Reseña: Alfa, de Felicitas Kamien

Por Victoria Seri

Siempre es un placer volver a El camarín de las musas. Su cartelera es variada, el lugar es amigable y se come muy bien. El sábado fui a ver Alfa, obra que se presenta los sábados a las 20.30 horas.

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De la misma manera que en la novela El cuento de la criada (1985), su autora, Margaret Atwood plantea en un país gobernado por una dictadura teocrática, en el cual solo algunas mujeres pueden gestar,  entonces son apropiadas por la elite militar para embarazarlas y quedarse con sus hijos, en Alfa se trata una temática similar pero desde otra perspectiva.

Por una cuestión climático-política la población masculina de Buenos Aires, se vuelve infértil. Solamente algunos elegidos serán los machos alfas encargados de proveer con el objetivo final de poblar la comunidad. Como cuando hay escasez y clandestinidad aparecen los que hacen negocios, este desastre se convierte en uno para una familia. Más allá de los habituales conflictos que pueden suceder en el seno familiar todo se complica más cuando el amor se interpone ante la prosperidad económica.

La dirección y dramaturgia están a cargo de Felicitas Kamien quien logra  poner en escena un espectáculo completo en el cual el drama juega constantemente con la comedia y el absurdo. La música, os efectos sonoros y las luces que se utilizan colaboran con la generación de un clima intenso, sombrío, turbio y misterioso que permanece en la sala hasta el final.

Todos los personajes son especialmente graciosos. Particularmente la dinámica que se construye entre el padre, madre e hija es genial. Los actores realizan un trabajo excepcional y eso se transmite al público ya que fueron ovacionados a sala llena.

 

FICHA TÉCNICA

Duración 70 minutos
Actúan: Mariana Cavilli, Marta Haller, Abian Vainstein, Valeria Roldán, Diego Quiroz
Escenografía: Victoria Kamien
Realización: Mariano Sivak
Iluminación: Matias Sendon
Asistencia de Dirección: Sebastián Sabio
Prensa: Simkin & Franco
Dramaturgia y Dirección: Felicitas Kamien

Análisis: Trüberbrook para PS4

Por Jorge Marchisio

En Trüberbrook, controlamos al joven científico Hans Tannhauser, quien va a pasar unas necesarias vacaciones en la campiña alemana, debido a un premio que sorpresivamente ganó. Pero nada parece ir bien, cuando en su primera noche en el lugar, un extraño irrumpe en su habitación, llevándose partes claves de su actual investigación.


Hoy nos toca hablar de Trüberbrook, un juego del más que nunca, revivido subgénero de la aventura gráfica, que por desgracia no hace evolucionar a este estilo de juegos.
¿Por qué decimos esto? Por la simple razón de que Trüberbrook subestima la inteligencia de los jugadores. En el 99% de las aventuras gráficas, nosotros tenemos que rompernos el cerebro viendo que ítem o zona de la pantalla, es la que nos va a ayudar a seguir avanzando en la historia; haciendo que, en más de una ocasión, nos estanquemos hasta que descubramos un minúsculo objeto que siempre pasamos de largo. Bueno, en el juego que nos compete, esto no pasa, porque con apretar un simple botón, se nos marca con una X roja, toda zona interactiva en la pantalla…


A esto debemos sumarle lo poco carismático que es el personaje principal. No tenemos problemas con que Hans Tannhauser sea el cliché del científico apacible nerd; pero no tiene ni un ápice que lo haga querible, pese a que comenta en voz alta, cualquier zona interactiva de la pantalla. Y ya sabemos que, en esta clase de juegos, donde los personajes y la historia lo son todo; mal vamos con un protagonista apático.
En cuanto a la historia; por suerte si es interesante, con varios toques sobrenaturales, que le dan un toque de particularidad como para atrapar al jugador. Pero, como decimos, que el protagonista nos diga todo y el juego nos viva ayudando, quita bastante de esa sensación de ir descubriendo la trama poco a poco.


En donde si brilla Trüberbrook es en el apartado gráfico. No solo por los bellos colores, sino por el diseño de los lugares, que en más de una ocasión, los más veteranos, van a tener una sensación de “a lo Twin Peaks” bastante marcada. Es una lástima que no se buscara explotar este parecido, que seguramente fue buscado.

