Todo lo que nadie ve, de Javier Rodríguez Cano

Los viernes a la noche cobra vida en escena la primera pieza teatral redactada por este actor y director de prolongada trayectoria que, gracias a su experiencia en el arte escénico y a las bellas interpretaciones de su texto que realizan Lourdes Invierno (la Madre) y Julian Fuentes (el Hijo), mantiene en vilo al público a la espera de un derrumbe edilicio.

“Todo lo que nadie ve, vos lo ves, cada nervio que sufre, lo sanás” dice la canción Joga de Björk, y parece reducir, con sencillez, el vínculo primordial entre un hijo y su madre. Sin embargo, lo sabemos, las relaciones no son tan sencillas como las canciones.

Una madre y su hijo acaban de sufrir la muerte del padre de la familia. En algún momento el hijo aprendió que el dolor se paga con la enfermedad y la enfermedad con el aislamiento y desde entonces mantiene a su madre alejada de la realidad. Él cree que eso es lo mejor para ella. Ella, en cambio, pugna, sin fuerzas pero con insistencia, por salir.

La acción transcurre en el dormitorio que antes fuera del matrimonio: un papel tapiz raído y sucio, objetos que caen por su cuenta, paredes que truenan por dentro y una grieta que da cuenta de un derrumbe inminente. Algo se desmorona.

La puesta en escena indaga en los matices que tiene la sobreprotección a través de distintos gestos, tonos de voz, posturas del cuerpo y del vínculo simbiótico que se establece entre dos personas que solo se tienen mutuamente. La habitación del empapelado raído, los muebles viejos, las goteras y las hormigas hace las veces de cárcel casera custodiada por un hijo atento y afectuoso, pero no por eso algo machista y agresivo (si es que se puede hablar de violencia en términos graduales).

La canción que le da el nombre a este evento teatral también hace alusión a los “paisajes emocionales”; y este espectáculo nos ofrece un vasto avistamiento de los diferentes estados por los que una mujer, que es prisionera de sus recuerdos y de los psicofármacos, puede atravesar. Lourdes Invierno personifica con tanta naturalidad a la Madre que desdibuja su rol como actriz; la verosimilitud de su arte da la sensación que estuviera actuando de sí misma, cuando dista completamente de aquella mujer a personifica en escena. Por su parte, Julian Fuentes se desenvuelve con sumo profesionalismo y se vislumbra que tiene un gran talento por explorar y desarrollar.

Todo lo que nadie ve estará en cartelera hasta el 24 de noviembre en Vera Vera Teatro (Vera 108, barrio Villa Crespo) los viernes a las 21 hs. Las entradas tienen un costo de $200 –hay promoción para estudiantes y jubilados a $180– y se pueden reservar por la página de Alternativa Teatral.

Ficha técnico artística

Actúan: Julian Fuentes, Lourdes Invierno

Diseño de luces: Christian Gadea

Realización de escenografía: Federico Falasco

Realización de objetos: Lorena Pavesi

Fotografía: Gustavo Maggi

Diseño gráfico: Mariana Rovito

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Producción general: Carola Parra

Dirección de arte: Gustavo Maggi

Dramaturgia y dirección: Javier Rodríguez Cano

Funciones: viernes 21 hs.

Duración: 50 minutos

Lara Salinas

Crítica: Paterson, dirigida por Jim Jarmusch

La rutina de la vida, el día a día, el trabajo, el descanso, el amor y la poesía. Todo eso es Paterson, la última película del siempre original Jim Jarmusch.

Desde el nombre de su última ficción Jarmusch está jugando con la dualidad, ya que Paterson es el nombre del pueblo donde vive Paterson, el protagonista de la película, encarnado por Adam Driver quien es conductor de colectivo. Las repeticiones aquí no serán casualidad y se darán más a lo largo del film. De hecho, a base de repeticiones se construye la película. La vida de una persona normal, sin muchas complicaciones, con días simples y comunes, repetitivos como los de cualquier trabajador, son el eje principal de la historia: el despertador no suena, pero Paterson se despierta siempre a la misma hora; el camino al trabajo es siempre el mismo; la ruta del colectivo es igual todos los días; a la noche un rato de charla con su novia, el paseo con el perro, el bar y luego ir a dormir. Poco pareciera suceder en la vida de Paterson, pero él sabe observar lo cotidiano de una forma diferente, encuentra en lo usual una visión renovada, porque Paterson es un poeta, y la poesía se nutre de cualquier aspecto de la vida, hasta de lo que pareciera ser más sencillo y banal.

