Empleado cama adentro es una obra muy particular , desde un principio notamos su intento de homenajear/parodiar a las telenovelas. Una novela presentada por una caracterización de Virginia Lago en su programa Historias del corazón , dicho programa se trata de un absurdo sin fin, pero un absurdo que entretiene y mucho más.

“Empleado cama adentro” es una obra que traslada el formato de las telenovelas al género musical.

Amor, envidia, atracción, venganza, son alguno de los sentimientos que suceden dentro de una casa en el barrio de la Horqueta donde conviven una familia y sus empleados.

Chiche, Ernesto, Gastón, Mandy, La Nona, Chester, Irupé y Rosemary encarnan así esta atrapante novela presentada por Virginia en su programa televisivo (Historias del Corazón).

La parodia que se realiza sobre Virginia Lago y su ciclo que presentaba historias matutinas, es la que da inicio a la obra. Nuestra anfitriona nos da el saludo a los espectadores y nos comenta con su histrionismo, la novela que veremos en el siguiente acto. Una secuencia coreografiada nos presenta el programa Empleado cama adentro , que literalmente contiene casi todos los clichés que podemos ver en las telenovelas. La familia rica , el amor entre familiares , los hijos perdidos y la venganza en sus más hilarantes formas son los elementos que contienen la historia. Puede ser que parezca absurdo e inverosímil, pero si uno se pone en recordar muchos de los culebrones que existen , no está tan lejos de ellos , lo que hace la obra es homenajear y parodiar aquello que tanto caracteriza a las amadas novelas.

Si bien es una obra de teatro musical , éste más bien funciona como un añadido que como una condición para que se desarrolle la obra, siendo funcional a ella como una forma de complementar los recursos de la puesta escénica. Si bien en muchos aspectos puede resultar un disparate , podemos notar que todo se encuentra perfectamente armado, tanto en su coreografía como en la utilización de música y luces, sin dejar nada al azar.

Lo único que la obra deja al azar, son las escenas en que el capítulo corta y volvemos al programa de Historias de corazón. El actor Julián Sierra se toma el trabajo de jugar con la improvisación, dejando lugar a los momentos más divertidos de la obra , sin desmerecer al resto de ella. Su participación funciona como una forma de acercar al público con la función , de darnos a entender sobre de qué va esta obra y cuál es su intención , divertir al espectador.

En cuanto al elenco dentro de la historia de «Empleado cama adentro», se puede destacar al equipo actoral en todo su conjunto. Las telenovelas resultan ser historias corales , donde se muestran los momentos de todos los personajes , sean principales o secundarios, teniendo giros inesperados que pueden cambiar el rumbo de cada uno. Así mismo se ven los actores , cada uno tiene su personaje y su espacio , jugando con el estereotipo que poseen. Matías Prieto Peccia dirige y también actúa en esta novela musical, denota su experiencia en el género adaptando perfectamente estos recursos dentro de una puesta alocada pero cuidada en cada detalle.

El viernes 24 de noviembre es la última función de Empleado cama adentro , presentándose en el Teatro Border, del barrio de Palermo. Se trata de una obra absurda y musical, que se adentra en el mundo de las novelas de una forma muy peculiar y sobre todo divertida. Ideal para pasar un viernes por la noche y reírse un rato disfrutando de buen teatro.

ELENCO

Mariel Velez, Matías Prieto Peccia, Jair Almar, Lucila Madeo, Belén Becerra, Camila Aldet, Javier Valdez, Rochi Contardi, Belén Cruz y la participación especial de Julián Sierra.

REESTRENO: 10 de Noviembre

FUNCIONES: 3 funciones.

DÍA Y HORARIO DE FUNCION: Viernes 23:00hrs

TEATRO:

TEATRO BORDER

Godoy Cruz 1838.

Tel: 5236-6183

DURACIÓN: 1:30hrs.

LOCALIDADES: $200. Entradas en venta en boletería del teatro o por Plateanet.

Promoción 2×1 con Club La Nación.

