Por Sofía Luna Roberts

“Acaba de morir Freddie Mercury de HIV”. Esta frase es lo primero que escuchamos, la voz de una radio nos comunica y nos informa sobre este suceso que cambió miradas y conceptos sobre lo que era el SIDA y lo que podía llegar a causar. Éstas primeras palabras nos sitúan en un contexto y tiempo específico, en los inicios de los años ‘90, donde la incertidumbre, el miedo y la falta de información reinaban tanto en la gente como en el interior de esta casa que nos presenta la escena. Después de ser elegida para representar a la Argentina en el Festival de Teatro Latinoamericano en Bogotá y de recoger excelentes críticas del público y la prensa, “Solsticios de cuna” vuelve a estrenarse con un elenco renovado tras la pandemia. Esta obra dramática se presenta los domingos a las 19 hs en el Multiescena CPM, en Avenida Corrientes 1764.

El director y dramaturgo Daniel Piedrabuena, nos introduce dos fundamentos que se convertirán en el motor de la obra durante su desarrollo: la enfermedad y la familia. Estos ¿antagonistas? toman presencia y comienzan a generar en los personajes peleas, discusiones, reencuentros y cuestionamientos sobre un pasado que difícilmente puede superarse. Al ingresar a la sala, lo primero que nos encontramos es a Eduardo (Emanuel Rojas) sentado en el medio de la escena, dando pequeños respiros de aire, mientras escucha por la radio las noticias sobre la muerte de Freddie Mercury a causa del virus que él también posee. La escena es interrumpida por Norberto (Alejandro Chagas), su hermano, que prende la luz e intenta sacar a Eduardo de ese ambiente depresivo para darle una buena noticia: “Mamá vuelve a casa”.

Al inicio de la obra se puede presenciar una dialéctica bien marcada por las personalidades de los dos hermanos, que permite desplegar un interesante juego de oposiciones sobre cómo enfrentar las injusticias de la vida. De todos modos, su vínculo de hermandad es irrompible y vital, ya que ante la ausencia de una figura materna/paterna durante su infancia, ésta unión es la manera que encontraron de salir adelante. A partir de la llegada de su madre (Nora Pavón), se desempolvan esos recuerdos viejos y nostálgicos que estaban ocultos. Esa madre que solamente la veían en revistas, en fotos o películas, por fin regresaba para un reencuentro inesperado. Y una noticia que era necesaria ser contada.

La obra tiene lugar en una casa antigua y se desarrolla en diferentes espacios de ésta, por lo cual, se convierte en parte de la escenografía y logra que el espectador se sienta invitado como parte de esa noche que están por compartir y vivir. El uso de los diferentes espacios de la casa, su puesta en escena minimalista y la iluminación en momentos decisivos son muy acertados y colaboran en la construcción individual que cada espectador hace de la obra según sus experiencias vividas. También cabe destacar las actuaciones de los personajes ya que logran emanar una fuerte energía colectiva y desde las butacas se puede notar su gran potencial como artistas. Hacen posible el tránsito de diferentes emociones y sensaciones de una manera muy pasional. Habitan los momentos y los espacios con un goce que lo vuelve aún más disfrutable en cada situación.

La historia nos toma por sorpresa, es imposible no empatizar las situaciones que se dan en escena con nuestras propias historias.“Solsticios de cuna” posiciona a la familia como motor fundamental de la vida, sin embargo, los sentimientos de ausencia, culpa y dolor también constituyen la representación de este concepto. La obra nos invita a que abracemos nuestros vínculos familiares y, al mismo tiempo, nos incita a cuestionar la forma en la que nos relacionamos con el otro, las decisiones que tomamos y las actitudes que presenciamos. Es una obra que nos involucra e interpela constantemente y, de alguna manera, sentimos que comienza a hacernos preguntas que necesitan de nuestra respuesta: “¿Los hijos están condenados a heredar las heridas de sus padres?”.

El actor está pasando por un gran presente laboral entre el teatro, el cine y la televisión. En el teatro se presenta cada noche con la comedia “Vamos a Contar Mentiras” Encarna el papel de Arturo, un ladrón disfrazado de cura que junto a Gonzalo Suárez en la piel de Juan llevarán a cabo un delito en la casa de una familia adinerada. Allí comparte escenario con Dario Lopilato, Marcelo de Bellis y Viviana Saccone entre otros actores, es dirigido por Carlos Olivieri y producido por Aldo Funes, en el Multiteatro COMAFI

En televisión y recién estrenada se puede ver a Pablo actuando en la serie “El crimen del Country” que se emite por la pantalla de HBO con emisión semanal, allí personifica al paramédico (amigo de Carlos Carrascosa, y de la familia Belsunce) De los primeros en llegar a la casa, para revisar a María Marta García Belsunce. Esta versión de la serie recrea el accionar de muchos personajes involucrados en uno de los casos que más interesó a la opinión pública en el país y también a los medios de comunicación que le dedicaron horas al caso de María Marta García Belsunse que vivía con su esposo Carlos Carrascosa en el country El Carmel.