Durante esa rutina de la vida diaria, Paterson llena las hojas de su cuaderno con distintas poesías, reflexiones que hace de lo que le sucede. Una caja de fósforos se convierte en un poema de amor, la poesía de una niña en una profunda inspiración poética. Paterson siente en su interior esa necesidad que vive en los artistas de expresarse en un lenguaje propio, profundo, mientras el tiempo pasa y la vida sucede a su alrededor.

Jarmusch es un artista y su lenguaje el cine, con el cual nos transmite, de forma sutil y simple, esa segunda visión de la vida, esa visión más despierta e interesante, en la cual lo que se observa no es siempre igual, porque todo cambia, porque el tiempo corre, como las cascadas que se sienta a ver Paterson todos los días en el horario del almuerzo. Esta película transmite esa sensación, la de que todo lo que nos sucede es un acto mágico e inesperado del cual no conocemos nada y gracias al cual podemos conocer mucho de nosotros y del mundo. Paterson cree saber cómo serán los días, pero en la semana que vivimos con él, habrá pequeños cambios, inesperados, repentinos, mínimos que harán que se encuentre más consigo mismo.

Estamos ante una de las películas más sólidas del director norteamericano que sabe cómo mantener su originalidad y características personales más allá del éxito y reconocimiento internacional que ha tenido. Sabe cómo mantener su cine en una línea independiente y opuesta al cine convencional, pero no por eso es de difícil acceso al público. Es un director que no pretende y no defrauda, su cine es simple, directo, sobrio y claro y Paterson es uno de los mejores ejemplos de esto. Una película pasiva y silenciosa, bella en todos sus aspectos, gracias a la cual saldremos de la sala con una sensación de tranquilidad y paz.

9/10

Ian Quintana

Reseña: Vidé/la vuelta móvil

Cuando el público ingresa a la sala para ver Vidé/la vuelta móvil se encuentra con una puesta en escena diferente a lo convencional: el escenario se ha desplegado por la sala, separando las butacas de los espectadores, enfrentándolos y colocándolos en la ladera de un camino por el cual transitará la vida de un hombre que sólo tiene un deseo: morir en paz.
Ese hombre es el militar y dictador Jorge Rafael Videla.

En esta pieza el humor y lo dramático se mezclan para narrar uno de los temas más importantes y sensibles de la historia argentina: la dictadura cívico militar de 1976. De forma sutil pero directa esta obra escrita por Vicente Muleiro recorre la vida y muerte de Vidé(la) (Carlos Vignola) cuyo único deseo es morir de forma digna. Para lograrlo, recibe la ayuda, los consejos y las burlas de Biondi (Carlos March) un curioso personaje que funcionará como un espejo, por momentos idéntico, por otros opuesto, de aquel serio y severo militar. En el intercambio dialógico entre estos dos personajes, en las inteligentes frases directas e indirectas a hechos o personas de la década del 70, en el juego con el lenguaje y con las palabras reside lo esencial de la historia.

Pero no sólo el texto es notable en esta obra. La puesta en escena, realizada originalmente por Norman Briski, contiene una variedad de recursos que se despliegan lenta y paulatinamente con el fin de ubicarnos en el contexto al que hace referencia la historia. La infancia de Videla, su aprendizaje militar, su llegada al poder, la dictadura y hasta el instante previo de su muerte es narrado aquí con ayuda del vestuario y los elementos escenográficos, que se alejan del típico atrezo del teatro independiente por su calidad y cantidad. Carlos Mauch, quien también dirige la obra, es un camaleón que se adapta a las varias situaciones históricas, transformándose en distintos personajes con sólo modificar el tono de voz, el idioma o la posición del cuerpo. Se destaca su trabajo actoral por la versatilidad y la impecable manera de hacer viajar al público por múltiples personalidades frente a las cuales el general Videla se mostrará inmutable y serio, siempre respetando lo establecido. La variedad de recursos y la originalidad de la puesta en escena hacen de la obra una exquisita demostración de las posibilidades del teatro.

Una obra para no dejar pasar: todos sus elementos se conjugan de manera eficaz y clara; es simple y directa por momentos, compleja y profunda por otros; la velocidad de los diálogos y el dueto actoral completan este grotesco que recorre casi cincuenta años de historia argentina.

