Palabras de José «Pepe» Mujica en la Conferencia de prensa de “LA NOCHE DE 12 AÑOS” 

“Tengo mucho que agradecer y reconocer a los compañeros que instrumentaron esta película, los cuales hicieron un enorme esfuerzo enorme. Agradecerles, porque en alguna medida representan las peripecias que pasó muchísima gente en esta América, no es un problema del Uruguay o de la Argentina; es representativo de cosas que han pasado en la historia de nuestra América y que están pasando por otros lugares.

Porque es parte de la lucha de la condición humana inconsciente o no, en realidad el fondo de la lucha es mejorar un poquito el caudal de la civilización en la cual hemos nacido. Claro que ambicionamos mucho más, el progreso social humano, está lleno de los cristales rotos de soñadores que quisieron cambiar el mundo y no lo lograron, pero dejaron un escaloncito de dignidad que se llama progreso humano.

Esos “viejos anarcos” que pelearon por las “ocho horas” y murieron, soñaban con un mundo sin clases, un mundo igualitario… ¡no no no no!… fracasaron, pero dejaron las ocho (8) horas, una conquista para los trabajadores del mundo, y así son las jubilaciones y así es todo lo que es el progreso que ayude es consecuencia de que hubo gente que luchó y naturalmente, tenemos mucha más capacidad de soñar y de querer, de lo que podemos concretar y lograr.

Bueno, a nosotros nos tocó pelear con la locura, porque más bien era un tipo de prisión que lo que buscaba es que quedáramos “lelos”, y triunfamos, no quedamos lelos… no quedamos del todo, pero nos quedamos con el mismo caudal que teníamos, sino no nos hubiéramos metido en la que nos metimos. El que se mete a cambiar el mundo, sabe que… en fin.

Es hermoso tener una causa para vivir, la otra es transformar el mercado en la causa que nos conduce y envejecernos pagando cuentas, comprando cosas una detrás de la otra que nunca alcanzan y confundir “ser con tener”.

Los caminos se bifurcan, o tú le das rumbo a tu vida será una pieza del mercado. Pertenecemos a los tipos que intentan hacer ejercicio de esa manera de pensar; esto tiene un contratiempo y algunos inconvenientes, pero qué hermosa que es la vida, si tuviera que vivir otra vez, diría: “sirva otra vuelta pulpero, a pesar de todos los pesares”.

“Considero que nunca hay un triunfo definitivo, por lo tanto, jamás hay una derrota definitiva”, apenas vamos andando…

No pensaba así, tuve una época en que era absolutista, me las creía todas; envejecer tiene sus inconvenientes y sus ventajas. Por lo demás mi agradecimiento por no haberme dejado entrampar, lo mismo que mis compañeros, por el odio. Porque el odio es ciego como el amor, pero el amor construye y el odio destruye.

No quiere decir que uno no tenga pena ni cosas, quiere decir que uno aprendió a andar con una mochila atrás y no vive para cobrar cuentas que nadie le va a pagar, sino que vive con la ilusión de aportar algo para mañana. No me importan los sufrimientos de ayer, me interesa la suerte de los que van a venir luego de nosotros y esto le da un rumbo a la vida.

Alguna vez uso una imagen, la naturaleza nos puso los ojos hacia adelante, hubiera estado bien tener un ojo en la nuca para cuidarse. Pero sin embargo la vida es mañana, no es la de ayer, ahora del ayer hay que aprender, esa es la cuestión.

Y gracias a vosotros, nuestro saludo al pueblo argentino, que es parte de nuestro pueblo. Somos algo más que hermanos, nacimos en la misma placenta, por lo menos tenemos casi los mismos defectos y pasiones parecidas. Gracias, que nuestra suerte está ligada a la de ustedes, porque por tradición cuando ustedes se resfrían, nosotros nos engripamos, asi que nuestro deseo es interesado. “(Risas)

Laura Pacheco Mora.

Esto no es un juego

“Sangre Blanca” es un thriller dramático nacional dirigido y escrito por la cineasta salteña Bárbara Sarasola Day, siendo éste su segundo filme luego de “Deshora” (2013). Filmada mayoritariamente en la localidad de Salvador Mazza, la cinta está protagonizada por Eva De Dominici (Sangre en la Boca, No Dormirás) y Alejandro Awada.

