Critica: Los Fabelman

Por Martin Karo

Un retrato torcido y genuino de la vida de Steven Spielberg

Steven Spielberg es la persona con mayor talento natural para la cinematografía, muy
probablemente el mejor director de la historia. A lo largo de su carrera lo vimos experimentar y explorar constantemente, solo hace falta ver las últimas 2 películas que dirigió, Ready Player One (2018) una odisea a través de un universo digital que nos permite revisitar a muchos de los más grandes iconos de la cultura pop creando escenas muy inmersivas gracias al orgánico uso del CGI y West side story (2021) La segunda adaptación a la gran pantalla del musical del mismo nombre que a su vez es una versión moderna de la obra de teatro Romeo y Julieta del eterno William Shakespeare.

En la gran mayoría de los casos esa búsqueda de la innovación esta ineludiblemente atravesada por las experiencias personales de Spielberg y a veces da la impresión de que narra cómo le hubiera gustado que sea su vida, por ejemplo el grupo de niños de los goonies que es un paralelo del grupo de amigos que el director tuvo en su infancia o E.T en donde un niño de otro estado viene para alegrarle la vida a elliot y ser el amigo que Spielberg alguna vez necesito ya que su familia se mudaba seguido debido al trabajo de ingeniero eléctrico que tenía su padre. Con estos precedentes, sin contar todos los demás que hay en su filmografía, The Fabelmans es especial por varios motivos una particularidad es que esta escrita por él y por Tony Kushner, lo que llama la atención porque a pesar de lo personales que puedan llegar a ser sus películas él no suele escribirlas ya que padece dislexia desde su infancia pero que fue diagnosticada recién a los 60 años y siendo plenamente consciente de su condición encaró el guión.

The Fabelmans cuenta la historia de la familia del mismo nombre a inicios del siglo xx desde la perspectiva del hermano mayor Sam Fabelman, un trasunto del director, que nos enseña la infancia y adolescencia de Spielberg, como fue moldeado por su familia y su entorno, la inmadurez a la par de la libertad que le inculcó su madre, el apoyo racional y disciplinado de su padre, la persecución y violencia sufrida por ser judio, como su Tío Abuelo Boris le cambiaría la vida para siempre y por supuesto el cine formando parte de él desde su infancia. El cine nunca fue un mero hobby como le insistió su padre, en varios momentos de la película podemos ver como experimenta y llega a resultados dignos de un genio a partir de situaciones cotidianas y como en los momentos más difíciles el cine fue su escape y hoy a sus 76 años es su mejor forma de encuentro. como dijo en el marco del estreno en el festival internacional de cine de Toronto “Esta película es la forma de traer de vuelta a mi mamá y a mi papá”.

El concepto de esta película nació en 1999 de la cabeza de Spielberg y de su hermana
Anne pero frenaron el proyecto por miedo a que sus padres se sintieran heridos pero
siempre siguieron elaborando la historia. Ya estrenada The Fabelmans no tengo dudas de
que es una experiencia enriquecedora para cualquier cinéfilo, estudiante de cine o personamínimamente interesada en este arte y a su vez también es una historia universal de la búsqueda de un adolescente por desarrollar sus pasiones, su carácter y encontrar aunque sea la mínima oportunidad de avanzar un paso para lograrlo, es particularmente inspiradora para cualquier persona que esta pasando por una situación tan común y complicada como es querer dedicarse a una profesión pero tener la presión de un entorno que sabotea ese objetivo. Casi todos los personajes tienen aunque sea un momento para brillar, hasta aquellos de los que uno podría no esperar nada como el personaje de Seth Rogen, actor criticado por su filmografía de comedias genéricas pero que en esta película no es solo un alivio cómico y demuestra que tiene más para ofrecer como le pasa a tantos actores del género. La comedia esta en su justa medida y es expresada principalmente de forma visual, sin forzarla o buscarla únicamente a través de los diálogos, no es una locura pero sirve para relajarnos del drama familiar un momento para que el visionado no se vuelva denso ya que esta historia se centra más en los personajes y sus vínculos interpersonales en el dia a dia que en una trama en la que pasamos de punto A, al punto B y esperar el clímax en el punto C. The Fabelmans no es perfecta y tampoco busca serlo, es una historia redonda y un fiel reflejo de lo que es el cine para Steven Spielberg.

