Reseña: La Nave De Lxs Locxs

Por Denise González
Lnave de lxs locxs, el vientre hinchado de comer verdades


La aventura comenzó ya en el exterior de la sala: solo sentarse a esperar a que se abran las puertas basta para estar participando de La nave. En un ambiente donde todo parece ser de todos, que da sensación de hogar, una persona reparte fichas y lápices para ser completadas por los futuros espectadores. La propuesta es responder una serie de preguntas insólitas que nos transportarán a lugares no tan transitados de nosotros mismos. Esto, y que mientras tanto rondan situaciones improvisadas alrededor que nos van introduciendo a la obra, nos preparan para la acción en un clima muy particular.
Al entrar al espacio donde va a suceder la magia nos indican que podemos tomar asiento donde queramos. Las sillas están por doquier, repartidas aleatoriamente. Las luces juegan con la imagen del enigma central y los personajes ya están en escena, expresándose a través de sus cuerpos y voces, vestidos de blanco y esparcidos en diferentes puntos, aunque todos ellos dentro de este escenario circular al que rodeamos los recién llegados.
La obra transcurre desde el principio entre situaciones abstractas breves; se presentan como algo desconocido, pero con lo que todos nos identificamos. Tarde o temprano llegamos a entender que estamos viendo nada más ni nada menos que la cotidianidad reflejada en un signo, en un conflicto teatral que grita “hay que expulsarlx por distintx”. Lo profundo del ser humano expuesto a un ciclo de juicios infinito.
Si algo ha de destacarse de los artistas y de la obra en general, esta composición construida a partir de la investigación realizada por la directora en torno a Foucalt, es la intensidad con la que trabajan y que bien saben volcar sobre el contexto para introducirnos en la atmósfera colectiva en que vivimos sin ser conscientes en la sociedad. Desde lo técnico, el profesionalismo con que se desarrollan las improvisaciones, dando su toque pasional en cada reacción, en cada intervención. Envuelven la concentración de cada persona y sin duda la llevan a un lugar recóndito y peculiar, a un descubrimiento en su interior. Las frases, el contacto físico y las miradas traspasan la relación espectador-actor. Esto se ahonda sobre todo en los fragmentos en que el público es invitado a jugar dos juegos. Los asistentes, sorprendidos, tienen la posibilidad de apropiarse del espacio para expresar sus miedos y fortalezas a través de las preguntas sustanciales que ofrece la puesta en escena detrás de aquellos juegos inocentes que alguna vez nos enseñaron a jugar. La nave se convierte en un verdadero cuadro de entrega y liberación para los valientes que ponen sobre la mesa su verdad. Es que si algo logra es desnudar los límites y los dolores que nos encierran desde lo más primitivo en la cultura que nos origina desde la niñez.
Más allá de subrayar la excelente forma en que se desenvuelve cada eslabón de la cadena que conforma La nave en cuanto a lo profesional, hay algo no tan fácil de conseguir que se ve claro durante toda la secuencia, y que quiero colocar en una posición excepcional: el espectador tiene permiso de adueñarse de la experiencia, reflexionar y llevarse dentro un disparador inmenso de cuestiones de su cualidad humana. Es precisamente lo que la hace única y personal, volviéndose invaluable para quien abraza al arte para replantearse su realidad diaria.

 

Ficha técnica
Intérpretes: Julieta Rocío Barletta, Facu Cohen, Malena Jawerbaum, Juan Ignacio Piasentini, Jimena Romero, Joaquín Saldeña, Gustavo Silva Arévalo, Liliam Zarreth.
Vestuario: Verónica Casanova
Escenografía: Ana Díaz Taibo
Diseño Gráfico: Sabrina Pintos
Asistencia Técnica: Camilo Labraña
Asistencia en Dirección: Lucila Lobel
Producción Audiovisual: Habla la Hache, Jualián Baquero
Prensa: Cakatúa Prensa
Dirección: Mariana Moschetto