Trüberbrook termina siendo un juego apenas aceptable. Sin un protagonista atractivo, y con un fallido sistema de juego que implica al máximo cualquier reto que se nos pueda dar; es un claro ejemplo de videojuego que subestima al jugador. Una lástima que solo podamos destacar lo visual.

Lo mejor: el apartado visual, bastante parecido a Twin Peaks.
Lo peor: demasiado fácil, y carente de retos y atractivo para enganchar al jugador casual

Calificación: 5/10

Reseña: Jaqueline, Hada

Por Pedro López

Un musical queer apto para todo público

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En un mundo donde las hadas y sus deseos están regulados por un estatuto, Jaqueline el último eslabón de la cadena de mando, deberá cumplir solo un deseo al viejo de la calle O’brian. Pero se encontrará con obstáculos que deberá sortear rompiendo algunas reglas. Ahora, el hada superiora la persigue para castigarla en su afán de respetar el reglamento al pie de la letra. Jaqueline, esta vez prófuga tendrá que cumplir su misión con la ayuda de sus amigues, unas ratitas de constitución.

 

Un musical que aborda reflexiones sobre el deseo, la transformación, las normas y las amistades. Unas ratas que quieren ser cangrejos. Un tigre que no quiere estar encerrado. Un hada que no quiere ser rosa. ¿Hay deseos más importantes que otros? ¿Más urgentes?

 

“Jaqueline, Hada” es una infantil que surge dentro de la UNA, y es construido a partir de ese deseo de poner en escenario aquellas representaciones que no les fueron habilitadas en su infancia a los miembros del elenco. Representaciones  heterodoxas que en la actualidad son necesarias, porque por suerte, el mundo no es estático, está en constante transformación y no para de evolucionar

Análisis: Days Gone para PS4

Sony ha lanzado hace unos días una de sus más fuertes propuestas en lo que va de este año. Days Gone en un juego exclusivo de Playstation que nos mete en una historia de acción y supervivencia dentro de un mundo apocalíptico invadido por zombies o engendros, cómo se les quiera llamar. Se trata de un juego del que se ha hablado mucho de cara a su lanzamiento, manteniendo a los usuarios y a la prensa dividida entre comentarios negativos y halagos. Ya habiendo pasado unos días desde su lanzamiento, y aprovechando nuestro análisis, podemos decir que Days Gone es un juego ambicioso que funciona y entretiene, aunque no esté exento de algunos fallos.

Como había mencionado antes, Days Gone es un juego de supervivencia, desde el inicio nos cuentan que el mundo ha sido invadido por unos engendros. Deacon St. John se encuentra con su mujer herida en el momento de la invasión, y para salvar a su mejor amigo de un inminente ataque, la deja en un helicóptero de rescate para que pueda salvarse. Lamentablemente eso no sucede, y el juego nos transporta tiempo después del inicio de la invasión, donde pertenece a un grupo de supervivientes, en el que hacen todo lo posible por subsistir. Los zombies no son el único enemigo, sino que también lo son las mismas personas, donde existen grupos de fanáticos y gente que solo quiere hacer el mundo arder. Nuestro protagonista sobrevive a un mundo que es realmente hostil, que se ha vuelvo alguien duro luego de perder a la mujer que amaba, junto a ese viaje de supervivencia vamos conociendo un poco sobre el pasado, que también nos sirve para develar misterios sobre el presente.

Deacon es tan protagonista como su motocicleta, que el su compañera de viaje y tiene gran importancia a nivel jugabilidad. Hablando de su jugabilidad, puede que de principio resulte algo complicado el dominio de la moto pero es algo de lo que uno se va acostumbrando a media que siguen las misiones. En términos generales el juego es ambicioso en su producción, y también en su historia, que se encuentra muy bien elaborada y mantiene el interés durante todo el camino. Si es posible comparar , se pueden encontrar ciertos paralelismo con los juegos de la saga Assasins Creed, debido al desarrollo de jugabilidad y cinemática, el sigilo e incluso los bugs. Lamentablemente en el juego se aprecian algunos bugs, y que por experiencia personal , en una ovación no me ha dejado completar la misión de asesinar a una cierta cantidad de engendros , mientras dos quedaban vivos y los podías atravesar con tu personaje. Ese puede ser uno de los problemas de Days Gone, porque sin dudas es un buen juego, aunque le haya sido falta lanzarse un poco más pulido, ya que apenas a días del lanzamiento hemos tenido varias actualizaciones para corregir errores y mejorar el rendimiento.