Ficha técnica

Autor: Vicente Muleiro
Elenco:
Vidé – Carlos Vignola
Biondi – Carlos March

Escenografía: Guillermo Bechthold
Vestuario: María Claudia Curetti
Maquillaje: Elena Sapino
Diseño original de luces: Norman Briski
Diseño sonoro: Daniel Giménez
Banda de sonido: Martín Pavlovsky
Operación de luces y sonido: Daniel Giménez
Asistencia de dirección y escenario: Agustina Barach – Guillermo Bechthold
Títere: Guillermo Bechthold
Voz en off: Eduardo Aliverti
Música de noticiero: Gastón Cordera
Diseño gráfico y fotografía de flyer: Martín Garrocho
Dirección: Carlos March (sobre la Puesta original de Norman Briski)

VIDÉ / LA VUELTA MÓVIL

Funciones – Viernes 10 y 17 de noviembre a las 21:30 hs.

Entradas: $200

Teatro El Alambique – Griveo 2350 (Villa Pueyrredón) – 4571-8140

Reservas en www.teatroelalambique.com

Más info en: www.facebook.com/vide.la.vuelta.movil

Twitter @alambiqueteatro / Instagram: elalambiquecultural

Ian Quintana

Reseña: La furia del volcán

En su segunda temporada teatral “La Furia del Volcán” escrita por Gerardo Grillea y Marina Munilla logran traer a escena una Ingrid Bergman en una faceta diferente de la actriz ganadora al Oscar en Hollywood, por Juana de Arco.

Un volcán en erupción y sus cenizas

La historia transcurre en la década del 1950. Relata la vida de una actriz famosa, de origen sueco, en el cenit de la fama, casada y con una hija, que decide dejarlo todo para juntarse con el director de cine italiano Roberto Rossellini. El nombre de la obra justamente se debe porque Rosellini e Ingrid filmaron en isla de Stromboli, y justo el volcán entró en erupción durante el rodaje.

La actriz Marina Munilla ha sido nominada en los ACE 2017 como revelación femenina. Marina encarna el personaje de Ingrid Bergman, contando los pormenores sobre los sufrimientos padecidos por su separación y el escándalo que levantó en la sociedad norteamericana al extremo de haber sido declarada persona no grata en EEUU, lo que la obligó a radicarse en Italia. Las acusaciones de mujer adúltera la llevaron a la lucha por la tenencia de su hija.

También la obra narra los vaivenes sentimentales de Ingrid Bergman junto a Rosellini y la ruptura de la relación en 1957 cuando terminan separándose.

La ambientación es la adecuada a la época, el vestuario es excelente, la dirección de Gerardo Grillea ha logrado una obra intensa de una trama consistente con un cuerpo actoral sólido de la protagonista y de todos quienes la acompañan.

Una obra que se vale de herramientas digitales para traer imágenes reales de la actriz que para aquellos que no la conocen permite dar una visión más acabada de la historia y para quienes la hemos vista una y otra vez en Casa Blanca, con esa mirada tan particular, que cautivo a Hitcock, nos iremos del teatro envueltos en esa magia de cine de oro hollywoodense, habiendo conocido el detrás de cámara, sobre los padecimientos de una mujer que fue una defensora de sus derechos en una época donde cruzar la línea se pagaba con un costo muy alto.

Temporada 2017

Sábados 20 hs

Teatro No Avestruz.

Dirección: Humboldt 1857. Palermo

Reservas al: 4777 6956 – reservas@noavestruz.com.ar

Reservas y compra online: www.noavestruz.com.ar/reservas

Localidades: $190 General y $160 est. y jub

Facebook: www.facebook.com/lafuriadelvolcan

Twitter:@furiadelvolcan

Ficha artístico técnica:
Elenco: (Por orden de aparición)

Marina Munilla / Patricia Giovetti / Roberto Mauri / Gabriela Granda / Mariano Gómez Kotiuk / Matias Rodríguez Davila / Azul Badino Buono / Rubén Otero / Mirella Calentino.