En el Paso Internacional entre Argentina y Bolivia, la joven Martina (Eva De Dominici) está metida en un problema demasiado grande como para resolverlo sola. Junto a su pareja Manuel (Rakhal Herrero), Martina había llegado a la conclusión de que la mejor manera de conseguir plata rápida era convirtiéndose en mula de droga. Sin embargo, nunca se le cruzó por la cabeza que su novio podría morir con las 65 cápsulas de cocaína dentro del cuerpo. Presionada por las constantes y amenazantes llamadas telefónicas de los traficantes, a Martina no le quedará otra que contactarse con Javier (Alejandro Awada), padre con el que nunca tuvo relación.

Estamos ante una película que tiene una temática interesante pero por cómo fue llevada a la pantalla grande da la sensación de que la historia sería mil veces mejor si se hubiera concebido como un cortometraje. Teniendo en cuenta que la mayoría de escenas no tienen diálogo, más bien muestran acciones de la protagonista, ya sea bailar, despertarse o caminar, el ritmo se pierde por completo lo que genera que la paciencia del espectador se agote muy rápidamente.

Hay varias situaciones que nos hacen perder la credibilidad del relato, en especial que el personaje principal mantenga el cadáver en una habitación de hotel con el aire acondicionado al máximo o que el padre de la joven sepa dónde ir a buscarla sin que ella le diga la dirección exacta. Al no otorgar un trasfondo sobre Martina o Javier, qué pasó con la figura materna o por qué él desprecia tanto a su hija, tampoco se puede lograr una conexión con estas dos personas opuestas.

Eva De Dominici da una buena interpretación al estallar en llanto en un locutorio pero por lo demás su papel se siente como si cualquiera otra actriz podría haberlo hecho. Por otro lado, la manera de hablar de Alejandro Awada, que más bien pareciera que recita sus líneas, no ayuda ni un poco a que la dinámica entre ellos se vea natural.

Con demasiados minutos que no aportan nada a la trama, además de prolongados silencios, “Sangre Blanca” no consigue ser un thriller recomendable por más que tenga un desenlace correcto. El tópico de los portadores humanos de drogas daba para mucho más, e incluso en esta cinta ni el accionar de los traficantes es creíble.

Puntaje: 4.5/10

Alina Spicoli

James Silva (Mark Wahlberg), un irritante soldado de gran coeficiente intelectual y habilidades de combate excepcionales, deberá proteger a un joven genio (Iko Uwais) portador de información exclusiva sobre un cargamento radioactivo robado. Para esto el escuadron tendrá que cruzar la ciudad central de Indonesia y dejar al testigo en un punto de extracción libre de rusos malignos.

En lo personal lo que suelo esperar de una película es que me genere sensaciones agradables o interesantes, que el desarrollo me atrape generandome satisfacción en el transcurso que la historia se va desenlazando. Con «MILLA 22» salí del cine contracturado, molesto y con sabor a nada. El montaje de la película es en mayor medida bastante agitado, se puede ver a contra luz que el director Peter Berg quería hacernos vivir la estresante vida militar de una forma cruda, pero con esos personajes y ese guión, la idea no llego a buen puerto.

El libro cuenta con personajes en mayor medida irritantes, en especial Silva. Wahlberg es un actor que si o si necesita tener un director competente detrás, sino cae en sus modismo propios de el actor mediocre que suele ser. Su personaje es un maldito imbecil con TODOS … es un tipo al que deseé ver morir en todo momento de la película. Los secundarios son bastante de relleno, el mejor personaje es el que interpreta Lauren Cohan ya que es el que más logra generarnos cierta empatia con su subtrama familiar.

Para escribir la sinopsis de la review honestamente tuve que ir a google y buscar algunas para tomar de ejemplo, ya que la historia de «MILLA 22» no genera ningún interes y tampoco nos la ponen fácil para ser medianamente comprendida. El giro final es interesante e inesperado, pero aconsejo que dejen pasar ésta película y esperen alguna de mayor calidad.

Calificación 5/10

Agustín Villegas

La noche de 12 años es una película que se sitúa en la república del Uruguay, en la época de la dictadura militar en el país vecino. El film narra la historia de tres personas que les tocó vivir el horror y pasar 12 años aislados. Se trata una cinta muy bien lograda, que también nos sirve para conocer un poco más la historia de un referente político que fue víctima de estos hechos, el ex presidente uruguayo José Pepe Mujica.

