Archivo del Autor: Daniel Alvarez

Crítica: La voz de la igualdad

LA VOZ DE LA IGUALDAD (On the Basis of Sex, Estados Unidos/2018). Dirección: Mimi Leder. Elenco: Felicity Jones, Armie Hammer, Justin Theroux, Sam Waterston y Kathy Bates. Guión: Daniel Stiepleman. / Estreno en Argentina: 7 de Febrero de 2019 – Crítica: CJ COLANTONIO.

IMG_20190309_194814.jpg

La primera parte de esta película -un tanto trabada- se detiene en detalles de las dificultades que la protagonista tuvo para poder estudiar derecho.  Siendo muy aplicada, la trama cae en una especie de fantasía de una chica que con un esposo enfermo –también estudiante, pero avanzado- y un bebé, se las ingenia para estudiar por los dos y siempre de punta en blanco, estilo “Mad Men”.

Desde mi punto de vista, una cantidad de textos interesantes, algunos que podrían haber acelerado el tiempo de presentación del personaje, pero que parecen una justificación para lo que viene, aunque es innecesario.

La segunda parte, ya siendo abogada, vemos cómo comenzó a demostrar su interés por los derechos humanos, pero la trama parece querer eludir lo que hizo una referente del movimiento feminista y toma el pasaje de su vida donde defiende en la corte a un hombre.  Esta película elige ser un comienzo, pero no puede no mostrar a la verdadera, en el presente.

Recomiendo si quieren saber de Ruth Bader Ginsburg, el documental RBG que fue nominado al OSCAR.  Felicity Jones acompaña la propuesta y se destaca hacia el final.

Calificación: 6/10

por Deja un comentario

Crítica: Capitana Marvel

Por Agustín Villegas

La película de la polémica…

A mí en lo personal los dichos extremistas de Brie Larson en contra de los hombres blancos heterosexuales no me movieron mucho con respecto a lo que esperaba de éste film, soy capaz de comprender como las grandes empresas tienen que bajar linea para contentar al poder mundial real. Nosotros como espectadores y/o críticos tenemos que contemplar a las películas (u obras artísticas en general) como un TODO, analizar la calidad de las historias y, teniendo en cuenta que esto es cine de lo más comercial, observar como estas se adaptan a las tendencias actuales que los estudios PIENSAN que atraen público nuevo. No quiero sonar despectivo con respecto al cine hollywoodense, de hecho es el tipo de cine que más suelo consumir y del que más me gusta escribir debido a la trascendencia que éste tiene entre los lectores, pero los riesgos que las grandes empresas toman se basan en movimientos sociales protagonizados (en su mayoría) por gente que, si de verdad estuviese instruida con respecto a la cultura pop, no pediría personajes que muestren una diversidad superficial que solo entre por los ojos más que por los sentimientos … y claro, ¿como van a confirmar que sus petisiones son llevadas a cabo? la industria necesita demostrarlo en los aspectos mas visibles (posters, portadas, trailers) de lo que ellos no quieren consumir pero sí cambiar. Sarah Connor no necesitaba autodeteminarse como una mujer fuerte para que el espectador la considere como tal ya que sus solas acciones dejaban en evidencia su personalidad guerrera. El Joker, uno de los villanos más carismáticos, emblemáticos y conocidos de la historia, es abiertamente bisexual y jamás tuvo que confirmarlo con un poema de inclusividad para que se entienda. Ejemplos como estos hay miles y en caso de «CAPTAIN MARVEL» estamos ante un personaje aburrido que intenta probarnos a todos que no tiene que probarnos nada … vaya paradoja.

Hablemos un poco de la historia:

Vers (Brie Larson) es una guerrera Kree sin recuerdos de su vida pasada que lucha por la seguridad del universo. Junto a su grupo liderado por Yon Rogg (Jude Law) se ve envuelta en la emblemática guerra contra los Skrulls, unos aliens capaces de infiltrarse en cualquier sociedad gracias a su poder de convertirse en cualquier ser que vean. La aventura de nuestra protagonista la trae a su planeta tierra natal, en donde se alía con un joven agente llamado Nick Fury (Sam Jackson) para llegar a la verdad de la milanesa.