Escenografía: Claudio Hanczyc / Voz en off: Pablo Gandolfo / Maquillaje: Adriana Alamos / Edición de videos: Álvaro Martínez Rota / Animación y diseño gráfico: Bruno Ravaglia / Fotografía: Valentina Gómez Kempel / Prensa & Difusión: Simkin & Franco / Asistente de Dirección: Yamille Martínez / Dramaturgia: Marina Munilla – Gerardo Grillea / Dirección: Gerardo Grillea

Diana Decunto

Teatro: Crisis, de Flor Berthold

Pocas horas para la muerte de un padre provocan tormentas donde los personajes navegan en un mar encrespado de «crisis» y demuestren como navegar para alejarse de la tormenta.

El fallecimiento del padre de Omar es inminente. Ana, es su pareja. Ambos han viajado para que Omar pueda tener la oportunidad de visitar y despedirse de su padre.

En la tranquilidad de ese lugar, aflora «la crisis» de pareja. A esa crisis, se suma la de Omar con su hermano Davi porque se echan culpas mutuas y en realidad ninguno de los dos puede afrontar la muerte de su padre.

Por otro lado, se muestran sentimientos confundidos o no, entre la cuñada Ana y Davi.

Lucia, una hija adolescente de Omar con su ex, Marcia. La trama cuenta como Lucia estaba alejada de su padre por un hecho turbio del pasado aparentemente inventado por Marcia y a esa crisis agregamos la crisis de una madre, Marcia, obsesivamente controladora sobre su hija.

La escritora Flor Berthold va regando estas semillas de crisis en la obra, en algunos casos de a poco y en otros como una enredadera se desborda.

Santiago Fondevila es el actor que encarna al personaje de Omar muestra como se hunde y emerge del momento de crisis, en una interpretación muy creíble.

Lo acompaña en el personaje de Ana, la actriz Florencia Benitez, quien en la ficciòn trata de insinuar un rol de moderaciòn ante la crisis y termina desbarrancando, en una excelente interpretación.

Guillermo Berthold es el actor que hace de Davi, ese hermano que enfrenta todo el tiempo a Omar, resaltando todo el tiempo lo negativo que ve de èl. Es un papel muy creible

Bianca Brandimarte interpreta el persona adolescente, en un papel difícil, en donde encarna el personaje que debe tratar de navegar en un mundo de adultos donde ella es vulnerable con un entorno que intenta protegerla y a su vez la lastima.

Y por último, Cecilia Bassano encarna a Marcia, la ex. Marcia se encuentra en un congreso y vía Skype se comunica con su hija Lucia. Es muy interesante la propuesta porque de alguna manera deja abierta la brecha para discutir sobre la crisis comunicacional entre las personas y si ahondamos en el tema sobre el dialogo en el seno familiar.

Recomendamos esta obra donde las crisis son excelentes muestras de desafío teatral. La directora Flor Berthold le ha querido imprimir una marca propia de dinamismo a la obra, lograndolo. Donde las crisis no son lacrimogenas sino mechadas de humor, se caen y se rearman, las hay de todos los gustos,, dulces y saladas. Donde el mensaje final si se quiere es que mientras exista el amor, esas crisis pueden ser oportunidades para reafirmar los vínculos afectivos.

El nombre del teatro El grito se encuentra en Costa Rica 5459 en Palermo, saliendo del circulo tradicional de teatros y con una casa hermosamente ambientada con esculturas, cuadros en un formato antiguo, logrando en el espectador que una noche de teatro, en esta primavera, se torne en una salida de placer para el alma y los sentidos.

Ficha Técnica:

Estreno: viernes 13 de octubre

Funciones: viernes, 22:30 hs. (hasta el 15 de diciembre)
El viernes 27/10 no habrá función.

Lugar: Teatro El Grito (Costa Rica 5459, CABA)

Entrada: $200 | Descuento jubilados y estudiantes: $160

Reservas: 4989-2620 | Alternativateatral

Duración: 60 min.

Ficha técnica

Elenco:

Santiago Fondevila – Omar, el papá
Florencia Benítez – Ana, su mujer
Guillermo Berthold – Davi, su hermano
Bianca Brandimarte – Lucía, su hija
Cecilia Bassano – Marcia, su ex
Diseño de escenografía: Magali Acha
Diseño de vestuario: Facundo Veiras
Diseño de iluminación: Patricio Pérez
Asistente de escenografía: Vanessa Giraldo
Realización de escenografía: Realizaciones Bravas
Fotografía y diseño gráfico: Queli Berthold
Edición de sonido: Emilio Zinerón
Asesoramiento técnico: Rocco Brandimarte

Prensa: OCTAVIA Comunicación
Asistente de dirección: Emilio Zinerón
Dramaturgia y Dirección: Flor Berthold

Diana Decunto

Crítica: La villana (The villainess)

No es algo típico que nuestros cines estrenen de forma comercial un film proveniente de corea del sur , no hace mucho se estrenó el film Invasión zombie (Train to Busan) , su sorpresivo éxito ha permitido que lleguen a nuestras cartelera otras cintas del país surcoreano, como la película en cuestión.

