Análisis: Ace Combat 7: Skies Unknown para Xbox One

Por Daniel Alvarez

Bandai Namco nos trajo de vuelta una de sus más potentes franquicias, un Ace Combat que nos recuerda a aquella serie de videojuegos de alto vuelo que inició su recorrido en Playstation por el año 1995 bajo el título Air Combat, para luego convertirse en la reconocida saga Ace Combat desde su secuela en 1997. El tiempo ha pasado, pero en su jugabilidad se mantiene la escencia que ha caracterizado a la franquicia, aún así, da un gran salto de calidad en todo su apartado técnico, haciendo mucho más completa la experiencia de juego.

1535015742_566785_1535017759_portada_normal

En el año 2007 se lanzó la última entrega de la saga en Xbox 360, sin contar los spin off que han salido en distintas plataformas, incluyendo el Assault Horizon Legacy que ha salido para la consola portátil 3ds de Nintendo. Es así como a lo largo de los años el juego ha evolucionado, mantenimiento el equilibrio entre un producto de simulación y acción frenética en aire.

La campaña principal se desarrolla a través de los conflictos existentes entre países ficticios, donde obviamente podemos reconocer un contexto geopolítico que guarda muchas similitudes con la realidad. Así mismo, la historia va siguiendo a distintos personajes que forman parte del relato, donde podemos destacar a Avi, una excepcional Mecánico y familiar de una línea de grandes pilotos y Trigger, un piloto acusado de traición. También está el grupo de delincuentes que son arrastrados al combate, y no puede faltar el villano de turno. No es necesario adelantar mucho la historia, porque más bien es un complemento que nos incita a iniciar las múltiples misiones que debemos llevar a cabo en los distintos escenarios de combate. La relación historia y juego funciona bastante bien, y a través de sus múltiples misiones, tenemos muchísimas horas de juego para disfrutar en combate.

Jugabilidad:

La jugabilidad de este Ace Combat no dista mucho de las anteriores entregas de la saga, aunque si hay muchos añadidos desde su apartado técnico que mejoran la experiencia en el juego. Una vez inicias la campaña principal, tiene un breve instructivo sobre los controles y el manejo que uno tiene con los aviones, luego de esta breve y simple explicación uno ya está completamente listo para entrar en combate y superar las misiones. Aunque si es cierto que su control es bastante sencillo, se requiere bastante práctica para tener un adecuado manejo de los aviones, por eso mismo las primeras misiones funcionan para dar práctica de aquellas funcionalidades, en la que puedes demorarte un rato en superarlas, pero luego de hacerlo te acostumbras a los mando y no resulta un gran desafío en cuanto a habilidad en el juego. Cada vez que completas las misiones puedes visualizar la repetición en video de la partida, además de recibir las estadísticas de combate, en las que puedes volver a repetir las misiones ya que eso te permitirá recibir más créditos de juego que son útiles para mejorar los equipos de combate. Estos créditos pueden utilizarse en la sección Árbol de aviones , donde tenemos la posibilidad de comprar diferentes aviones, armamentos y piezas de mejora para los equipos.

Cada uno de los aviones , armas y piezas de mejoras están montados con el mayor tecnicismo posible para combinar la experiencia de juego entre lo que es un título arcade y de simulación. Si bien su jugabilidad es muy intuitiva, a este título no se les escapan los detalles en cuanto a los aspectos técnicos de los aviones , como peso, velocidad , habilidad de combate sobre tierra, entre otros ítems. Así como cada uno de los equipos tienen su particularidad a la hora del juego, el factor ambiente también resulta muy importante, ya que se combina perfectamente con las vibraciones de los mandos y ampliando las sensaciones de manejo.