Antes de empezar con las indiscutibles falencias de la película quiero mencionar lo que me gustó. Samuel Jackson ofrece un acercamiento mucho más casual, cómico y hasta humano que el de su versión madura y tuerta vista en los films situados en la actualidad del universo AVENGERS. Además su rejuvenecimiento digital fue más que aceptable, pero que conste que el actor está en escabeche y con un poco de maquillaje le podemos creer a cualquiera que su personaje este en sus 40s. La dupla de Fury con el gato Goose es de lo mas gracioso y tierno que los guionistas lograron idear. El villano interpretado por Ben Mendelsohn es otro gran elemento, no puedo revelar el POR QUÉ exactamente pero su personaje nos permitió ver una faceta del actor alejada de lo que estamos acostumbrado a ver en sus papeles más recientes. Volvemos a ver personajes como Phil Coulson (Clark Gregg), quien actualmente goza del éxito teniendo su propio show de televisión, al guerrero Korath (Djimon Honsou) a quien se le da un poco más de personalidad que en su primera aparición en ‘GUARDIANS OF THE GALAXY’. Lee Pace retorna como Ronan el Acusador pero sin aportar nada muy nuevo a la trama. Y para cerrar la forma en la que lograron plasmar la decada de los 90′ fue sublime, desde la música hasta los chistes de epoca nos recuerdan que ya estamos bastante mayores. Por lo general consideraría esto negativo por el enfrentamiento con mí propia mortalidad que ésto conlleva, pero fue una de las primeras películas en hacerme sentir nostalgia por cosas que los nenes de ahora ni siquiera conocen.

Pasemos a lo malo…

Lamentablemente y como muchos esperamos Brie Larson fue una de las peores actuaciones protagonicas del universo Marvel hasta la fecha. Ésto no es solo culpa de la actriz, el guión se molesta constantemente en probarnos que Carol tiene la posibilidad de sobreponerse ante obstaculos que ni ella sabía que tenía en frente. Los personajes secundarios nos quieren hacer creer que ella es lista, graciosa y genial pero en ningún momento fui capaz de captar esa sensación. Cero encanto, cero carisma y cero interes con respecto a su historia.

El apartado visual de la película me recordo al de ‘SOLO: A STAR WARS STORY’. Todo es tan oscuro que apenas podemos ver lo que esta pasando, esto nos distrae muy facilmente de la tensión dramática y, más que nada, de las escenas de acción.

Hay muchos detalles feos de la historia que si mencionase se considerarían spoilers grosos, pero les adelanto que el sorpresivo plot twist es innesesariamente desleal al material original y tira a la basura la posibilidad de hacer TODA una fase de películas centradas en un evento comiquero que esperaba ver en cines.

En definitiva yo si fuera ustedes me ahorraría la entrada de ‘CAPITANA MARVEL’ para ‘AVENGERS: ENDGAME’. Si se limitan a enfocar la atención en los origenes de Nick Fury y en la creatividad de algún que otro concepto de ciencia ficción quizás está sea una película medianamente aceptable, aunque es probable que solo recuerden lo escencial para cuando veamos la guerra final contra Thanos … espero con todas mis fuerzas que Carol no sea la heredera del protagonismo del universo cinematográfico Marvel, porque de ser así dudo que muchos mantengamos el interés.

Calificación 5/10

por Deja un comentario

Análisis de Tyr: Chains Of Valhalla para PS4

Por Jorge Marchisio
Tyr: Chains of valhalla se sitúa en un mundo futurista, donde tomas control de Turismo, quien empuñando un cañón de plasma creado por el científico O. Din, debemos salvar la tierra de peligrosas criaturas tecnológicas.


Tomando varias referencias de la mitología nórdica, Tyr: Chains of valhalla se sitúa en un mundo cyberpunk, donde de avanzando de forma lateral, debemos ir acabando con hordas de enemigos y resolviendo pequeños mini puzles fácil de realizar.