Función: Viernes 23hs | El Club de Trapecistas Estrellas del Centenario. Dirección: Ferrari 252, CABA | Entrada gral: $300.- Promociones disponibles en boletería

 

Crítica: Lectura Según Justino

Por Macarena Maidana
En el año 1955. En un pueblo de Paraguay, San Bernardino, fundado por colonos alemanes, y durante los primeros años de la dictadura militar del general Stroessner, sus habitantes transcurren sus días alejados del mundo. Justino acaba de perder a su padre, y como único hijo varón, debe salir a trabajar como cartero, mientras termina sus estudios primarios en la escuela alemana del pueblo. Repartiendo cartas conoce a un misterioso personaje, a quien algunos habitantes lo acusan de ser un criminal durante la segunda guerra mundial.


Esta película es una colaboración entre Argentina y Paraguay, dirigida por Arnaldo André y protagonizada por Julieta Cardinali, Mike Amigorena y Diego Gonzalez.

Basada en hechos reales, la película transcurre en San Bernardino, un pueblo de Paraguay donde todos se conocen entre todos. Justino (Diego Gonzalez) es un chico de 11 años que acaba de perder a su padre,por lo que su madre le indica que debe cargarse el papel del hombre de la casa al hombro para mantener tanto a ella como sus hermanas.

Toma el puesto del primer cartero del pueblo y así conoce a un ex soldado alemán (Mike Amigorena) apartado de la sociedad. Justino es premiado con una beca en el colegio alemán del lugar, por lo que se reparte entre sus deberes y el trabajo, su maestra Ulla (Julieta Cardinali) despierta su curiosidad y entra en un laberinto de emociones que transmite al espectador de la manera para inocente posible.

Lectura Según Justino (2013) es de esas cintas que llegan al corazón sin necesidad de extender su duración o recurrir a desenlaces forzados.
Gran acierto del director, emotiva y sincera por donde se la mire.

Calificación 8/10

Crítica: Huérfanos de Brooklyn

Por Bruno Glas

Allá lejos, por la década del 40′, con el sistema de estudios de Hollywood en su mejor momento,  con los géneros clásicos ya configurados, la Warner Bros fue la principal major en producir films de cine negro. No por nada esta compañía fue la responsable de El halcón maltés, considerada la pionera del film noir

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En pleno 2019, aparece Huérfanos de Brooklyn, un filme de la Warner que tranquilamente se encuadra dentro del cine negro. Es que Edward Norton, quien dirige y actúa, parecería querer tachar todos los casilleros del género. A saber: una trama enrevesada, detectives privados que deben resolver un caso que involucra a figuras de poder, una sociedad corrompida, una marcada construcción visual, iluminación basada en el claroscuro, bares nocturnos… Todos estos elementos dicen presente en voz alta. Pero no hay un uso irónico de la autoconciencia. Las convenciones del cine negro se acumulan hasta el exceso a medida que avanza el metraje , pero no de una forma canchera, como una burla o parodia. Tampoco como un homenaje… ¿Qué trata de hacer Norton con su segunda película?

 

En principio, interpreta a Lionel Essrog, un detective privado que inicia una investigación para resolver el asesinato de su mejor amigo y mentor, Frank Minna. Hasta acá, parece el argumento de un policial negro típico. Sin embargo, a esto debemos sumar que Lionel sufre de síndrome de Tourette. Esto complica un poco las cosas, puesto que lo obliga a tratar de explicar su situación a los distintos personajes que se cruza, creando en el camino varios momentos cómicos logrados. Es así que deja de lado la faceta del antihéroe duro y recio, para terminar componiendo un protagonista entrañable, afectuoso incluso a su pesar. Lo mismo ocurre con el resto de los detectives que lo acompañan, que lejos de ser investigadores capacitados son más bien unos trabajadores simpáticos y un poco chantas. Frank Minna es quien los pone a todos ellos en marcha, y es un punto no menor el hecho de que está interpretado por Bruce Willis. Norton acierta en matar al otrora héroe de acción en los primeros minutos del filme, como si su muerte legara todo el peso de la trama a Lionel, un principiante con escasa firmeza al lado de Minna. Todos estos elementos alejan a Huérfanos de Brooklyn de ser un noir de manual, aún cuando la historia siga a rajatabla los preceptos del género. Por cierto que la trama se sigue con interés, aún cuando la gran cantidad de personajes y su desarrollo la hagan algo desprolija. La resolución termina, así, empantanándose cuando llega el tercer acto, que se estira más de lo debido.

