repitas la experiencia! Voy a extrañar ese espacio de tiempo que había reservado para la lectura, para avanzar en otro capítulo, que me permitiera descubrir porqué el título es «El circuito Escalera».

EL CIRCUITO ESCALERA

Por Javier Daulte

Editorial Alfaguara. 445 páginas.

Diana Decunto