Hasta ahí parece un juego más, que no ofrece nada nuevo. Pero hay un pequeño detalle que le da una cuota de dificultad a Tyr: Chains of valhalla. Y es que nuestra arma puede disparar tres tipos distintas de munición, con cada una teniendo ventaja sobre diferentes tipos de enemigos. Esto hace que, en pleno tiroteos, tengamos que tener en cuenta a que le disparamos, y cambiar de munición, para poder avanzar, o de lo contrario, tener que disparar casi el triple sobre nuestros oponentes.

_noticias_mx_-4034292.jpg
Esto, sumado a que solo podemos recibir tres impactos antes de que nuestro héroe regrese al último checkpoint, hace que Tyr: Chains of valhalla sea mucho más complicado de lo que podría parecer, haciendo que siempre debamos estar atentos no solo a la cantidad de rivales y sus ataques, sino el color de sus armas para saber con qué dispararle nosotros.
Y para agregar un grado de dificultad más, tenemos solo una hora para terminarlo, algo que se nos recuerda de forma constante ya que, sobre el margen superior derecho, tenemos un reloj que nos irá recalcando con cuanto tiempo contamos antes de que perdamos. Quizás eso le reste un poco a su durabilidad, pero a la vez nos hace estar concentrados al 100%.

tyr_chains_of_valhalla-4779753.jpg

Tyr: Chains of valhalla logra complicar las cosas a los jugadores, para despegarse de la mayoría de juegos independientes que parecen mas para celulares que para consola. Si bien se hace algo corto o reiterativo en su mecánica, es lo suficientemente adictivo como para enganchar al promedio de los gamers.

tyr.png

Lo mejor: más difícil de lo que parece. Un bello apartado visual.

Lo peor: se repite en sus mecánicas, casi no hay puzles.

Calificación: 6.5/10

por Deja un comentario
Categorías: Sin categoría

Reseña: Lo mejor de mí está por llegar

Por Victoria Seri

El jueves 28 de febrero vi Lo mejor de mí está por llegar en El Arenal Teatro ubicado en el barrio de Villa Crespo. Como bien dice la gacetilla, su eje central es el patriarcado. La obra es una versión libre de  Medea de Eurípides.

Flyer.jpg

Para aquellos que no conocen esta historia, se trata de una antigua tragedia griega basada en el mito de Jasón y Medea, en el cual ella es abandonada por Jasón, para casarse con otra mujer, la hija de un rey. Esta situación hace que Medea se sienta deshonrada y emocionalmente inestable, traicionada. Así que mata a la prometida de Jasón. Para evitar represalias también mata a sus propios hijos y escapa.

En la adaptación contemporánea que realiza Jorge Acebo y Juan Carlos Rivera del drama griego en Lo mejor de mí está por llegar, aparecen los personajes principales, Medea y Jasón, mostrando una relación desigual en la cual prima la violencia de género. Se trata de una relación abusiva donde hay encubrimiento por supuesto, porque si no estas maneras de vinculación no podrían existir.

La propuesta teatral es insuperable. El espacio se encuentra bien acondicionado y preparado para toda la puesta. Es muy ameno el teatro.

El equipo lo es todo. Florencia Galiñanes lo da todo y más en el escenario, con una actuación comprometidísima. Salvo por algunos momentos de visuales y voces en off, está en el escenario transmitiendo constantemente con una intensidad y solidez que llega al espectador, lo hipnotiza. Los momentos de la narración más duros son acompañados por música en vivo de parte de Maximiliano Pugliese. El recurso de la cámara en vivo que maneja Nicolás Condito no lo había visto antes en teatro. Le suma realidad y permite la interacción de Medea con otros personajes. Así como también nos hace pensar por momentos que estamos al frente de un documental con primeros planos de Medea que nos acercan a su dura historia y relato.

Un dato para tener en cuenta, Lo mejor de mí está por llegar fue declarada de interés social y cultural por la Confederación Parlamentaria de las Américas, Red de Mujeres Parlamentarias de las Américas y cuenta con el apoyo de Mujeres sin miedo y Juntas y a la izquierda.

