Archivo del Autor: Daniel Alvarez

Reseña: Piaf, porque el amor lo quiso

Por Victoria Seri

El 30/5 tuvo lugar la última función de Piaf, porque el amor lo quiso, en el teatro Paraje Artesón ubicado en Almagro, CABA. La obra escrita por el dramaturgo y actor Alberto Romero y dirigida por Daniel Godoy, se volverá a estrenar en el Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral –CELCIT- en el marco del ciclo Tertulia, del 27 de septiembre al 18 de octubre.

Piaf, porque el amor lo quiso

No me deja de sorprender el teatro independiente. La pieza abarca una temática, a mi entender no generalmente tratada artísticamente, la relación entre la homosexualidad y la dictadura argentina (años 76-83).

El espectáculo cuenta la historia de 3 amigos artistas, Juan interpreta a Piaf por las noches y lo acompañan Gigí y Lupe. En esa época se consideraba transgresor especialmente durante la coyuntura política de los años setenta. De noche se transformaban, se disfrazaban, se expresaban como deseaban. La excusa eran los shows pero ellos querían vivir sus vidas con libertad. Durante el día intentaban vivir su vida los más normal posible. Por sus ideales, ideología, sexualidad y formas de vivir, eran perseguidos y sus derechos eran vulnerados. Sin embargo continuaban existiendo y resistiendo.

Es una obra emocionante con una calidad artística respaldada por las brillantes interpretaciones que hace cada uno de los actores. La propuesta tiene música, baile, drama, algunos momentos de comedia, escenas fuertes, tensiones, momentos no convenciales. Todos estos recursos son utilizados para contar una historia que es dura, que nos hará pensar y reflexionar y también nos conmoverá. Por favor no se la pierdan.

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Análisis: 39 Days To Mars para Nintendo Switch

Por Daniel Alvarez

Esta semana pudimos probar el juego 39 Days To Mars, un título desarrollado por Phillip Buchanan en solitario. Quizá es lo único que podemos apreciar de forma solitaria, ya que este juego se presenta como una aventura cooperativa, del que si bien tiene un modo de resolución en solitario, la experiencia no es la misma si no se hace de a dos. Se trata de un título que parece sencillo, y que lo es en su ejecución, pero aún así lleva detrás una historia cautivadora y jugabilidad por demás entretenida.

La premisa es simple, debemos ayudar a dos caballeros que están por emprender un viaje hacia Marte, nosotros somos espectadores de todo el proceso que conlleva dejar la casa y arreglar todos los imprevistos que suceden en el transcurso de viaje, donde en el medio tomaremos té y comeremos algunos bollos. De eso se trata, de acompañar esa travesía y resolver puzzles para arreglar cada imprevisto que se presenta. La historia es muy sencilla, pero aún así logra brindar un desarrollo cautivador, tanto por sus personajes como el diseño artístico presentado en el juego. En cuanto a la duración, la experiencia resulta corta porque llega a durar poco más de una hora en completarla, lo que si, existen finales alternativos según como superas las últimas pruebas.

El diseño artístico es realmente bello, tiene un estilo de caricatura como si estuviese dibujado en lápiz sobre papel. Con una ocurrente presentación de la nave y el recorrido del viaje, mostrando un gran sentido de la imaginación durante su desarrollo. El doblaje y la banda sonora es acorde a la ambientación y se con armonía durante esta adorable travesía.

39 Days To Mars es un juego que presenta una aventura cooperativa realmente entretenida y adorable, si bien existe la posibilidad de su juego en solitario, la experiencia no resulta la misma. Si bien es un juego corto en su desarrollo, resulta un viaje satisfactorio y divertido si se hace de a dos.

Calificación 8/10

El juego lo puedes adquirir a través de la Eshop o por https://www.nintendo.com/games/detail/39-days-to-mars-switch

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Crítica: El sabor del cemento

Lo Sublime.

 

Por Rodrigo F. Ruiz.

 

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El Sabor del cemento de Ziad Kalthoum se acerca a lo que Kant denominó como lo sublime. El filósofo utilizaba esta concepción para definir aquella belleza que nos aterra, aquella belleza que nos apabulla, nos produce terror, nos sobrepasa. Y es una cuestión comenzar a hablar de concepciones estéticas para un film que nos narra la experiencia de sobrevivientes a la guerra Siria, pero quizás  son estas formas de ver, las que nos permiten acercarnos al horror y poder vivir la experiencia ( aunque claro mediada por una pantalla y en una confortable sala); porque de nuevo como decía Kant,la estética es la única capaz de unir la ética (el mundo de lo práctico, el mundo de la acción) con el mundo de las ideas (el mundo de la razón).