 

Resulta curiosa, a fin de cuentas, la existencia de un filme como este en la cartelera actual. Pero no porque sea, como podría ocurrir en el cine de vanguardia, extraño, difícil de asir. Huérfanos de Brooklyn parecería querer pertenecer a otro tiempo, algo que delata su adhesión a un género clásico y la decisión de Norton de ambientarla en los años 50. Una película que de tan artesanal, tan a la vieja usanza, termina paradójicamente convertida en una rareza. 

 

Calificación 7/10

Análisis: Tokyo Ghoul: Call to exist para PS4

Bandai Namco es una empresa que últimamente ha aprovechado su compañía para publicar juegos en base a conocidas series animé, hemos tenido buenos juegos usando el tirón de series como Digimon, Dragón Ball, One Piece, y en otros casos títulos que cuentan con un carácter japonés aunque no tengan su anime, como el reciente caso de Code Vein. Tokyo Ghoul Call to exist parte de la historia basada en el manga escrito por Sui Ishida, pero que en gran medida toma la línea narrativa de la serie para darnos un juego Hack And Slash efectivo, pero hecho casi solamente para los fans de la serie.

Para entrar en tema, la historia nos pone en la piel de Ken Kaneki, un joven que tras ser atacado por una chica Ghoul (una especie de demonios que comen humanos ) es gravemente herido y transplantado con los órganos de su atacante. Este hecho hace que el personaje se convierte en mitad Ghoul y mitad humano, y que para seguir el hilo de su historia es recomendable ver la serie. El juego nos da esa pequeña introducción de lo que sucedió al inicio de la inicio de la temporada a través de una cinemática y un relato que nos pone al día sobre la historia, pero que luego da un salto al final de la temporada, dónde la jugabilidad comienza.

Luego de que el protagonista se uniera a un grupo de Ghouls que no comen humanos, y toda la trama emocional que esto conlleva, en el final de la temporada Ken es atrapado y torturado, y es donde termina aceptando su parte Ghoul. Luego de eso, nosotros empezamos a mover al personaje dentro de camino lineal, dónde tenemos que derrotar a una oleada de enemigos que se presentan. Estás primeras oleadas sirven a modo de tutorial para aprender los controles y las principales combinaciones de combate. A lo largo del juego, se podrá controlar a varios personajes, y que si bien toda la trama se concentra en el protagonista, muchos personajes pueden utilizarse al completar ciertas misiones, y la posibilidad de hacerlas con la perspectiva de otro personaje. Uno de los mayores aciertos del título, es su sistema de combates, que si bien en un principio resulta algo repetitivo, mantiene un sistema de progresión que le hace atractivo dar con los siguientes enemigos y jefes, la dificultad es moderada, aunque dar con ciertos jefes puede ser una tarea difícil de lograr. El modo multijugador no otorga mucha variedad , ya que cuenta con el mismo sistema de combates, pero con la posibilidad de agregar a otro usuario. Lo que destaca entre las alternativas de juego , es el modo de supervivencia, en el que creas a tu propio personaje (Con tu propia personalización también ) y debes enfrentarte a una enorme cantidad de enemigos, que resulta una dificultad más elevada, pero que con los combates puedes ir subiendo el nivel de tu personaje y mejorar tus habilidades.