Para el modo multijugador online necesitamos la suscripción a Xbox Live Gold para jugar en línea. La partida es de ocho jugadores en simultáneo con los modos de combato contra todos los jugadores o las misiones divididas por equipos. Si bien la cantidad de modos que multijugador online son bastantes limitados, aunque existe la posibilidad de conseguir mejoras, escudos y nuevos apodos de rango. El sistema de salas funciona bastante bien, y el lag es prácticamente inapreciable, así que a pesar de su escasez de modos las partidas son frenéticamente divertidas.

Apartado Técnico:

En cuanto al trabajo audiovisual que realizó en el juego, como mencionaba antes, el título está muy bien desarrollado en todos los detalles. Los diseños de los aviones, la ambientación de los escenarios, los factores climáticos (El cielo, las tormentas) todo está perfectamente calculado para ofrecer un espectáculo visual de grandes características. El juego fue desarrollado con el motor Unreal Engine 4, algo que Bandai viene utilizando en la mayoría de sus últimos juegos, manteniendo un excelente manejo de la cámara y control de los aviones en pleno combate.

La banda sonora es realmente hipnótica, y sigue perfectamente a su trepidante ritmo de acción. El juego cuenta con subtítulos en castellano tanto en su modo historia como en los diálogos introducidos en medio de las misiones.

Duración:

En cuanto a la campaña principal , el juego puede tener alrededor de unas 15 horas de duración, dependiendo obviamente de la dificultad y la habilidad del jugador para superar las misiones. El título puede jugarse en un modo normal, que van apareciendo mayores desafíos a lo largo de la historia y la superación de misiones. También está la posibilidad de desarrollar el juego en un modo experto, aunque para ello se requiere muchísima habilidad para superar cada una de las misiones. También en el modo campaña se puede volver. Jugar las misiones ya completadas, con la intención de lograr mejores puntuaciones, así que es un aspecto que alienta a la rejugabilidad. Después de ello tenemos el modo multijugador que brinda una experiencia más ilimitada para el juego, que aunque puede saber a poco en la cantidad de modos y contenido , se trata de una modalidad frenética y por demás entretenida.

Conclusión:

Ace Combat 7: Skies Unknown para Xbox One es un juego que brinda todo un espectáculo visual, mantenimiento la escencia de la popular franquicia de Bandai Namco. Se trata de un recomendable juego para todos los fanáticos de la saga y también para aquellos que quieran iniciarse en un frenético título de alto vuelo.

Lo mejor:

La historia y su combinación con la jugabilidad de sus misiones

Todo el apartado visual

La duración y la posibilidad de rejugabilidad para mejorar tus estadísticas.

Su banda sonora

El entretenimiento frenético que el juego brinda en todos sus modos.

Lo peor:

Aunque el modo multijugador es bastante entretenido, sabe a poco por la falta de modos y contenido adicional.

Aunque su control es bastante sencillo puede requerir bastante entrenamiento para poder seguir avanzando en las misiones.

Calificación 9/10

Reseña: Así de simple

Por Yamila Juan

Si en esta época, caracterizada por vínculos tan espontáneos, frágiles y poco duraderos como burbujas, se sufre por amor, entonces aún hay esperanzas. En este sentido, “Así de simple” da cuenta de que el amor no se ha perdido del todo.

1549213353375_image0033776412359418643068.jpg

Joaquín llora. Su hombre emocional y su hombre racional, también. Lo hace porque no encuentra palabras que expresar y con el llanto logra apagar el diálogo interno. En ocasiones como esa, nadie puede expresar mejor lo que pasa por dentro que una canción vieja y melodramática. Suena “Ella ya me olvidó” de fondo. Y ahí justo una llamada alerta a Joaquín y a sus voces: Clara toca el timbre. Se apaga la música, no se le puede mostrar debilidad.

Clara entra seguida de sus voces. Una decidida a no volver, que sin embargo está ahí, y una desmayada de ganas de quedarse.