 

Ficha técnico artística:

Dramaturgia: Jorge Acebo, Juan Carlos Rivera

Actúan: Florencia Galiñanes

Músicos: Maximiliano Pugliese

Diseño de vestuario: Priscila Iaria

Diseño de luces: Paula Fraga

Audiovisuales: Nicolas Tete

Cámara: Nicolás Condito

Fotografía: Juli Rodríguez

Diseño gráfico: Maximiliano Pugliese

Asistencia de dirección: Nicolás Condito

Prensa: Marisol Cambre

Dirección: Jorge Acebo

Duración: 75 minutos

por Deja un comentario

Reseña: En lo alto para siempre

El jueves 28 de febrero se llevó a cabo el reestreno de la obra En lo alto para siempre en la sala Oreste Caviglia del Teatro Nacional Cervantes. Una obra que además de tener presente una intensa labor actoral, con una excepcional María Onetto, nos coloca al espectador desde una vista privilegiada, mostrándonos el golpe de realidad que su historia presenta.

Esta obra se encuentra construida a través de textos del escritor estadounidense David Foster Wallace, un autor que forma parte de la cofradía de los escritores suicidas. Esta obra escrita por Camila Fabbri y Eugenia Pérez Tomas, nos cuenta la historia de Virginia, una mujer que se pasa todo el día en la terraza de su hogar, sitio donde tiempo atrás su hijo se había suicidado. Incapaz de superar esa pérdida, ella vive constantemente sintiendo el impulso de arrojo, denotando esa tensión que existe entre el cuerpo y el pensamiento. Ante la necesidad de realizar reparaciones en la casa, la aparición de la hija de Virginia y de un plomero, funciona como catarsis a la visión que cada uno de los personajes tienen sobre cómo la vida se ve desde arriba. El hijo, hace un reflejo de su presencia, recordándonos en repetidas ocasiones aquel arrojo, remarcando los quiebres que ocurren a lo largo de la historia.

Esta puesta en escena, se desarrolla a través de la excelente labor de los actores. María Onetto compone un personaje que transmite toda su sensibilidad en cada palabra y cada gesto. Por momentos los gestos hablan mucho más que el texto, el personaje del hijo no llega a emitir palabras pero aún así su mensaje es muy claro.

La escenografía está representado en un espacio mínimo e íntimo, donde la altura tiene un significado hacia la vista del espectador. A su vez tenemos un trabajo muy detallado en lo amoblado, que poco llega a usarse pero que en momentos logra desviar la atención en los momentos que los personajes transmites su incomodidad. La música juega un papel importante dentro de la obra, aunque en fragmentos determinados , cada melodía y letra pone a los personajes en su lugar, a la vista de todos los que nos encontramos debajo.

En lo alto para siempre es una obra que se aprecia desde su sensibilidad, una emotiva mirada de una madre que no puede evitar ver todo desde arriba, donde ves todo, pero no todo lo miras llegas a comprender. Magnífica interpretación de María Onetto, acompañada de una intensa labora actoral por parte de todo el reparto. Se trata de una propuesta más que recomendable, que nos ataca desde lo alto con un golpe de realidad que nos permite ver la fragilidad humana desde un lugar privilegiado.

En lo alto para siempre se presentará de jueves a domingos a las 21 h, desde el 28 de febrero hasta el 31 de marzo.
Con Sergio Boris, Pablo “Kun” Castro, Delfina Colombo, María Onetto
Localidades: 280 pesos.
50 % de descuento para jubilados, docentes y estudiantes de instituciones públicas, con acreditación
por Deja un comentario

Análisis: Observer para Nintendo Switch

Por Matías Dinardo 

Viviremos un futuro distópico en un juego de género cyberpunk, dónde encarnamos la piel de un detective en búsqueda de su hijo desaparecido.

observer_cover art.png

En Observer estamos en el año 2084, en Polonia, donde la gente se hace implantes neuronales para escapar de la deprimente realidad. Nuestro protagonista, Daniel Lazarski, pertenece al grupo de los Observadores, profesionales que pueden hackear los implantes neuronales de las personas para entrar en sus mentes y así vivir los recuerdos para encontrar pruebas.

Observer_Victim.jpg

Este título, mezcla de ciencia ficción y terror, nos dará una buena posibilidad de asustarnos, por la atmósfera excelentemente lograda y una historia súper oscura donde no se escatima en sangre, elementos escatológicos y podredumbre.