El documental de Kalthoum fue el film de apertura del festival del cine del trabajo, la película trata sobre un grupo de sobrevivientes sirios trabajando en una obra en construcción en Beirut, el país vecino donde acaba de terminar la guerra, mientras en el país de ellos continua. El film intercala la cotidianeidad de estos trabajadores, con imágenes de la guerra en Siria. La sensación que prima al ver el film es la de vértigo. Se pasa de lo alto de un rascacielos en construcción, en donde la posición de la cámara permanentemente nos lleva a sentir el riesgo, la altura; a las ruinas de los edificios en guerra, en Siria, los llantos, los gritos, los tanques, los cuerpos entre los escombros. En la película se intercalan pequeños relatos/ recuerdos de los sobrevivientes sirios. Relatos que resultan poéticos en su fragmentación, en las imagenes que evocan.  

El filme puede verse en el cine Cosmos, es una experiencia que debe ser vivida. Como espectadores vemos el horror de la guerra, y la película busca que lo sintamos, produce una experiencia física. Este documental demuestra cómo el cine es un arte capaz de dar nuevas experiencias, de reinventarse.

Recordemos una cita en donde se decía que el cine clásico ( o sea el cine de entretenimiento) era como cruzar un río arriba de un puente, el cine moderno era cruzarlo saltando de piedra en piedra, ( comenzaba a existir una inestabilidad, los acontecimientos no se hilaban perfectamente, los sentidos rebalsaban por todos lados), ahora con “El sabor del cemento” estamos frente a un cine, en el  río, con el agua hasta el cuello, el cine de la experiencia, del ahogo, un cine ya físico, un cine que alcanza lo sublime.

 

Calificación: 9 / 10

 

A partir del jueves 30 en el Cine Cosmos UBA

FICHA TÉCNICA

  • País Alemania, Líbano, Síria, Emiratos Árabes Unidos
  • Año 2017
  • Formato digital
  • Duración 85 min
  • Imagen color
  • Idioma árabe
  • Subtítulos catalán, inglés
  • Productora Bidayyat for Audiovisual Art, BASIS BERLIN Filmproduktion
  • Producción Ansgar Frerich, Eva Kemme, Tobias Siebert
  • Guión Ziad Kalthoum
  • Fotografía Talal Khoury
  • Montaje Alex Bakri, Frank Brummundt
  • Contacto aleksandar@syndicado.com
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Análisis: Unruly Héroes para PS4

Unruly Héroes es un juego de plataformas en 2D que tuvo su arribo en PC y Nintendo Switch a principios de año. Ahora, para su llegada en PS4, hemos tenido el placer de probar y analizar un juego que le hace un gran honor al género, brindando un juego estéticamente bello y sumamente entretenido.

Si hay un juego con el que lo puedo llegar a comparar, tanto por su calidad artística como por su ágil y entretenida jugabilidad, es con el último título de Rayman. Que llego como un juego de plataformas que denota un gran trabajo artístico en su haber, y que a su vez, es un juego muy entretenido. Esto también sucede con Unruly Héroes, que saca provecho de un género tan explotado, para darnos una aventura con mucho encanto y unas cuantas sorpresas. Su premisa es bastante simple, tenemos a un enemigo que azota al mundo, y con ello, tenemos al héroe (O los héroes) que están destinados a acabar con el mal en una larga aventura. Hablamos de héroes, porque son cuatro los personajes heroicos con los que podremos jugar, y si bien este título también tiene su modo cooperativo, cada uno de los personajes son útiles, por lo que tendrás que hacer uso de todos aunque juegues en solitario.

Si juegas solo, digamos que cuentas con cuatro vidas, porque cuando mueres con un personaje, tienes la posibilidad de continuar con algún otro de los cuatro que quedan vivos. A su vez, cada personaje tienen sus habilidades especiales, por las que te encuentras en la obligación de utilizar a alguno en un momento determinado. Si, la jugabilidad se basa en correr, saltar, golpear y atravesar obstáculos, algo casi típico en los plataformeros 2D, pero aún así cuenta con mucha originalidad en el diseño de niveles y modos de pasar los obstáculos. Uno de los más ocurrentes en en la que debes convertirte en lobo, y que con tu aullido puedas obtener colaboración de otros animales de su especie. De este modo, seguimos un recorrido, del que si bien no cuenta con una dificultad extrema, resulta cada vez más desafiante y entretenido. Si toca aclarar que el juego cuenta con tres niveles de dificultad, siendo el más difícil en los cuales solo se pueden revivir a los personajes en los puntos de control, y que resulta necesario para conseguir todas las medallas. En líneas generales, Unruly Héroes presenta un gameplay muy ágil, con niveles que si bien no soy muy extensos, va progresando en contenido y dificultad.