Que no les asuste estos errores técnicos a la hora de apreciar este juego por lo que es, ya que es una aventura muy interesante con una jugabilidad fluida e intensa por momentos. El desarrollo del juego se basa en la exploración, cumplir misiones, ir despejando campamento, y obviamente, eliminando al enemigo. Existe un completo diseño de misiones, en el que puedes optar de completar las secundarias que aportan habilidades y armas, así como también ir por aquellas que te permiten avanzar en la trama. Si hay algo que alienta a la exploración, es la mejora en habilidades, que van desde la salud, la habilidad de lucha cuerpo a cuerpo, o contra animales, entre otros ítems. También hay una variedad de armas, que no solamente son armas de fuego, y que pueden ser útiles dependiendo las características y la cantidad de enemigos que tienes presentes.

Al enemigo le queda mejor la palabra engendro, aunque nos encante hablar de zombies, pero lo apropio a algo más terrorífico quizá. Estos seres cuentan con una actitud más animal, salvaje u obviamente letales. Existen varios tipos de seres con los que te puedes encontrar. Entre ellos tenemos a los zánganos, que son los tipos más comunes con los que te encuentres, que si bien no suponen gran peligro cuando se encuentra en solitario, pero en grandes cantidades si lo son. Están los renacuajos, que son niños y adolescentes infectados, que son de un tipo más débiles y suelen atacar cuando estás débil o atacas su territorio. Están lo tremendos, con gran resistencia y fuerza, así como también a los animales mutados que pueden suponer un gran peligro. Por eso mismo el juego se basa en la estrategia de reconocer a cada tipo de horda y buscar la manera de eliminarlos, algo que supone un gran divertimento dentro de el juego. Si no se le escapa que algunas misiones resulten repetitiva o algo tediosa, pero aún así Days Gone mantiene un ritmo ágil, que se desarrollan a través de sus más de 40 horas de juego.

A nivel visual si hay que destacar lo que se ha hecho en el juego, su ambientación apocalíptica nos recuerda a productos como la serie the walking dead, producto del cual se alimenta al menos en términos estético. Su mundo es enorme, y está muy bien cuidado en cada uno de los detalles visuales. Si hay algo que resulta una espectacularidad, tanto visual como sonora, es en el momento en que te atacan las horas, que se convierte en una de las grandes virtudes del juego, también a nivel de jugabilidad. El juego también presenta una buena cantidad de cinemáticas , que están bien implementadas dentro del juego, aunque si se nota que por momentos desarrollan más de lo que deben para extender la duración del juego.

Hablando también de los aspectos técnicos, hay que mencionar el doblaje español que el título contiene. Existe un notable trabajo del equipo de doblaje, acompañado muy bien a las cinemáticas del juego. El título fue doblado en múltiples idiomas, dando importancia al mercado hispano, tanto en el doblaje español como el castellano para Latinoamérica.

A no engañarse, Days Gone es un buen y más que entretenido juego, pero que seguramente le haya sentado mejor lanzarse un poco más pulido para no tener que andar con tantas actualizaciones desde el principio. En líneas generales, es un juego de supervivencia y acción muy entretenido, con una trama interesante que se desarrolla de manera eficaz. Por eso, a pesar de algunos errores técnicos, es un buen juego con más luces que sombras.

Lo mejor:

Su imponente apartado visual

Una jugabilidad dinámica y entretenida

Las hordas

Es un juego sumamente entretenido a pesar de sus fallos técnicos

Lo peor:

Los bugs y los tiempos de carga, que han mejorado con las actualizaciones.

Misiones un tanto repetitivas

La trama puede llegar a alargarse un poco de más..