Y para coronar un gran año actoral, el próximo mes en el cine se lo verá a Pablo Sorensen participando en la película “Humo bajo el agua”, allí actúa junto a Mariano Martínez y Luis Brandoni entre otros actores. La película relata una historia de amor de dos amigos de la infancia, que florece cuando tienen treinta años. Su personaje en la película es Lucas y llega a la vida de un amigo luego de no haberlo visto durante mucho tiempo.

Por Sofía Luna Roberts

La esclavitud, las prohibiciones, la libertad y el teatro son las bases en las que ésta obra se funda para dar un mensaje claro y alto: la memoria es de todxs. Muchas veces el accionar que hacemos en ir al teatro es para despertar ciertos recuerdos que creíamos haber olvidado sobre nuestro origen, de dónde venimos, sobre de dónde vinieron nuestros padres/ madres, abuelos y abuelas. Porque es ahí donde el placer y el disfrute de recordar lo olvidado se vuelve fundamental para una de las tantas funciones que posee el teatro mismo. “Mujer sin nombre” nos recibe y nos acobija con sus cantos, sus melodías y sus historias sobre una Argentina que comienza a visualizar un horizonte de libertad allá por el año 1783. Con entrada libre y gratuita, “Mujer sin nombre” podrá verse todos los sábados a partir de las 18 hs en el Centro Cultural Kirchner (Sarmiento 151, CABA).

La pieza teatral nos sitúa en un contexto de mucha represión, guerra y limitaciones, en pleno Virreinato del Río de la Plata, Buenos Aires se encontraba bajo la Monarquía Católica de España. Es aquí donde las preguntas, la confusión y esas ganas incontenibles de ser libre comienzan a resonar en cada rincón, melodía, en cada letra que estos artistas entonan cada vez más fuerte para hacerse escuchar. La historia cuenta la vida de una joven esclava que es alquilada a un empresario para que trabaje como actriz en el Teatro la Ranchería. Aquí es donde comienza la verdadera aventura para esta esclava que logra encontrar su camino hacia ese nuevo horizonte arriba de las tablas, dentro de un teatro que le abre las puertas para ser quién realmente es (o quién quiera ser).

Una de las características a recalcar de la obra es la música, que viene de la mano de la destacada compositora Amanda Guerreño y con un libreto escrito por Horacio Berón. También cuenta con dirección y preparación musical de Pablo Manzanelli y dirección escénica de Florencia Ayos. El espectáculo además cuenta con un impecable ensamble instrumental que acompañó a los actores y actrices a lograr una sintonía magistral, generando en el espectador un sentimiento de pura emoción al escuchar tanto el canto como la música al unísono. Dicho ensamble está integrado por Yesica Nicolet (flauta traversa), Nahuel Zárate (clarinete), María Florencia Díaz (trompeta), Juana Zapata (trombón), Martín Díaz (guitarra), Edgar Piñero (violín), Jessica Estigarribia (violonchelo), Alan Benavidez (contrabajo) y Arauco Yepes, Gianfranco Barnabá y Maxim Gerlach Lopszyc (percusión).

Otra de las características a destacar son las excelentes interpretaciones del elenco conformado por: María Eugenia Caretti, Santiago Sirur, Luchi de Gyldenfeldt, Juan Pablo Labourdette, Gabriel Vacas, Marcos More Martínez, Rafael Walger y Daniel Ataupilco Estela. Le dan vida a una historia que contiene mucha injusticia pero, al mismo tiempo, permite un juego dialéctico entre el dolor y la música. Esa liberación que solamente es concebida gracias al ritmo de unos tambores bien tocados y unos bailes con mucho entusiasmo dentro de un espacio sin prejuicios. El teatro constituye ese lugar de encuentro, de diversión; sus paredes son las verdaderas murallas ante el disciplinamiento de la razón. La validez del cuerpo, del movimiento y del canto son los pilares y las resistencias que éstos artistas utilizan para no ser vencidos.