A nivel visual el juego es realmente una belleza, mantiene una inspiración sobre mitologías del medio oriente. Existe un perfecto equilibrio entre la ambientación y su jugabilidad, acompañado de mecánicas ágiles y fáciles de dominar. El apartado sonoro tambien logra destacarse en armonía al desarrollo del juego. La campaña principal puede llegar a durar alrededor de 7 horas, teniendo la posibilidad de ser rejugable para mejorar el rango de posicionamiento en cada nivel.

Unruly Héroes es un gran juego de plataformas, aquel juego que se encuentra disponible ya en todas las consolas de última generación, siendo una gran sucesora de Rayman Legends en el terreno de los plataformeros en 2D. No sé trata solo de un juego de saltar, correr y atravesar obstáculos, ya que este cuenta con un diseño artístico sobresaliente, y obviamente una jugabilidad que te robará varias horas a puro entretenimiento.

Calificación 8.5/10

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Crítica: Rocketman

Por María Luz Stella
Palabras claves para describir este film: biopic, musical e inspiracional.

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Paramount Pictures nos trae Rocketman dirigida por Dexter Fletcher (director que no ha sido reconocido por su labor sobre el final del rodaje de Bohemian Rhapsody) y con Taron Egerton quien pone el cuerpo y la voz para interpretar al protagonista.
Trata sobre la carrera y vida de Reginald Kenneth Dwight mejor conocido como Elton John. Desde sus inicios musicales en su niñez hasta su resurgimiento en la década del ochenta. La película muestra la cruda infancia de un hijo único, no deseado por su padre, ignorado y maltratado. Criado por su madrhh5b HV zgh cv f BH h,e y su abuela. Luego como figura paterna se incorpora la pareja de su madre, que traerá a la vida de Regi un nuevo género musical que marcará su adolescencia: el rock & roll. Momento en el que se dispara su carrera musical hasta llegar al éxito, y más allá. Porque Elton John es un artista que trasciende y ha logrado mantenerse en la industria hasta la actualidad.
El género de la película es drama musical. Extraordinaria decisión que le sienta muy bien al personaje/artista a retratar. Con un gran despliegue de bailarines y actuaciones cantadas por parte del entorno del personaje protagonista. Una puesta en escena que se mueve de manera frenética avanzando temporalmente en la carrera musical del cantante y pianista.
La historia cuenta con dos momentos muy importantes en la vida del artista y que se alinean con los puntos de giro del guión. Éstos dotan de una carga emocional muy fuerte a la trama creando una conexión intensa con el espectador. En ambas secuencias son protagonistas absolutas las canciones Your song, para el primer punto de giro y I’m still standing, en el segundo. Para destacar, el inicio de la película genera un poco de extrañeza en cuanto a lo visual, una puesta intensa y contrastada para remarcar la coexistencia de dos temporalidades que queda resonando hasta la llegada de Your song. Representativa en la carrera y en la relación de Elton y el letrista Bernie Taupin.
A pesar de ser un drama, de poner en pantalla la caída y el peor momento del artista, es un film inspiracional y alentador que trata sobre la recuperación transmitiendo la emergencia del talento por encima de la adicción a las drogas. Nos muestra un talentoso cantante y pianista que ha logrado subsistir al abrumador ambiente de la industria discográfica. Un verdadero sobreviviente.
Calificación 10/10

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Crítica: Brightburn: Hijo de la oscuridad

Por Bruno Glas 

Apetito por la destrucción

Atención: se revelan detalles de la resolución de la película

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Se sabe que uno tiende a identificarse con el punto de vista del protagonista de una película. Su enfoque suele ser en la mayoría de los casos (pero, ojo, no siempre) el que nos permite la entrada al universo del filme. La identificación con el protagonista, algo un poco más profundo, se asocia a la empatía. Ésta a su vez viene dada por los rasgos de carácter humanos que hacen que el personaje nos importe, y de allí que habilitan nuestra comprensión.