Calificación 8/10

Crítica: Maestras del engaño

Por Macarena Maidana 

Maestras del Engaño (The Hustle,2019)  es una remake de la película de 1988 , Dos Pícaros Sinverguenzas . Protagonizada por Anne Hathaway y Rebel Wilson, ambas maestras del arte de la estafa se conocen en un viaje y deciden hacer equipo para mejorar sus habilidades y atacar a su próxima víctima: un multimillonario del negocio de la tecnología.-

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Penny (Rebel Wilson) es una estafadora de poca monta que se dedica a estafar hombres por redes sociales, mientras que Josephine (Anne Hathaway) es una estafadora de que se dedica a engañar a lo grande. Ambas se cruzan en un viaje y no tardarán en establecer alianzas para ganar más dinero del que poseen actualmente.

Siendo este el debut como director de Chris Addison, yo diría que es un paso en falso. Lamentablemente el guión está cargado de chistes malos, los típicos chistes que hacen referencia al aspecto físico de Rebel Wilson en cada una de las películas que protagoniza. Quizás hubiese funcionado de una mejor forma sin hacer tanto hincapié en la contraparte que se da entre Anne y Rebel, “la gorda y la flaca” es una puesta en escena que ya vimos mil veces, desaprovechando por completo el talento para la comedia tanto de Hathaway como de Wilson, que hicieron lo que pudieron con lo que les dieron.

Por eso, Maestras del Engaño es eso, un engaño al espectador que va a salir completamente víctima de esta película que tenía bastante para dar pero lo desaprovechó.

 

TITULO: Maestras del engaño

TITULO ORIGINAL: The Hustle

DIRECCIÓN: Chris Addison.

ACTORES: Anne Hathaway, Rebel Wilson.

GUION: Stanley Shapiro, Paul Henning.

FOTOGRAFIA: Michael Coulter.

MÚSICA: Anne Dudley.

GENERO: Comedia .

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 94 Minutos

 

 

Calificación 4/10

Reseña: Estrategia de la luz

Por Bruno Glas 
En el Celcit a partir del mes de mayo podrá verse “Estrategia de la luz”, los sábados a las 20 horas. La obra dirigida por Alberto Isola y escrita por Adriana Genta propone contar un hecho histórico que jamás tuvo lugar: un encuentro entre la reina Juana (más tarde conocida como “la Loca”) y la monja Teresa de Ávila, posteriormente canonizada.

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En principio, al adaptar con fidelidad absoluta lo que sabemos de sus figuras (esto es, de acuerdo a los hechos históricos que rodearon a ambos personajes), la obra se torna por momentos, algo tediosa. La rapidez de muchos diálogos, expresados en castellano antiguo, hacen la trama algo difícil de seguir. Sin embargo, lo que compensa esto es la gran interpretación de las actrices que encarnan a Juana y a Teresa. Laura D’ Anna y Teresita Galimany muestran una gran química en el escenario. Es gracias a esto que ambas pueden despegarse de la parte de manual que implica el tratamiento histórico, y así poner en contraste el carácter templado de la monja con la apasionada exaltación de la reina. Al igual que ocurre con los momentos en donde los personajes se dirigen al público, es en la delirante incomprensión entre las dos donde se encuentran varios de los momentos cómicos. Todo ello marcado por un final quizás demasiado solemne, aunque también adecuado al entramado religioso que veníamos viendo, y donde la forma y el contenido confluyen. Y donde el título de la obra encuentra su perfecta expresión.

Estreno: sábado 4 de mayo, 20 hs.
Funciones: sábados, 20 hs.
Lugar: CELCIT (Moreno 431, CABA)
Entradas: $350 general | $250 estudiantes, jubilados, docentes | $150 invitación especial | 2×1 club La Nación, Escena Club, Clarín 365
Informes: 4342-1026

Ficha técnica:
Dramaturgia: Adriana Genta
Elenco: Laura D´Anna, Teresita Galimany
Escenografía y vestuario: Alejandro Mateo
Iluminación: Soledad Ianni
Música original: Osvaldo Aguilar
Coreografía: Franklin Dávalos
Producción ejecutiva en Buenos Aires: Mercedes Kreser
Producción ejecutiva en Lima: Juan Carlos Adriánzen
Producción ejecutiva: Carlos Ianni
Prensa: Octavia Comunicación
Asistencia de dirección: Andrea Albano
Dirección: Alberto Isola

SE ESTRENA RANSOM, EL NUEVO DRAMA POLICIAL DE UNIVERSAL TV

El próximo miércoles 08 de mayo a las 22hs ARG., llega a la pantalla de Universal TV el gran estreno de la primera temporada de “Ransom”. Este drama policial co-producido entre Estados Unidos y Canadá, se centra en la figura de un experto negociador en conflictos criminales y situaciones que involucran toma de rehenes. Una serie que contiene todos los ingredientes necesarios para no despegarse de la pantalla y afrontar niveles de suspenso y tensión nunca antes vistos ¿Estás listo para vivirlo?