Los dos están frente a frente después de haber vivido una historia juntos, con muchas cosas por decirse. Pero lo que logran articular suena a poco, a frases repetidas de otras separaciones, a balbuceos indecisos. Y es que la palabra en voz alta intenta resumir, a veces, un debate imposible de conciliar entre las antípodas que nos constituyen, las mismas que hablan a gritos cuando nadie nos oye.

A partir de esa escena inicial en un departamento (escenográficamente bien armado) que recrea la despedida de una pareja, se cuenta cómo fue el comienzo, el apogeo y el desenlace de la relación desde las voces con las que luchan o concuerdan los protagonistas, no solo para entender al otro sino a ellos mismos.

“Así de simple” es, en principio, una obra para pensar en las complejidades de la comunicación humana, en la influencia de los YO que nos subyacen; y después, una obra para reír o conmoverse.

La idea del desdoblamiento de los personajes principales es original y da para explotarla mucho más aún, dotando quizás de mayor dinamismo y diferenciación a los discursos racionales y emocionales, ya que el conflicto de toda la obra gira en torno a esa tensión. Es también una de las mayores virtudes del guión que, a través de los actores, logra desde el inicio la complicidad con el espectador, puesto que tiene acceso a lo que piensan los protagonistas sin presenciar el recurso consabido del monólogo.

TODOS LOS MIÉRCOLES 21 HS

TEATRO PICADERO – PASAJE SANTOS DISCÉPOLO 1857

Entradas a la venta en boletería del teatro o por Plateantet

Ficha técnica

Libro: Ignacio Bresso y Sofía González Gil

Actúan: Ignacio Bresso, Julieta Gonçalves, Francisco González Gil, Magdalena Pardo, Andrés Passeri, Ailin Zaninovich

Diseño y realización de escenografía: Lula Rojo y Gastón Segalini

Diseño de luces: Manuel González Gil

Música original: Francisco Ruiz Barlett

Diseño gráfico e ilustraciones: Malena Papanicolau

Coreografía: Carolina Pujal

Fotografía: Guido Wain

Comunicación y prensa: Varas Otero

Asistencia de dirección: Manuela González Gil

Producción: Loli Crivocapich

Dirección: Sofía González Gil

Crítica: La nostalgia del centauro

Por Sebastián Sabio

No apta para todo público…

Este no es un film narrativo, no tiene una secuencia cronológica de eventos (no sucede «B» a causa de A) sino que muestra la vida rutinaria de una pareja que vive en el campo.

la_nostalgia_del_centauro-116880483-large

Aclaro que no es apta para tobo publico debido a que no es del tipo de película que disfrutan las masas sino que apunta a un pequeño segmento de personas que disfrutan este tipo de arte. Incluso eso es algo que se puede adivinar al ver que se va a proyectar en el Malba.

En el film se ven personas reales viviendo sus vidas, alejados de la ciudad y del mundo moderno. Lo interesante de ver esto es entender el dia a dia de un mundo muy alejado al nuestro pero a la vez cercano geograficamente (sucede en Tucuman).

Algo a destacar es el trabajo de arte y fotografia. La pelicula esta llena de encuadres y tomas realmente bellas.

Calificacion: 7/10

FICHA TÉCNICA:

Dirección: Nicolás Torchinsky
Fotografía: Baltasar Torcasso
Dirección de Montaje: Ana Poliak
Montaje: Ana Poliak y Nicolás Torchinsky
Dirección de sonido: Sofía Straface y Sebastian Gonzalez
Música: Pablo Butelman
Asistente de Dirección: Ignacio Maggi
Jefa de producción: Malena Kremenchuzky
Producción Ejecutiva: Victoria Gómez Acuña
Producción: Nicolás Torchinsky
Compañía Productora: Cabeza Negra Cine, Zebra Films, Puente Films, Mercurio, Milkwood, Universidad del Cine, El Cono del Silencio.