A nivel técnico el juego trata y logra emular la animación desarrollada para la serie, esto se ve en el más que correcto diseño de los personajes, aunque se nota también que hay poca variedad en el diseño de los escenarios. El apartado visual cumple siendo correcto y fiel al animé, sin destacar mucho más, el rendimiento es bueno, y es lo que más se agradece en los combates, aunque la cámara por momentos no llega a acompañar. También toca aclarar que el juego se encuentra con audios en japonés, y que por suerte tiene la posibilidad de jugar con subtítulos en español, útil para seguir la línea narrativa del juego.

Tokyo Ghoul Call to exist es un buen juego de acción pero parece que gameplay e historia son asuntos separados. Es un entretenido título para aquellos conocedores de la serie y el manga, que nos lleva a la acción en una historia que ya conocemos. Para los que no se acercaron a la serie jamás , no es mal título, pero se van a sentir ajenos más allá de sus combates.

Calificación 6/10

Reseña: Proyecto Barhein

Por Leandro Bres

¿Como hablar de la experiencia de “Proyecto Barhein” sin spoilear todo lo que sucede?

Puedo contar que las historias (porque son varias) transcurren en un bar, y se van entramando con el paso del tiempo de forma impensada. Historias de parejas, personas solas que buscan pareja, parejas que quieren separarse y otras que fueron corrompidas por la traición.

En la obra, estamos en el bar, somos el bar, y todo sucede a nuestro alrededor, justo al lado nuestro. Este recurso muy bien desarrollado, va creciendo progresivamente sin volverse invasivo sobre el espacio personal de cada espectador y espectadora. Logran abordar todo el espacio, sin incomodar (en el mal sentido de la palabra) a quienes estamos viviendo la experiencia como público.

Con buenas actuaciones en distintos códigos (algunas escenas realistas, incluso naturalistas, otras paródicas y hasta por momentos surrealistas) la obra se desarrolla con mucho humor, dando profundidad a situaciones cotidianas. Ocho actores y actrices en escena, cada cual con su impronta, pone a funcionar sus mecanismos para aportar a “Proyecto Barhein” una diversidad que conforma una unidad.

Sin dudas, la protagonista de la obra es la puesta en escena. La esencia del espectáculo radica en el uso del espacio, y en el cambio constante de foco en el desarrollo de una situación a otra. La puesta de luces es fundamental, ya que direcciona la mirada del espectador; un acierto total, que aporta dinamismo y sorpresa, logrando captar la atención del público y sostenerla a lo largo de la obra. Cuando parece que algo se instala (una situación, un personaje, una escena) se rompe y sucede otra cosa, descolocando y sorprendiendo. Cuando pareciera que nada más puede suceder, algo más sucede.

La dramaturgia está al servicio de la puesta en escena. Con diálogos que aparentan ser charlas superficiales y banales de bar, se abordan inesperadamente temas existencialistas y filosóficos, desde la felicidad, la soledad, la fidelidada, la traición, hasta la muerte. Todo esto, enmarcado en un contexto que nos atraviesa, como el uso de redes sociales, la comunicación mediatizada, la inmediatez y otras características de la era digital, logrando una efectiva identificación en los espectadores.

Pueden vivir esta experiencia teatral llamada “Proyecto Barhein” los viernes 22hs. en Santos 4040 (Santos Dumont 4040 – CABA)

Dramaturgia:Proyecto Barhein

Actúan:Bernardo Artica, Nicolás Barbeito, Ayelén Espíndola, Juan Games, Luciano Monge Mauger, Agustina Morteo, Debora Rodriguez, Juana Varela

Vestuario:Analia Morales

Escenografía:Cecilia Zuvialde

Diseño de luces:Santiago Swi

Diseño sonoro:Juan Cordone

Comunicación:Francisco Tizon

Diseño gráfico:Facundo Marcos

Asistencia general:David Brakin

Producción:Bernardo Artica, Ayelén Espíndola, Santiago Swi

Idea, dirección y puesta en escena: Santiago Swi

Análisis: Anthill para Nintendo Switch

Tras su desembarco en teléfonos móviles, llega a Nintendo Switch el juego Anthill, desarrollado por Image & Form y publicado por Thunderful Games. Se trata de un título de aventura y estrategia en el que debes comandar un ejército de hormigas dentro de un jardín. Es un juego que mezcla el Tower Defense y la estrategia en tiempo real y que puede resultar muy entretenido.