The Fabelmans

Calificación: 9/10


Critica: Gato con botas: El último deseo

Luego del éxito que resultó ser la franquicia shrek, ers cuestión de tiempo a que saliera algún spin off del mismo, en este caso la opción más viable fue usar al Gato con botas, aquel carismático personaje que traía consigo la voz de Antonio Banderas. La primera película en solitario del gato, sin ser un hito, resultó una agradable aventura que hacía parodia a los cuentos. Para su segundo film nos traen una nueva aventura, que si bien es divertida, se siente un cierto desgaste sobre las ideas que explotan.

En su premisa principal, nuestro protagonista vivía sus aventuras como siempre, pero tras morir al final de una batalla se da cuenta de que al gato se le acabaron todas sus vidas por agotar, y la que está viviendo es la última. Por este motivo decide refugiarse en un hogar de gatos por el miedo a la muerte, allí descubre la búsqueda de un tesoro o una leyenda que le otorga cualquier deseo al que llegue a ese lugar buscado. Allí se lanza nuevamente para recuperar sus vidas y ser el de antes, pero mientras se encuentra con un nuevo amigo, su viejo amor y personajes que harán todo por obtener su deseo.

La premisa está bien implementada, pero es en el viaje, la parodia y el humor que intenta plasmar en donde realmente falla. Como en anteriores casos, se utilizan personajes o ideas de los cuentos para explotarlos y burlarse de ellos. En la primera funcionaba muy bien con la gansa y los huesos de oro. Acá nos trae la leyenda de un deseo, a Ricitos de oro y un villano que utiliza todo tipo de armas mágicas. Todo este conjunto no está muy bien implementado y su humor es ñoño a comparación de lo que se ve en otras entregas de la franquicia shrek o gato con botas.

En la animación si el film nos trae algunos cambios de el estilo de dibujo en las escenas de acción, aunque se destacan no llegan a ser tampoco tan sorprendentes. La película es una buena opción para los chicos , divertida ajnque no resulte memorable, eso lo veremos después si sucede en la siguiente aventura del ogro verde.

Calificación 6.5/10

Crítica: Avatar: El camino del agua

Por Jorge Marchisio



Amada por muchos, odiada por otros tantos, y olvidada por otros muchos más, Avatar es una película que, en su momento, causó un gran revuelo en el cine. tanto por la tecnología que se había inventado para filmarla, o porque fue el hazmerreír de los Oscar al no ganar ninguno de los premios principales, su secuela venía causando bastantes rumores. Y ahora después de verla, les contamos qué nos pareció.



La historia se sitúa más de una década después de lo acontecido en la primera entrega; con Jake habiendo formado una familia con Neytiri, y algunos humanos viviendo en Pandora en paz con los nativos. Pero desde la Tierra llegan nuevas naves decididas a colonizar la luna, y ahora no solo traen más armamento y hombres, sino a un viejo conocido de Jake que ahora tiene un nuevo cuerpo, pero el mismo odio por nuestro protagonista y los Navi.

Como dejé entrever en el primer párrafo, soy de los que se posiciona entre aquellos a los que Avatar no le movió un pelo, y lejos de parecerle mala, tampoco le pareció la gran cosa, solo valorando las innovaciones técnicas y ya. Es por eso que esta secuela no me generaba ningún tipo de hype, y viendo lo visto, creo que ese es el secreto a la hora de ir al cine e intentar disfrutar de Avatar: el camino del agua.

A nivel guión, no vamos a encontrar ninguna maravilla, y hasta podríamos decir que es lo más flojo. Y esto no lo digo solo por algunas conveniencias puestas solo para dar pie a secuelas, o porque estamos ante otra historia vista ciento de veces en el cine; sino por los obvios baches de ritmo que tiene. No es que quiera que todo sea explosiones seguidas de tiros y más explosiones, pero es que por momentos tenemos tramos de veinte minutos donde literalmente no pasa nada. Si, las escenas son hermosas de ver, pero se ve que nadie le dijo a James Cameron que, en edición, no podía poner todo lo que filmó.

Si, dichas tomas a nivel visual son hermosas; y ese apartado es el que más sobresale. Pero una película de tres horas y cuarto (si, leyeron bien) no se puede dar el lujo de sostenerse sólo por lo visual. Aplaudimos el esfuerzo, las innovaciones y lo realista que se ven tanto los avatares como las criaturas de Pandora. Pero sin una historia que sustente eso, solo tendremos largas secuencias hermosas, pero de nada.

Aparte de que a nivel música, tampoco se aporta mucho, restándole cualquier tipo de epicidad a los combates (que son bastante pocos para lo que dura Avatar: el camino del agua). Al menos bajo mi punto de vista, no creo que con el paso del tiempo recordemos alguna escena como si con la Cabalgata de los Rohirrim o la pelea final de Endgame.