El cine de terror opera muchas veces como una forma de subversión respecto de los parámetros tradicionales de identificación. ¿A qué apunta esto? A que los personajes icónicos del género no son tanto los protagonistas que se ven amenazados por una figura que encarna el mal, como sí lo son los verdaderos malos de la película. Si los psicópatas reconocidos de este cine ocupan un lugar dentro de la cultura popular, si su éxito ha sido tal que engendraron secuelas, precuelas, remakes y demás, tiene que ser porque el público ha sabido estrechar lazos con ellos. Es evidente, claro está, que nuestra empatía no puede situarse del lado de ellos por su naturaleza asesina. Y sin embargo, la fascinación incómoda que producen se mantiene intacta.

Brightburnes una película que trabaja con enorme inteligencia la cuestión de la identificación y la fascinación con el horror. Una pareja intenta tener hijos, y al no poder hacerlo termina adoptando a un bebé proveniente de un meteorito que cayó del cielo. El niño crece y se da cuenta de que tiene poderes. Hasta acá, la misma premisa de base que la historia de Superman, salvo que el pibe empieza a usarlos para el mal. El sólo trocamiento del devenir del famoso superhéroe constituye de por sí un comentario acerca de la gran cantidad de películas basadas en personajes de cómic, invitando a una relectura mucho más tenebrosa.

La película comienza con los padres intentando concebir y escuchando de pronto la caída del meteorito. De ahí salta inmediatamente a unas imágenes filmadas a modo de videos caseros, mostrando la infancia de Brandon y situándonos dentro del entorno familiar. Lo vemos luego en el presente, a sus doce años. Es interesante cómo el filme nos sitúa primero en el lugar del niño, como un personaje ordinario, y nos vemos fascinados con el progresivo descubrimiento de sus poderes. Durante esta primera parte, Brandon se muestra todavía sorprendido ante sus nuevas capacidades, y el modo en que la cámara lo capta nos pone en su misma situación, logrando que nos identifiquemos con él.

Pero de a poco, el comportamiento de Brandon va tornándose cada vez más extraño, y el uso de sus poderes como fuente del mal de a poco nos aleja de él. En esta distancia que se de un momento a otro se impone sobre el personaje reside otro de los grandes aciertos del director David Yarovesky y del guionista James Gunn, puesto que pasamos de empatizar con él a verlo como la mayor amenaza posible. Y ahí donde un atajo posible era asociar la maldad del personaje a una cuestión psicológica aparte de sus poderes, Brightburn opta por apenas amagar con ello. Por eso, cuando en una escena terrible Brandon destroce la mano de la compañerita de colegio que intentaba simpatizar con él, entendemos que su figura no puede encarnar otra cosa que no sea el mal en estado puro. De allí que los poderes que llaman a Brandon a “tomar el mundo” no sean otra cosa que una fuerza sobrenatural sin explicación racional posible.

Hacia la segunda mitad, nos vemos casi en la piel de los padres, que buscan frenar el caos que está ocurriendo alrededor, pese a que la madre de Brandon se niega a creer lo que nosotros ya sabemos: que Brandon no es sino un asesino que busca destruir todo a su paso.

Hacia el final de la película vemos a Brandon, después haber estrellado un avión en la granja de su pueblo, comiéndose una galletita. Y es ahí donde nos preguntamos, fascinados, cómo ese mocoso nefasto, monstruoso y horrible pudo ser capaz de generarnos, en algún momento, un dejo de cariño.

 

Calificación: 9/10

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Reseña: Occident Express

“En el marco de Italia In Scena, Occident Express nos muestra una pieza inspirada en la experiencia de Haifa Ghemal, quien escapa de Mosul con su nieta de 4 años hasta Europa.”


La quietud es un privilegio, y Haifa hubiera nacido para quedarse quieta, o al menos para disfrutar de lo apacible (más allá de cualquier elogio al movimiento). Esto es imposible, sin embargo, en un mundo vertedero, de deshacimiento humano, donde la lógica de acumulación impone el no lugar de la exclusión. Haifa, narrando su huida desde una Irak violentada y atravesando las peores “mil y una” en días y noches con su nieta, es vocera de una historia que la excede en número de voces.
Un poderoso texto es acompañado por la sensibilísima actuación de Ottavia Piccolo quien, por medio de una voz implacable, hace carne los pasajes de un cuento inhóspito. La música refuerza el ya impactante clima. Toda dimensión de la obra apunta de manera solidaria y decidida al golpe, pero esta vez al necesario golpe: cuando los objetos nos desgarran a través del grito, eran sujetx, y entonces toda demagogia vale. Ese grito, sin embargo, debiera haber estado en otro idioma.
Occident Express es la insuficiente cachetada que nos devuelve a los sentidos ya no hechos, ni imágenes, ni informes, sino una voz, una existencia en la precarización de la vida que implican las migraciones. La humanidad descartable nos devuelve afectos que oportunamente nos perturban.