Los gráficos son impresionantes, con un gran nivel de detalle y una banda sonora para destacar en el apartado de voces originales (con subtitulos en español) con  el actor Rutger Hauer, que hizo de Roy Batty en Blade Runner. Otra cosa interesante es un protagonista en el rango etario de la tercera edad, cosa que no suele suceder en los videojuegos.

Observer_the keeper

Hay muchos puzzles por resolver dentro de nuestras investigaciones de escenas del crimen. Podremos agarrar objetos, abrir puertas y cajones, mirar e investigar con dos tipos de visiones especiales: electromagnética y de restos biológicos.

Una de las mecánicas más interesantes del juego es cuando nos metemos en la mente de las víctimas o asesinos, y donde la lógica cambia y todo se vuelve surrealista y… terrorífico. Hay que enfrentarse a reglas propias internas, a miedos ocultos de la persona o a espacios de lo más extraños. A veces los diálogos son un poco lentos, cuando los personajes hablan tomándose todo el tiempo del mundo y eso puede ser realmente exasperante.

En definitiva es un juego muy interesante, con gran ambientación y mecánicas y un guión digno de cualquier otro formato. Si te interesa la temática, es un juego que sí o sí hay que jugar. Miedosos abstenerse.

Observer_club.jpg

 

 

Lo mejor:

– Ambientación y atmósfera general

– El guión, los diálogos y el doblaje de voces

– Originalidad y riesgos asumidos.

Lo peor:

– Algunos personajes hablan lento…

– Cuesta acostumbrarse a las visiones especiales

– Es bastante corto pero intenso

Calificación 7/10

por Deja un comentario

Análisis de Treasure Stack para Nintendo Switch

Esta semana se ha lanzado el juego Treasure Stack, título publicado por pixelakes. Se trata de un juego de puzzles con claras referencias a tetris, pero con algunos tintes de acción que hacen la experiencia muy particular. Un título que también se puede disfrutar a través del servicio online, con un mecanismo sencillo pero que a la vez necesita bastante práctica para acostumbrarse a él.

El juego se desarrolla a través de un tablero, donde el jugador controla a un personaje que es capaz de manipular cofres y demás elementos dentro de dicho tablero. Así como en un Puzzle como tetris o Candy Crush, debemos realizar combinaciones para evitar que los cofres lleguen a la línea que nos llevará a la derrota. Es un juego simple, aunque su jugabilidad requiere algo de habilidad.

Jugabilidad:

Nuestro personaje se mete dentro del tablero, recibe y manipula los cofres y objetos que van cayendo. Básicamente debe unir los cofres y llaves correspondiente a cada color, para ir eliminandolos y evitar que el tablero desborde. A su vez aparecen elementos y habilidades que complementan las características que posee el juego, siendo desafiante y muy competitivo para jugar con otros. El control es bastante simple, en el inicio del juego ya nos explican todo lo que debemos hacer para una correcta jugabilidad. A pesar de su simpleza, se requiere algo de trabajo el acostumbrarse a su control y combinaciones, haciéndose más entretenido cuando uno realmente le agarra la mano al juego. Algo muy positivo en el juego, es que cuenta con variedad de modos y contenido, teniendo la posibilidad de jugarse online a través de eventos o contra jugadores aleatorios, así como también utilizar el modo fiesta que puedes jugar hasta con cuatro jugadores, además del juego solitario obviamente. El título de disfruta mucho desde su competitividad, obligando casi tener con quién jugar, sea en forma local u online. El modo online realmente funciona bien, en las veces que se lo ha probado la conexión ha sido bastante rápida y las partidas muy dinámicas.

El juego también cuenta con la posibilidad de obtener elementos que se utilizarán para la personalización de tu personaje y su garfio, algo que complementa a la experiencia de su jugabilidad. El progreso es necesario para completar las habilidades de tu personaje, haciendo que puedas estar varias horas para completarlo. La dificultad es moderada, basta solamente con acostumbrarse a sus mecánicas de juego , para luego adentrarse en sus partidas que son dinámicas y entretenidas.