El film nos traslada al año 1973 , momento donde Uruguay se encontraba dominado bajo la dictadura del régimen militar. Tres personas han sido detenidas en ese momento, y por razones de que se encuentran bajo la opinión pública, hacerlos desaparecer no es una opción. Así que el aislamiento de la sociedad y sus seres queridos , sumándole la tortura, será el pan de cada día de estos personajes. El film trata de narrar todo lo que vivieron estas tres personas durante los 12 años en los que se encontraron detenidos, donde cuentan algo más del obvio sufrimiento y la lucha por la supervivencia, ya que también nos relata situaciones anecdóticas , que más allá del drama, logra desatar situaciones cómicas dentro de la cotidianidad en el lapso de detención.

Los nombres de los tres detenidos son: José Mujica , Mauricio Rosencof y Eleuterio Fernández Huidobro. Son personas que se han convertido en referentes sociales y políticos con la vuelta de la democracia, pero aquí podemos ver sus historias casi en forma individual, el aislamiento, sus intereses personales y las anécdotas que tienen para contar sobre esos 12 largos años. El relato conmueve y los actores se ponen perfectamente en la piel de estos personajes, animandose al cambio físico y actitudinal que el film requiere. A destacar la participación de Chino Darín como Mauricio Rosencof, actor que cada día va mejorando y afianzando su carrera en el cine.

Cómo dato a destacar , la película fue elegido para representar a Uruguay en los premios Goya y Oscars, así tenemos un visionado obligado, ya que es posible que pueda darle sorpresas al país vecino.

La noche de 12 años es una película muy conmovedora que narra la historia y el sufrimiento de tres personajes que fueron detenidas durante la época de la dictadura militar en Uruguay. Un relato que guarda muchas similitudes con lo que ha sucedido en nuestro país , pero también aporta una mirada interesante de lo que fue ese proceso en aquel país. Una película que además de su tinte dramático se destaca por su característico humor en algunas escenas y por las sobresalientes actuaciones de los que interpretan a estos referentes de la sociedad uruguaya.

Calificación 9/10

NEXT GENERATION SHORT TIGER 2018

Doce (12) Cortometrajes

18 Festival de Cine Alemán

                         Crítica: Laura Pacheco Mora

ALIADOS

Mit im Bund

Mara participa en un adiestramiento muy exigente de las fuerzas armadas alemanas. Cuando Weber, un soldado como ella, la humilla delante de la unidad a la que pertenece, comprende que tiene que defenderse. Aunque para ello tenga que poner en juego su propia honradez. Cuenta con una excelente fotografía y producción, filmado en bellísimas locaciones.

Intenta abordar el significado, aún hoy para una mujer, de lo que ocurre al querer atravesar profesiones y ámbitos históricamente ligados al sexo masculino.

La propuesta nos transporta a un ejemplo quizás extremo de este tipo de situaciones, ya que transcurre en un entorno en donde aún, y en un país en donde se respetan los derechos de las mujeres, todavía se fomenta una mentalidad retrógrada, machista y cosificadora.

Lukas Nathrath

CARLOTTA’S FACE

De niña, Carlotta no contaba con que la gente que la rodeaba fuese a tener una cara. Ni siquiera podía reconocer la suya. Años después, le hablaron de una enfermedad rara e incurable que sufría en el cerebro. Y, a fin de cuentas, el arte le ofreció un camino para poder reconocerse por fin a sí misma. El director, es además de cineasta, un neurocientífico; en este corto combina aspectos de su conocimiento científico con una técnica de animación muy interesante.

Valentin Riedl

COMMENTS

Una recapitulación, en cuatro capítulos, del legado digital alemán sobre nuestra sociedad. Se trata de una crítica a la eficiencia alemana, a lo inflexible de ciertas tradiciones y a la búsqueda de la perfección forzada.

Jannis Alexander Kiefer

EGO

Una mujer sufre un accidente automovilístico y queda atrapada dentro de su vehículo destrozado cerca de una autopista muy transitada. Gravemente herida, se va desangrando y corre peligro de morir, y mientras desesperada busca ayuda, el frío se convierte en uno de sus grandes enemigos. Intenta con todas sus fuerzas pedir ayuda y no desesperar de salvarse, pero terminará encontrando una nota escrita con la que verá su destino bajo una luz muy diferente.