Ésta ópera logra dialogar directamente con los orígenes de nuestra música popular y el teatro argentino. Nos cede el paso a descubrir el principio de nuestros ancestros, las injusticias y las prohibiciones de un pueblo que no toleraba el nacimiento de una nueva identidad, una identidad que no puede ser más escondida y que reclama su derecho de salir en libertad. Por eso es tan importante recordar, para mantener encendida la llama de la memoria y así no dejar pasar nunca más los impedimentos de un disciplinamiento que no nos deja ser.

Por Eloy Rossen

El límite de los sueños

En Animal Teatro, Tadeo Pettinari aborda una puesta que adapta un clásico de Tennesse Williams a una Argentina pobre, absurda y llena de sueños.

A partir de la obra “El zoo de cristal”, que retrata a una familia sureña de los años ‘50 que sueña con una vida mejor que la existente, “No es Disney” reacondiciona la historia al barrio de Once, a una madre con dos hijos esperando a que una realidad, otra realidad, les venga a tocar la puerta. Florencia -interpretada por Mariana Giovine- encarna a una madre que va perdiendo los estribos a medida que el relato avanza, trabajando desde una corporalidad derrotada y cómica que anuda fielmente al público. Desde un retrato hilarante, la pieza tracciona al límite los estereotipos: la hija emo que practica “lectoperformance” y vive citando a autores del siglo pasado, junto con el hijo boludón perdido en la vida mientras trabaja en McDonald’s. Otros personajes se cuelan en la escena y vienen a desestructurar cada vez más los pilares que sostenían a la familia, dejando entrever entre risas y carcajadas los restos de una situación económica y social al borde del abismo, tan absurda que parece un chiste.

Un evento desafortunado sacude a la familia y la coloca en un limbo de incertidumbre, forzando a los personajes a cuestionar sus más profundos caracteres, a interpelarse de manera profunda y sensible. En búsquedas de algo que los sostenga y los encamine hacia un sentido, los roces de los personajes, que parecen deambular en el espacio sin poder encontrarse entre sí, poseen un tinte cómico y fogoso que ridiculiza al extremo la obra y la vuelve puramente humana. Fuera de todo relato solemne, “No es Disney” trabaja la pobreza y la incertidumbre en una realidad donde el rumbo está todo menos señalizado, donde las oportunidades escasean y la rutina se convierte en una monotonía interminable. Con instantes musicales y oníricos, Florencia viaja constantemente al pasado para revisitar una vida que abandonó cuando conoció a su marido, mientras su hijo Iván -interpretado por Juanse Cobo- anhela viajar al extranjero para estudiar música y su hija Andreina -interpretada por Vera Noejovich- se refugia en la literatura y la intelectualidad para construirse un caparazón de la situación que la rodea.

El espacio que acoge la pieza se construye desde el detalle y la magia, revelando un relato absurdo y miserable que guarda su propio encanto. En una puesta que se asume como realista, los juegos de luces y la escena que rodea a la audiencia por completo elabora cuadros que trazan lecturas poéticas, que se escapan de lo mundano y perecedero. Se trabaja la espacialidad incluso previo a que el público ingrese a la sala, ocupando el total del teatro y apostando por apoderarse de todas las posibilidades que propone la sala. “No es Disney” propone en la escena teatral independiente la reversión de un clásico traído a lo absurdo del contexto que transitamos, con la tierna propuesta de buscar en el encuentro y los sueños el hallazgo de otras realidades posibles.

Funciones: Sabados a las 20hs- El Animal teatro (Castro 561)

El crimen en las costuras

Dentro de las costuras se pueden esconder secretos imperceptibles, pero no hay nada que otro pliegue pueda ocultar.Nuestros vestidos dicen tantas cosas de nosotros pero también de la mano de quién los hace. La diversión y el misterio están garantizados con estas costureras.

«Dos costureras en un pueblo alejado, con pocos habitantes, un lugar donde todos se conocen. Una es viuda y su vida pasa desapercibida; la otra es una aspirante a modelo y cantante que solo pudo lograr la corona de reina una sola vez en el festival del pueblo».

Renata Aiello y Gabriela Aienstein son las escritoras y actrices protagonistas de esta divertida y misteriosa comedia. Bajo una escenografía a cargo de André Passeri, se recrea un taller de costura con mínimos detalles. Lucía Szlak dirige a estas talentosas actrices en una historia que atraviesa la comedia pueblerina y el thriller.