Apartado Técnico

En cuanto a su apartado visual, el juego cuenta con un diseño artístico correcto, desarollado a través de sus gráficos en píxeles. La cantidad de elementos para los personajes, hacen atractivo a este apartado, aunque podría ser mejorable en cuanto al diseño de escenarios. La música es armoniosa y se acopla muy bien al tipo de jugabilidad que posee. El título tiene un peso del alrededor de 200 Mb y cuenta con títulos en español, algo que se agradece siempre.

Duración:

La duración puede ser variable, ya que depende del interés del jugador en conseguir los elementos para tu personaje, algo que puede demorarte varias horas. El juego contiene características que aumenta la experiencia de su jugabilidad, como el multijugador entretenido y los modos online que realmente funciona bastante bien.

Conclusión:

Treasure Stack es un juego que resulta entretenido y ocurrente dentro del género de puzzles. Es un título que se disfruta más si tienes con quién jugar, ya sea con amigos en modo local o a través de sus modos online, que funcionan bastante bien. Cómo dato negativo, el juego cuenta con un precio de 19,99 dólares, algo que resulta un poco excesivo para la oferta de títulos independiente que hay en la eshop, y que puede ahuyentar a posibles nuevos jugadores.

Lo mejor:

Jugabilidad dinámica con variedad de contenido

Multijugador entretenido

Modo online que funciona bastante bien

Lo peor:

Diseño artístico mejorable

Puede que resulte algo complicado acostumbrarse a sus mecánicas de juego

El precio resulta algo excesivo comparándolos con la variedad de títulos independientes disponibles en la eshop

Calificación: 6.5/10

por Deja un comentario

Análisis: Zombie Night Terror para Nintendo Switch

Por Matias Dinardo

“Zombie Night Terror” es un juego del tipo “lemming”, si podemos decirlo así. ¿Recuerdan  a esos pequeños seres que teníamos que evitar que se maten? Bueno, acá hay una premisa parecida pero con zombies. En vez de evitar que se maten, nuestro objetivo es infectarlos a todos. Somos el cerebro detrás de los sin cerebro, capaces de hacer que nuestra horda de no muertos infecte y aniquile a todos los seres humanos. Y no será fácil.

H2x1_NSwitchDS_ZombieNightTerror_image1600w

Al principio vamos aprendiendo a controlar nuestros zombies básicos, aprenden a saltar, correr, explotar hasta llegar a diferentes clases de zombies con los que podemos lograr una infinita cantidad de opciones, como despertar cadáveres, saltar de un edificio a otro, o romper una seguidilla de drones con metralleta.

zombie_night_terror_special_edition_2.jpg

La versión para Switch es la novedad, ya que es un juego que ha salido para PC y otras plataformas. La jugabilidad se ve algo afectada ya que necesitamos apuntar y clickear, como si de una computadora con mouse se tratara, y esa función se puede cumplir en Switch de dos maneras: con los joy-con moviendo las manos “en el aire” o poniendo la consola en modo portátil y tocando la pantalla para activar nuestros movimientos.

zombie-night-terror-05.jpg

El juego es muy entretenido y las visuales con pixel art están muy bien logradas, a todo fan de películas y series le puede llegar a gustar, además de ser asiduo de juegos de estrategia. El juego tiene infinidad de referencias al subgénero zombie, desde George Romero hasta una aparición de Rick de The Walking Dead. A veces se hace muy difícil y eso puede ser algo molesto. Pero lo recompensa con una creatividad inmensa a la hora de crear tipos de niveles y puzles. Hay que destacar una banda sonora de 8 bits que es magistral.

