Marlène (Marion Cotillard), es una mamá muy particular que vive con Elli, su hija de ocho años. Elli, es una niña muy dulce a la que la mamá le dice “cara de ángel”.

Se nos cuenta una historia sobre una familia fragmentada, conformada por una madre abandónica, con problemas de adicción y conflictos personales.

Marlene, arrastra consigo una gran tristeza y serios problemas afectivos que derivan en un comportamiento errático, voluble, incongruente y que busca tapar, de forma infructífera, con una vida alocada y promiscua.

Marlene, abandona de forma repentina a Elli, por un hombre al que conoce durante una noche de excesos. Elli deberá entonces valerse por sí misma para sobrevivir; es allí cuando se conecta con su vecino al que le pide que sea su padre, él no acepta pero la cuida. Despierta la sensibilidad y ternura del espectador, existen ciertos momentos claves que nos muestran que, a pesar de todo, entre ellas existe un fuerte vínculo afectivo que le da un soplo de aire fresco a este drama actual, profundo y conmovedor.

“Cara de ángel” es una de esas historias crueles que nos golpean la cara y elegimos ver de reojo o ignorar, estigmatizamos y prejuzgamos; suceden más a menudo de lo que creemos y considero que debido a eso no tomamos conciencia de estas tristes realidades que nos rodean. Lo interesante es que podemos asistir a un intercambio errático y enfermizo de roles madre-hija, asumiendo la niña, responsabilidades que poco tienen que ver con su edad y madurez.

Una niña sin niñez, con ojeras, resaca y cansancio, que soporta una realidad agobiante y absorbe diariamente los estragos de la relación.

Crítica: Laura Pacheco Mora.

Calificación: 8/10

(1° edición del Tour de Cine Francés)

Se trata de una adorable comedia romántica que transcurre en Francia, en 1809. El Capitán Nouville es llamado a luchar en el frente, dejando atrás a su prometida con el corazón roto. Elisabeth, su hermana, decide aliviar su pena escribiéndole cartas a nombre del Capitán haciendo de él un personaje de opereta.

En realidad, el film se focaliza en Elisabeth, una mujer de personalidad un tanto rebelde, pícara y diferente, que no soporta ver a su hermana enfermarse de neumonía y es la única que se da cuenta de la falsedad del pretendiente. Además, no tiene interés alguno en casarse, como contraste de todas las demás mujeres que vemos en la película.

Su acto amoroso, revive a su hermana y podríamos afirmar atinadamente, que “el fin justifica los medios”, frase hecha que aplica aquí perfectamente; ella se recupera y logra formar su familia.

Pasados tres años, el mujeriego (Capitán Neuville), regresa convertido en un vagabundo y completo farsante; ahora deberá la protagonista lidiar con esta situación inesperada, en donde se produce un intercambio y enredo entre unos y otros, de secretos y de mentiras.

Es una historia divertida, excelentemente ambientada a la época, desde el vestuario, locaciones y costumbres sociales. Cuenta con una producción y fotografía excelentes.

Se destacan las actuaciones de los protagonistas Mélanie Laurent (Elisabeth) y Jean Dujardin (Capitan Neuville), quiénes se complementan de manera armoniosa para llevar adelante un plan muy entretenido, generando empatía en el espectador y convirtiéndolo en partícipe y cómplice de ellos.

Crítica: Laura Pacheco Mora.

Calificación: 7/10

La casa con un reloj en sus paredes es una película de corte familiar que está protagonizada por Jack Black y Cate Blanchett y está dirigida por Eli Roth. Cabe destacar que se trata de una película por demás entretenida , pero tiene algo peculiar, resulta en momentos un tanto terrorífica para llevar a los niños a las salas del cine.

Lewis es un niño huérfano que se muda a la casa de su tío. Pese a que todo parece normal, ese hogar, su tío y su vecina esconden muchos secretos. El extraño tic-tac de un reloj resonando por las paredes de la casa inquieta al pequeño, lo que lo lleva a intentar descubrir los misterios ocultos. Sus descubrimientos desembocan en la apertura de un portal a otro mundo plagado de criaturas mágicas que provocará la destrucción del nuestro si no logra detenerlo a tiempo.