Producción Ejecutiva: Victoria Gómez Acuña
Producción: Nicolás Torchinsky
Origen: Argentina
Año: 2017
Duración: 70′

Intérpretes:
Alba Rosa Diaz y Juan Armando Soria

Crítica: Nace una estrella

ESPECIAL NOMINADAS AL OSCAR.

A STAR IS BORN (Nace una estrella) dirigida por Bradley Cooper.  Protagonizado por Bradley Cooper, Lady Gaga, Sam Elliott. Guión adaptado por Cooper, Will Fetters y Eric Roth. / Género: romance, drama y musical / Estrenada en Argentina: 11 de Octubre de 2018 / NOMINADA A 10 PREMIOS DE LA ACADEMIA – Crítica: CJ COLANTONIO.

Esta es la tercera adaptación cinematográfica de “Nace una estrella” (A Star Is Born), la primera fue estrenada en 1937 y relataba el camino de una actriz, no de una cantante como en esta versión.  Luego hubo una con Judy Garland como protagonista y la anterior a esta -dirigida por George Cukor hace cuarenta años- en donde Barbra Streisand hizo el papel que hoy interpreta Lady Gaga y donde Bradely Cooper hace el personaje de Kris Kristofferson.

Inicialmente era Clint Eastwood quien iba a dirigirla con Beyoncé en el papel de la cantante y luego de muchos imprevistos cayó en manos de quien había sido su actor en American Sniper (Francotirador) y que le da la posibilidad a Cooper de volver a un lugar de confusión y dolor interno que tenía ese papel y donde la Academia le vuelve a prestar atención.

Mi crítica podría ser hacia el personaje antagónico, quien parece la víbora que contamina cualquier triunfo y que su desarrollo termina por ser una caricatura.  Por otro lado, el avance vertiginoso del triunfo, deja de lado la importancia del camino. A favor, la música y lo que como actores logran juntos. Una salida romántica asegurada.

Por cierto, la historia cuenta como Jackson Maine (Cooper), un músico country adicto al alcohol y las drogas, descubre a una joven cantante llamada Ally (Gaga) y trata de mostrar su talento al mundo.

Calificación: 7/10.

Reseña: Otra vez papá! Después de los 50…

Bajo  la dirección de Manuel González Gil, en el Multiteatro Comafi, una comedia deliciosa, con lo mejor que se pueda contar para compartir la experiencia de volver  a repetir la aventura de ser padre a los 50 años y de la mano de Manuel Wirzt.

FB_IMG_1549034514135

Es una historia narrada, teatralizada, padecida y saboreada por Manuel, junto a la actriz Fabiola Yañez. El libro de Daniel Dátola, cubre las etapas de la paternidad  y comienza contando las experiencias de un hombre que superó los 40, dio vuelta la página con algún divorcio en la mochila y vuelve al ruedo.

Y en ese inicio, en un estilo de comicidad se resalta la  llegada de nuevos desafíos, como el volver a enamorarse. Y la cosa sigue porque este hombre feliz junto a su media naranja, nos mostrarán el camino a recorrer durante la dulce espera y la historia arranca cuando reciben la feliz noticia que serán padres dentro de 9 meses.

Acá al guionista se le abre un mundo, para retrotraerse a otras épocas y compararla con el  mundo actual basado en el merchandaising de productos para lactantes y mujeres embarazadas o resaltar las modas sociales, como el baby shower,

El texto es simple, apela al buen gusto, a un Manuel que pone lo mejor, que humaniza las cuestiones, las lleva por el camino de la risa sin transgresiones.

En esta temporada 2019, a la que Carlos Rotemberg ha bautizado Contracorriente, por ser un río  en declive, acompañado de resultados económicos que hacen rafting, el contar con obras como Otra vez papá, después de los 50…son el ejemplo que mientras la balsa  siga a flote es porque estamos vivos y así como dice Manuel, esperar un hijo y compartir la vida con ellos, es un milagro. Me permito agregar, no bajar los brazos y remar  en contracorriente, también.

Ficha técnica

Manuel Wirtz Protagónico

Fabiola Yañez Artista invitada

Daniel Dátola Autor

Emiliano Dátola Asistente de dirección

Gonzalo Alcaraz Asistente de Producción

Fernando Chamot Prensa y Comunicación

Daniel Feijoo Escenografía

Diego Benvenuto Realizador

Agostina Zappa Vestuarista

Guillermo Flores Salinas Sonido

Sabrina D’Amico Diseño gráfico

Marina Vaintrob Redes Sociales

Chris Dátola Producción comercial

Horarios: mié jue vie 21:00. sáb 20:30. sáb 22:30. dom 20:30.

 

Diana Decunto Reseña

Consignas.de.radio@gmail.com

Análisis: Future Grind para PS4

Por Jorge Marchisio

En el mundo de los juegos independientes, tenemos de esos que solo clonan alguna mecánica mil veces vistas, sin añadirle demasiadas vueltas de tuercas. Por suerte Future Grind no es el caso, ya que, en su simpleza, radica lo adictivo que puede llegar a ser.

1future_grind-970x570

Jugabilidad

La mecánica de FutureGrind es bastante simple. Controlamos una moto que se mueve de forma lateral, teniendo una rueda de cada color, y debemos traspasar niveles donde se encuentran railes neutros (blancos) o de los colores de las ya citadas ruedas (rosa y azul), en ellos solo podemos avanzar si juntamos los dos colores; y otros (amarillos) donde directamente debemos cruzarlos haciendo saltos y piruetas en el aire para no tocarlos. A todo esto, mediante el stick derecho, podemos hacer volteretas para sumar puntos, como los juegos de antaño de patinetas o bicicletas.

maxresdefault (1)

Apartado técnico:

Todo esto está acompañado por un apartado técnico por demás vistoso, lleno de luces de neón que hace todo llamativo a la vista. Aunque por desgracia, el juego aún se encuentra en inglés, así que para quienes pensaban en comprar FutureGrind para que lo usen los más chicos de la casa, debemos aclararles este punto.

futuregrind.jpg

Duración y experiencia de juego

De todas formas, ante la simpleza de los controles, cualquier adulto puede jugarlo cinco minutos y explicarle a un niño las mecánicas del juego; algo clave para que se le saque provecho a FutureGrind. Y lo decimos en el sentido de que, si bien no hay una historia que seguir, y solo nos limitaremos a recorrer pantallas cumpliendo algún requisito y sumando puntos, en esto último radica el mayor acierto de este videojuego.

FutureGrind es de esos juegos adictivos para competir contra otra persona (ya sea usando la misma consola o separadas), porque recuerda a los juegos de antaño donde se competía para ver quién era el que rompía el record consiguiendo mejor puntaje. En este sentido, la durabilidad del juego se limita a lo competitivo que seamos como gamers.

Conclusión:

Sin ser una maravilla,  Future Grind cumple con su  función de entretener, algo que quizás muchos videojuegos actuales olvidan, en post de una estética que los haga resaltar, o con controles tan complejos que ni los gamers más experimentados podrían adaptarse.

1-1

Lo mejor:

El apartado visual, muy bonito de ver. Controles simples pero efectivos. Es bastante adictivo…

Lo peor:

… pero a la larga puede tornarse repetitivo. Escasez en la variedad de niveles o desafíos para superarlos. No está en español

 

Calificación: 7/10

 

*Future Grind es un juego desarrollado por Milkbag Games, actualmente disponible para PS4, Nintendo Switch y Steam.

Crítica de cine : Anoche

El martes 29 de enero, en el cine Gaumont,  fue la avant premiere de la película Anoche, bajo la consigna Nuncaes tarde para arruinarlo todo. Una deliciosa comedia con las actuaciones de Gimena Accardi, Benjamín Rojas, Diego Velázquez y Valeria Lois

FB_IMG_1548925286151

 

La trama es divertida, ahonda en las relaciones humanas, en aquello que no tenemos y deseamos con intensidad pero que al conseguirlo no resulta como esperábamos o cuan poco sinceros somos con nosotros mismos y con el entorno.

La historia empieza con Pily, encarnada por Gimena Accardi, en pijama, en la cocina, hablando por celular con su mamá, en la voz de Mirta Busnelli. Mientras charla con su madre, come compulsivamente. Con ese indicio, sabemos que Pily está en problemas. Cuando se despide de su madre, llega de improvisto su novio, encarnado por el actor Benjamín Rojas. Una noche de soledad se transforma en una noche intensa, porque casi en el mismo momento, sin invitación previa, arriba al departamento la actriz Valeria Lois, quien interpreta a Emma, su hermana. La definiría como una hermana intensa que sigue enganchada con su ex marido.

En el guión es interesante cómo se enfatiza en el perfil psicológico de los personajes. Dos hermanas sufriendo tensión pero haciéndole frente a las balas, de distinto modo; Pily, introvertida, y Emma, en cambio, extremadamente extrovertida. No vamos a contar mucho más, pero la comedia logra el climax cuando en esa noche toca el timbre un cuarto personaje en discordia: el actor DiegoVelázquez, interpretando al ex cuñado, quien también trae sus mambos.

Con estos cuatro personajes en escena, la guionista Paula Manzone explota la capacidad del elenco para lograr una excelente atmósfera de comedia, una dirección con un profesional manejo de la cámara, a la cabeza del binomio Paula Manzone y Nicanor Loreti.

Al finalizar el film, se pasa el backstage con algunos bloopers, donde no cabe duda que el rodaje transcurrió en un ambiente agradable y jovial. De esta manera se reafirma la teoría que para  lograr una buena puesta depende del clima amable del equipo durante la filmación.

Una película para reír, donde Anoche no es lo mismo que hoy, donde los conflictos salen a flote, los trapitos se ventilan a la luz de la luna y el amor lo supera o no.

Calificación 9/10

Diana Decunto para La Butaca Web
consignas.de.radio@gmail.com

Análisis: Save The Ninja Clan para Nintendo Switch

Save The Ninja Clan es un juego de plataformas 2d desarrollado por Sometimes You en el año 2017 con lanzamiento en PS4, Ps Vita, Xbox y PC. Analizamos este juego en su nueva versión para Nintendo Switch y te contamos que experiencia nos trae el juego.

La premisa de este título es bastante simple y nos introduce directamente a la jugabilidad desarrollada en scroll lateral. Es así como su protagonista debe salvar a los demás Ninjas de su clan a manos del malvado Ninja Blanco. Un tanto sádico puede ser el juego , ya que puedes ser triturado de manera explícita, o que te vuelen los sesos de manera instantánea. El juego se desarrolla de manera ágil, aunque con cierta dificultad que le hará arrancarse de los pelos a los menos habilidosos, y lo más destacado, si peculiar personalidad.

Jugabilidad:

La jugabilidad es sencilla y bastante ágil, los controles que tiene son pocos, ya que básicamente debes correr, saltar y usar tu arma, así sencillamente. Que el título tenga una jugabilidad simple no quiere decir que sea fácil , es posible que ya desde los primeros niveles puedas morir decenas de veces, pero que aún así tengas el interés de sumarte al desafío de completarlo. Si puede resultar algo fastidioso llegar a un punto en que debes volver a realizar los niveles repetidamente porque su dificultad ya es más que moderada. Uno de los aspectos más interesantes son los supuestos errores que el juego tiene , que resultan parte de la jugabilidad de manera intencional , puede que en los primeros niveles te resulte algo confuso y que de verdad creas que el juego está incompleto o que tiene errores reales. Una vez que le agarras la mano a este aspecto, te das cuenta que es sencillamente interesante. Los niveles son cortos y a medida que vas avanzando por los mundos, parecen obstáculos cada vez más complejos , es todo cuestión de acostumbrarse y seguir intentando

El título es ágil en su manejo y bastante entretenido en su simpleza , que se desarrolla a través de sus 33 niveles visibles, sin olvidarse de los pasajes ocultos. A lo largo del juego se van adquiriendo nuevas habilidades y armas , pero la realidad es que el lado oculto del juego es lo más atractivo y desafiante que existe.

