“Ricos” es una obra del dramaturgo estadounidense Lee Blessing y es la primera vez que se presenta en Buenos Aires. Está dirigida por el multipremiado director LIZARDO LAPHITZ. Se puede ver todos los lunes a las 21 hs., en la sala MDA del teatro-bar El Método Kairós, ubicado en El Salvador 4530, Ciudad de Buenos Aires.

Un matrimonio aparentemente consolidado decide festejar su aniversario número 21 en el mismo hotel donde se hospedaron el día de su boda. Él está muy entusiasmado, ella no tanto, y eso se nota. Lo que comienza con un buen augurio termina desatando algunas situaciones que provocan un desenlace inesperado. La obra es un drama aunque tiene momentos en los que provoca risas. Sin embargo, quizás sean de los nervios o sean para descomprimir. Las temáticas que se abordan son amplias y bien específicas tales como la violencia, el deseo, y también se cuestiona el “para toda la vida”. Todos los tópicos son tratados desde una perspectiva dialoguista que logran resurgir las épocas felices de la pareja sin lograr que dichas épocas permanezcan en el presente.

El director hizo un trabajo muy bueno propiciando el clima de la sala al incluir música en vivo. La saxofonista Daniela Haikins nos recibe desde que ingresamos con melodías que relajan y que durante la obra aportan marcando acontecimientos y profundizando momentos lúgubres. En relación al trabajo actoral, los dos profesionales, la actriz Rosario Charo Jaimes y el actor Alejandro Holm  prometen que mientras dure la obra, la sala se mantendrá con un nivel de tensión muy elevado. Esa tensión será sostenida por el constante ida y vuelta entre la pareja que no para de trabajar ni un momento durante la hora que dura la función.

La trama sucede en un cuarto de hotel que está correctamente escenografiado y dispuesto en el escenario. Todos los momentos y situaciones que descubrimos fluyen en el espacio. Se utilizan recursos sonoros que colaboran en el desarrollo de la historia.

“Ricos” es una historia potente que se puede ir a ver con amigos, en pareja o solo. Pasar un buen momento está asegurado durante el espectáculo y después también. El Método Kairós divide su espacio entre las salas de teatro y un bar que favorece a todo el ritual de ir al teatro y tiene precios amigables.

Ficha Técnica

Autor: Lee Blessing.

Director: Lizardo Laphitz.

Elenco: Rosario Charo Jaimes y Alejandro Holm.
Saxofonista: Daniela Haikins.

Escenografía: Paula Picciani.

Diseño de vestuario: Paula Picciani.

Diseño de luces: Caio Senicato.

Realización de escenografía: Maximiliano Méndez.

Diseño gráfico: María Forni.

Asistencia de dirección: Lucas Álvarez.

Producción ejecutiva: Marina Kryzczuk y Melissa Prieto Amaya.

Coordinación escénica: Osvaldo Bermúdez.

*Todos los lunes a las 21hs., en El Método Kairós, El Salvador 4530, C.A.B.A.  – Argentina.

*Reservas: 4831-9663 //produccioncreativa.cuentas@gmail.com. Valor entrada: $250. Más info:http://www.elmetodokairos.com.ar

Reseña: Victoria Seri 

Los días jueves a las 20:30, quedan tres funciones en octubre y dos fechas en noviembre, en un hermoso rinconcito de Buenos Aires donde un ángel nos regaló una Botica, que mejor manera de cortar la semana que con una velada de varieté con la mejor música, teatro y danza, con evocaciones, suspiros y nostalgia de ese arte español de antaño, en un escenario porteño de hoy, bajo el título de “De amores y cantares”.

Con la actuación de Julieta Cancelli, la directora, bailarina y cantante flamenca, recordada este 2018 por “Yerma y la cuadratura del círculo” en Hasta Trilce. La andaluza, con su estilo y garbo Pepa Luna más Diego Sassi Alcalá, conocido como actor por interpretar a Marotti en “Violetta” y Matías Gómez Campo en guitarra.

Transportándonos en el tiempo, inspirado en ese hermoso lugar que es el Museo Escenográfico “Bótica de Angel” con la voz de Lolita Torres, como preludio, con los hermosos cuadros y con frases en el mejor fileteado porteño, pegado a sus paredes, podemos disfrutar de una variette, al mejor estilo ibérico, con canciones populares españolas como “Molondron y a casa de Tío Vicente”, “En que nos parecemos” o un pasodoble “Alacena de las monjas de Carlos Cano”, amenizado con un schotis “Ay Cipriano”. Para seguir despuntando el vicio, una rumba flamenca: “No me tires indiré” y hermosos fragmentos en guitarra de Paco de Lucía.