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La historia se concentra en el personaje de Eric Beaumont (Luke Roberts), un experto en negociaciones que sabe cómo superar momentos de crisis y alta tensión. Él y su equipo se dedican a salvar las vidas de personas retenidas bajo su voluntad, sin utilizar la violencia, sino su habilidad, capacidad y experiencia. Beaumont es capaz de entender a los delincuentes y utiliza su conocimiento sobre el comportamiento humano para resolver los casos más complicados. ¿Cuál es su método? utilizar como recurso la manipulación y así lograr que terminen haciendo lo que él quiere.

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“Ransom” está basada casos reales, muchos de ellos inspirados en las experiencias profesionales de los famosos negociadores Laurent Combalbert y Marwan Mery. Se trata de dos grandes referentes que viajan por el mundo para asistir a corporaciones multinacionales y a agencias gubernamentales en lo que a negociaciones complejas y resolución de importantes conflictos se refiere.

 

Esta creación de David Vainola, cuenta con un destacado elenco de actores, entre los que destacan: Nazneen Contractor (Stalker, Bones), Brandon Jay McLaren (Graceland, Falling Skies) y Sarah Greene (Penny Dreadful, Rebellion).
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Para más detalles acerca del estreno de “Ransom”, el miércoles 08 de mayo a las 22hs ARG, visita www.universal.tv y súmate a la conversación a través de las redes sociales:

 

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El Galaxy S10 marca una nueva era de diseño con una pantalla de película

Con la introducción de la línea Galaxy S10, Samsung Electronics demuestra, una vez más, su liderazgo a la hora de definir el futuro de la pantalla del smartphone. El nuevo producto estrella de la compañía lleva la tecnología de pantalla al siguiente nivel al ofrecer a los usuarios una imagen más brillante y realista, junto con un diseño de cámara en la pantalla que maximiza el espacio de visualización.

 

 

 

 

Con el objetivo de liberar aún más píxeles para el contenido de los usuarios, el Galaxy S10 cuenta con un diseño de cámara en pantalla que incluye gran variedad de sensores y tecnologías de cámara en un espacio pequeño. Samsung usó una tecnología patentada de corte por láser para hacer un pequeño agujero en la pantalla (además de minimizar el daño a los píxeles circundantes), lo que permite que los usuarios disfruten de todas las tecnologías esenciales de la cámara y el sensor sin perder espacio de visualización. Al perfeccionar este aspecto del diseño, Samsung logró crear una pantalla revolucionaria que cubre todo el frente del teléfono y lo vuelve todo mucho más envolvente. Asimismo, gracias al uso de Gorilla Glass 6, que es dos veces más duradero que Gorilla Glass 5, los usuarios no necesitan preocuparse por la actividad que desarrollen porque el Galaxy S10 está hecho para resistir.[1]

 

La nueva pantalla dinámica AMOLED del Galaxy S10 estimula experiencias de visualización verdaderamente cinematográficas. Con una luminancia pico de 1200 nits, la pantalla puede producir más de 16 millones de colores (36 por ciento mejor rango de color que SDR), con 100 por ciento de volumen de color móvil en el rango de color DCI-P3.

 

En la prueba de los expertos de DisplayMate, la pantalla dinámica AMOLED recibió una puntuación de 0,4 JNCD (diferencia de color apenas perceptible, por sus siglas en inglés). Esta calificación supera el 0,7 JNCD del Galaxy S9 y confirma la reproducción de color excepcionalmente precisa del Galaxy S10. Esto significa que los colores que se ven en los nuevos smartphones de Samsung son una reproducción casi perfecta de los colores de la vida real.