Para no extendernos sin necesidad, Avatar: el camino del agua cumple en la cuota visual y espectacularidad. Pero si buscan un poquito más, no van a encontrar nada nuevo bajo el sol. Depende de sus expectativas.



Calificación: 7/10

Lo mejor: el apartado visual.

Lo peor: ritmo muy irregular, por momentos no pasa nada, música olvidable.

Crítica: Wakanda por siempre

Es de público conocimiento el reciente fallecimiento de Chadwick Boseman en el 2020, quien fue el actor de representar al personaje Black Phanter y que había sido muy bien recibido desde su aparición en Civil War. Tras la lamentable muerte del actor, en términos cinematográficos, se volvió incierto el futuro de la franquicia hasta que tiempo después se anunció el estreno de Wakanda Forever, que trataría el desarrollo de los personajes de su universo tras la pérdida de la pantera negra, siendo también un film que dará un sentido homenaje al actor.

Y la trama de wakanda forever empieza con eso, la muestre de Tchalla, por causas inciertas pero que daba a entender que se trataba de una muerte natural y que al no poseer la hierba que daba los poderes al protector, nada se podía hacer. La primera parte de la película sirve para retratar el dolor de la pérdida de Black Phanter a su vez dando un homenaje sobre lo que sucedió con Boseman, aunque no tarda mucho en iniciar una nueva trama a través de esto. De esta manera conocemos a una nueva tribu comandada por Namor, quién comienza un ataque tras haberse descubierto que existe otro lugar donde puede obtenerse el vibranio y resulta una amenaza para esa comunidad, por lo que pide ayuda a wakanda para ir contra la superficie y buscar a alguien que construyó un detector de aquel metal tan preciado.

La película se lo lleva Angela Bassett quien vuelve con su personaje Ramonda, una reina que debe tomar el control de wakanda pero que a su vez demuestra la fragilidad de haber perdido a su hijo y debe hacer todo lo posible para seguir protegiendo a lo suyo. También tenemos la incorporación de Ironheart con un inicio potente y prometedor. Letitia Wright toma la batuta como Black Phanter con un desarrollo correcto y que promete buen futuro para próximas apariciones.

Wakanda Forever cuenta con la dosis de humor justa y necesaria, y se agradece. En cuanto a su ritmo, este se ve marcado por la trama de la desaparición de Tchalla por la muerte de Chadwick Boseman con momentos muy emotivos. Es probable que la acción se vea opacada por esto, con un ataque que arranca por todo lo alto y que después tira al bajón con tramas que se extienden más de lo debido. Los efectos especiales están más que bien, se nota que se tomó el tiempo y dedicación necesario, opacando a otras producciones de la compañía que se vieron criticadas por la polémica de la explotación para sus efectos especiales.

Wakanda Forever es una película cumplidora que promete un buen futuro a la franquicia y que a su vez es un puro y sincero homenaje a un actor que lamentablemente nos dejó tempranamente pero que ha encontrado un lugar en nuestros corazones

Calificación: 8/10

Crítica: One Piece film: Red

Últimamente los animé de exito están teniendo su paso por el cine con alguna película, que en algunos casos resulta más un relleno para vender tickets y en otros casos, aportan a la trama general, además de lo anteriormente mencionado. One Piece es una serie de animé que ya lleva más de mil capítulos emitidos y que si bien es difícil arrancar con un film de estas características, resulta una aventura más que entretenida, pero que en realidad está hecho para el seguidor y fan del pirata Luffy.

La historia nos presenta a Luffy y su gente acudiendo al concierto de Uta, una cantante que tiene encandilado a medio mundo y que pronto se revela como una conocida de nuestro protagonista, quien estuvo junto a Uta en su infancia, cuando ella formaba parte de la tripulación de Shanks. La cuestion es que luego se suceden cosas y cuenta con un resentimiento hacia los piratas y tiene la habilidad de cambiar las cosas con su voz y es ahi donde inicia la aventura.

No quiero entrar en spoilers sino más bien de dar las impresiones de lo que me ha parecido la historia de un anime que sigo, aunque no he estado lo más actualizado. En principio, este es un espectáculo visual, donde la animación se destaca para esta ocasión, no solo en las escenas de acción sino también en todo lo que se refiere al apartado artístico y las escenas que responde a lo musical. En cuestión a la historia, sí, nos da un relato trepidante y con buen ritmo, aunque en algo voy a ser sincero, creo que toca seguir la serie al día para poder disfrutarla plenamente.