Zombie Night Terror es un juego fresco, como mucho amor no muerto, que les gustará a todos los amantes de los lemmings… eh, digo, zombies.

ss_1f83a708028ccda5e16ace3bfcbcd8a32ad76b9e.1920x1080.jpg

Lo mejor:

– Banda sonora de 8 bits excelente

– Gran diseño de niveles y variantes

– Referencias por doquier

Lo peor:  

– En Switch los controles por movimiento son bastante frustrantes

– La dificultad es muy grande por momentos

– No hay checkpoints o puntos de guardado dentro de los niveles

 

Calificación: 8/10

por Deja un comentario

Crítica de cine: Maligno

Por Gonzalo Borzino

Luego de mucho tratar, Sarah (Taylor Schilling) y John (Peter Mooney) logran cumplir su mayor deseo: tener un hijo. Miles (Jackson Robert Scott), resultando ser un niño sumamente inteligente, es enviado a escuelas especiales para desarrollar su jovial mente de genio, incentivado por sus padres que lo ven como alguien único. Sin embargo, a medida que crece comienza a mostrar facetas oscuras de su mente, revelando una psiquis perturbada por algo que él describe como una entidad que despierta mientras él duerme. Sus padres, sin saber qué hacer, solo pueden ser testigos de cómo su pequeño se va convirtiendo en otra persona, hasta el punto en que ellos mismos no se sienten seguros con él. Lentamente, Sarah se percatará de lo que tiene que hacer para curar su malestar y salvar a su familia.

IMG_20190302_005351.jpg

Nicholas McCarthy (Home, El Pacto, Holidays) vuelve a meterse de lleno en el terror junto al guionista Jeff Buhler (cementerio de animales, Jacob’s Ladder) con este film del subgénero de niños diabólicos que se siente bastante cercano a la saga de La Profecía (The Omen) y a La Huérfana. Con varios jumpscares bien colocados y una fotografía agradablemente lograda, la película narra la historia de forma poco personal, dándole un rastro de dejadez y, quizás, sacrificando un poco la sensación de urgencia y pánico ante un niño que no es lo que parece.

A nivel actoral, Taylor se ha lucido transmitiendo un gran sentido de ahogamiento a través de sus expresiones de terror. A medida que el personaje de Sarah se va haciendo más consciente de lo que el espectador ya descubrió en la última media hora, su rostro se transforma progresivamente, acompañando el ritmo de la película. Y que decir de Jackson, una promesa actoral que ya participo del genero como Georgie en la remake de IT. El juego de miradas que posee es superlativo y su dicción pausada y clara da a lugar a los momentos auténticamente perturbadores de la película, para disgusto de algunos debido a la naturaleza de los mismos.

Lamentablemente la premisa acaba sufriendo de un vacío de contenido, dejando pocas preguntas a desarrollarse a lo largo de la trama, consecuencia de una pequeña sobredosis de información que se le da al espectador muy tempranamente en la cinta, de forma injustificada. Se alimenta de personajes sosos que no siguen su sentido común y de conveniencias demasiado especificas y poco practicas que generan un daño en el verosímil. Asimismo, intenta ponerle reglas a lo paranormal, pero las deja lo suficientemente difusas como para frustrar al consumidor atento.

Este es un ejemplo de dos creadores de género, volviendo a hundirse en terreno conocido. Con un nivel actoral fenomenal, fotografía y locaciones interesantes, todo parece indicar que sus problemas provienen de un guion que jamás se leyó en voz alta. A su vez, sufre de publicidad engañosa, vendiéndose con un trailer atractivo y la atrevida frase «debimos eliminar escenas porque resultaban demasiado fuertes para el público«, cosa que desde luego no se llega a saborear ni por asomo en el producto final. Para determinar que esta película es regular, no hace falta ser ningún prodigio.

 

Puntaje: 5.5/10.0

por Deja un comentario

Crítica: La Naranja Mecánica

La adaptación teatral de La Naranja Mecánica, resulta una experiencia muy particular. Se trata de un proyecto con características de teatro comercial, pero que ha sido montado en un espacio del circuito independiente. La idea de este tipo de producción es método para probar cómo encaja el proyecto en el público, teniendo la posibilidad de que en el futuro pueda presentarse en otro tipo de salas. La realidad es que su estreno en El Método Kairós le ha sentado muy bien, ofreciendo una producción vistosa y que a su vez ofrece una mirada íntima de la obra de Anthony Burgess.