Además, es la primera pantalla para smartphones del mundo que admite HDR10+, un código abierto de la próxima generación para video de alto rango dinámico (HDR). La compatibilidad con HDR10+ brinda de manera efectiva imágenes de calidad cinematográfica a los usuarios al permitir que el contenido compatible se vea con la precisión que pretendían sus creadores. De esta forma, al transmitir una película favorita, los colores serán más exactos y la experiencia de visualización más envolvente.

 

 

 

 

La pantalla utiliza la tecnología de mapeo dinámico de tonos para optimizar los colores de una escena a otra y producir un mejor contraste entre las escenas claras y oscuras. Además, optimiza los niveles de brillo para que hasta los detalles más pequeños se vean hermosos, y produce colores negros verdaderos para mejorar los detalles de las sombras, incluso en condiciones de poca luz.

 

La comodidad es clave cuando se trata del Galaxy S10, por esta razón, Samsung optimizó sus nuevos productos destacados con innovaciones que facilitan aún más el uso de estos fantásticos dispositivos.

La pantalla dinámica AMOLED cuenta con la certificación de los expertos de TÜV Rheinland por haber reducido en un 42 % la luz azul[3], lo que puede ayudar a los usuarios a proteger la vista. Lo mejor de todo es que, además de facilitar a los usuarios el descanso nocturno, la tecnología de reducción de luz azul de los smartphones no requiere filtros y no compromete la calidad de imagen de la pantalla.

 

 

 La pantalla del Galaxy S10e tiene Gorilla Glass 5.

La tecnología de expresión de color precisa de baja gradación no está incluida en el Galaxy S10e.

En comparación con el Galaxy S9

 

Análisis: Cuphead para Nintendo Switch

Por Daniel Alvarez

Para aquellos que no lo conocen, Cuphead es un juego de disparos y plataformas en 2D que vio la luz en el año 2017 para las plataformas Xbox One y PC. Nacido como un proyecto independiente desarrollado por Studio MDHR, y que fue apañado por Microsoft para lanzarse como un exclusivo de sus plataformas, este juego llegó a vender más de tres millones de copias. El éxito de este juego viene gracias a su imponente estética que nos recuerda a las películas de animación de los años 30′ y el gran (y divertido) desafío que supone jugar con estas dos tazas que tenemos como protagonistas.

Vayamos al grano, Cuphead es una obra maestra que no solo nos ofrece un juego que se ve bonito, que por cierto se ve fantástico, sino que también nos trae un juego de plataformas frenético donde el entretenimiento es su mayor virtud. Ya mucho se ha hablado sobre la dificultad de este título, y no me queda más que afirmar que esos dichos son totalmente ciertos, Cuphead es un juego desafiantes, donde debes morir una gran cantidad de veces para poder pasar cada uno de los niveles, y los fastidiosos jefes. Lejos de ser frustrante, aunque hay niveles en los que a veces se te termina la paciencia, el título te da la libertad de completar niveles a tu elección, algo que te permite mejorar tus habilidades, y también poder comprarlas con el uso de monedas, donde el jugador podrá armar la estrategia para pasar cada nivel.

Si no tienes mucha paciencia en perder solo, Cuphead te da la posibilidad de que lo puedas jugar junto a un amigo. Por momentos puede resultar más sencillo, aunque por otros también los niveles se hacen más complejos. De todos modos la experiencia se hace mucho más divertida, aunque también puede ser el motivo de algunas discusiones junto a tu amigo. El modo multijugador en switch se hace muy sencillo gracias al uso de los joy con , cuesta un poco acostumbrarse al control de los mandos pequeños , al menos comparándola con los controles unidos o el mando pro. Para poder jugar de a dos, primero toca configurar las posiciones de los joy con antes de ingresar al juego, ya que dentro del mismo no te da la posibilidad de cambiarlos , y es necesario para comenzar con el modo cooperativo.