En cuanto a la musica , esta ha sido compuesta por Yasukata Nakata, entregando una banda sonora plagada de música electrónica interesantes y épica. Esto, junto a todo el apartado técnico y de animación, son uno de los platos fuertes del film, que haría justificar el pago de una entrada en cines.

One piece red es una aventura ideal para los fanáticos de Luffy y compañía, con una historia que si bien no es la definitiva, es interesante y cuenta con buenos giros. Si toca ser un seguidor de la serie para poder disfrutarla con plenitud, pero pasa la prueba de no ser una película de un dibujo conocido que solo quiere facturar en salas.

Calificación 7.5/10

La galardonada película Argentina, 1985 llega en exclusiva a Prime Video el 21 de octubre




El largometraje ganó el premio del público en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y ha participado en prestigiosos festivales de cine de todo el mundo


Tras su estreno mundial el 30 de septiembre, Argentina, 1985 seguirá proyectándose en los Prime Video anunció hoy el estreno exclusivo de

la aclamada y premiada película Argentina, 1985, el próximo viernes 21 de octubre. Seleccionada como candidata nacional de Argentina para los Premios de la Academia 2023 en la categoría de mejor película internacional, la cinta estará disponible en más de 240 países y territorios de todo el mundo.


La película se ha proyectado en prestigiosos festivales de cine de todo el mundo, como el Festival Internacional de Cine de Venecia, el Festival de Cine del BFI de Londres, el Festival Internacional de Cine Río y el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde también ganó el codiciado premio del público.


Rodada en las localizaciones históricas en las que tuvo lugar la historia real, el premiado Santiago Mitre (Paulina, La Cordillera) ha dirigido la película, que también ha coescrito con su viejo colaborador Mariano Llinás (La Flor, Historias Extraordinarias). La cinta cuenta con un reparto de lujo encabezado por Ricardo Darín (El Secreto de sus Ojos, Relatos Salvajes) como Julio Strassera y Peter Lanzani (El Clan, El Ángel) como Luis Moreno Ocampo.


La película es una coproducción entre La Unión de los Ríos, Kenya Films, Infinity Hill, y Amazon Studios. Axel Kuschevatzky, Federico Posternak, Agustina Llambi-Campbell, Ricardo Darín, Santiago Mitre, Santiago Carabante, Chino Darín y Victoria Alonso producen la cinta. Cindy Teperman y Phin Glynn están a cargo de la producción ejecutiva.


Argentina, 1985 está inspirada en la historia real de los fiscales Julio Strassera y Luis Moreno Ocampo, que en 1985 se atrevieron a investigar y enjuiciar a la dictadura militar más sangrienta de la historia argentina. Sin dejarse intimidar por la todavía considerable influencia militar en la nueva y frágil democracia, Strassera y Moreno Ocampo reunieron un joven equipo jurídico de inesperados héroes para su batalla de David contra Goliat. Bajo amenaza constante sobre ellos y sus familias, corrieron contra el tiempo para hacer justicia por las víctimas de la junta militar.

UN MUNDO EXTRAÑO, la nueva aventura llena de acción de Walt Disney Animation Studios, debuta un nuevo póster y un nuevo tráiler

El largometraje, que llega a los cines el 24 de noviembre, presenta a una legendaria familia de exploradores, los Clade, que intentan navegar por una tierra inexplorada y traicionera junto a un equipo diverso que incluye a Splat, un travieso compañero de aventuras; Legend, un perro de tres patas y una serie de voraces criaturas.





El elenco de voces en inglés incluye a Jake Gyllenhaal como Searcher Clade, un hombre de familia que se encuentra fuera de su elemento en una misión imprevisible; Dennis Quaid como Jaeger, el legendario explorador padre de Searcher; Jaboukie Young-White como Ethan, el hijo de 16 años de Searcher, que anhela la aventura; Gabrielle Union como Meridian Clade, una experimentada piloto y compañera de Searcher; y Lucy Liu como Callisto Mal, la intrépida líder de Avalonia que encabeza la exploración del extraño lugar. UN MUNDO EXTRAÑO está dirigida por Don Hall (ganador del Oscar® por GRANDES HÉROES, RAYA Y EL ÚLTIMO DRAGÓN), codirigida y con guion de Qui Nguyen (coguionista de RAYA Y EL ÚLTIMO DRAGÓN) y producida por Roy Conli (ganador del Oscar® por GRANDES HÉROES, ENREDADOS)



Crítica: El Suplente

La literatura no sirve para nada

La literatura junto a la historia, son dos de las materias que más causan desmotivación en los adolescentes, si bien no es un factor común y se generaliza el comentario, todo esto tiene que ver en la forma en que se enseñan. El peso cae sobre el profesor para que las artes literarias no sean un tedio y más aún, para romper el estigma que algunos llaman »La literatura no sirve para nada»



El cineasta Diego Lerman, conocido por la serie para TV titulada La casa o filmes como Una especie de familia, La Mirada Invisible, entre otros; regresa con un drama realista sobre la relación de profesores y alumnos en un ambiente marcado por la violencia y las drogas. Lucio es un académico de las letras que tomará la decisión de dar una suplencia en una escuela secundaria a las periferias de Buenos Aires, esta experiencia estará llena de obstáculos pues tendrá que educar, motivar e inspirar a alumnos que conviven en un ámbito socio familiar conflictivo.