Apartado técnico:

El apartado visual está bien trabajado desde su simpleza, que denota variedad en los escenarios a medida que vas avanzando en los niveles. La música se acopla de manera correcta con la ambientación y jugabilidad, pero lamentablemente resulta algo repetitivo y se nota la falta de variedad en ese aspecto. En líneas generales los aspectos técnicos están bien desarrollados, sin grandes ambiciones, pero cumple con lo que quiere dar el juego, una experiencia ágil y divertida. En Switch lo hemls jugado mayormente en su modo portátil, donde realmente se ve muy bonito y que resulta un buen juego para pasar el rato sea donde tengas la consola.

Duración:

La duración del juego depende de la habilidad que tengas para pasar los obstáculos, y la paciencia que tengas para aceptar los desafíos sin abandonarlo antes de terminar. El juego puede terminarse en alrededor de 10 horas de juego, con un interminable número de muertes, eso sí. No quisiera contarles las veces que he muerto con este juego, pero si han sido cientos de veces, al que lo empiece a jugar me gustaría que cuenten cual ha sido su número de muertes en el juego, así compartimos todos aquella pena.

Conclusión:

Save The Ninja Clan es un juego de plataformas entretenido y a su vez bastante desafiante. Si bien su apartado gráfico y diseño artístico es simple, el juego tiene una personalidad interesante debido a su «errores» hacen la experiencia del juego más que atractiva. Recomendable para los jugadores que buscan un desafío grande, ya que el número de muertes será significativo.

Lo mejor:

Jugabilidad ágil y entretenida

Los errores ocultos que amplían la experiencia del juego

La portabilidad en Nintendo Switch

Lo peor:

Puede que para algunos les resulte un juego desafiante y no se animen a terminarlo

El apartado gráfico y banda sonora, si bien son aspectos correctamente logrados, podrían haberle dado más detalles y variedad en la música.

Calificación 7/10

Crítica: Como entrenar a tu dragón 3

COMO ENTRENAR A TU DRAGÓN 3 (How to train your dragon: The Hidden World) escrita y dirigida por Dean DeBlois, adaptación libre de los libros Cressida Cowell.  Con las voces de Cate Blanchett, Gerard Butler, Jonah Hill, entre otros. Producida por DreamWorks Animation y distribuida por Universal Pictures. / Estreno en Argentina: 31.01.2019 / Crítica: CJ COLANTONIO.

img_20190129_2016395815216463539959830.jpg

Esta tercera parte de “Cómo entrenar a tu dragón” es una maravilla de animación; cascadas, rocas, nubes… todo como si pareciera que son los personajes animados quienes están interactuando con los escenarios reales y no los personajes reales, actores, con efectos de animación como suele suceder siempre.

Esto, que pareciera algo menor para reflexionar, es lo que esta película se diferencia de las demás sin la necesidad de golpes bajos -convengamos que varios hemos llorado en historias animadas- por el contrario, se las ingenia para otorgar diversión, profundidad y valores que rodean la trama por sobre todo lo demás, y crean en nuestro inconsciente un realidad en donde empatizar.  Sino fíjense, el protagonista es un hábil dibujante que dibuja lo más irreal que podría tener la película, dragones; algo que justamente -en esta tercera parte- hace la diferencia al poner sobre la mesa algo tan simple como “lo que no vemos, no quiere decir que no exista, posiblemente no estemos preparados para ver”.