La fotografía es atractiva, transcurre en un bosque nevado; una historia muy bien relatada acompañada de bella música y, además de un inesperado e irónico fin, la tierna actuación de “Rocco”, un perro que la acompañará.

Lukas Baier

ÉL Y ELLA

Him and Her

Una obra sobre las relaciones a distancia y el poder de la imaginación. Establece un paralelismo entre los sentimientos que surgen en una relación amorosa a distancia, los deseos de cada uno, que no siempre coinciden; contándonos, a través de una excelente animación y de una ficticia construcción que se arma en un llamado telefónico, cómo se desarma o se construye y se destruye, según el humor y las proyecciones de los interlocutores.

Nathalie Lamb

EPITHESE

Epithesis

¿Es posible recobrar la apariencia personal natural utilizando objetos artificiales? ¿Puede un rostro quedar completo al añadirle un objeto inanimado, como un ojo incapaz de parpadear o una nariz incapaz de arrugarse? ¿Llegará ese objeto un día a convertirse en una extensión natural del cuerpo de la persona? Una ilusión sintética que vincula a tres mujeres para explorar el deseo de recuperar la plenitud.

Plantea el significado que ciertas personas le dan a una apariencia normal y cómo la sensibilidad de ellos y el “resto” (los normales), se ve afectada en un caso por la falta de órganos muy visibles y que fundamentalmente hacen a la estética para unos y a necesidades físicas para otros; aunque, desde luego, queda implícito la cuestión tan susceptible de la aceptación.

Rebecca Zehr

HEMOS VUELTO

Wir sind wieder da

La generación actual intenta vivir la vida en medio de las ruinas del pasado. Hemos vuelto describe una situación típica que experimenta la nueva generación de judíos cuando intenta empezar una nueva vida en Alemania.

Se trata de un gracioso e incómodo de un “encuentro casual” de personas que estuvieron vinculadas en el pasado e irónicamente, hoy, buscan lo mismo.

Shirel Peleg

ISLAND

En una pequeña isla viven criaturas exóticas cuyos caminos se entrecruzan. Una animación que desestructura las formas de manera surrealista e impredecible.

Robert Löbel y Max Mörtl

L’ARIA DEL MOSCERINO

Han matado a una diminuta mosca de la fruta. Pero el insecto, contra todo pronóstico, desafía a la muerte. Eso sí, a su propia manera.

Nos deleita la tragedia sobre los últimos momentos de vida del insecto, por el cual sentimos compasión y nos invita a tomar conciencia, si se quiere, sobre un acto casi reflejo del ser humano. Es una graciosa metáfora sobre la vida y la muerte, personificada por este simpático personaje animado que nos transmite sus peripecias y su lucha por sobrevivir de una forma musical al estilo lírico.

Lukas von Berg

MEGATRICK

Una pequeña metáfora sobre la vida. Estupenda y ocurrente animación sobre lo que buscamos en la vida.

Anne Isensee

RIEN NE VA PLUS

Cuando está a punto de saltar desde una azotea, Bodo oye una llamada en el móvil. Es Evi, que le cuenta que ha ganado un premio en un concurso en el que no participó. Cuando Bodo intenta despedirse y colgar, el casino desde el que Evi está llamando sufre el asalto de una banda de ladrones… Y ahora no sólo está en peligro su vida, sino también la de todos los rehenes.

Es un excelente corto, con un final inesperado, mantiene la intriga y sorprende de manera inteligente. Entre las frases de aliento hacia una persona que tomó la decisión de suicidarse, destaco: “Nadie está triste para siempre”.

Sophie Linnenbaum

WITHOUT MERCY

Unbarmherzig

En vívidos saltos retrospectivos, una narradora anónima relata la brutalidad de su estancia en un orfanato cristiano en la década de 1970 y cómo luchó contra la arbitrariedad de las monjas y su despiadado autoritarismo. 40 años después, cuando el gobierno va a compensarla económicamente, vuelve a encontrar incomprensión y crueldad.

Este fuerte e impactante testimonio de una mujer a la que no le vemos el rostro y fuma permanentemente, es, además, un descargo respecto de su oscuro y tortuoso pasado, que se representa con una animación.