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Análisis: Observation para PS4

Por Daniel Alvarez

De la mano de No Code Studio y Devolver Digital, nos llega este juego llamado Observation. Este título nos cuenta la historia que comienza con Emma Fisher, tripulante de una estación espacial, quien despierta muy lejos de donde debía estar, con su nave extremadamente dañada y sin saber dónde está su tripulación. Se trata de un juego que resulta un enigma desde el inicio, y que debemos resolver los misterios junto a SAM, una inteligencia artificial con rasgos humanos que tiene la habilidad de de controlar los circuitos de la nave, aspecto que será de gran utilidad para el desarrollo del juego. Se trata de un thriller con una potente narrativa, marcada por el suspenso y la imprevisibilidad, acompañada por una jugabilidad por momentos dificultosa y una visual realmente imponente.

Observation es un juego muy particular, tanto por su narrativa como por su jugabilidad. Si bien la base de sus aspectos jugables van desde la exploración a la resolución de puzzles, requiere un trabajo de observación bastante minucioso por parte del jugador. Es una realidad que su ritmo es lento, pero lejos de aburrir, este trabajo de exploración va sirviendo para construir una narrativa que también se va cocinando a fuego lento, ya que poco sabemos lo que ha pasado en la tripulación, de principio lo importante es la supervivencia, aunque parezca una tarea ya imposible. El género thriller le queda muy bien calado , el suspenso está presente y por momentos la tensión también, existen tramos que nos hace recordar a la película Gravity de Alfonso Cuarón, más que nada por ese sentimiento de peligro y «claustrofobia» por encontrarse en un mundo tan abierto y vacio. Su jugabilidad consiste en controlar a la inteligencia artificial llamada SAM, con quién debemos hacer control de distintos espacios de la nave para resolver los misterios y encontrar tal vez una solución a este incidente. En el desarrollo del juego, debemos resolver puzzles, que nos servirá para darle acceso a la operadora para administrar circuitos, desbloquear puertas, entre otras cosas. La dificultad es variable, y puede que en momentos uno no encuentre la manera de seguir adelante, por lo que se requiere mucha atención para seguir la historia de forma lineal y constante. Cómo mencionaba, su desplazamiento de cámaras y progreso pueden resultar algo lentos, pero su importancia radica en el seguimiento de la historia, en lo que realmente se centra el juego.

Su apartado visual es realmente imponente, es uno de los aspectos más destacados dentro del juego, ya que recrea a la perfección la ambientación en el espacio exterior, un mundo que desde su naturaleza puede resultar bello y terrorífico a la vez. Existe una clara inspiración al cine espacial en cuanto a su estética, en el que podemos nombrar películas como 2001 Odisea en el espacio, Moon, Gravity, entre otras. Las escenas en superficie son sumamente magistrales ,con efectos sonoros que pueden resultar abrumadores pero que se acopla a la perfección con la tensión del juego.

En cuanto a la duración del juego, uno puede demorar alrededor de 6 horas en completar la historia, que si bien no es un título largo, esto resulta un alivio para evitar el tedio en su desarrollo. A partir de su lanzamiento, luego de una actualización, el juego cuenta con subtítulos en español, necesario para que el público hispano pueda seguir la narrativa sin la dificultad del idioma.

Observation es una experiencia visual y narrativa que vislumbra con una historia llena de misterio y suspenso. En cuanto a su jugabilidad, se basa en la exploración y resolución de puzzles, en la que se debe prestar mucha atención a todo lo que hay alrededor, construyendo su narrativa de forma pausada pero sin decaer. No es un título para todo tipo de jugador, pero para aquellos que están interesados en los thriller y aventuras espaciales, se trata de una experiencia más que satisfactoria.