El único detalle que hay en este port, que al igual que en la versión de móviles , es un juego que debe hacerse usando la pantalla táctil, lo que se termina descartando el carácter híbrido de la consola al dar un error al colocarlo en modo dock. Si puede resultar bastante útil si sueles jugar mucho en modo portátil y posees una Switch Lite, ya que en este caso no supondrá ningún problema.

En el juego debes controlar un pequeño ejército de hormigas con cuatro unidades disponibles, a una de las hormigas obreras la podrás utilizar para la recolección de suministro, ya que tú ejército necesita alimento y tú gemas para aumentar tu puntaje. Estos elementos pueden encontrarse en el jardín en hojas o llevando el cuerpo de los enemigos a tu hormiguero. Existen cuatro tipo de hormigas que serán útiles en nuestra batalla, tenemos a las obreras, los soldados, los escupidores y los bombarderos, cada uno con sus determinadas funciones para hacer del juego estratégico. Cómo mencionaba antes las obreras son útiles para la recolección de alimentos , los soldados son los que están para atacar directamente a cualquier amenaza, mientras que los otros son más especiales y se desbloquean a medida que avanzas el juego y que sirven como un arma más eficaz contra variados enemigos.

El título cuenta con dos modos, el principal en el que vas superando niveles, y progresando para mejorar tu equipamiento y ejército. Luego existe como un modo infinito, en el que empiezan a atacarte una avalancha de enemigos y que sigues jugando hasta que acaben contigo. En cuanto a modalidades es un juego bastante simple, y aunque se note en muchos aspectos que se trata de un juego de móviles, no por ello no resulta entretenido en Switch.

A nivel visual es bastante simplista, obviamente se debe a su concepción como juego de dispositivos móviles, pero ojo, no hay que ser escéptico con este tipo de adaptaciones ya que cuenta con un diseño de juego que resulta creativo a pesar de las limitaciones gráficas. No está demás volver a avisar de que se trata de un juego exclusivamente portátil, por si las dudas.

Anthill es un juego bastante entretenido, que si bien ha sido concebido como un juego de dispositivos móviles, se adapta muy bien la las funciones portátiles de la Nintendo Switch. Bueno, bonito y barato es lo que podría decir de este título , que aunque cuente con ciertas limitaciones cumple con su función de entretener.

Calificación 7/10

Crítica: Hogar

Por Juan Ignacio Aguilar

Abre de negro y una emisora de radio argentina nos ubica espacialmente.

Sor Paola ingresa a trabajar en un convento italiano bonaerense en su paso previo a ser monja. Sus propias convicciones serán puestas a prueba cuando entre en contacto con Fátima y Luciana, dos jóvenes madres solteras entre otras tantas a las que el convento provee de hospicio.
Con un guión que fácilmente puede caer en lugares comunes, Maura Delpero se distingue haciendo más enfásis en esa silenciosa interioridad de sus personajes. El primer acto trascurre como una muy detallada carta de presentación de sus tres protagonistas, cada una con un conflicto bien diseñado y de sútiles pero importantes implicancias para los otros. La historia principal avanza a un ritmo adecuado, dejando espacio a la cámara para que haga su magia y transmite eso que las palabras no pueden: la emoción vivida por este grupo de madres, y la joven hermana católica cuya convicción empieza a flaquear.