…” los que salieron del orfanato, más adelante se convirtieron en delincuentes, prostitutas, drogadictos o murieron cruelmente y nadie pidió perdón” …

Julia Charakter

Calificación: 8/10

Gracias al exhaustivo y serio trabajo de investigación de Juan Pablo Young y Pablo Hernán Zubizarreta, guionistas de la documental : «No viajaré escondida. El mito de Blanca Luz Brum», nos permiten tomar contacto sobre la vida de esta mujer, del siglo XX, con sus contradicciones, infortunios y luchas.

Blanca Luz Brum, nació en Pan de Azúcar, Maldonado (Uruguay) en 1905 y murió en Chile en 1985. Fue una escritora, periodista y poetisa. Vivió además de Uruguay, en Argentina, Chile, México y Perú.

Apoyo intelectualmente a movimientos de izquierda y terminó siendo una acérrima defensora del régimen militar en Chile..

Una mujer enamorada durante muchos años de José de Jesus Siqueiros, pintor, político y militar mexicano.

Al ver esta documental, de la cual fue el primer contacto que tomo sobre la obra de esta artista, tal vez, sobre su vida particular, hoy, no la entendamos de porqué hizo las cosas que hizo. Pero también sobre el juicio de valor que se emita hay que considerar cuan dificil le fue sobrevivir a mujeres como Blanca Brum o Alfonsina Storni, siendo librepensadores, sin pelos en la lengua, con una gran capacidad intelectual y temperamento de poca paciencia a las limitaciones sociales de ese momento.

Una madre con dos hijos a cuesta, sin un marido. Con la pérdida de tres hijos. La muerte de un hijo siempre es terrible, pero las circunstancias que envolvieron a la muerte de su último hijo, fue una pérdida que cuesta creer que la realidad pueda superar la ficción y hace pensar en la capacidad de resiliencia del ser humano.

Mi recomendaciónes no pierdan la oportunidad de ir a verla, porque los sorprenderá la participación de Blanca Luz Brum en la política argentina (Botana de Diario Crítica, Patricio Kelly, Juan Domingo Perón).

Me dio mucha lastima, cuando el director, comenta, en voz en off al comienzo del film, que Pablo tenía acordado viajar para visitar a la hija de Blanca, quien vivía en el archipiélago Juan Fernández en Chile, a quien Blanca habia pedido que modificarán el nombre del archipiélago por el de Robinson Crussoe en homenaje a la obra de Daniel Defoe que se habia inspirado en ese lugar para escribir su novela.

A la hija en el el archipiélago Juan Fernández , como legado, la madre le había dejado una casa de hospedaje, ya que el retiro de Blanca Luz Brum se había dedicado a disfrutar del paisaje escénico que es ese lugar y a la actividad hotelera. La casa de la hija era un museo viviente, porque tenía toda la documentación que su madre había dejado. Justo para esas fechas se produce un terremoto en Chile que destruye todas las viviendas en el archipiélago y también toda esperanza de recuperar escritos o documentos de esta mujer.

Calificación 10/10

• Estreno: 13.09.2018
• Clasificación: Apta para todo público con reservas
• Actores:
  Mercedes Morán,

  Valeria De Luque,
  Malena Narvay,
  Violeta Narvay

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• Director: Pablo Hernán Zubizarreta
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• Guionistas: Juan Pablo Young, Pablo Hernán Zubizarreta
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• Director de fotografía: Martín Sapia, Miguel Caram, Enrique Sorkin
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• Música: Pata Kramer
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• Montaje: Fernando Vega
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• Producción:Benjamín Ávila, Lorena Muñoz, Maxi Dubois
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• Espacio INCAA Sala Gaumont

  En castellano: 19:15

Reseña Diana Decunto

Gavilán vive en el barrio Viaducto, en Sarandí. Tiene 12 años. Ese es su lugar en el mundo, donde vive él con su familia y sus amigos. Es el estío, el tiempo de vacaciones y de la calle, el fútbol, andar en bicicleta, el tiempo de los planes posibles y de aquellos que son fantásticos. En fin: eso que llaman amistad.