Calificación 8.5/10

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Análisis: A Plague Tale: Innocence para PS4

Por Jorge Marchisio
En la Francia medieval, todo parecía ir bien para Amicia y su familia, salvo para su hermano Hugo, que tiene una extraña enfermedad que lo tiene recluido en su cuarto. Cuando una misteriosa plaga de ratas carnívoras nocturnas empieza a asolar la zona, la Inquisición le echa la culpa a la patología del pequeño. Ambos hermanos deberán escapar de los animales y humanos que los quieren matar, mientras intentan averiguar que está pasando.

A plague tale: innocence era de esos juegos que, sin hacer tanto ruido, era esperado por los gamers. Ya sea desde su historia o planteamiento, se veía como algo original al típico videojuego de matar y matar. Por suerte los amigos de Asobo Estudio estuvieron a la altura, y nos dieron algo digno de las expectativas que tenía.
La mecánica del juego es bastante simple. Cuando es de día, debemos evitar a los soldados de la inquisición, valiéndonos de nuestra honda; ya sea para hacer ruido y atraerlos a determinado lugar, para hacer caer objetos o simplemente para noquearlos de un golpe en la cabeza. Cuando es de noche, debemos movernos por zonas iluminadas a las que las ratas le son fóbicas; la honda vuelve a ser de utilidad cuando tenemos munición ígnea. Y en algunas situaciones, ambos contextos se mezclan, haciendo que el juego se complique más.

Lo malo de esto, es que para aquellos que se aburren con tanto sigilo y no poder ir matando a diestra y siniestra, desde ya les decimos que este videojuego NO ES PARA USTEDES. Ya que estamos ante un game que nos exige mirar y analizar la situación, antes de movernos si no queremos que a nuestra protagonista la terminen matando.
Como abran notado en la sinopsis de la historia, en la aventura nos acompaña un personaje. Estas decisiones por parte de los estudios son una moneda al aire, ya que pueden salir compañeros muy útiles como Ellie de The last of us, o totalmente inútiles como Ashley en Resident Evil 4. Por suerte Hugo no se acerca al segundo caso. Si bien no es demasiado útil a la hora de avanzar, con unos simples comandos podemos hacer que se quede o nos acompañe, dependiendo la situación, o incluso que nos abra algunas puertas pasando por agujeros. Un personaje simple pero efectivo.

A plague tale: innocence es un juego bastante recomendable, pero no para todo el mundo. Si les gustan las buenas historias, y los desafíos donde debemos usar la cabeza más que los reflejos para matar; sin dudas están ante una más que recomendada opción.

Lo mejor: la trama, la jugabilidad brilla en su simpleza.

Lo peor: puede tornarse repetitivo.

Calificación 8/10

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Argentina Cómic-Con: 10 horas de intenso frikismo y un fin de semana a puro pop y cómic.

Por Gonzalo Borzino
Este fin de semana se lleva a cabo la onceava entrega semestral de la Comic-con Argentina. Ocupando el complejo Costa Salguero, cerca del aeroparque Jorge Newbery, esta convencion reune a los mayores exponentes locales e internacionales del mundo audiovisual y del comic. Prepárense para 10 horas de intenso frikismo, un fin de semana a puro pop y comic.

El lugar:
Antes de empezar a hablar de los espacios debemos dar una advertencia a los lectores. Es IMPERATIVO que quienes asistan se bajen la app de la Argentina Comic Con, dado que a partir de este año, y con motivo del cuidado del medio ambiente, no se entregan más las clásicas revistas informativas del evento. Llevaran constancia del mapa, el cronograma de actividades, y la lista de invitados corre por cuenta propia, a menos que se bajen esta comodísima aplicación que, además, permite utilizar filtros exclusivos del evento y crear un calendario personalizado para asegurarse de no perderse nada.
Principalmente vale la pena por el mapa ya que el lugar es inmenso. Se van a perder y van a andar desorientados preguntando donde queda el norte cada dos pasos. Lo sé, me pasó. Y esta confusión no es para menos, ya que la convención cuenta con los masivos 5 pabellones, junto a las salas A y B (auditorio y zona de gaming), además de los espacios descubiertos que suman alternativas gastronómicas y actividades para chicos al aire libre, cubriendo un total de ¡30.000 mts2!