Desde niña, Sook-Hee ha sido entrenada para convertirse en una asesina. Luego de la muerte de su mentor, Sook-Hee es reclutada por Madame Kwon, la jefa del servicio de información de Corea del Sur, para ser agente del gobierno. «Danos diez años de tu vida y tendrás tu libertad». Su nueva identidad es Chae Yeon-Soo, una actriz de teatro de 27 años. Con esa promesa, Sook-Hee emprende una nueva vida. Para una mujer que ha vivido como asesina, llevar una existencia normal no resulta una tarea sencilla. Pero cuando dos hombres entran en su vida, los secretos de su pasado serán desvelados y Sook-Hee se ve obligada a tomar cartas en el asunto.

Una secuencia inicial que nos muestra a su protagonista realizando un asesinato masivo , visto desde la percepción de Sook Hee, como si estuviéramos dentro de un videojuego nos muestran la intensidad con la que se va a desarrollar la cinta. Luego de la masacre y tanta sangre , la película se va a hacia lo dramático , está mujer es reclutada por una agencia para cumplir misiones secretas, a cambio de ofrecerle en un futuro no muy lejano, una vida normal junto a su hija. Ella quiere tener una vida normal , a su vez los fantasmas del pasado la atormentan y tiene la difícil tarea de tomar una decisión sobre lo que quiere para su futuro.

Las escenas de acción se ven muy bien logradas y medidas en momentos determinados que la trama lo requiere , ya que la cinta se toma su tiempo para rememorar la vida de la protagonista. Quizá puede ser que la cinta se vuelva algo extensa tratando de explicar todo el pasado de Sook Hee, sobre cómo han marcado su vida las pérdidas de seres queridos a raíz de la violencia. Al final todo tiene un sentido, la acción se desata de forma intensa hacia el final asemejándose a la escencia y el mensaje que deja desde un principio.

El trabajo de dirección a cargo de Jung Byung-Gil denota calidad y precisión desde los aspectos visuales y el uso de la cámara en las escenas de violencia. El director encuentra una forma en que el movimiento de la cámara , montado de forma secuencial, pueda seguir la acción en primera persona , añadiéndole intensidad a las escenas y sin saturarse de ese recurso.

La villana es una película atípica que llega a nuestra cartelera , sin ser producto Hollywood ni tener actores reconocidos (Al menos en nuestro país ) es una cinta muy interesante para ver en los cines si a alguno le llega a llamar la atención. Correctas actuaciones , una trama cargada de violencia y drama, hacen de este film un digno y distinto entretenimiento que pronto llegará a nuestra cartelera.

Nota 8/10

FICHA TÉCNICA:
 
Título original: Ak-Nyeoaka
Título en inglés: The Villainess
Director: Jung Byung-Gil
Guion: Jung Byung-Gil
Música: Koo Ja-Wan
Fotografía: Park Jung-Hun
Productora: Next Entertainment World
 
Género: Thriller / Acción
Año: 2017
Duración: 143 min.
País: Corea del Sur
 
Distribuye: Energía

Estreno Argentina : 23 de noviembre.

Reseña: La casa esconde

En un espacio poco convencional lleno de cajas y muebles embalados transcurre “La casa esconde” una historia sobre el duelo y las muy queridas herencias que un padre deja atrás luego de su muerte. Cada uno de sus hijos buscará la manera de beneficiarse de aquella casa de la infancia que quedó en el aire sin saber que hay algo más allá de los papeles legales.

La casa esconde es un juego actoral donde los intérpretes se ponen al servicio de encarnar múltiples personajes. La trama principal gira en torno a la disputa por una casa como única herencia que un padre deja a sus hijos. Los espectadores conviven con los actores dentro del espacio en que éstos de baten a duelo. La proximidad involucra al espectador proponiéndole un punto de vista particular, como si se tratara de planos cinematográficos. Como en un viaje onírico, serán testigos de las transformaciones que los actores, siempre en escena, sufrirán al mutar de personaje como si cambiaran de piel.