FACEBOOK @empleadocamadentro / INSTAGRAM: @empleadocamadentro

FICHA TÉCNICA

Libro y Letras: Matías Prieto Peccia
Música: Gaspar Scabuzzo, David Monteros

Dirección y coreografía: Matías Prieto Peccia

Asistencia de Dirección: Florencia Druetta
Diseño de iluminación: Christian Camacho Solano
Escenografía: Giulano Benedetti
Vestuarista: Carla Torrico Ramírez
Diseño de logo: Romina Torrico Ramírez y Bheret Arnal
Diseño Gráfico: Matías Gordon para Iarok Design
Fotografía y Producción Audiovisual: Catrina Factory

Redes y Comunicación: Daiana Vera, Camila Aldet, Matias Prieto Peccia, Ro Torrico Ramírez.
Producción Ejecutiva: Romina Torrico Ramírez
Producción General: Matías Prieto Peccia y Romina Torrico Ramírez

Una luz como eje central y cinco entidades despojadas de todo, solamente sus anatomías, sus huesos transmitiendo sin diálogo mensajes a ser captados por el publico.

Huesos sin fisuras.

La dirección es de Leticia Mazur, y está interpretado por Lucas Cánepa, Ana D´orta, María Kuhmichel, Valeria Licciardi, Gianluca Zonzini. La bailarina María Kuhmichel pertenece al Grupo G5, también en estos días, está haciendo otra obra danza teatro que se encuentra en cartelera con un estilo parecido.

En la gacetilla del espectáculo buscaba el nombre del autor y menciona a Fernando Alarcón y Manuel Hermelo con el rol de acompañantes del pensamiento. Me parece muy acertada la definición porque la obra a partir de una gran luz en escena, que podría ser interpretada como el sol y esas entidades alrededor interactuan.

La obra se centra en un mundo de sensaciones representadas en el movimiento tales como miedo, aproximaciones, acercamientos, acompañado con la música de fondo de Patricio Lisandro Ortiz, y de golpe el silencio pero el movimiento como un péndulo que nunca para.

La obra promueve la libre expresión de los personajes, la precisión en los movimientos, la sincronización entre ellos. La puesta en escena es muy buena, pero mientras la iba viendo y pensaba en la crónica que debía realizar, no podía evitar pensar todos los que estábamos en platea cuan similar y cuan distinto estaríamos elaborando las secuencias de imágenes en nuestra mente a partir de lo que capta la retina y escuchamos en nuestros oídos.

La realización es en el teatro EL GALPÓN DE GUEVARA los días martes a las 21. Sus protagonistas tendrán por misión llegar hasta el hueso de la historia descubriendo y reinventándose alrededor de esa la luz principal que les dará un sentido a sus vidas.

El regreso es una obra de Brian Friel, estrenada en 1977. Cuenta la historia de Frank Butler, un oficial del ejército irlandés que, tras lograr la hazaña de rescatar a un grupo de personas en una misión de Naciones Unidas, regresa a su pueblo como un héroe. Ese día de celebraciones termina siendo una tragedia gracias a que se destapa un secreto familiar que cambia su destino y arrasa con toda la gloria con la que regresa al hogar.

La obra transcurre en sólo esas 24 horas donde la vida y la muerte de este hombre se tocan en el mejor y peor momento de su vida. Pero la historia no transcurre de manera lineal, sino que se va representando de a episodios en los que los distintos personajes, miembros de la familia, hacen o dicen cosas que podrían haber cambiado el resultado de los acontecimientos. Y la decisión de qué episodios se representan y cuáles no es de un personaje/director, que va contando la historia según un registro escrito que encuentra de la misma. Este personaje, a quien llaman “el hombre”, se presenta en el comienzo de la pieza, llama a todos los personajes para presentarlos a ellos y luego los va llamando a cada uno según quién sea necesario para representar cada episodio.

Este recurso metalingüístico no es algo novedoso y muestra una clara intertextualidad con la obra “Seis personajes en busca de un autor” de Luigi Pirandello, estrenada en 1921 y que sí constituyó una novedad para la época, ya que presentaba procedimientos que, en el teatro moderno, no se desarrollaron completamente hasta la década del ‘60.

Hoy en día, en la vasta oferta teatral porteña, creo que es importante poner en escena obras que generen algún tipo de vínculo con el público y tengan relevancia en cuanto a la historia, cosa que cuesta encontrar en producciones de este tipo u otras como, por ejemplo, “Escenas de la vida conyugal” de Ingmar Bergman, estrenada en 1973.

Lo más destacable son las actuaciones, todas muy parejas y excelentes caracterizaciones, de estilo realista. Agustín Alezzo es un director con gran prestigio como maestro de actores y en esta pieza se puede observar que claramente el foco está puesto en su métier, la cual aplaudimos.

Funciones: de jueves a domingos, 20:30 hs. 
Última función: 25 de noviembre
Lugar: Centro Cultural 25 de Mayo, Sala Principal.
Entradas: Pullman $200-, Platea $250-. Día popular (jueves).

Ficha técnica:
Elenco:
Carlos Kaspar –  El Señor
Claudio Amato – Charlie
Alejandro Fain – Frank
Sol Fassi – Tina
Bernardo Forteza – Padre Tom
Stefania Koessl – Anna
Lorena Saizar – Helen
Federico Tombetti – Sean
Magela Zanotta – Myriam

Equipo Creativo:
Dirección: Agustín Alezzo
Asistente de Dirección: Edgardo Millán
Escenografía: Marta Albertinazzi 
Adaptación Escenográfica: Jorge Ferrari
Asistente de Escenografía: Luciana Uzal 
Diseño de Vestuario: Analía Morales
Iluminación: Chango Monti
Asistente de Iluminación: Magdalena Berretta Miguez
Música: Grupo The Oxers + The Border Reivers
Productor Ejecutivo: Ezequiel Procopio
Traducción de Texto: Marina Durañona
Producción Artística: Sebas Rojas

Sol Grünschläger

AYÚDAME A MIRAR EL MAR

A principios del siglo XX, el flujo inmigratorio trajo a Antonio, desde la hermosa Italia entonces hambreada, dejando a María, su prometida, en su país. Ya en un tiempo contemporáneo al nuestro, Roni se marcha a vivir su aventura europea y en uno de sus tantos trabajos, conoce a Evangelina, una cantante italiana. Primero se hacen amigos, hasta que sin darse cuenta, un sentimiento más profundo los desborda.

El Puente Azul es una historia de distancias, de melancolía, de amores y soledad, de encuentros y alegrías, de individuos en búsqueda de un futuro soñado, arrastrados por un espíritu de aventura ó por una ilusión.
También narra la dureza de la vida del inmigrante a principios de siglo XX: jornadas de trabajo agotadoras, conventillos donde vivían hacinados, paga magra… y la distancia. Semanas, meses, para recibir una misiva de sus seres queridos. También cuenta los días azarosos, de descubrimiento y sorpresa de un argentino de este tiempo por Europa, en una suerte de viaje iniciático. Y el encuentro en Francia, de una mujer audaz como él, también inmigrante.

Con formato de epistolario (no importa si son cartas, whatsapps, mensajes de texto, facebook, etc) la historia permite un viaje temporal y acortar las distancias, cruzar el puente azul del inmensurable mar.
Antonio y María, Roni y Evangelina, tendrán encuentros, desencuentros, palabras como caricias, pensamientos como flores, se tendrán a sí mismos para ofrendarse al otro.

Pocos elementos de vestuario son suficientes para que los personajes muten: un pañuelo, una campera, un prendedor, una gorra, un chaleco… y las canciones. El Puente Azul es un bello pretexto para escuchar hermosas palabras de amor,
canciones que expresan sentimientos encontrados, un decir evocador.

Las actuaciones de Dolores Ocampo y Mariano Mazzei son simplemente
cautivantes, transportan al espectador por diferentes estados con maestría. Un violín y un piano, más una escenografía despojada sirven para mostrar un mundo con todos sus matices. La música en vivo interpretada por Nicolás Reboredo (violín) y Fernando Abinarrate (piano) es de tal impronta, que impone el ritmo del espectáculo.

La dirección de Emiliano Dionisi es precisa y sugerente. Es claro que maneja a la perfección los recursos adecuados para construir un espectáculo de calidad.

Estreno: sábado 23 de septiembre, 20:00 h.
Funciones: sábados, 20:00 h.
Función en el marco de la Bienal de Arte Joven: sábado 30 de septiembre, 20:00 h. (entrada libre y gratuita)
Lugar: Centro Cultural 25 de Mayo, Sala Redonda (Av. Triunvirato 4444)
Informes: 4524-7997. Boleterías, de lunes a viernes de 11 a 21 h.
Entradas: $200-.
Duración: 65 min.

Ficha técnica:
Texto y música: Fernando Albinarrate
Idea original: Mariano Mazzei
Intérpretes: Dolores Ocampo /Mariano Mazzei
Piano: Fernando Albinarrate
Violín: Nicolas Reboredo
Diseño de vestuario: Marisol Castañeda
Diseño de escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez
Diseño Coreográfico: Alejandro Ibarra
Diseño de Iluminación: Claudio del Bianco
Asistente de iluminación: Martin Fernández Paponi
Entrenamiento vocal: Anahí Scharovsky
Producción ejecutiva: Sebastián Ezcurra
Producción general: Compañía Criolla
Fotografía: Lau Castro
Dirección musical: Fernando Albinarrate
Director asistente: Juan José Barocelli
Dirección general: Emiliano Dionisi

A. R. Belano

Danza teatro, a través del movimiento, sugiere imágenes y situaciones. El público acompaña a la mutación que van sufriendo los personajes en el tiempo y espacio persiguiendo la libertad como manera de expresión.

El título de la obra LEIDENSCHAFT (lai:den:shaft), es una palabra proveniente de la lengua alemana que fue acuñada en el siglo XVII para expresar “Las pasiones del Alma”. Hoy esta palabra implica también un “entusiasmo desmesurado”, un “desenfreno”, y abarca tanto al amor como al odio y no necesariamente se aplica a una relación de pareja sino a toda relación que esté sujeta a un objeto de deseo que perturbe los sentidos.

El Grupo G5 son tres bailarines/actores y dos actrices/bailarinas encargados con su físico de transmitir al público emociones y mantener un diálogo inusual: el sentimiento a través del movimiento. El texto físico es interpretado por Flor Alonso, María Kuhmichel, Federico Luna, Sergio Villalba y Lucas Flores

El despliegue en escena es excelente, la coordinación de los bailarines, la fuerza de las escenas, la iluminación con que se nutre la coreografía, el uso escaso de diálogo en palabras pero exacto para entender las situaciones. Con una banda sonora y musicalización en vivo de Roberto Galván ajustada en forma precisa como una pieza de reloj donde todo funciona perfectamente y en armonía.

La idea y dirección también es de Galván y está Inspirada en `Cuentos de Amor de Locura y de Muerte` de Horacio Quiroga. Transcribiendo sus propias palabras “Cuentos de Amor de Locura y de Muerte se asociaron a mi inconsciente para elaborar una obra que amalgama los dos mundos que me hablan, el alemán y el argentino”.

La obra mediante movimientos de danza contemporánea o perfomáticos, valiéndose de un excelente vestuario y escenografía, donde libremente vuelan sentimientos tales como amor, violencia , donde se manifiesta el desprecio por la mujer, la pelea entre machos cabríos y en contraposición a escenas eróticas.

Esta obra se presenta todos los domingos en el ELKAFKA ESPACIO TEATRAL LAMBARÉ 866, a las 21 hs. Donde bailarines demuestran las otras formas existentes de expresión sin necesidad de la palabra y como se puede recitar poesía a partir de como vibren en escena los cuerpos físicos.

Ficha técnica:

Idea y dirección: Roberto Galván

Texto físico: Florencia Alonso, María Kuhmichel, Federico Luna, Sergio Villalba y Lucas Flores

Diseño de Iluminación: Pehuen Stordeur

Vestuario: Grupo G5 y Roberto Galván

Banda sonora y musicalización en vivo: Roberto Galván

Voz en off y textos originales: Roberto Galván

Espacio escénico: GM Villa Elisa

Vestuario y accesorios: Grupo G5 y Roberto Galván

Fotografía: Lili Okretich / Evelina Gallarato

Funciones:

Domingo 29/10 a las 21hs. y domingos 5, 12 y 19/11 a las 21 hs

Precio de la entrada: $250.-

Desc. Estudiantes y Jubilados: $180.-

http://www.alternativateatral.com

ELKAFKA, Espacio teatral.

Lambaré 866 – CABA- (54-11) 4862.5439

Elkafka@gmail.com / http//elkafkaespacioteatral.blogspot.com

Diana Decunto