Mapa del predio. Una bestialidad.
Los pabellones 2 y 3 son los pabellones mainstream. Aquí se dispone de tiendas de artículos exclusivos de Sony, Cartoon Network, Marvel y DC, así como stands temáticamente dedicados a Harry Potter y Game of Thrones. Aquí también se puede visitar un stand colosal de los funko, esos monigotes coleccionables que por alguna razón no podemos dejar de coleccionar, como imbuidos por magia maléfica. Yo que ustedes tendría cuidado con esos, son malignos. Y desde luego, no pueden faltar los puestos de las grandes editoriales como:

  • Editorial Ivrea, con sus infinitas líneas de mangas, a veces porteñamente traducidas. Estamos hablando de My Hero Academia, Dragon Ball Super, Tokyo Ghoul, Goblin Slayer, The promised Neverland y los trabajos de Junji Ito (el mangaka loco detras de Uzumaki y Gyo).
  • Panini y Ovni press, entregando todo lo referido a Marvel, Atack on titan, Knights of Sidonia y Akira (que ahora que es contemporáneo, deberíamos empezar a vestirnos como lo hacen en él).
  • Utopía editorial, editora de comics alternativos, entre los cuales se encuentran Ich (Majora’s mask, pero hecho acá), Starlight, Saga, Umbrella Academy (tal como lo vio en Netflix), Hetalia (el manga que mantiene vivo fanfiction.com) y Tank girl.


Bolsos, dragones y white walkers.
Continuando con el pabellón mainstream podemos encontrar los puestos de las grandes productoras como Warner con su recreación de la cafetería de Riverdale y la habitación del joven Sheldon Cooper. Por otro lado, Sony se presenta con Hombres de negro: Internacional, Spiderman: Far From Home en los canales venecianos y Red de angry birds. Pero que el espectáculo no termina ahí, porque también se encuentra la posibilidad de entrar en la casa maldita de los Warren, sacar una fotografía 3D con temática de IT, grabarse con divertidos efectos tematizados de Godzilla II: King of monsters y una terrorífica experiencia recorriendo chrismasland de Nosferatu (Netflix). Por último vale la pena mencionar al stand del polo audiovisual de Córdoba, punta de estimulo para el desarrollo de productos audiovisuales de y en la provincia, entre los que se encuentran la serie de ciencia ficción y robots gigantes Hexian X y la llave del Universo (cuyos modelos se encuentran en el stand) y la serie animada El genio de la manzana.

¡Màs fotos! ¡Fotos del hombre araña!
Pasando al pabellón 1, hacia un costado, se respira aire gamer. Imperando el área de la AGS (Argentina Game Show) se encuentra el escenario del infaltable Just Dance, donde cualquiera puede subirse y sentirse el centro de atención. Luego, ya en la modestia, se hayan maquinas con lo último: FIFA, Mortal Kombat 11, Injustice 2, Assassin’s Creed: Oddysey, Days Gone, Spiderman, Jump Force y, desde luego, 12 maquinas corriendo fortnite.
Si lo suyo es la compra friki, no se puede perder de recorrer (y perderse en sus pasillos) el resto del pabellón 1 y el 4, con puestos de comic, manga, estatuillas, artesanías y hasta La masa. Si, leyó bien: el luchador de 100% lucha tiene un rincón en la Argentina comic-con. Destacamos entre estos la Tatooine Shop, con su amplia línea de figuras de acción de Star Wars, Art Machine, con sus impresiones 3D y demostraciones en vivo, A4 Editora, con sus formas originales de resumir y empaquetar arcos argumentales de los comics, Game Craft, con sus decoraciones hechas en madera, Amaterasu con sus infaltables replicas de espadas.
Aquí también se encuentra el auditorio, donde se han llevado a cabo charlas y presentaciones de series y propuestas audiovisuales o del mundo del comic. Hoy sábado pasaran la presentación por los 80 años de Batman (14:00), el retorno de La fosa a la publicación de comics (18:00) y la serie animada de La Masa a las (19:00), siguiendo el domingo con Como diseñar una nave espacial (13:00), las voces del doblaje argentino (14:00) y Gcomics(19:30). También es importante notar la presencia de gigantescos individuos como los Alexis Moreno (Guau, Cartoon Network) y los dibujantes Keith Giffen, Javier Garrón (DC), David Mack, Ariel Olivetti y Phil Noto (Marvel).