image004.jpg

Existen dos tipos de públicos ideales para esta obra, primero para los que tienen conocimiento de la novela de Anthony Burgess y/o la adaptación cinematográfica de Stanley Kubrick, teniendo esta adaptación mayor relación con el último. El otro tipo de público, es aquel que no ha conocido ninguna de las dos obras, siendo una ocasión ideal para acercarse a este complejo relato sobre la violencia y su relación con el conductismo. No creo que sea necesario dar detalles sobre su historia, aquel que no la conoce debería simplemente acercarse ciegamente a ella. Sobre la adaptación mantiene gran fidelidad al material original, obviamente adaptando algunas cuestiones del lenguaje siendo más cercano a lo nuestro, pero aún así manteniendo la universalidad que le es característica. Si bien se trata de una versión más simplificada de la obra de Burgess, logra captar su escencia y comunicar el mensaje que esta deja, sobre todo en su excelente último acto.

Lo más destacado de esta propuesta radica en la forma que han logrado adaptar la historia en el lenguaje teatral. El director Manuel González Gil ha brindado un trabajo eficaz al montar una obra vistosa, rica en contenido y escenarios, pero manteniendo un trabajo simplista en su puesta escénica. Acompañan algunos recursos musicales, que si bien la obra no se la puede catalogar como una propuesta musical, resulta un añadido que se refleja en el desarrollo de la historia y nos pone en el lugar donde esta transcurre. Lo único que quizas puede llegar a cuestionarse, es la forma en que se adapta la escena del crimen en el cual atrapan a Álex, mostrándose de una manera resumida, siendo un fragmento que tiene mucha importancia dentro de la historia. Recordemos que la novela también refleja una visión futurista que el autor ha plasmado en su obra en el año 1962, por lo que al día de hoy mantiene una estética que mezcla lo punk con lo clásico, perfectamente ambientado en el espacio que brinda el Kairós.

En el terreno teatral, el papel de Álex lo interpreta el actor Franco Masini, quien últimamente se ha involucrado bastante en propuestas teatrales. Desde mi opinión, me ha costado ver al actor en el papel de Álex, si bien estéticamente mantiene ese rasgo angelical que denota el personaje, puede que no se haya desarrollado del todo el costado violento y sádico que representa al personaje. De todos modos cabe destacar que hay un gran trabajo actoral de todo el equipo en su conjunto, siendo que también es una obra muy compleja para adaptar y transmitir su mensaje, algo que se ha podido mostrar de manera sobresaliente.

La Naranja Mecánica es una propuesta teatral que merece ser vista , primero por la correcta adaptación que se ha hecho a una obra maestra de Anthony Burgess y que se refleja mucho con la adaptación cinematográfica de Kubrick. Esta adaptación es recomendable para aquellos que le interesen ver una nueva mirada desde lo teatral de este relato, pero es más recomendable para aquellos que aún no conocen está historia que nos invita a reflexionar sobre la condición cruenta y destructiva del hombre.

Ficha técnica

De Anthony Burgess

Versión Manuel González Gil

Traducción Pablo Rey

Elenco: (por orden alfabético)

Escritor / otros: Lionel Arostegui

Ministro / otros: Enrique Dumont

Madre Alex / otros: Stella Maris Faggiano

Deltoide / otros: Francisco González Gil

Brodsky / otros: Toto Kirzner

Alex: Franco Masini

Capellán / otros: Fran Ruiz Barlett

Alcalde / otros: Tomás Wicz

Músicos en vivo:

Bruno Caro Langwagen

Rodrigo Caro Langwagen

Asist. Vestuario: Victoria Wallace, Luciano Huentecura

Arreglos vocales: Eugenio Perpetua

Comunicación y prensa: Varas Otero

Director asistente: Matías Puricelli

Diseño de escenografía: Lula Rojo

Diseño de luces: Caio Senicato – Manuel González Gil

Diseño de movimiento: Agustina Seku Faillace

Diseño de vestuario: Pablo Battaglia

Fotografía: Nacho Lunadei

Diseño Gráfico: JARDINBA.COM

Producción ejecutiva: Valeria de Luque

Realización de vestuario: Irma Melo, Ignacio Estigarribia, Daniele Szczepanik

Funciones: De viernes a domingos 21 hs

Sábados doble función 21 y 23 hs

El Método Kairós (El Salvador 4530)

por Deja un comentario