Es una película de personajes, y el armado de éstos no podría haber sido mejor. Dejando de lado, eso es, al excelente equipo de actores al frente.
Agustina Malale hace su debut como una Luciana dividida entre su amor por su hija y su decepción con la vida que dicha responsabilidad la obliga a llevar. Por momentos cariñosa para luego dejarse llevar por un impulso violento, Malale roba cámara con total naturalidad. Rebelde y deshinibida, tiene su contrapeso en la Fátima de Denise Carrizo. A pesar de su mayor responsabilidad como madre, hay undejo de vacío en la psique de Fátima que Carrizo transmite en sus momentos más privados, cuando la iluminación y un simple sonido ambiente dejan ver un gran trauma que todavía no parece superar. Para peor, un nuevo bebé está por llegar y Fátima no deja de temer por el futuro que pueda darle a sus entonces dos hijos.

Completa el trío la Sor Paola de Lidiya Liberman. Su relación con las chicas y sus respectivos hijos la pondrán en un difícil camino para con el gran compromiso que está por cumplir.
Mención especial para el reparto de niños, con Alan Rivas como el dulce Michael e Isabella Cilia como Nina, una excelente joven actriz cuyo rol pone en funcionamiento el giro más dramático de la película.
De diálogos suficientes y con un predominio del silencio, Delpero plasma su guión a través de planos de gran angular que ponen de manifiesto el enorme poder que la Iglesia católica ejerce. Una fotografía muy íntima a manos de Soledad Rodríguez da pie a que el espectador conjeture, a la vez que también llegue a empatizar en esos breves momentos nocturnos en que las chicas sueñan con más. En paralelo con la atmósfera en la que se desenvuelve, la banda sonora sólo actúa en forma catártica ante el extremo silencio: cuando las chicas tiene que desahogarse.

Modesta, minimalista, y muy emotiva. Maura Delpero logra combinar una gran trabajo desde detrás de cámara con una magnífica dirección de actores. Puede que «Hogar» tenga gusto a algo conocido, pero tiene un corazón enorme y distintivo que compartir.

Calificación 8.5/10

Crítica: Golem: La Leyenda

Por Leonardo D’Assaro

Entendamos lo que estamos viendo: “The Golem” es una película israelí, que intenta acercarse al género del terror de época, basándose en una de sus principales leyendas folclóricas. El Golem, según la mitología judía, es un ser animado a través de un conjuro. Siendo conformado a través del barro, tomando una forma incompleta cuasi humana. Es un ser fuerte, poco inteligente, que llevará a cabo su tarea de muerte de acuerdo a los requisitos de la persona que le dio vida.


De eso se trata esta película. Nos encontramos en el siglo XVII en Lituania. Un pueblo judío es agredido por otro que está siendo diezmado por una terrible peste. Como ven que el pueblo judío logra sobrevivir a través de su fe y religión, le piden a la curandera judía que salve a la hija enferma del jefe del pueblo agresor. En caso contrario, el pueblo judío será aniquilado por estos salvajes.
Al ver a su aldea inmersa en esta situación, Hanna decide invocar al Golem, a través de las escrituras secretas de la Kabbalah. Así el Golem se hace presente y aniquila todo lo que Hana considera peligroso para ella.
Una película de época, con un presupuesto ajustado, pero que nos permite vivenciar una historia alejada a lo que nos suele ofrecer Hollywood de acuerdo a este género.
Recomendable para aquellos que buscan historias con atmosferas inquietantes y no tanto susto fácil.

Calificación: 6 de 10

Análisis: Death Stranding para PS4

Por Jorge Marchisio
En un mundo futurista, donde la civilización se derrumbó, y el mundo de los vivos casi que convive con el de los muertos, tomamos el control de Sam Bridges, un transportista que es encargado de llevar varios pendrives a diferentes asentamientos, para lograr que lo que quedo de Estados Unidos, se vuelva a conectar a una red de intercambio de información.


