Archivos Mensuales: mayo 2019

Reseña: 3 (tres) ESTRELLAS

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En la Botica del Ángel,  el viernes 17 de mayo a las 21 hs, la cantante Silvia Miriam junto al maestro Luis Carniglia,  le rindieron un homenaje a las cantantes Violeta Rivas, María Martha Serra Lima y  Estela Raval.

Importante la aclaración, que no es una imitación, sino rendirles tributo, recordando sus éxitos y  las melodías que las llevaron a la fama.

En la presentación del espectáculo, estuvo José Luis, quien es el responsable de acompañar en las visitas guiadas por el Museo de la Botica del Ángel, para conocer un lugar emblemático de Buenos Aires y recorrer los salones diseñados por el buen gusto de un artista, como fue, es y será el  señor Bergara Leumann, con salas para deslumbrarse con obras plásticas de Antonio Berni, Carlos Gorriarena, Guillermo Roux, Raúl Soldi, con el sector “La Nave” y “Pasillo Di Tella”, para sumergirse en los pensamientos y vivencias de los años ’60.

El registro de voz de Silvia Miriam, muy límpido, nunca había tenido la oportunidad de escucharla. Me pegó mucho, una voz magnífica con el carisma y el tono vocal adecuado, para homenajear a estas tres mujeres, tres diosas,  exponentes de la canción romántica que brillaron entre los años ’60 y 2005.

La selección de canciones que marcaron época como Que suerte que esta noche voy a verte, de Violeta Rivas, cantante participante del Club Clan y con un matrimonio legendario Violeta Rivas – Nestor Fabián. Tarareando el público, Mi romance sólo fue de papel…

El espectáculo avanzó recordando los long play, esos discos que se escuchaban en el tocadiscos winconfon, con púas y pastillas con 6 temas de cada lado.

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Donde Silvia Miriam con su voz, ofició de embajadora, de una mujer y artista como María Martha Serra Lima, con un clásico como puede ser Como toda Mujer: …soy la guerra y la paz….

 El ciclo se cerró con Estela Raval, recordada como una joven, que se inició a los 12 años,  criada en Ciudadela, en sus comienzos en los Cuatro Bemoles donde luego pasaron a ser los famosos Cinco Latinos.

Michael Rostain, un director musical lírico, francés, dijo “lo que se recuerda siempre vive, nunca muere”.

En cada canción, excelentemente interpretada, con la voz y la emoción de Silvia Miriam,  es volver a traer a escena a estas tres leyendas, donde el público se reencuentra con los artistas, con el amor y la nostalgia. Una noche para vestirse de romanticismo. Que se hizo posible gracias a Luis Carniglia y Silvia Miriam, que prometen volver, por más, en futuras presentaciones.

Reseña: Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

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Crítica: El sol también es una estrella.

Por Daniel Alvarez

El cine dirigido hacia el público adolescente, pasó por una época en el que se realizaban adaptaciones de novelas de ciencia ficción hasta el hartazgo. Este género se fue apagando de a poco a medida que llegaban films con una calidad cuestionable, y que tampoco resultaban rentables en la taquilla. Este tipo de cine tomó un nuevo rumbo, el de adaptar dramas adolescentes, en la que hemos tenido cintas interesantes como Extraordinario, Las ventajas de ser invisible, entre otros. Lamentablemente ya se está sintiendo aquel abuso al género, donde hemos tenido bazofias como After o Cada día, solo siendo llamativas para un número reducido de espectadores, los lectores de los libros. El sol también es una estrella es una película que llega callada dentro de este género, y si bien puede resultar algo fantasiosa e inverosímil, se coloca como un film entretenido y con un interesante punto de vista sobre el tema de la inmigración.

La protagonista pertenece a una familia proveniente de Jamaica, debido a una redada aleatoria que se hizo en el bar donde trabaja su padre, deberán abandonar los estados unidos por encontrarse viviendo ilegalmente. Ya su familia resignada a tener que irse a su hogar, ella busca hasta el último recurso para quedarse, y es en el camino donde se encuentra con un chico surcoreano, con el que tendrá un fugaz romance. Quizá el punto flaco de la historia, es la forma en que se lleva a cabo esta historia de amor, tomando como excusas las casualidades y el destino para su encuentro, y que por ello deben estar juntos. Aún así su recorrido es interesante, ya que todo sucede en un solo día y logran dar un correcto desarrollo a los personajes.

Los protagonistas Yara Shahidi (Black-ish) y Charles Melton (Riverdale) están correctos en sus papeles, aunque obviamente caen en los clichés de su guión, pero a pesar de todo existe química entre los personajes , haciendo creíble su relación, más allá de la fantasía.

El sol también es una estrella es una película correcta y entretenida, que para ser dirigida al público juvenil, está muy bien lograda en comparación a los últimos estrenos dentro de este subgénero de dramas adolescentes. Mantiene un planteo interesante sobre el tema de la inmigración, aunque no se les escapan los diálogos lleno de clichés y situaciones un tanto inverosímiles. Es una película que que denota carisma desde su sencillez, aunque no esté abierto a todo el público.