La historia es sencilla pero está bien contada, y se apoya sobre todo en el humor en los personajes de Black y Blanchett. La realidad es que se trata de una comedia de ciencia ficción pensada para la familia , aunque por momento existe un manejo de la tensión y el suspenso, que podría causar algunos sustos tanto a los adultos como a los niños. Esto no quiere decir que el film se maneje mediante un lenguaje adulto , ni que tampoco exista algún tipo de violencia explícita para no calificarla como una propuesta familiar. Sino más bien que en algunas escenas, el suspenso denota algunos tintes de terror, sin mencionar a los muñecos que habitan la casa protagonista, que resultan un tanto demoníacos. La cuestión es, si tus niños no son impresionables a estas cosas , la propuesta es entretenida y divertida , sino es así , seguramente salgan llorando en algún momento del film.

Podemos destacar las actuaciones de Jack Black y Cate Blanchett, aunque es obvio que no están en sus mejores papeles , existe química entre los personajes que hacen bastante llevadero al metraje. El niño protagonista por momentos resulta un tanto insoportable, pero igual, en su conjunto se ha realizado un buen trabajo.

La dirección está a cargo de Eli Roth (Hostel, Death Wish) , cuya incursión en el cine familiar es bastante peculiar. Cómo había mencionado antes , la cinta denota ciertos tintes de terror, que sin llegar a ser un fallo , toca aclararlo antes de recomendarla para llevar a los niños al cine. En cuanto a la fotografía y los efectos especiales , si bien no son muy destacables , se ha realizado un trabajo correcto en la ambientación de los hechos. Su fuerte es el humor y el suspenso que se encuentran perfectamente combinado , cumpliendo su función de entretener. Quizá la cinta decae un poco hacia su final , pero no quita que en general se trate de una propuesta divertida y sin tantas pretensiones.

La casa con un reloj en sus paredes es una película familiar entretenida y con un buen manejo del humor , pero que puede resultar un tanto terrorífica para el público infantil. Con las actuaciones de Jack Black y Cate Blanchett, el film cumple con su cometido de entretener, y a la vez , regalar algunos sustos.

Calificación 7/10

Depredador marca el regreso de nuestro alienígena cazador favorito , esta vez dirigido por Shane Black. Es una película que se destaca por su humor incorrecto y violencia explícita, fórmula que a Fox le está funcionando bastante bien luego de Deadpool. Se trata de un nuevo capítulo de la saga , que si no te tomas en serio su trama , puede resultar entretenida y que al final te den ganas de ver más.

Con Boyd Holbrook como protagonista, la historia comienza con un agente militar que se encuentra en plena misión y es interceptado por una nave espacial que aterriza abruptamente. Dentro de esa nave hay una especie que termina aniquilando a toda persona presente , excepto a nuestro protagonista. Luego de ello se arma una guerra contra el alienígena llamado «Depredador», donde siempre hay segundas intenciones de los seres humanos que intentan cazarlo. Así mismo existe una guerra interna entre los depredadores , que puede ser crucial para el rumbo de la humanidad.

Cabe destacar que la película si bien es un sinsentido argumental , resulta muy entretenida si el espectador logra no tomársela muy en serio. El film se destaca por su humor paródico , negro y a veces racista, por una violencia explícita con tintes de terror , dejando una cinta bizarra pero con presupuesto. Shane Black logra marcar su estilo en un reboot , que si bien supone un reinicio de la saga , tiene varios giños que reconoce los hechos de las anteriores películas.

Existe un excelente manejo de la acción , con mucho gore en su haber. Los efectos especiales en algunos momentos resultan un tanto mediocres, pero la realidad es que no busca destacarse en ese aspecto. El diseño de los depredadores están bastante bien , asemejándose lo más posible a los de la saga original.

Se trata de un film pochoclero, que resulta muy entretenido como cine de acción puro. Si vamos a encontrarle verosimilitud a su guión, vamos por mal camino. Su función es entretener , sobre todo con su irreverente humor y la violencia, todo pasa por la violencia…

En cuanto a las actuaciones, tenemos como protagonistas a Boy Holbrook (Narcos, Logan) y a Olivia Munn (The Newsroom, X men apocalipsis), cuyos personajes están bien desarrollados en función a la acción que se quiere llevar a cabo. No es un film que se caracteriza por sus buenas actuaciones , pero todo el elenco está bien dirigido , sobre todo en el equipo que se arma junto al protagonista para combatir a los depredadores, cargado de chistes y sincronía entre los personajes.

Depredador es un reinicio de la saga que no decepciona, que logra destacarse por el sello de su director , acentuando el humor y la violencia explícita en su haber. Para los que no están amigados con la saga , es un buen momento para acercarse al universo depredador.

Calificación 7.5/10

Se estrena en el Gaumont el 20 de septiembre y va a circular por otras salas.