Con 4 actores en escena “la casa esconde” logra narrar esta historia con más de 4 personajes poniendo en juego la capacidad de sus actores para transformarse tal cual camaleón frente a nuestros ojos. El espacio más largo que ancho hace que en cada butaca se cuente una historia distinta, así que vale la pena ir más de una vez para percibir las distintas formas de leer la obra.

Mientras transcurre la obra más secretos se van revelando y vale la pena saber cuales son.

Ficha técnica

Actores: María Milessi, Julieta Halac, Luis Gritti y Santiago Fondevila

Dirección: Miguel Israilevich

Asistencia de dirección: Diego Torben

Dramaturgia: Miguel Israilevich, Julieta Halac, Luis Gritti, Santiago Fondevila y Carla Pandolfi

Diseño de vestuario y escenografía: Isabel Gual

Diseño de iluminación: Sandra Grossi

Diseño gráfico: Miguel Israilevich

Domingos 19hs

El Camarín de las Musas
Mario Bravo 960

Vídeo

Good Time: Viviendo al límite. Estreno 14 de diciembre

El film protagonizado por Robert Pattinson y dirigido por Benny Safdie y Josh Safdie se estrena el 14 de diciembre en los cines de Argentina

Sinopsis: Después de que el robo chapucero de un banco acabe con su hermano pequeño en prisión, Constantine Nikas (Robert Pattinson) se embarca en una odisea a través del mundo subterráneo de la ciudad de Nueva York en un intento, tan desesperado como peligroso, por conseguir el dinero de la fianza para poder sacarlo de la cárcel.

Ficha técnica

Reparto: Robert Pattinson, Benny Safdie, Jennifer Jason Leigh, Taliah Webster.

Director: Benny Safdie, Josh Safdie.

País de Origen: USA

Productor: CDC

Festival Internacional de Cine de Cannes 2017:

International Cinephile Society Awards.

Mejor Actor: Robert Pattinson. Prix du Jury: Benny Safdie, Josh Safdie

Distribución : BDF ARGENTINA

Trailer

Reseña: Como si pasara un tren

Lo que se cuenta es simple: un adolescente con retraso madurativo, vive con su madre sobreprotectora, en un pueblito alejado de la capital, sin internet, ni televisión. Una sobrina adolescente entrará en la vida de esa madre con su hijo, y todos cambiarán.

Sabremos que Susana, la madre sobreprotectora, cría a su hijo sola y con mucho esfuerzo, ya que el padre de Juan los abandonó. Vemos a una mujer sólida, dura, estoica, nada sobra en esa casa sin faltar nada de lo importante. Conoceremos que Valeria, la sobrina adolescente, llegará a esa casa castigada por su madre (la hermana de Susana), porque le descubrió un cigarrillo de marihuana. Valeria estudia para ingresar a la facultad, posee una rebeldía tierna,
propia de su edad, quiere y respeta a su tía y a su primo. Fue enviada a su tía “del campo”, como castigo.
Descubriremos que Juan, también adolescente, es un niño grande, tierno y caprichoso, dulce y pletórico de su mundo, el de sus trenes, el juego que lo apasiona. Y ama a su madre, su dios protector, dios de tiránica ternura.

Lo que presenciaremos es como ese elemento catalizador, que es Valeria, ese tercero distinto, extraño, moviliza el capullo/mundo de la relación madre/hijo, interviene en esa simbiosis que brinda seguridad pero impide crecer, en un mundo sin nuevos desafíos. Primero surge el mutuo descubrimiento, la sorpresa,
la curiosidad ante mundos tan disímiles.Luego vendrá el rechazo, el límite, hasta que la lenta aceptación de aquello diferente subyugue con su encanto. Ésto se impondrá a los tres y los sorprenderá.

La escena coreografiada del baile que realizan Valeria y Juan, refleja la frescura del afán de descubrirse y compartir, la sensualidad de lo diferente, la alegría de construir algo juntos y verlo crecer, el juego.
Los tres descubrirán que el propio mundo, sin el contacto de otros mundos ajenos, es estable pero pequeño, asigna razón de ser pero llena de miedos. Comprenden que nada hay mas preciado que la libertad y la confianza de los otros en ti. Y la fe en uno mismo.