La dirección general y dramaturgia es de Norberto Vázquez Freijó, quien en el dossier nos cuenta que “De amores y cantares” nació después de haber estrenado su obra anterior, “Cuatro Barrios”, donde Norberto dejó “sobre la mesa de trabajo, tantas fotos familiares, anécdotas y tantos sabores de infancia y adolescencia, que el lápiz siguió corriendo sobre el papel” .

Con esa nostalgia, Freijó, desempolvó viejas partituras, hizo acopio de poesías del romancero español, cantos populares, dando una cuota de humor, para redondear la idea y dar lugar a esta varieté.

Además les recordamos que el Museo Escenográfico “Bótica de Angel”, refugio del arte, se encuentra abierto de martes a viernes de 15 a 18 hs., con entrada libre y gratuita. Hay visitas guiadas y es el lugar obligado al que no pueden faltar, aquellos que participan de la Noche de los Museos, a realizarse este año 2018, el próximo sábado 10 de noviembre.

Página del Museo escenográfico “Bótica de Angel”: http://boticadelangel.usal.edu.ar/

Reseña Diana Decunto – consignas.de.radio@gmail.com

En el Teatro IFA, los sábados, a partir del 6 de octubre a las 22:30hs, en la sala Alicia Zanca, tenemos la oportunidad de ver «Romeo y Julieta, una tragedia electrónica en 360 grados».

Tuve la oportunidad de ser invitada para el estreno de la obra. Una Verona en versión remixada, en una discoteca, con luces psicodélicas, pero no por eso pierde la esencia de ser la Verona de 1597, con dos familias rivales: Montescos y Capuletos, quienes por una ironía del destino, el amor en esta pareja Romeo y Julieta, luchan por sobreponerse al odio.

Nicolás Pérez Costa, al finalizar la obra le rindió un merecido tributo a Alicia Zanca, quien fue su maestra y que comentó le inculcó el amor y respeto por los escritores clásicos.

Nicolás ha salido del contexto en el que se mueven los personajes, porque los ha retrotraído a la época actual, en cuanto al entorno, pero ha respetado a Shakespeare en el trasfondo de la historia y en el comportamiento de sus personajes. Un excelente desempeño de todo el elenco que hace posible que esta tragedia conserve su espíritu.

Es una obra coreográfica, performática de mucha fuerza estética, con saltimbanquis colgados de telas, diciendo sus parlamentos, pero en otros fragmentos de la obra, bailando con canciones de Freddie Mercury de fondo. El vestuario se respetó el del Verona de entonces.

También propone un público participativo de esa fiesta, que podrá tomar contacto con los personajes, sacar fotos con sus celulares, pero Shakespeare, aparecerá a pasos agigantados a medida que la obra avanza.

Las escenas de la presunta muerte de Julieta, descubierta por Romeo y luego el suicidio de Julieta para seguir hasta la eternidad a su amado, emocionan al espectador, lo transforman en un testigo. Se termina admirando a Shakespeare, por plasmar en el papel ese momento esta historia y se aplaude a Nicolás Pérez Costa, porque ha sido capaz de traer a escena la esencia del amor para proyectar en las paredes del Teatro IFA. El resultado final, un público agradecido que no cesa de aplaudir, conmovido, al finalizar la obra.

Excelente puesta, hermoso el recuerdo de este joven director Nicolás hacia su maestra: Alicia Zanca. Un placer a los sentidos, estos experimentos salidos de los laboratorios teatrales, esperemos que haya muchos más en el futuro. Esta obra demuestra que mezclar el presente con el pasado logra que el teatro clásico no muera y permite, a su vez, en este presente, retrotraerse visualmente al pasado.

Elenco:

Fiorella Fontau – Julieta Capuleto.

Pedro Ontiveros – Romeo Montesco.

Karina Otero – Ama.

Matias Taverna – Principe / Fray Lorenzo.

Nicolás Carbone – Mercucio.

Damian Lomba – Benvolio.

Santiago Garcia – Sr y Sra Capuleto.

Mauro Mondaca – Tybaldo.

Laura Gobello – Fedra.

Coral Barcos.

Fernando Bottero.

Camila Otreras.

Federico Sorrentino.

Ficha técnica:

Coreografía: Fernando Bottero.

Diseño de escenografía: Elisa D´Agustini.

Diseño de luces: Nicolás Perez Costa.

Efectos especiales: Nadir Ayrad.

Maquillaje: Sandra Sen.

Fotografía: Nicolás Oviedo.

Diseño gráfico: Nicolás Oviedo.

Prensa: 0KM.

Ecualización: Pablo Flores Torres.

Asistencia de dirección: Sebastián Arce.

Coordinación general: Cindy Yu.

Producción ejecutiva: Pato Rebora.

Dirección general: Nicolás Pérez Costa.

Reseña Diana Decunto

La obra de Sol Berzgal y Mariel Noguera, con dirección de Florencia Zothner Ciatti en el Espacio Teatral Gloria, los domingos a las 20 hs, “Fiesta de un sistema bloqueado” narra la historia en una fábrica de juguetes. La secretaria del Sr Gutierrez y los empleados administrativos de un área de la empresa, reciben diferentes ordenes del Sr Gutierrez que está volviendo de Miami, y a su vez le organizan un recibimiento con motivo de su cumpleaños.

En la oficina son cuatro empleados/as, las actrices Sol Berzgal y Mariel Noguera y dos actores Pedro Jerez y Agustín Corsi. Todos muy naturales y espontáneos en sus actuaciones.

A medida que avanza la obra, se van enterando que los del 4to piso, los del 3er piso, los están echando, Gutierrez nunca llega y la fiestita, empieza a tomar por caminos alternativos.

No contaremos más. La pieza es una parodia sobre la vida de oficina, donde cada personaje trae su mochila y va a descargarla con sus compañeros de trabajo y con el público. Una obra que los hará reír y los dejará reflexionando. Porque cuando se trata de la Fiesta de un sistema bloqueado, la fiesta deja de ser tal.

Sábado a las 12:00 hs para continuar con el descanso del fin de semana, en VeraVera Teatro, de Laura Fernández, la obra “Bañarse”.

Cinco mujeres en escena, una enfermedad flotando, Clara la enferma. Las restantes cumpliendo una promesa, la amistad como fin y como medio, una valija que Clara ha perdido, un vestido, el cual no recuerda que no es de ella pero si sabe que es preciso que lo luzca, el tiempo apura. Una banda musical de cinco mujeres como un sueño o una esperanza, cuatro mujeres en pie, bajo una misma consigna, la quinta despidiéndose a su manera.

Excelente elenco de actrices jóvenes, Mercedes Ferrería, Maite Mosquera, Larisa Novelli, Daniela Salerno, Andrea Varchasky, logran esa atmósfera, donde la anomalía es la misma pero cinco amigas sufriendo de distinta manera. Una mención especial para la actriz Maite Mosquera en el papel de Clara, en una lenta evasión de la realidad.

Recomendamos, sean espectadores de esta recreación de una situación limite donde Bañarse representa al agua purificadora necesaria para reencontrarse.

DEBIL/DEVIL

               Reseña: Laura Pacheco Mora y Pablo Pedraza Fariña

Es una controversial y actual obra teatral que nos ofrece el circuito porteño off; desde la puesta en escena, que resulta deslumbrante e impactante, hasta el original formato, actuaciones excelentes, la dramaturgia de Florencia Naftulewicz, quién nos sorprende nuevamente con un texto gratamente perturbador, necesario para los tiempos que transitamos y la dirección de Sergio Albonoz, un joven, detallista, talentoso y prometedor director.

Cautivadora de principio a fin, somos recibidos con mucho glamour; este acto nos desestructura y relaja, además advierte que presenciaremos y experimentaremos algo diferente. Maquillados por Camila Falconi mientras aguardamos el comienzo de la obra, sentimos en el aire una especial magia, gracias a estos talentosos artistas, que dejan el alma en el escenario.

Y a su vez antes de la función, vemos en gigantografías videoclips previos a la función. Cabe destacar la excelente escenografía, el vestuario y la iluminación.

Son cinco (5) mujeres, que nos proponen abrir la cabeza, dejar por un rato de lado la mente y escuchar cómo conocieron el infierno. Es una crítica a la belleza impuesta y sus consecuencias en el cuerpo, además tocan temas fuertes, como la muerte, sexo, y manipulación. La propuesta es cuestionarse, después de escuchar cada relato, si la mujer es realmente débil o…

Palabras del Director de Debil/Devil, Sergio Albornoz:

“Debil es un llamado de atención al espectador, una luz Led atractiva que te dice “vení”, la mirás, te encandila pero no te detenés nunca a observar. Porque cuando nos detenemos a observar, nuestra escucha se amplifica y a veces también, nos ponemos a ver y vemos cosas que no queremos, porque estamos muy cómodos. Cosas que siempre pasaron pero nuestra comodidad no nos deja levantarnos del sillón al lado de la pc.

Está bueno que la gente se lleve preguntas, las preguntas abren y no dan sólo una respuesta. A veces generan más preguntas y las preguntas nos mantienen en acción, nos mantienen vivos. Está bueno que Debil no transmita solo un mensaje, sino ínfimos o el que cada uno pueda escuchar, directa o indirectamente.

Los triángulos y los maniquíes, generan un sistema, un sistema que atrae, hace que la gente mire, se ría con las historias de cada personaje. Y lo mejor de esto, es que una vez que el personaje te tiene y sos un observador de lo que está contando, empezás a escuchar.

De una manera u otra, algo escuchás, y cuando la escucha se amplifica, se pone en duda hasta nuestra comodidad. Se produce algún pensamiento sobre lo que sucede. Y te dejás de hacer el boludo/a.

Debil o Devil es un juego de palabras, en donde se pone en juego algo que merodeó en el inconsciente popular de que la mujer es el sexo débil y el hombre, el fuerte; y también durante bastantes épocas, se asoció las brujas al género femenino. Lo interesante, es que esto siempre fue visto desde una óptica masculina y eso cuenta una parte de la historia.

Además, es importante que se pueda ver que éstas cinco (5) mujeres tienen el poder, el poder de contar lo que muchas no; y por más que las diferentes fuerzas que las crucen, las opriman, siempre el Poder vence a la fuerza. “

TEATRO QUIRÓN
Av la Plata 1331 
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Reservas: 39677339 – 1540860923
Web: https://www.facebook.com/teatroquiron/
Entrada: $ 150,00 – Sábado – 22:00 hs 

Dramaturgia: Florencia Naftulewicz

Actúan: Rocio Ambrosoni, Sol Gutiérrez Texeira, Rocío Reyes Grau, Lucía Tomas, Nuria Wassaf

Vestuario: Rocio Ambrosoni, Sharon Luscher

Iluminación: Leandro Javier Crocco

Asistencia general: Cristian Cabrera, Camila Falconi

Dirección: Sergio Albornoz

Reseña: Laura Pacheco Mora

En un futuro, en una sociedad ficticia indeseable en sí misma, Jota y Goyo generan energía para “Los Destacados”, un grupo de personas que ellos desconocen y que cada vez requieren más, lo que es una alegoría a la pirámide laboral capitalista, en donde rara vez, le vemos el rostro a nuestro Jefe.

Trabajan con dispositivos que generan energía a partir de dínamos, una bicicleta, un fuelle y un molino; hace un tiempo también estaba Sáenz con ellos, hasta que lo ascendieron de cargo. 

Jota y Goyo creen que no van a poder cumplir con lo que se les requiere y se encuentran agotados y solos.  De repente llega Sáenz y empieza a generar junto a ellos. Manipulan los tres elementos y logran la energía que se les pide. Pero Jota sospecha que la vuelta de Sáenz se debe a otro motivo…

La obra se presenta en un tiempo anacrónico en donde el trabajo físico de una clase sometida genera la energía que mantiene a otra privilegiada, que goza de esta y no tiene contacto alguno con los «forjadores”. Se trata de una real crítica a esta sociedad de explotadores y explotados.

La explotación y la desigualdad, que trascienden tiempo y espacio, nos remite a los inicios de la revolución industrial, en donde los trabajadores eran sobreexplotados, con jornadas laborales agotadoras y en donde el único horizonte posible, era continuar siendo un “esclavo”.

Nos recuerda además a ciertas condiciones de trabajo que prevalecen en algunos países orientales, en donde se emplean a menores de edad, los cuales muchas veces intentan suicidarse, al encontrarse sin perspectiva alguna.

También podría aplicarse a la tendencia regional que, con el pretexto de, “optimizar los recursos” para así ser más competitivos, entienden esto simplemente como una reducción y una pauperización de la clase trabajadora.

El relato nos cuenta una historia lineal, de unos trabajadores que se pelean por sus diferencias. El deseo de generar un cambio social está planteado de manera metafórica, aunque resulta muy difícil no pensar lo ilógica que se ha vuelto la distribución de los recursos para ciertas clases sociales y cómo se ven predeterminadas casi de manera innata por su contexto a pertenecer a determinado grupo.

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia y dirección Víctor Chacón

Actúan Manuel de la Serna, Lucas Ranzani y Miguel Angel Vigna

Asistencia Javier Grinstein

Escenografía Maira Benito Revollo

Iluminación Diego Todorovich

Contribución coreográfica Elizabeth Restrepo

Entrenamiento Percutivo Alejandro Larocca

Prensa Tehagolaprensa

Diseño Luciano Saiz

De Victor Chacón

Teatro Pan y Arte (Boedo 876, CABA)

Funciones: viernes 23hs

Entradas: $250 (jubilados y estudiantes $230)

Reservas por Alternativa Teatral

La obra de Leonardo Serrano, con dirección de Gustavo Cejas Tubio en el Teatro Escuela lo de Guidi, “Si lo dice papá” trata sobre un hijo, padre de familia, se ha peleado con su mujer y con valija en mano, llega de improviso a la casa del padre. Esta es la bisagra que dispara el inicio de un recorrido donde padre e hijo despiertan recuerdos y la tensión crece porque necesitan ambos sincesarse y volver a descubrirse.

Al finalizar la obra estuvo el autor Leonardo Serrano, diciendo que en sus obras busca que el espectador participe de revoluciones en el escenario. El cometido se cumple con creces, es muy movilizadora desde la emoción, el sentimiento, las mentiras piadosas y el romper con tabúes.

El actor Jorge Pedraza en su rol de padre y David Samara como hijo, le dan a la pieza teatral, la fuerza al mensaje que el autor ha querido imprimir.

La dirección de Gustavo Cejas Tubio, es excelente porque es una pieza perfectamente marcada, donde el elenco actoral logra con holgura entrar y salir del conflicto.

Tiene una función más, el sábado 6 de octubre. Esperamos que puedan continuar, porque lo que importa es “Si lo dice Papá”.

Agustín Arosa

Tomar “Las Tres Hermanas” como propuesta escénica es, indudablemente, un desafío desde cualquier ángulo: Desde la insistente lealtad de la representación hasta la toma por excusa para hacer florecer un lenguaje, toda consideración en torno a la obra de Chéjov plantea el problema en extenso y profundo.

La propuesta de Manuela Serrano se erige impúdica y sin miedo al tropiezo duro, y lo hace bellamente. Tomando las aristas más hostiles de la pieza a la realización en el teatro independiente, “Las Tres Hermanas” exhibe (con mérito) las dificultades y sus decididas resoluciones, no le teme a la época, al texto, al vestuario, a lxs personajes, ni a la extensión. Pero no por fiel es (del todo) didáctica, incluso la voluntad de representar la pieza va conformando texturas y formas sutiles.

Que la propuesta dure lo que el texto, es quizás el escollo de la fidelidad, pero a ello debe oponérsele un aplauso decidido a la fineza de la lectura. Haber apostado a las tensiones verdaderamente dramáticas y hacer del sentido un cuerpo, es algo de lo que la pieza puede hacer alarde.

Experimentar “Las Tres Hermanas” en El Artefacto es un justo recordatorio: a pesar de las insistentes masturbaciones intelectuales (que siempre la miran por TV), Chejov no es su objeto, sigue siendo teatro, sorry.

Funciones: viernes, 21:00 hs.
Entrada: $250 | Jubilados y estudiantes: $100 | 2×1: $300, reservando al teatro
Reservas: 4308 3353
Lugar: Teatro del Artefacto (Sarandí 760, CABA)
Duración: 120 min.
FB: https://www.facebook.com/treshermanaschejov

Ficha técnica
Autor: Antón Chéjov
Elenco: Lourdes Cerdán, Vanesa Spera, María de los Ángeles Rodríguez, Gala Schneider, Alejandra Figueras, Martín Padín, José María Samela, Nicolás González, Tuco Turlione, Atilio Farina y Gerardo Herrera.
Cantante, voz en off: Dalila Real
Diseño de vestuario: Alicia Guma
Realización de vestuario: Julieta Iribe y Sandra Ligabue
Asesor de escenografía: Víctor De Pilla
Composición y ensamble de sonido: Juan Rivero
Fotografía: Marieta Vázquez
Diseño de luces: Alejandro Schiappacasse
Prensa: Octavia Comunicación
Co-dirección: Lourdes Cerdán
Versión y dirección: Manuela Serrano Bruzzo