La química entre ambas actrices es sin igual, así como la entrega en el escenario. Se desborda carisma y el público es capaz de percibirlo.
Una deliciosa e intrigante banda sonora acompaña esta obra, la cual aporta el misterio necesario para todos los plot twists que vamos a presenciar.

Las costureras es una comedia muy divertida que hará reír al público y sacar sus propias conclusiones. Disponible en el Teatro Crisol (Malabia 611) los viernes a las 21. Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Tick tick boom y lo mucho que dice de nosotros

Jonathan Larson fue y sigue siendo una leyenda del teatro musical, si bien su vida fue efímera, su legado es inmortal. Este compositor y director estadounidense supo cómo dar un giro de 180° a los musicales, haciendo realistas, con personajes reales y situaciones reales.
Muy alejado de las super producciones con mucho baile, romance y aparatos técnicos.

Tick tick boom! Es el musical autobiografico de Jonathan Larson, escrito durante su etapa de crisis creativa se dio cuenta que mejor que inventar una historia de fantasía o ciencia ficción, era mejor hablar de su vida y las cosas que conoce. Así es como establece sus relaciones más cercanas: su novia, su mejor amigo y su vida.Marcelo Caballero, Lucien Gilabert y Juan Pablo Schapira forman parte de la adaptación argentina de este clásico que se vuelve a presentar en Calle Corrientes.

Federico Couts interpreta al nervioso Jonathan Larson, en su crisis creativa en medio de momentos clave con sus relaciones más cercanas, Lucien Gilabert nos da una conmovedora y hermosa interpretación de la novia de Larson, logrando hacer llorar al público en sus momentos en solitario y Pedro Velásquez interpreta al mejor amigo de Larson, un joven que enfrenta un momento difícil y en una década cruel.

Giuliana Sosa, Pedro Sosa, Juan Pablo Sosa, Fernando Oviedo y Leandro Biera forman parte de la banda que interpreta los temas musicales de Larson, transmiten carisma y entrega al público durante el perfomance.

La escenografía está a cargo de Ariel del Maestro y Marcelo Caballero, ellos logran capturar la esencia de Tick Tick Boom! Mediante el escenario dividido en tres. Tick Tick boom! Es una fiel adaptación de Marcelo Caballero, hecho con cariño. Va a conectar a todo el público a un clásico esencial y humano.

Disponible los martes a las 20:30 en la Sala Picasso del Paseo La Plaza. Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Juventud, divino tesoro

Cuando se nos pregunta qué queremos ser en cinco años, pensamos en metas definidas por nuestros objetivos actuales y sueños, nunca se nos pregunta cómo nos veremos en treinta años pues solo la idea de envejecer nos causa terror, por suerte llegar a ancianos puede ser divertido tal y cómo lo muestra Forever young.

«Estamos en el 2050. Siete ancianos pasan sus días plácidamente en un geriátrico entre ejercicios de rehabilitación, medicinas y gratos recuerdos. Sin embargo, cuando la enfermera se retira, el espíritu del pop y el rock & roll mágicamente toman vida y nuestros queridos mayores deciden resistir el paso del tiempo con un arma secreta imbatible: la música». Esta es la reseña de Eric Gedeon, estrenada por primera vez en la ciudad de Oslo hace más de diez años, cuya adaptación sigo cobrando éxito.

Walter Canella, Melania Leloir, Christian Giménez, Ivanna Rossi, German Trippel, Andrea Lovera y Hernán Matorras forman parte del elenco de la historia interpretando a si mismos en unos 30 años en el futuro. Adaptada por Paco García, Carles Mens, Joan Gracia y Pablo Kompel, la obra de Daniel Casablancas es un divertido y enérgico musical lleno de nostalgia y reflexiones.

Sin duda la fuerza y jovialidad que ponen los actores hacen de Forever Young una maravilla para ver y no parar de reír. La caracterización es prolija, todo esto es gracias al maquillaje y vestuario de Héctor Ferreira, este impone un realismo carismático a estos actores envejecidos.

Forever young es un popurri de temas rock/pop que van de bandas cómo Nirvana, Aqua, Madonna, Gloria Gaynor, Joan Jett, Alphaville, Bee Gees, entre otros.

Ivanna Rossi y Melania Leloir se llevan el show con sus representaciones de señora mayor, ambas con personalidades diferentes, una muy tierna y la otra amargada, pero aún así llenas de fuerza y energía para entregarnos un perfomance involvidable. Si nos preguntan que queremos ser cuando tengamos más de 60, la respuesta será: Siempre joven.

Disponible los lunes a las 20:00 en el Teatro Picadero, en el Pasaje Discepolo. Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.