Un stand que no recuerdo el nombre pero que estaba allí ¡lo juro!
El pabellón 5, al fondo del establecimiento, está gobernado por el escenario principal donde se llevan a cabo los concursos de cosplay, los paneles de Chandler Riggs, Wyatt & Chosen y el desfile Star Wars. Del lado opuesto, se encuentra mi parte favorita: el Artist Alley, donde más de 100 dibujantes y guionistas se juntan para presentar de una forma más personal sus obras. Se hacen comisiones artísticas y se dan buenas charlas sobre el estado de la comunidad, con pasión conmovedora. En cuestión de autores están Franco Viglino (Jellykid), Salvador Sanz (Legión, el esqueleto), Silvio Daniel Kiko (Marvel, DC, docente), Christian Bevacqua (La cuca), Walter Gómez (Spinnerette), Luciano Saracino (Ich, necronomicon), los dibujantes Germán Peralta, Luciano Vecchio y Juan Frigeri (Marvel) y hasta Rodolfo Mutuverría (Dibu). También están las espectaculares esculturas de Mel Angelicchio, Pablo Ortelli y Carlos Díaz, La Forja Studio y Warlord creations; algunas con demostraciones en tiempo real y otras con ofrecimientos a cursos, para los curiosos de la materia.
Entre las editoriales no podemos dejar de mencionar La fosa, referente a la literatura de terror, Powah!, la editorial Uruguaya que permite a creadores del comic de acción del país vecino a tener un medio de expresión, Terminus libros, los santafesinos dedicados, principalmente, al thriller y al policial en novela grafica, los recientes Libera la Bestia, guionistas que en un año ya han sacado tres tomos y una adaptación y los DC y Marvel argentinos, UMC y CD comics, imperdibles universos súper heroicos nacionales.

Cara a cara con los creadores. O mano a mano, si te caen mal.

Las figuras:
El escenario fue el centro de entretenimiento para fanáticos, donde Wyatt Oleff, Chosen Jacobs (IT) y, posteriormente, Chandler Riggs (the walking dead) tuvieron una ocasión de cercanía con sus fans. A modo de ejemplo, les comentamos un poco como fue el panel de los primeros dos.
La imagen de los entrevistados se muestra en grandes pantallas con traducciones en simultáneo, para aquellos que no entiendan el idioma y los que quieran disfrutar del espectáculo desde las gradas. Wyatt Oleff y Chosen Jacobs tuvieron un momento cálido hablando de cómo, a pesar del pedestal en donde se les pone como actor, siguen siendo personas normales que al terminar un día de trabajo se van a ver Netflix. Siguiendo la temática, el mismísimo Pennynwise subió al escenario e hizo a los actores revelar sus miedos personales, luego jugando con el público para ver quién podía imitar la voz del payaso con su popular «hey georgie». Andy Muschietti, el director, hizo una aparición mediante un vídeo de saludos. Ambos actores señalan que en el trabajo él los invitaba a participar, tratándolos como actores, no como niños. Luego les dieron para probar vauquita y bon o bon, prefiriendo coherentemente mas el segundo que el primero. Finalmente mostraron escenas de la película del ’80, para buscar easter eggs en la nueva y el trailer de IT: capitulo 2. Tanto hoy, como el domingo, estarán los tres jóvenes estrella estarán dando charlas y paneles para complacer a sus fans que parecen multiplicarse a cada rato.

Buenos muchachos.

Las gangas:
Un último apartado dedicado a algunas ofertas económicas que no podemos evitar mencionar: Por un lado, y como es costumbre, La Revisteria ofrece packs de mangas desde $100. Son series poco conocidas, pero de géneros muy diversos. Desde la comedia romantiza Azul, pasando por la mecha-fantastica Maze, siguiendo por el puro shonen de Genocidio y Agharta. Hay para todos los gustos, y para todos los bolsillos. Excelente chance para conocer historias alternativas y fuera de circuito ¡Si me habré gastado un dineral con estas ofertas!
Por otro lado, IVREA cuenta con promos de 3×2 en efectivo y 4×3 con tarjeta con todos los tomos de su catalogo (no pagando, desde luego, el de menor valor). Una oportunidad para completar colecciones pendientes.
Finalmente nos ha llamado la atención el amplio stand que tiene This is feliz navidad, el local de suéteres vistosos y temáticos, el cual cuenta con descuentos en efectivo o 3 cuotas sin interés con tarjeta. Ideal para ya tener resueltos los regalos para el resto del año.
Para cazar las mejores ofertas, es recomendable tener un ojo vigilante y no tenerle miedo a las preguntas. Anímese a salir de la comodidad y encontrar esa freakeada que tanto lo tiene loco. Reiteramos, una vez más, lo necesario que resulta que se bajen la app de la ACC, ya que sin ella se les hará complicada la navegación por el predio. También estén atentos a ocasionales y esporádicos regalos (como un puesto de comida que regalaba ramen) ¡Esperamos verlos allí!

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