Gavilán es el apodo de Gabriel sus amigos son el Chino, Tumbeta, Marisa, Alejandro, el Percha. La impronta del sexo, atractivo siempre pero puro misterio en ese tiempo, que es el del fin de la infancia, el del ingreso a las puertas de la adolescencia, las dudas existenciales, la aventura como bandera, la exploración de los límites, el tiempo donde se cree que los adultos no saben nada, la vida pide cuero y se cree que el mundo se detiene cuando uno cierra sus ojos para dormir.
Hay una aventura, un viaje argonáutico en busca del vellocino dorado: en este caso unas barricas de vino a vaciar, en un lugar escondido en lo profundo de la rivera frondosa. Es la Quinta del Mellizo, personaje ominoso y de avería (buena la elección de no hacerlo presente). Llegar y entrar, birlarle el vino y huír: toda una aventura iniciática para estos pequeños pícaros.
Lo hacen, venden el vino y con ese dinero pretenden “debutar” con alguna prostituta, plan que se trunca cuando ya estaban a punto de concretarlo. La muerte de Tumbeta (el más maduro y a su vez oscuro del grupo), en un enfrentamiento con otra bandita es el contacto que tienen con ciertos códigos que, en su futuro y por su entorno, tendrán que manejar. A su vez, la constante presencia de las explosiones del oleoducto, suerte de entidad volcánica, que brinda identidad y al mismo tiempo reclama pleitesía.

Basada en la novela homónima de Pablo Ramos (autor del guión), la película de Frenkel posee algo de la inocencia de “Pelota de trapo” (de Leopoldo Torres Ríos) y de esa mixtura entre lo inefable y lo violento que nutre a “Rumble Fish” (F. F. Coppola).

Hay un exceso en el recurso de la voz en off, que mejor dosificado brindaría un ritmo más fluido a la narrativa.
Buenas actuaciones y un tratamiento de la imagen con toques manieristas hacen de este film un relato atractivo.

Calificación 7/10

ELENCO: Joaquín Gorbea, Belén Szulz, Santiago Mehri, Luciana Rojo, Germán De Silva, Dolores Carballo, Stephania Stegman, Jorge Diez

GUIÓN: Pablo Ramos

MÚSICA: Ernesto Snajer

FOTOGRAFÍA: Eduardo Pinto

DIRECCIÓN: Oscar Frenkel

ORIGEN: Argentina (2017)
A. R Belano

LA NÚMERO UNO

                   Crítica: Laura Pacheco Mora

Emmanuelle Blachey es una brillante ingeniera, casada y madre que ha conseguido escalar y finalmente entrar en el comité ejecutivo de su empresa. Una red de mujeres le ofrece soporte para adquirir el puesto directivo de mayor jerarquía de una de las empresas más importantes, hoy liderada por un hombre. Ella deberá comenzar una verdadera lucha para ganar lo que parecería una guerra y ocupar por primera vez un lugar jamás alcanzado por una mujer… ¿lo logrará?…

En ese mundo de ejecutivos de altos cargos e imponentes edificios empresariales, aún dominado por hombres, Emanuelle nos demuestra sus destrezas empresariales, domina el idioma chino ya que considera que es el camino correcto y hasta obvio para ser empresario. Da lecciones a los hombres, quienes intentan derrotarla a través de estrategias cretinas y la humillan.

La protagonista de esta historia, Emanuelle, inerpretada por Emanuelle Devos, es una ejecutiva líder por naturaleza. Sin embargo, al contemplar el mar en búsqueda de respuestas o quizás consuelo, conocemos a la mujer detrás de la ejecutiva, lo que es una excelente alegoría de la vida, ya que, para lograr la construcción de un personaje tan fuerte, en el pasado tuvo que suceder algo caótico que la marcó para siempre y convirtió en un ser muy frágil que sólo podemos observar a través de su melancólica mirada y cuando está a solas. Es, en definitiva, una empresaria exitosa que esconde una gran pena en su interior.

La actuación de Emanuelle Devos es brillante, también se destaca la performance de Suzanne Clément, quién nos conmovió interpretando a Kyla, en el film “Mommy” de Xavier Dolan, película canadiense altamente recomendada.

El guion resulta muy inteligente e interesante, a la hora de elegir cómo y cuándo contarnos la historia, marcando el tiempo bastante cercano a la vida real, lo que realmente funciona.

Calificación: 8/10