El juego es relativamente corto, cuenta la historia de dos tazas que tras apostar en el casino del diablo, pierden sus almas. Para que el mismo diablo les perdone dicha deuda, deben conseguir los contratos de todos los deudores, donde también van adquiriendo habilidades, para quizá enfrentarse al mismo diablo. El juego cuenta con niveles de plataformas , que sirven para adquirir monedas, útiles para comprar armas y adquirir habilidades. Luego tenemos los jefes, que serían cada uno de los personajes de los cuales debemos conseguir su contrato como deudor del diablo. Toca aclarar en las partidas de los jefes, el juego te da la posibilidad de jugar en modo fácil o normal , para aquellos que quieran jugar en el modo más sencillo, hay que aclararles que no podrán obtener el contrato una vez derrotado el jefe. Si puede funcionar a modo de entrenamiento, para conocer las mecánicas del villano, y de ahí, armar una estrategia para pasar el nivel.

En cuanto al apartado técnico, se puede decir mucho sobre la visual del juego, que como había mencionado antes, mantiene una estética de animación de los años 30. Pero más allá de eso, el juego cuenta con múltiples guiños a otras animaciones , como Mickey Mousse, Popeye, el pájaro loco , unas pequeñas participaciones de Ryu y Ken en forma de sapos, aspectos que denotan que el juego fue desarrollado pensando hasta en el más mínimo detalle. El apartado sonoro también es una maravilla, podemos apreciar en su mayoría, composiciones de jazz que se acopla a la ambientación de manera perfecta. El sonido, lejos de ser armonioso, acompaña al frenetismo que el juego brinda y a la experiencia que resulta abrumadora, pero en un buen sentido.

Claramente nos han sorprendido en el anterior Nindies Direct en marzo donde han anunciado el lanzamiento de este hermoso título en la consola híbrida. Sinceramente Cuphead y Switch se llevan muy bien, haciéndolo parecer como un juego propio de la consola. No hay que subestimar a Microsoft, que ha hecho una buena jugada al lanzar este título a la consola, un indie que se acopla muy bien con el público nintendero, y que seguramente será un éxito de ventas. Su precio de 20 dólares en la Eshop la hacen una compra que realmente vale la pena.

Cuphead es un juego que sencillamente es maravilloso, un título de plataformas frenético y con una estética hermosa y muy cuidada. El port para Switch está muy bien, puede que tenga algunos tiempos de carga lentos, y que no tenga un acceso directo para el modo cooperativo, pero aún así son detalles mínimos. Es un juego que hay que comprar si o si en switch, si es que no lo has jugado antes. Se trata de un juego muy desafiante, pero a su vez extremadamente entretenido.

Calificación: 9.5/10

Reseña: Falstaff

Por José Rossi

Próxima Función 9 de mayo a las 18:30hs en el Teatro Avenida.
Falstaff es la puesta en escena de la última gran obra del compositor italiano Giuseppe Verdi. Dotada de una serie de componentes que harán deslumbrar al espectador, llevándolo a presenciar una comedia lírica operística en tres actos, con la música del ya mencionado Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Arrigo Boito. Un espectáculo inyectado con una gran dosis de virtuosismo por parte de los artistas.

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Es una comedia cuyo protagonista es nada más ni nada menos que Sir John Falstaff de “Los alegres comadres de Windsor” de William Shakespeare. La obra también cuenta con algunos elementos de “Enrique IV”.
El argumento gira en torno a Falstaff, quien decide enviar dos cartas de amor idénticas a dos bellas damas, casadas y ricas. El cobardón y vanidoso barrigón, intenta seducir con una carta muy poética a estas bellas damas, pero su intención real es quedarse con la fortuna de sus maridos. Las damas descubren las verdaderas intenciones de Falstaff y planean junto a sus amigas un plan de venganza contra él.
La orquesta en vivo está dirigida por el Licenciado y profesor superior en Música Ramiro Soto Monllor, y la dirección escénica es llevada a cabo por Adriana Segal. Participan también la orquesta y el coro de la Compañía G. Verdi. La escenografía es digital, cuenta con una pantalla gigante en el telón de fondo, que va modificando su imagen de acuerdo a la escena en particular y esta fue realizada por Manu Tangir Farrés. El maquillaje y la caracterización de los personajes de Catalina Sofía y los vestuarios íntegramente realizados con corbatas por Sidney Page.
Cabe aclarar que la obra es en italiano, pero en la parte superior del escenario, se encuentra una pantalla electrónica que subtitula todo lo dicho en escena.

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