“Somos muy exigentes, Pablo también (Pablo Ramos, guionista), creo que fue muy importante para este logro, ser todos bonaerenses, del conurbano, de haber entendido el sentido de lo que queríamos contar. Pablo es de Avellaneda, yo soy de San Martín y Eduardo Pinto, también del conurbano, es el fotógrafo, que interpretó muy bien lo que queríamos comunicar.

El desafío fue no hacer una película costumbrista. El tema de la luz es muy importante; los colores también, trabajamos con dos colores principalmente: el celeste y el azul, y el rojo para las explosiones, que además representan la camiseta de Arsenal de Sarandí (el club de ellos), por eso el trabajo estético, de la luz, artístico y narrativo, para que se vea esa realidad y, por otro lado, salir del costumbrismo, eso fue como más complicado.

Por otra parte, quisimos hacer la mejor película que podíamos. Tardamos más tiempo de una película común, pero fue bien visto desde el punto de vista de lograr y dar todo. Muy exigente fue en ese sentido, Pablo, quién estuvo detrás de cada detalle, permitirse y permitirnos esto de más allá de los tiempos, la dedicación que le dimos.

La respuesta al origen de la tristeza, la tiene Pablo. La novela se llamaba antes “El estaño de los peces”, que es uno de los capítulos de la novela, pero en la editorial nos dijeron que pongamos otro título, entonces dijimos… “es el fin de la infancia” y de ahí viene el título.

Esta película ganó un premio como ópera prima del INCA, del gobierno anterior. Se realizó gracias a las políticas anteriores. Hoy no sé si ganaríamos o no, pero está muy difícil el financiamiento y podría no hacerse, quedaría afuera seguramente. También nos ayudó muchísimo, la Municipalidad de Avellaneda, eso es muy importante. Fue clave su ayuda, nos ayudaron con todos los permisos, las locaciones, los chicos que actúan son todos casi de Avellaneda.

Con respecto al protagonista, se hizo un casting y gracias a un gran trabajo de un actor, que cuidaba a los chicos, en los ensayos, en los momentos de la filmación que estuvo conteniéndolos, estando al lado para cuidarlos, para que se aprendan la letra, cuidarlos en su interpretación, fue muy importante todo eso. La mirada de Gabriel es un logro compartido entre la actuación y el encuadre, y la fotografía, donde, bueno el cine es compartido, muchas cosas hacen a la imagen.

Los equipos de filmación son todos nacidos en el conurbano bonaerense, sentíamos la película, comprendíamos lo que queríamos, y teníamos, por así decirlo, el alma de la novela. Es una novela escrita por Pablo, pero vivida por muchos. Entonces la pudimos realizar, porque habíamos vivido algo de eso, teníamos el ambiente.

En el grupo hay una chica, Marisa, que juega solo con nenes, lo que es un poco universal también. En esa edad, hay grupos de chicos y chicas, que todavía no definió nada sexual, y hasta lo que uno quiere de la vida… todos tuvimos esos amores, la maestra, aquel amigo, está todo eso, algo sucedió después del primer beso, sucedió el amor, no se si tuvieron relaciones sexuales en términos físicos.

La idea de la búsqueda del debut está presente, todos quieren debutar, ella los acompaña y el resto se pregunta por qué. No se cuestiona a la homosexualidad, sino que ella va con una mina a debutar, ¿qué va a hacer una chica con una chica?… viste cuando sos chico pensás quién te gusta, por ejemplo, un amigo y es un descubrimiento… no sabes, es la mirada de un chico, después cuando descubren que hay sexo y deciden tenerlo, eso marca el fin de la infancia.

Pablo trabajó sobre el texto para la película, hay cosas que están en la novela, pero muchas otras, no; por ejemplo, el caso de Rolando, él es su amigo grande del barrio, que trabaja en el cementerio, eso está más claro en la novela y en la película no tanto, pero él es el que le regala un libro que lo define y le dice que te va a ayudar mucho (Triste Le ville de Abelardo Castillo).

El fin de la infancia es como una muerte, en relación al desapego familiar, la madre tenía una enfermedad y por eso tomaba pastillas, y en un exceso … hay cosas que un chico no entiende y después las entendés. La madre está angustiada por cosas, por el taller…

El padre tiene muy pocos diálogos, sólo cuenta un par cosas, porque es un padre ausente, un padre que trabaja, que es parte de los problemas de la familia, no contados.

El tema de lo que representa el taller… porque tiene representaciones la película, la idea de un país donde la gente de los barrios labura… Un tipo puede ser un obrero y tener su taller, esa idea de país que se terminó, digamos, con la dictadura.

Es una película con sensibilidad social, en la cual se habla de la igualdad, donde se puede ser pobre y con dignidad, con trabajo, donde el hijo de un obrero puede ir a la escuela.

Y en la película, hay cosas que se terminan, por eso es el origen de la tristeza; también el padre tiene su tristeza que es no poder tener su taller, la madre que no puede tener la familia que quisiera tener, un amigo que pierde la vida por un robo, llevado por los amigos, por la droga.

Por eso el origen que significa el final de muchas cosas… El origen de la tristeza… cuando empieza algo es porque algo se terminó, como la vida y la muerte.”

Laura Pacheco Mora.

Por C.J Colantonio

Me niego a catalogar a esta película como dentro del género de terror contemporáneo. Seríamos más benevolentes si la juzgáramos como un homenaje a DEAD OF NIGHT (1945) dirigida por cuatro directores y que se caracterizó por ser una cinta con episodios. Ése terror inglés, que productoras como AMICUS, se destacaron en desarrollar con guionistas de la talla de Robert Block (Psicosis) y que ni siquiera mostraba una gota de sangre.

Más allá de eso, aquí hay una mal interpretación sobre el manejo del suspenso. Los personajes se acercan a la oscuridad sin miedo y no entendemos el porqué, a tal punto que es forzado. ¿No es mejor que tenga miedo y que deba enfrentarlo? Desde ya, no es algo que diga yo, grandes maestros del suspenso han demostrado que para lograr ésos momentos, el espectador debe saber más que el protagonista.

El protagonista es uno de los escritores y directores que adaptó este material desde su propia obra teatral. Este dato nos otorga una pista sobre el porqué los personajes están sujetos a ciertos trazos gruesos que en la pantalla debieron ser adaptados. Difícil salir de algo que seguramente en teatro resulta favorable.

No te preocupes, si te duermes, te despertarán los típicos efectos de películas de terror, como esos videos que te mandan por whatsapp. Atento a la imagen final, la que tendrá un acento poético, lo mejor para mi gusto. Aunque… te anticipo, Martín Freeman (Sherlock, Fargo) volverá a fastidiarnos con sus manierismos actorales a los que nos tiene acostumbrados, tan predecibles como estudiados. No te hagas ilusiones con el tráiler estilo David Fincher. (5/10)

Crítica: Laura Pacheco Mora

Esta es la historia de Gabriel o Gavilán, un chico de 12 años, que vive con su familia en la zona del Viaducto. Transcurre en un barrio bonaerense de Avellaneda y se pudo filmar, en gran medida, gracias al apoyo de la Municipalidad. Son las vacaciones de verano y junto a “Los Pibes”, su grupo de amigos, pasan los días en la calle. Una explosión amenaza al Barrio, la muerte inesperada de un amigo y un frustrado plan para debutar sexualmente, acercarán al protagonista y a sus amigos a algunas de las revelaciones que la vida les tiene preparadas: el dolor, la tristeza y el inevitable fin de la infancia.

Resulta muy gratificante ver una película nacional de excelencia; tanto el Director Oscar Frenkel, como el Guionista Pablo Ramos, eligen contar una historia sin grandilocuencia, a través de pequeños detalles y sólo con un carácter emocional en el sentido de expresar calidez, lo cual es muy difícil de lograr.

Sentimos el gran compromiso de ambos, que además de ser amigos de la vida y gracias a la simbiosis que existe entre ellos, podemos hoy, tener el beneficio de disfrutar su trabajo.

Hay una coherencia y conexión excepcional entre el qué se está contando y el cómo, raro de ver en estos tiempos en la pantalla grande. Simple e impredecible, como la vida; excelentemente narrada por una voz en off que aparece en la dosis justa en el transcurso de la película; nos muestra una realidad dura, pero sin la necesidad de dar golpes bajos, con un delicado y preciso criterio.

Es un film para nada pretencioso, sincero y realista, un retrato de lo cotidiano. En la transición de la niñez a la adolescencia, siempre existe una pérdida o duelo, que, con sutileza, delicadeza y altura, esta historia, logra atesorar, para mostrarnos esa etapa de la vida por la que todos atravesamos, consiguiendo así que nos veamos reflejados e identificados con el protagonista.

Existe un respeto hacia el espectador que conmueve, no nos subestiman en ningún instante. La mirada del Director hacia el personaje, no es desde la superioridad o bajo relación de condescendencia, sino que busca ponerse en los ojos del protagonista y lo logra con fluidez y naturalidad.

Un bello e inteligente ejemplo de que es posible contar una historia, quizás común, sin utilizar recursos extraordinarios, más que transmitir el amor por un barrio bonaerense, de gente simple con fuertes convicciones, en donde se respira la lucha del laburante en otros tiempos de nuestro país. Es, además, una crítica política y social.

Nos encontramos con un exquisito guion, el cual es muy poético; diálogos profundos y la excelente labor de Eduardo Pinto, en Fotografía y encuadre, quién nos regala de principio a fin planos asombrosos e ingeniosos, que nos acercan a las vivencias del protagonista.

Queda claro que la película es de por sí, exitosa, ya que se siente la satisfacción de los realizadores, entendemos que comprendieron muy bien qué querían contar y como querían hacerlo y esto, desde mi punto de vista, es lo que te acerca al público. La prensa aplaudió con énfasis al finalizar la proyección, que tiene alma, corazón, ángel y está realizada por artistas que, sin lugar a dudas, aman lo que hacen. Ahora es el turno del espectador, de deleitarse con esta obra de arte. Por mi parte, estoy ansiosa por verla nuevamente.

Podría explayarme mucho más con respecto a esta película nacional de la que me enamoré y aplaudí con gran entusiasmo, sin embargo, prefiero que ustedes saquen sus propias conclusiones e invito a que no se la pierdan.

Calificación:10/10

FICHA TÉCNICA

Dirección: Oscar Frenkel
Guión: Pablo Ramos
Dirección de Fotografía y encuadre: Eduardo Pinto
Música: Ernesto Snajer
Producción: Javier Leoz
Empresas productoras:
Suda cine
Web: www.sudacine.com.ar

País de rodaje/producción: Argentina

Duración: 71 min.

Crítica: Laura Pacheco Mora

 303 comienza con la presentación de 2 jóvenes, Jule (Mala Emde) una estudiante de biología de Berlín, que va camino a Portugal en una van Mercedes 303 y Jan (Anton Spieker), dando un claro mensaje de que cada uno de ellos, “racionaliza el sentimiento del amor” y a medida que transcurre esta road movie, avanzan acompañados por bellísimos paisajes, música y nosotros transitamos el camino junto a ellos.

Después de un inicio complicado, ambos se convierten en compañeros de viaje, y pronto hacen que el espectador se pregunte en qué más se podrían convertir aparte de eso. Un camino permanente que recorren juntos, viendo siempre una ruta, como metáfora del recorrer de la vida, que, si permitimos que fluya, nos llevará a esos lugares a los que nadie ha llegado, a descubrirlos y desnudar nuestros corazones.

303 tiene más profundidad que otras películas de amor, complementa la manera ingeniosa en la que los guionistas posponen lo que todos sabemos que va a ocurrir y que queremos que suceda, logrando entre ellos una química deliciosa, y convirtiendo, si se quiere, a esa van, en un lugar en el mundo muy íntimo y amoroso, que ambos personajes buscan sin saberlo.

Jule y Jan hablan de los horrores del capitalismo, temas recurrentes en los films del Director y Guionista, Hans Weingartner, y de los milagros de la cooperación, de genética y de atracción, de sexo y de psicoanálisis, de fidelidad y de evolución, etc. Su mundo compartido se basa en estas charlas, que los hace más transparentes, derriba los obstáculos inevitables que podría haber entre ellos.

Es muy importante captar los mensajes que se transmiten a través de los diálogos, de manera muy sutil y reflexionar profundamente al respecto. Puesto que, fiel al estilo del Director, la crítica social y política, está presente de manera constante.

Como humanidad, necesitamos abrir nuestros corazones, descansar la mente, romper esas barreras invisibles y simplemente amar, es lo que queda claro aquí.

No se trata de una simple historia de amor, hay reminiscencias a otros filmes del Director, por ejemplo, Los Educadores y El ruido blanco, (recomiendo ver) y esto sucede automáticamente, sin forzarlo, por lo que nos encontramos con el autor.

En definitiva, 303 nos refresca lo que está implícito de la vida, somos seres sensibles, sociables, completamente vulnerables ante el amor y es imprescindible despojarse del ego para lograr enamorarse y confiar, la lógica nada tiene que ver con la pureza y naturaleza de este bello sentimiento.

Calificación: 9/10