Con bastante polémica y hype detrás, nos llega Death Stranding, el nuevo game creado por Hideo Kojima, que quien, con su propio nombre, ya levanta revuelvo por donde vaya. ¿Pero Death Stranding merece tanta repercusión como se le está dando?
Por un lado, si, ya que se nos plantea un gameplay por demás original, donde es algo más que un simulador de delivery como los haters dicen. En DS tendremos que pensar bien como y cuanto vamos a cargar a nuestro personaje, el saber balancear el peso y la forma de movernos. Así mismo, se nos obliga a ver bien el terreno antes de ir directo de forma ciega a la entrega. Y para esto podremos contar con cuerdas y escaleras que nos ayudaran en nuestros viajes, y posteriormente con algunos vehículos para agilizar los traslados.


Pero también con el juego nos llegan las ñañas típicas de Kojima. De entrada, podemos dejar nuestro joystick a un lado para poder ver las larguísimas y constantes cinemáticas (en las que el nombre de Hideo Kojima sale hasta el hartazgo). También la historia, que en apariencia es bastante complicada sin necesidad, teniendo giros y contra giros que complican las cosas, cuando todo era en apariencia bastante más sencillo.


Pero quizás el mayor problema de Death Stranding es que no es un juego para todo el mundo. Para los que tienen poca paciencia, o buscan un gameplay variado o con mas acción, desde ya les decimos que acá no van a encontrar eso. De hecho, lo aconsejable es que alternen DS con otro game, o que no lo jueguen en sesiones largas, ya que, al poco tiempo, veremos que nuestros encargos, por más complicados que sean los terrenos que tenemos que avanzar (con el futuro agregado de enemigos), todo termina tornándose bastante parecido y volviéndose un poco monótono.
Pero eso no equivale que estemos ante un mal o regular juego., aparte del mencionado innovador gameplay, la factura técnica de Death Stranding debería ser la vara mínima a la que deben aspirar las grandes desarrolladoras de la industria. En cualquier momento podremos sacar una captura de pantalla que de igual forma se va a ver hermosa e ideal para poner como fondo de pantalla.


Para finalizar, notaran que los puntos negativos son bastante menores que los positivos; y que quizás, al ser una obra que propone un nuevo estilo de jugar, sea el factor por el que levantó tanta controversia. Eso no implica que no estemos ante uno de los mejores games del 2019 y que seguramente va a sentar las bases para una nueva ola de gameplay.

Calificación 8/10


Lo mejor: la innovación del gameplay, el apartado gráfico.
Lo peor: la trama es enrevesada sin necesidad, puede tornarse monótono con el tiempo.

Reseña: Antihéroe Off

Por Sebastián Sabio

La vida de los que persiguen un imposible.

Por un lado, la alegría, la fiesta y el jolgorio, por otro la tristeza, la desazon y la desesperanza. Esas son las dos caras que viven en esta obra que juega permanentemente con los polos opuestos en los que debe vivir un actor.

“Antiheroe off” cuenta la historia de Remo, un actor que a través de sus cinco personajes (o cualquier otro que se le solicite de ultimo momento) busca juntar dinero suficiente para viajar a Londres y asi reencontrarse con su hijo. Durante el transcurso de la obra el único intérprete en escena atravesará el universo de sus creaciones como actor mientras, entre personaje y personaje, muestra cómo es él, quién es en realidad.

En la cara de Patricio Abadi, intérprete y dramaturgo de Remo, se puede apreciar el mundo de su personaje. Solo con su expresión él logra transmitir un entramado de sensaciones y pensamientos que dejan al espectador con la sensación de entender a la perfección la situación, incluso antes de que aparezca la información de lo que sucede.

En una puesta en escena innovadora en la que se destroza la cuarta pared (por momentos pecando de “obra standupera”) esta dupla con Patricio Abadi como actor y dramaturgo y Paula Marron desde la dirección dejan de traer este mundo lleno de sensibilidades ocultadas por las emociones ficticias del actor por este año pero van a regresar el año que viene.