El Suplente nos recuerda a películas como Entre les murs, Detachment, Freedom Writers, Monsieur Lazhar, La Sociedad de los poetas muertos, etc. Es una fórmula ya conocida que puede formar un género parte: drama escolar. El Suplente muestra una realidad más que clara que se ignora dentro de los ambientes de clase media alta, para muchos la escuela es una experiencia sanadora y para otros una supervivencia y escape al mundo real.

Juan Minujin hace su papel más humano y sensible al protagonizar de profesor que busca dar luz a estos chicos, Rita Cortese tiene una interpretación breve pero fuerte y determinada, el aclamado actor chileno Alfredo Castro tiene una participación conmovedora y por último pero no menos importante, el cast de los chicos, que sin experiencia actoral pudieron dar naturalidad al filme.


El Suplente es un drama escolar sincero, directo, humano que más allá de hablar de las relaciones entre profesores y alumnos, habla de la empatía y la esperanza.

Calificación 7/10

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

El Gerente se estrena estrena el 20 de octubre en Paramount + y en Cines Atlas.

Paramount+ anuncia la llegada de El Gerente a Paramount+ y a las salas de los cines ATLAS, donde estará disponible con exhibición limitada durante una semana. La película original de Paramount+ que se estrenará el próximo 20 de octubre, está dirigida por Ariel Winograd y protagonizada por Leonardo Sbaraglia y Carla Peterson, junto a Luis Luque, Cecilia Dopazo, Valentín Wein, Marina Bellati, Mónica Raiola, Agus “Papryka” Suásquita e Ignacio Saralegui, entre otros.



El Gerente narra la historia de Álvaro, un gerente de marketing que hace tiempo ha perdido la gracia. Separado, padre de un hijo adolescente con quien apenas puede mantener un dialogo, aburrido en un trabajo sin desafíos y un cuerpo que empieza a sufrir las consecuencias, su vida ha entrado en un largo stand by del que tendrá que despertar cuando Manganaro y Federica (el dueño de la empresa y la nueva gerente general estrella), le exijan innovar sus mediocres campañas de venta. Álvaro y su equipo tendrán que estar a la altura de las circunstancias, pero la idea que bajo presión aparecerá lo llevará por un camino inesperado de exposición y riesgo que no parecía dispuesto a encarar. La campaña pone a su marca líder de televisores en el centro de la escena mediática y a Álvaro en la cuerda floja: desde ahí tendrá que revisar cuáles son las cosas importantes que está a punto de perder y debe recuperar.

El Gerente se podrá ver en exclusiva en Paramount+ o en las siguientes salas durante el período de una semana desde su estreno:
• Atlas Alcorta
• Atlas Patio Bullrich
• Atlas Nordelta
• Atlas Caballito
• Atlas Flores
• Atlas Liniers
• Cinema Adrogue

Escrita por Patricio Vega (Hermanos & Detectives, Tesis sobre un homicidio) y producida por Paramount en asociación con Tresplanos e Infinity Hill, El Gerente está inspirada en el libro El Gerente de Noblex, (que se basa en la promoción creada por Gaston Bigio y Marcelo Romeo) cuyos derechos exclusivos mundiales fueron adquiridos por Paramount

Bodas de plomo se estrenará en Prime Video el 27 de enero de 2023

En Bodas de plomo, Darcy (Jennifer Lopez) y Tom (Josh Duhamel) reúnen a sus queridas pero testarudas familias para el mejor viaje de bodas, justo cuando la pareja empieza a arrepentirse. Por si eso no fuera suficiente para amenazar la celebración, repentinamente las vidas de todas las personas asistentes a la boda están en peligro, cuando se convierten en rehenes. “Hasta que la muerte los separe” cobra un nuevo significado en esta divertida Aventura llena de adrenalina, cuando Darcy y Tom deben rescatar a sus seres queridos—si es que no se matan entre ellos primero.

Teaser Trailer oficial: