Crítica: Extraordinario (Wonder)

Extraordinario es el film que está basado en la novela Wonder de R.J Palacio, que aquí la conoceremos mejor como La lección de August. Me es inevitable realizar está crítica haciendo presencia mi mirada de lector en comparación del libro con la película. Lo bueno es que me ha dado muy buenas impresiones la forma en que la cinta respeta la narrativa de la novela que gira en torno a Auggie, un chico que se siente normal pero que a la vista de los demás aún no lo es.

Su cara lo hace distinto y él solo quiere ser uno más. Camina siempre mirando al suelo, la cabeza gacha y el flequillo tratando en vano de esconder su rostro, pero, aun así, es objeto de miradas furtivas, susurros ahogados y codazos de asombro. August sale poco, su vida transcurre entre las acogedoras paredes de su casa, entre la compañía de su familia, su perra Daisy y las increíbles historias de La guerra de las galaxias.

Si bien el personaje principal de la historia es August Pullman , un niño que sufre de una enfermedad que ha causado una deformidad en su rostro, la película se concentra en todo el núcleo familiar y de amigos que rodean a este chico , mostrando varias caras de una misma historia. Esta es la línea narrativa que ocupa la novela de R.J Palacio, con la existencia de capítulos donde cada personaje tiene su momento para contar su historia y su relación con Auggie. La escencia del relato es poder contar las vivencias del niño cuando debe comenzar el período escolar , del sufrimiento que puede ocasionar el cambio y el miedo a los distinto, en la vista de todos los personajes. La cinta busca el equilibrio perfecto entre la comedia y el drama , sin saturarse ninguno de aquellos recursos manteniendo el tono del texto original. Los lectores seguramente encontrarán algunas diferencias con el libro , aunque más bien se trata de una simplificación de los hechos , algo que resulta necesario para su adaptación cinematográfica.

En cuanto a las actuaciones , primero cabe destacar la participación que tienen Owen Wilson y Julia Roberts en la cinta. Está claro que la elección de ambos actores tiene un fin comercial, teniendo el objetivo de atraer a un público que le es ajeno a la obra literaria, conoce a los actores y está interesado en una comedia ligera y sensible. Cabe destacar que la elección de los actores ha sido acertada , teniendo una participación medida pero efectiva, que era lo ideal para el desarrollo del film. La interpretación de Jacob Tremblay es uno de los puntos más fuertes de la película, el joven actor debió caracterizarse como el niño que tiene una deformidad en su rostro y que debe afrontar la ardua tarea de sobrevivir al año escolar. Los niños son los que menos se preocupan por fingir , llevando a que a veces puedan ser crueles y tengamos que hablar de cosas muy comunes como lo es el bullying. Existe un gran manejo del elenco infantil, aunque algunos personajes importantes no hayan podido expandirse de la forma en que debían, como en el caso de Charlotte y Summer.

La dirección está a cargo de Stephen Chobsky, siendo el autor de la reconocida novela juvenil Las ventajas de ser invisible y también responsable de su adaptación cinematográfica. El director se permite el poder jugar con los pensamientos y los intereses de Auggie cuando desea escapar de su realidad. Denotando su simpatía con el espacio exterior , su casco de astronauta y su fanatismo por la guerra de las galaxias. Pequeña e interesante participación de Chewbacca en la cinta , relacionándose y empatizando con el pequeño Auggie.

Extraordinario es una película que conmueve y que adapta en su escencia a la novela de R.J Palacio. Todos conoceremos la historia de Auggie desde distintas miradas pero con un solo objetivo , enseñarnos a ser más amables con los demás.

Calificación 8/10

Ficha técnica:

Elenco: Julia Roberts, Jacob Tremblay, Owen Wilson
Director: Stephen Chbosky
Guión: Jack Thorne, Steve Conrad
Productores: Todd Lieberman, David Hoberman
Genero: Drama
País: Estados Unidos
Distribuye: BF Distribution

Daniel Alvarez

Reseña: Los Hermanos Montesco

Todos conocemos el clásico de Shakespeare “Romeo y Julieta”, la historia de amor y odio más famosa de todos los tiempos. El odio aparentemente inexplicable entre dos familias, Montesco y Capuleto, se mantendrán en esta versión libre del clásico de William Shakespeare, lo que dará un giro inesperado será el papel que juega Romeo y su hermano Pietro, que luchará para mantener en secreto, pero al mismo tiempo complacer a su hermano, la condición de Romeo ya que en el pueblo del siglo XX en donde transcurre la historia, Romeo, quien sufre de síndrome de Down, correrá un gran riesgo si se da a conocer de su existencia.

Si esperan ver la típica historia de Romeo y Julieta pues es mejor que lean la obra en vez de ver “los hermanos Montesco” ya que al entrar a la sala estarán apunto de ver una versión totalmente libre de la historia de William Shakespeare donde además de los temas principales de amor y odio se agregará la concientización sobre el síndrome de Down.

Sin duda es inesperado el hecho de que el famoso Romeo tenga otra perspectiva, pero es inteligente tomar un clásico para poder concientizar a las personas sobre la inclusión de las personas con síndrome de Down en nuestra sociedad. Hacernos conscientes de que no son personas distintas a las demás, ellos aman odian y vuelven amar tal cual todos lo hacemos.

Los hermanos Montesco te darán una versión totalmente distinta a la de William Shakespeare que es sumamente agradable, divertida y sobre todo tierna ya que te ablanda el corazón el como Romeo hará todo lo posible para poder conseguir a la mujer que ama.

Ficha Técnica:

Elenco:

Romeo: Pedro Molina

Pietro: Agustín Maradei

Mercucio: Santiago García

Benvolio: Pablo Neville

Julieta: Lucía Ferrari

Teobaldo: Pablo Scorcelli

Sra. Capuleto: Paola Medrano

Sr. Capuleto: Fernando Pardo

Sr. Montesco: Facundo Ponce

Nodriza: Ana González

Cedrina: Cinthia Ávila

Paris: Agustín Oberto

Ensamble: Leticia Loffler, Camila Otreras, Paula Calzia, Milagros Binay, Mónica Cano, Giuliana Ferro

Dramaturgia y Dirección General: Juan Ignacio Acosta V.

Asistencia de Dirección: Agostina Fischietti – Mariano Carabajal

Dirección musical, guitarra y percusión: Martín Carusi

Piano: Gregorio Seva

Coreografía: Mariana Moschetto

Diseño de vestuario y escenografía: Cecilia Zuvialde

Diseño de luces: Ariel Campos Mendieta

Diseño de maquillaje: Agostina Fischietti

Máscaras protagonistas: Yanina Orieta

Realización escenográfica: Dolores Riera

Fotografía: Alejandro Carmona – Fuentes 2 Fernández

Diseño gráfico: Fuentes 2 Fernández

Prensa: Cakatúa FUNCIONES: Sábado 20 y 22hs. Entradas en boletería o en Alternativa Teatral: $200 gral / $150 (jubilados, estudiantes, personas con discapacidad). Teatro: Patio de Actores – Dirección: Lerma 568

Ariana Marín

Crítica: Casi Humanos

El Cirujismo Espacio Cultural parece cerrado, toqué timbre y me atendieron muy amablemente, es un espacio íntimo, de barrio, de amigos. Al entrar a la sala uno tiene la misma sensación. Y la obra Casi Humanos parece encajar en ese mundo. Empieza de la mano de Miriam Fontes, continúa con Julián Bellegia y Ángel Blanco, y se va desarrollando pausadamente pero con mucho drama y chistes ácidos.

El tabú es el gran personaje de la obra, y que nos pasa a los seres humanos en esta sociedad donde nos queremos poner en el lugar del otro, pero se nos hace tan difícil que preferimos reír o huir de esas situaciones. ¿El Argentino es un ser casi humano? ¿Es tan complicado tocar ciertos temas? ¿Nos cuesta tanto ponernos en la piel ajena? ¿Nos sentimos tan superados como para reírnos de las vicisitudes del otro? La obra nos plantea eso, por momentos de manera cruda y por momentos de manera más suave.

El espectador siempre está al borde del ataque de risa, pero la tragedia de los temas que se tocan hace que en algunos momentos se contenga la respiración. ¿Por qué? Porque Lau, Juan y Mau los personajes nos hacen sentir que somos ellos, que prejuzgamos, que discriminamos, que tememos, que amamos, que deseamos, que somos humanos casi humanos por todas esas imperfecciones que llevamos a diario cuando salimos a la calle y vamos al trabajo, y hablamos con nuestros vecinos, amigos y familia.

Los actores se la juegan, ponen el cuerpo a los personajes, por momentos tímidamente y por momentos de manera fuerte y contundente. La obra termina y deja el debate de lo complejo que somos en la actualidad y de lo que ocultamos, muchas veces, hasta de nosotros mismos como Jekyll a Mr. Hyde.

Ficha Técnica:

Elenco: Julián Bellegia, Miriam Fontes y Ángel Blanco

Autor y Dirección General: Vani Szlatyner

Diseño Gráfico: Juan Anfossi – Griff Producciones

Fotografías: Gianni Mestichelli

Asistencia en Escenografía y Vestuario: Julieta Tomaselli

Asesoramiento Artístico General: Julián Belleggia, Ángel Blanco y Vani Szlatyner

Diseño de Luces: Vani Szlatyner y Yaya Firpo

Técnico el luces: Augusto Useda Vargas

Peluquería: Silvia Blanco

Realización de Jaulas: El Changuito Cañero

Asistente de Producción: Matías Chiarini

Productora Ejecutiva: Jimena Aguilar – Didascalias Entretenimiento

Producción General: Julián Belleggia y Ángel Blanco

Las funciones se realizarán los JUEVES de Noviembre a las 22:30h. en el TEATRO CIRUJISMO ESPACIO CULTURAL, Deán Funes 1267.
Duración del espectáculo: 75 min.
ENTRADAS: $200 – en boletería del teatro o por ALTERNATIVA TEATRAL
http://www.alternativateatral.com/ficha_obra.asp?codigo_obra=53868
Reservas: casihumanosok@gmail.com
Facebook: CasiHumanosOk / Twitter: CasiHumanosOk / Instagram: CasiHumanosOk

Alejandra Martínez

Crítica: Soy tu Karma

En el día de su compromiso Darío despierta al lado de una mujer que no es su novia, Renata, una completa desconocida.
¿Es una trampa tendida por su ex mujer o por su suegro?
¿Una broma pesada de sus amigos?. ¿Una estafa?
Esta misteriosa aparición no será la única y otros personajes van invadiendo la casa.

Soy tu Karma es una comedia metafísica de WHO, que cuenta la historia de un español arribista, a punto de casarse con la hija de un matrimonio de la clase alta argentina, pero que justo antes de anunciar oficialmente su ingreso a la familia, se ve enredado en una situación que lo obliga a enfrentarse a sus errores y replantear sus planes. Un extraño personaje aparece en el placard de la casa de sus suegros (con el simbolismo que esto implica) y, aunque no sabe muy bien qué, le reclama que resuelva un conflicto, que limpie su conciencia y haga las cosas bien de una vez. Este personaje resulta ser una reencarnación futura de su espíritu, que en ese futuro tiene un conflicto que no puede resolver si no limpia su karma, y por eso decide hacer un viaje espiritual al pasado para reencontrarse con él.

“Lo que niegas te somete y lo que aceptas te transforma” es la frase de Carl Jung que abre el film, y la moraleja que éste nos deja. Pero ese no es el único mensaje de la película. En reiteradas ocasiones, los personajes mencionan que tienen que dejar de ver comedias de enredos hollywoodenses y comenzar a ver más cine iraní. Parecería ser un mensaje un tanto extraño, tratándose justamente de una comedia de enredos, salvo por el detalle de que no es para nada hollywoodense. Tampoco es un documental iraní, claro está, pero la representación de la idiosincrasia de cierta clase social argentina y el poco convencional elenco hacen que esta comedia tenga su condimento especial. La mezcla de nacionalidades sumada a los diversos contextos en los que estos actores se han desempeñado, forman un grupo armónicamente diverso. Creo que siempre es valorable destacar y promover la producción cinematográfica nacional, ya sea la independiente, que se mueve por el circuito de festivales internacionales, o bien incluso la comercial, que favorece el constante crecimiento de la industria y atrae a un público cada vez más masivo hacia un cine popularmente desatendido.

Respecto de los aspectos más formales, la construcción de los personajes está bien realizada y muestra un sano balance entre el cliché absoluto y el estereotipo del que parte todo personaje cómico. A nivel visual resulta muy atractivo el diseño de arte de la película, especialmente la utilización del monocromo en espacios y vestuarios.

En resumen, se trata de una comedia liviana que, así como nos invita a divertirnos por un rato, también nos propone vivir más livianos.

Calificación: 7/10

ELENCO
Personajes Principales
Willy Toledo – Darío
Ana María Orozco – Renata
Florencia Peña – Nuria
Reparto
Liz Solari – Margarita
Boy Olmi – Ricardo
Silvia Perez – Teresa
Leonora Balcarce – Melisa
Luisa Kuliok – Amanda
Gino Renni – Supervisor
Ariel Nuñez – Vaccaro
Emilio Disi – Aviador


Datos Técnicos
Duración: 80 min
Director: WHO
Guionista: Gustavo Cornillon
Productora: Del Toro Films
Productor Ejecutivo: Néstor Sánchez Sotelo
Asistente de Dirección: Martin “Oso” Armoya
Director de Fotografía: Leonel Pazos Scioli / Editor: Guille Gatti
Dirección de Arte: Cecilia Castro / Vestuario: La Polilla
Diseño de Sonido / Música: Pablo Sala

Estreno : 23 de noviembre.

Sol Grunschlager

Reseña: Después te cuento, de Juan Arena

La noche de viernes se había vuelto fría. Llegue al Camarín de las Musas media hora antes de las 23. Retire mi entrada y me indicaron por donde podía ingresar a la sala. Allí fui. Vi el banner de la obra colocado en una gran ventana por la cual se podía ver a los actores, y al director haciendo correcciones técnicas en escena, algo que me llamo poderosamente la atención La gente fue llegando y había buena vibración pese a la temperatura. Ingresamos. Las localidades eran pocas y el espacio compacto, pero muy cálido. Nos fuimos acomodando sin mayor dificultad y rápidamente. Los interpretes ya estaban ubicados y esperando. Apagamos los celulares y la función comenzó. Nuestra protagonista bebe vino y mira cada tanto por la ventana. Esa misma ventana que había captado mi interés al ingreso. A un costado de la escena, una pianista y cantante musicaliza en vivo. Y en las penumbras puede distinguirse una figura en un cuadro. La luz ira dando claridad, con sutileza casi imperceptible veremos esa pintura en estupenda composición y armonía de formas y colores. Ana va a cocinar una tortilla a la española, el plato favorito de su madre, el día de su cumpleaños. Tal vez como pretexto para poner en orden sus pensamientos y como puerta inconsciente al más allá, le escribe en un cuaderno y nos cuenta las desventuras de su propia maternidad. Del otro lado de la vida y la realidad, la destinataria de estas palabras, figura central del cuadro colgado en la pared, comienza a moverse y a oírla. Con la dificultad propia de un fantasma, no puede ser percibida por su hija. Pero entabla un dialogo a través de nosotros, contándonos y comentado lo que oye. Ana habla sobre su dificultad de adaptarse y sobre su incertidumbre por la falta de un plan. En el trascurso de este entrecruce de realidades y vínculos desencontrados, cocina. Corta papas, saluda a la gente que pasa por la calle (sorprendido por ver a una chica cocinando y con público) prende el fuego y toma otra copa. Una sucesión de aromas irán invadiendo el espacio y una voz dulce y poderosa nos alimentara los oídos con sus melodías. Diálogos y observaciones a veces profundas, otras graciosas. Simples. Humanas. Después te cuento habla sobre encontrarse con uno mismo y con el otro. Metáfora fabulosamente corporizada en la puesta en escena por el director, que ha abierto puertas que se atraviesan en los momentos oportunos y le otorgado la energía y el lugar adecuado a cada estimulo desplegado en el escenario. El libro es estupendo. Reflexivo y divertido. Con grandes momentos y plagado de detalles. Las actuaciones son precisas y efectivas. La Ana de Cecilia Pertusi es profunda y verdadera, Cristina Dramisino compone a una madre entrañable que todos quisiéramos tener y la voz e interpretación de Sonia Kovalivker, en el piano, es encantadora. La escenografía y el vestuario tienen el tono exacto y adecuado. La luz sutil y perfecta. Y la sala tiene la estructura y calidez que requiere la puesta. Es una obra sencilla y maravillosa, plagada de recursos y sensaciones que mezclan logrando su punto justo para que se produzca el encuentro y la magia suceda. Maximiliano Pouchan. Ficha técnica Ana: Cecilia Pertusi Madre: Cristina Dramisino Música en vivo y Pintura: Sonia Kovalivker. Escenografía e iluminación: Eduardo Perez Winter Vestuario: Nury Bertone. Gráfica: Florencia Huerga Fotografía: Victoria De Feo Prensa y Difusión: Carolina Alfonso Asistencia de Dirección: Oscar Duarte Dramaturgia: Adriana Gomez Piperno Adaptación y dirección: Juan Arena Duracion: 60 minutos Funciones: Viernes 23hs Camarín de Las Musas – Mario Bravo 960 Reservas 4862 – 0655 Entradas: $ 250 y $200 (estudiantes y jubilados con acreditación, menores de 30 2 x 1)

Crítica: Desaparecido, protagonizada por Halle Berry

 

Hemos podido ver la película Desaparecido, protagonizada por la actriz Halley Berry. El film, narra la historia de una madre que hace todo lo posible para recuperar a su hijo que fue secuestrado.

¿Qué harías si mientras disfrutas de una tarde en la plaza con tu hijo el pequeño desaparece? Caminas rápido, gritando su nombre, nadie responde. La adrenalina sube por tu garganta. De pronto, lo ves: una mujer forcejea y lo mete en el interior de un auto.

Esta madre no se detendrá ante nada para recuperar a su hijo, ¡se metieron con la madre equivocada!

Desaparecido cuenta la historia de Karla Dyson (Berry), una mesera de Nueva Orleand y madre de un niño llamado Frankei (Sage Correa), a quien una tarde de paseo por el parque lo secuestran, siendo Karla testigo del rapto de su hijo. A causa de este acontecimiento pondrá en riesgo su vida para salvar a su hijo de los secuestradores y no desaparezca como otros niños. La película refleja lo que una madre es capaz de hacer para proteger a sus hijos. 

El “thriller” dirigido por Luis Prieto comienza  bastante bien, pero poco a poco empieza a decaer el interés, a causa del guion insuficiente y poco concluyente.

Es una película entretenida con una trama bastante predecible, pero con interpretaciones buenas, es un para mirar un día en que no sepas que ver o para pasar el tiempo.

Calificación 7/10

Duración: 94 minutos

Reparto: Halle Berry, Sage Correa, Dana Gourrier

Director: Luis Prieto

País de Origen: USA

Productor: Swen

Tamara Bucatay

Reseña: Móvil, de Sergi Belbel

Historias humanas verosímiles donde la comunicación se realiza y en algunos momentos se dificulta a través del celular.


Persiguiendo móviles

La historia se inicia cuando una hija treintañera, con todos sus mambos, deja a la madre en el aeropuerto, para que ésta tome un poco de aire, con un viaje. Para que estén comunicadas, la hija no tiene la mejor idea, que regalarle un celular de última generación. La madre, cuando recibe el regalo, no entiende cómo usarlo pero aprovecha el tiempo de las esperas del aeropuerto para leer el manual de instrucciones. Empieza a familiarizarse con el uso y se termina fanatizando. La otra historia paralela, es una exitosa empresaria que ha llegado al aeropuerto, para viajar por razones de negocio. Toda comunicación con su hijo es a través del móvil. Ambas mujeres están en el mismo aeropuerto, se produce un atentado, del cual no se dan mayores detalles porque no hacen a la historia. El tema es que ambas mujeres han salido ilesas y comparten el mismo hotel que ha puesto a disposición de los damnificados la compañía aérea.

La trama transcurre en intentar comunicarse. Por un lado, madres que pretende avisar a sus respectivos hijas e hijos, que no les paso nada. Y a su vez, ambos jóvenes han visto las noticias y quieren saber si ellas están bien. Son dos historias en paralelo que a medida que avanza aparecen puntos de encuentro.

Es una comedia de enriedos que en algunos momentos si nos ponemos a pensar el hecho de un atentado, el no poder comunicarte o si hacerlo, cuán útil puede ser un móvil en un momento tan terrible. Pero la comedia soslaya el tema pero resalta las confusiones y cuán grave puede ser una mala comunicación.

Me llamó a la reflexión cuando la madre dialoga con la hija: “ no sé si esto que te voy a decir lo pudiera hacer si estuviese frente a vos”. Me puse a pensar, este abuso, tal vez del móvil, cuánto depende de nuestra necesidad de ser escuchados y entendidos por el otro. La falla tal vez radique en pretender ser una escucha egoísta donde justamente no le damos peso al que ésta del otro lado. Es bueno porque a veces rompe paredes y es malo porque la escucha no funciona sino es de a dos.

En la historia terminan desatándose nudos, todos son felices y cazan perdices. Aquellos que lo deseen pueden profundizar sobre el mensaje que da la obra y le permitirá recrear nuevas variantes de análisis. En los jóvenes, les veo difícil está capacidad, porque es una generación que no sabe lo que es vivir sin un móvil pero al ver en escena lo que vivimos cotidianamente, tal vez, les despierte ganas de pensar sobre el tema. Y la última opción es apreciar un momento agradable de distracción, de risa por momentos.

Pasar setenta placenteros minutos de paso de comedia se lo debemos al autor Sergi Belbel con la excelente adaptación de Jorge Azurmendi quién también tuvo a cargo la dirección de la obra, con la participación de las actrices Ana Maria Castel y Cristina Dramisino, dos modelos de madre diferente, interpretadas maravillosamente. Un hijo Hernán Muñoa que sufre muy agradablemente a su madre y Heidi Fauth, que se acomoda perfecta en el plano de comedia y que deseamos que continúe con el género porque le sienta muy bien.

Para aquellos que la vieron, encontré muchos puntos en común con la película italiana (2016) que toca el mismo tema Perfectos Desconocidos (Perfetti Sconosciuti). La obra de teatro no es tan sarcástica, pero las reacciones frente al aparatito me parecieron en ambas muy bien explotadas. Traigo a colación la similitud entre película y obra de teatro porque me parece una manera más de animarlos a ir a ver la obra de teatro con semejante tarjeta de presentación. Les propongo que después de verla, manden muchos whatsapps para recomendarla.

Ficha técnica

Elenco: Ana María Castel, Cristina Dramisino, Heidi Fauth y Hernán Muñoa
Escenografía y vestuario: Micaela Sleigh
Asistencia escenografía: Agustina Fernandez Poblet

Iluminación: Magdalena Ripa Alsina

Asesoramiento coreográfico: Mecha Fernández

Música original y diseño sonoro: Rony Keselman

Proyecciones: Lucio Bazzalo

Diseño gráfico: Lean Anapolsky

Fotografía: Nacho Lunadei

Fotos de escena: Russarabian

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Autor: Sergi Belbel

Asistente de dirección y producción ejecutiva: Jennifer Aguirre

Adaptación y dirección: Jorge Azurmendi

La obra cuenta con el auspicio del Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA)

Estreno: martes 3 de octubre 2017

Días de función: martes 20.30 hs. hasta el 28 de noviembre

Duración: 70 minutos

Maipo Kabaret

Esmeralda 443, Capital Federal, Buenos Aires, Argentina

Boletería (lunes a lunes de 10 a 20 hs.)

Localidades: $ 200, $ 300 y $ 400

PROMO: 2X $ 300

Entradas por Plateanet 5236-3000 https://www.plateanet.com/

Tarjetas Visa y descuentos del 25% a socios Club Personal

Diana Decunto

Crítica de cine: Marea humana

Mañana se estrena en los cines del país el colosal documental Marea Humana (Human Flow) del aclamado artista plástico Ai Weiwei, que nos ofrece su visión poética y sincera de los refugiados en la actualidad. Tras filmar en 22 regiones del mundo, nos invita a conocer cuáles son las ciudades que se convirtieron en blanco de misiles, cómo sucede el desplazamiento masivo de quienes buscan amparo de la guerra y cuáles son las fronteras que permanecen cerradas para ellos. ¿Podemos llegar a imaginar cómo es quedar varado tras el alambre de púas, armar campamento y esperar durante meses la ayuda de los organismos internacionales, sin la certeza de si se presentará?

Oriente, esa parte del planeta que hoy en día más nos duele, es a la que el cineasta nos desea aproximar para que conozcamos a su gente. A pesar de la cruda realidad a la que las familias inmigrantes se somenten y a las zonas inhóspitas que la película pretende dar a conocer, carece de golpes bajos. En cambio, nos deslumbra con la belleza indescriptible de los paisajes y la identificación que podemos experimentar con esos hombres y sus preocupaciones, aún en medio de la profunda crisis del humanismo en la que estamos inmersos.

En las montañas de la región turca, un anciano y su esposa hablan a cámara sentados entre los yuyos. Él no puede meter bocadillo, lo intenta pero ella no lo deja; su verborragia se lo impide. Expresa con velocidad y hondo dolor lo que pasó en la ciudad y cómo la guerra afectó a toda la sociedad. Explica que hay quienes, como ellos, se quedan a vivir entre los escombros. Otros embarcan al mar, sin la certeza de si será su medio de escape o su tumba, provocando el oleaje humano que desemboca en las hostiles costas vecinas.

Mientras tanto, en tierra firme, los diferentes tipos de campamentos y asentamientos de refugiados se expanden y varían en volumen, antigüedad y cimientos. También, nos asombra conocer aquellas zonas que se encuentran bloqueadas e impiden una necesaria inmigración, como Gaza, hogar de un grupo de mujeres jóvenes y agradables que hablan acerca de cuáles son sus sueños y explican cómo viven en esa prisión, como llaman a su país.

Desde noviembre hasta finales de febrero de 2017, Weiwei exhibirá en Fundación Proa (de Buenos Aires, barrio de La Boca) algunas de sus célebres obras, entre ellas, una adaptación local de Semillas de girasol. Se trata de cien millones de semillas de girasoles, cada una de ellas realizadas en porcelana y pintadas a mano por miles de artesanos. Aparentemente idénticas, pero únicas cada una, las semillas funcionan como una alusión al consumo masivo y a la producción industrial que caracteriza China, su país. La misma lógica mercantilista parece ser blanco de sus críticas en la película, que descarta a los seres humanos por su condición de refugiados y, por lo tanto, improductivos. En este punto, el documental explicita muy bien cómo el humanismo está en crisis en la actualidad y deja en evidencia las consecuencias que supone que los gobiernos sean inmunes al dolor de sus vecinos.

Marea Humana tiene una duración de 140 minutos y participará de la sección Panorama del 32° Festival del Mar del Plata 2017 (17 al 26 de noviembre). Debido a su extensión y a algunas fallas en el montaje que hacen que sea ardua de sostener hasta el final.

Vale la pena ir a verla al cine con un anotador y una lapicera en mano para tomar registro de los datos y los fragmentos literarios que el documental proporciona.

Calificación 8/10

Lara Salinas

DATOS PELÍCULA

Título original: Human Flow
Dirección: Ai Weiwei
Origen: Alemania . USA
Idioma: inglés – subtitulado castellano
Duración: 140 min
Guión: Boris Cheshirkov, Tim Finch, Chin-Chin Yap
Fotografía: Zanbo Zhang, Xie Zhenwei
Montaje: Nils Pagh Andersen
Productora: 24 Media Production Company/
AC Films / Ai Weiwei Studio
Fecha de estreno: 23/11/2017
Distribuidora: LAT-E
2017: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes a concurso

Crítica: Good time, Viviendo al límite.

Después de que el robo chapucero de un banco acabe con su hermano pequeño en prisión, Constantine Nikas (Robert Pattinson) se embarca en una odisea a través del mundo subterráneo de la ciudad de Nueva York en un intento, tan desesperado como peligroso, por conseguir el dinero de la fianza para poder sacarlo de la cárcel.

La historia se desarrolla en el barrio neoyorkino de Queens donde Connie y su hermano Nik, comenten el asalto a un banco con la idea de mudarse a las afueras y así vivir una vida tranquila. El plan les sale mal, y Nik, quién padece de un retraso madurativo, es encarcelado, Connie elabora un plan para sacarlo de ahí, pero todo comienza a complicarse aún más para él y sin darse cuenta se verá enredado en una difícil seguidilla de dificultades que lo pondrán a contrarreloj.

Rodada en las calles de New York , de una forma muy realista, esta es la quinta película de los hermanos Safdie, cineastas independientes, que con Good Time, han logrado llegar a Cannes.

Una película que inquieta en todo momento al espectador, acompañada con la frenética banda de sonora de Oneohtrix Point Never, que culmina con un recitado del legendario Iggy Pop en los títulos finales.

Con una extraordinaria combinación de actores, en la cuál se resalta Robert Pattinson, quien logró alejarse completamente del papel galán que le otorgó la saga de “Crepúsculo”, y transformarse en alguien irreconocible, en este delincuente de poca monta con una espectacular interpretación.

Un thriller intenso que logra combinar matices sociales, familiares y psicológicos.

Calificación: 7.5/10

Ficha técnica

Reparto: Robert Pattinson, Benny Safdie, Jennifer Jason Leigh, Taliah Webster.

Director: Benny Safdie, Josh Safdie.

País de Origen: USA

Productor: CDC

Festival Internacional de Cine de Cannes 2017:

International Cinephile Society Awards.

Mejor Actor: Robert Pattinson. Prix du Jury: Benny Safdie, Josh Safdie

Distribución : BDF ARGENTINA

Julieta Ale

Crítica: Djam, de Tony Gatlif

Djam es una chica joven, bonita y desprejuiciada, que vive en la isla griega de Lesbos. Su padrastro la envía a Estambul con un extraño encargo para una joven: reparar una pesada biela para su barco, una embarcación de turistas, ahora sin funcionamiento.

En viaje, conoce a Avril, una joven francesa que ha venido como voluntaria para ayudar a los refugiados, y que abandonada por su novio quedó sola y sin dinero. Djam se compadece y la hace su compañera de viaje, en su azaroso periplo. Consigue el repuesto que le encargaron, luego se lo roban y lo recupera con argucias. Las chicas se separan cuando Djam va a un
baño de una estación de servicio y el transporte se marcha sin ella. Djam
emprende el camino por la ruta, sin dinero y sin su encargo, en tanto Avril vuelve en taxi a buscarla hasta que por fin se encuentran. El taxista levanta a un hombre que pide ayuda para su hijo y cuando llegan, encuentran al hijo cavando un pozo
para acostarse y morir, ya que todo lo ha perdido.

A lo largo de este film de extrañas peripecias, se observa la angustia de hombres y mujeres que han perdido sus bienes cuando estalla la crisis financiera del 2009, y los bancos se apropian de todo. Aquello que veíamos en las pantallas de T.V.,
es el marco donde transcurre el relato: gente a la cual le arrebatan su pasado, le hipotecan su futuro, le aplastan sus esperanzas. Algo con muchas semejanzas a lo que conocimos en nuestro país en el 2001.

La miserabilidad del mundo
marchando esplendorosa, tal carnaval injurioso, parábola de los ciegos
bruegheliana, tosca, brutal, inhumana. El contrapunto con Djam es su desprejuicio, su juventud, su rebeldía instintiva, su naturaleza indomable, una suerte de Carmen moderna, y como tal caótica, soez,
infalible como un rayo para discernir lo que está bien, de aquello que está mal. Ésto es lo que atrae a Avril, lo que ama su padrastro, lo que resulta atractivo de Djam: no darse vencida, ni aún vencida.

Una de las paradas en el regreso, es por la casa del abuelo ya fallecido: allí
recogen papeles, fotos, discos, cosas que su padrastro le solicitó y que, en una emotiva escena juntos, le cuenta cuando la conoció de niña, como se enamoró de su madre y que aún la recuerda. También la familia de Djam sufre la expropiación del restaurante familiar. Es entonces que todos parten en la embarcación reparada, al mar, a reconstruirse, a lo que la vida les presente.

La actriz belga Daphne Patakia construye un personaje osado y tierno. Mucho de lo interesante del film se debe a su trabajo.

Guión y Dirección: Tony Gatlif
Fotografía: Patrick Ghiringhelli
Elenco: Daphne Patakia, Maryne Cayon, Simón Abkarian
País: Francia

Estreno en Argentina: 30 de noviembre.

A. R. Belano