Las actuaciones sostienen la historia y le dan atractivo. Sobresale el trabajo de Guido Botto Fiora como Juan: minucioso, lábil e intenso. La escenografía de Isabel Gual: el comedor de una casa modesta, desplegado como una estación de trenes, resulta un hallazgo.
La dramaturgia y dirección de Lorena Romanin, bien escrita y mejor dirigida.

Ficha técnica:

Elenco: Silvia Villazur, Guido Botto Fiora y Luciana Grasso

Escenografía y vestuario: Isabel Gual (Laisa Wall)

Realización escenografía: Estudio WERKPLATZ

Coreografía: Juan Branca

Diseño de iluminación: Damián Monzón

Diseño gráfico: Fermín Vissio

Fotos: Male&Dapa fotos – Diego Mares

Producción: Casandra Velázquez | Puja Producciones

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Asistencia de dirección: Mariano Mandetta

Dramaturgia y dirección: Lorena Romanin

Funciones: sábados y domingos 20 hs. hasta el 17 de diciembre.

Duración: 70 minutos.

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS

Mario Bravo 960. Reservas: 4862-0655.

http://www.elcamarindelasmusas.com/

Entradas: $ 250, $ 200 (estudiantes y jubilados con acreditación) y $ 150 (menores de 30 años presentando DNI).

A. R. BELANO

Crítica: Yo no duermo la siesta

A Natalí la llevan a pasar el día a casa de su vecina Rita para resguardarla del difícil momento que se está viviendo en su casa con su madre enferma. Sin embargo, en la casa de Rita, la cosas tampoco están como se esperaba. Estás niñas vecinas atravesarán las horas de la siesta dejándonos espiar su singular universo e ir encontrando las piezas que nos harán comprender por qué ese día no será igual a ningún otro.

Dorita es la empleada de una humilde casa situada en algún pueblo cuyos acentos remiten a tonos correntinos, una casa en la cuál se desempeña en múltiples tareas para llevar adelante el hogar, ella es la cocinera, niñera, cuidadora de Aníbal, el hermano de la dueña de casa el cuál padece un trastorno neurológico, y claro, también de la limpieza. Como si esto le fuera poco, anda con mal de amores.

Es un día muy caluroso, Hila se fue a trabajar, y luego del almuerzo, Dorita quiere que todos descansen un poco y duerman la siesta, pero Natalí no comparte esa costumbre, y sus travesuras acompañadas por Rita, que la consciente en todo porque sabe que está pasando un difícil momento familiar, harán que nadie logre descansar.

El universo infantil que las acompaña, hace que todo se transforme en un caos, Aníbal luego de un ataque de nervios, se trepa a un árbol, los juegos de videoclips telenovelescos arrebatan la limpieza, también un perro muerto y una moto que no arranca son parte de este territorio, al cuál se suma el hijo de Cacho, que arrepentido y dispuesto cambiar, con la ayuda de las niñas, reclama por el amor de Dori y harán que ella tome una decisión.

Una historia atravesada por el cruce del mundo adulto con el de la infancia, vínculos que trascienden las edades, en una línea que se acerca al realismo costumbrista, con un toque de humor fresco.

Una dirección impecable, sensible, poética y llena de detalles, con imágenes que trascienden lo visual y actuaciones muy bien logradas que consiguen que todo encastre perfectamente y el espectador se sienta parte de ese mundo impredecible.

Ficha técnica

Actúan: Mauro Álvarez, Agustina Cabo/Laura Grandinetti, Sandra Grandinetti,

Luciana Grasso, María Marull y Marcelo Pozzi

Escenografía: Alicia Leloutre y José Escobar

Iluminación: Matías Sendón

Vestuario: Jam Monti

Foto y diseño gráfico: Natalia Milazzo

Fotografías de escena: Sebastián Arpesella

Sonido: Micaela Vilanova

Coreografía y colaboración creativa: Silvia Gómez Giusto

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Asistente general: Lara Todeschini y Javier Torres Dowdall

Supervisión dramatúrgica: Javier Daulte

Dramaturgia y dirección: Paula Marull

Reestreno tercera temporada: 15 de marzo de 2017

Funciones: miércoles 21 hs.

Duración: 65 minutos

Espacio Callejón

Humahuaca 3759

Teléfono: 4862-1167

Reservas y compra de entradas: www.alternativateatral.com

Valor de la entrada: $200 / $ 180 (descuentos a estudiantes y jubilados).

Venta anticipada: 2 x $ 360.

Julieta Ale