Seguramente lo más importante son las enseñanzas que deja esta película que supone el fin de la trilogía, las que son mejores que las que te pueda entregar Disney, sin lugar a dudas.  Ya sea la amistad sin egoísmos, la responsabilidad, el creer en uno mismo, el arriesgarse, el saber soltar. Una propuesta a la altura para ver en familia.

Calificación: 7/10.

Crítica: El hombre que mató a Don Quijote

Por Agustín Villegas

17 años y un documental después…

¡Terry Gilliam lo logro! Tras un exceso contratiempos finalmente pudimos ver la nueva película de el ex Monty Python, una película que ya considerabamos maldita por la cantidad de trabas que tuvo en su historial. Los problemas que rodearon la producción fueron tantos que los directores Keith Fulton y Louis Pepe estrenaron en 2002 un aclamado documental armado con material del making off que estaban haciendo en el primer intento frustrado de rodar el film. En un principio Johnny Depp, Jean Rochefort y Vanessa Paradis iban a protagonizar el proyecto narrado por Jeff Bridges, pero tras cancelarse Gilliam estuvo por años renovando el cast y, convirtiendose en un ejemplo de la frase hecha «persevera y triunfaras», el alocado director logro estrenar la esperada revisión del clásico literario de Cervantes.

El increíble Adam Driver interpreta a Toby, un prometedor cineasta con una personalidad cínica y pedante. Cuando el rodaje de su nueva y enorme película se ve afectado por miles de inconvenientes el personaje decide ir al pueblo en donde filmo la película independiente de DON QUIJOTE DE LA MANCHA que lo catapulto a la fama en su juventud. En el lugar se da cuenta que, desde su partida, la vida de los pueblerinos cambio para siempre, acá nos presentan a Javier (Jonathan Pryce), un zapatero que, despues de interpretar a Quijote en el proyecto de graduación de Toby, se convenció de que el es EL CABALLERO DE LA TRISTE FIGURA creado por Miguel De Cervantes.

La película cuenta con el inevitable surrealismo de Terry Gilliam pero tratado de una forma mucho más sutil que la mayoría de proyectos del director. La historia se torna atemporal por momentos, pasamos de ver la España del siglo XXI a la España del siglo IIXX para luego fusionar ambos tiempos en una explosión visual que aprovecha a mil por ciento las locaciones seleccionadas para el rodaje. Lo genial del estilo de Terry Gilliam es que los personajes se dejan llevar por los eventos lisergicos de la narrativa de sus películas, nadie hace más preguntas de las necesarias generando una sensación de inmersión que te deja atrapado en esos mundos por un buen rato luego de terminar de terminar la cinta.

Los personajes son auténticos y muy bien actuados. El personaje de Driver es natural y real, su cantidad de defectos y sus actitudes cuestionables lo hacen ser un elemento PERFECTO de contraste con el conflicto. El Quijote interpretado por Pryce es la joya de la corona de la película, un personaje encantador que hace una dupla cómica ideal con Toby, a quien lo confunde con su fiel escudero Sancho Panza. Ésto fue una de las decisiones más creativas que se tuvo para la idea, el guión no se distrae con respecto a quien es el protagonista, nunca nos permiten olvidar que el viaje que transitamos es el de este joven cineasta, por lo que convertirlo en el escudero de un hombre que, si bien CREE que es el Don Quijote, captura la escencia melancolica, valiente y demente del protagonista del libro original con una certeza inigualable y simbólicamente leal al material original. Los guionistas no se privaron de hacer metahumor con respecto a lo jodido que fue llevar a cabo la película, hay una subtrama discreta y atrapante dedicada a esta cuestión.

La pregunta central de la review es ¿valió la pena la espera? … como fan de la obra de Cervantes la verdad que me sentí satisfecho. Espero que «EL HOMBRE QUE MATO AL DON QUIJOTE» llegue a cines, es una película digna de verse más de una vez para absorber con totalidad el mensaje que intenta transmitir.