Calificación 6.5/10

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Crítica: Ausencia de mí

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En el Cine Cosmos, todavía tienen la oportunidad de ver esta documental sobre la vida del cantante uruguayo Zitarrosa, bajo la dirección de Melina Terribili.

En mi caso, tocó fibras muy íntimas, porque Zitarrosa, está asociado a gustos de seres queridos que ya no están, pero quiero ocuparme de Zitarrosa, el artista.

Me impresionó, porque se está armando un museo de Zitarrosa, producto de la recopilación de todo lo que el cantautor uruguayo dejó. Acá me gustaría reflexionar, sobre la muerte de un artista, si bien aplica ese refrán, que dice que no se puede llevar nada a la tumba, es impresionante todo lo que un artista puede dejar. En la documental, se muestra como se apilan cajas y cajas, de libros, cassettes, long play, componía en cualquier hoja suelta. Tengamos en cuenta que es material tiene más de 40 años, data de la década 1980, Zitarrosa murió en 1989, las hijas con toda la emoción posible, están recopilando todo este material que es desempolvado con guantes de látex, para no dañarlo. Las hojas están amarillentas.

La segunda tristeza que produce la película, es la muerte de un poeta y cantante tan joven. Fallece a los 52 años de edad. Da la sensación a partir de lo que cuenta la documental que murió de tristeza, es como una vida trunca, un alma sensible que no soporto los fuertes vientos de esta América Latina. Según la documental, nunca llegó a aceptar el exilio, todos los días sentía el haberse ausentado del paisito. Pero también es verdad que luego volver no fue simple, tal vez un idealista, que no encontró lo que buscaba. La segunda reflexión es que el artista es un ser humano de carne y hueso, con lo cual es lógico que tenga ideas políticas, pero la sensibilidad especial que lo reconoce como artista, le juega en contra al momento de vivir en el día a día, al enfrentar la dura realidad.

Como film, es una excelente realización, impresiona el montaje, porque son todas grabaciones con la voz de Zitarrosa, que han sido recopiladas, para armar un argumento documental, que en Zitarrosa, tal vez esté la conjunción de mucha gente, que ha sufrido el mismo castigo, que en definitiva, el pecado original fue pensar distinto.

En el film participan las hijas, que dan testimonio de su padre y como público da la impresión que esas hijas recién ahora están tomando conciencia de todo el legado que les dejo su padre.

Me parece interesante la propuesta, porque es visto un momento histórico desde el lado humano de la problemática.

Para cerrar la nota, la ausencia está, la Ausencia de él. No puedo evitar dejar de pensar que si las realidades hubiesen sido otras, el pentagrama se seguiría llenando de notas musicales y seguiríamos escuchando las canciones del juglar.

Si les interesa, pueden acceder a este link, donde accederán a una entrevista con la di5ectora del film, en la revista digital Escrbiendocine. http://www.escribiendocine.com/entrevista/0015918-melina-terribili-el-incaa-ha-privado-al-documental-de-una-igualdad-de-condicion-frente-a-la-ficcion/

Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

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Reseña: Las cosas de Mabel

En el teatro Beckett, los jueves a las 21 hs, ocho únicas funciones de Las cosas de Mabel, una obra con dramaturgia y dirección de Cecilia Meijide.

El público se puede ir satisfecho de ver una obra, por varias razones. Me puse a elucubrar luego de la despedida de los actores, que en realidad, el motivo de que una obra nos guste o no, puede depender del desenlace, el desentramado final, como que estamos sentados viendo contar una historia, pero el único mérito radica en las últimas escenas que definen las decisiones y hechos que fueron aconteciendo.

En cambio hay otras obras, en las que incluiría Las cosas de Mabel, que son mis predilectas, las que a medida que avanza la obra, el argumento las va haciendo más atractivas y donde el elenco puede ir desnudando a los personajes y el autor tiene la oportunidad de profundizar el mensaje.

Las cosas de Mabel, la actriz Rosario Varela, una joven, que magistralmente tiene adherida a la piel, al personaje. Es maravilloso, desde lo físico, la voz, los gestos, de una mujer de arriba de 80 años, la cual habla todo el tiempo, las palabras se le escapan hasta por los codos, y que transcurre su vejez, con Iván, el enfermero, que la acompaña, que la escucha, con el cual hace sus sesiones diarias de kinesiología.

Esta mujer, está viuda la cual tiene un hijo. No ha tenido suerte con Fabián, es una oveja descarriada, a la cual Mabel, sabe que tiene problemitas, pero lo ama porque es su hijo. Al cual le perdona el descuido afectivo, no viniendo a visitarla. Se lleva cosas sin preguntarle. Además a esta señora que ya le pasó su cuarto de hora, no la engañan fácilmente, está de vuelta de todo y de todos, habla y habla, pero cuando le conviene, sabe escuchar.

La actriz Rosario Varela, comparte escena con los actores Nacho Bozzolo e Ignacio Torres. Es un logro en la obra, ese grado de compañerismo, producto de vivir juntos, tantas horas, que se da entre Mabel y el enfermero. De un lado, Iván, el cuidador que lejos está de ser Fabiancito, el hijo egoísta de Mabel. Excelentemente lograda la atmósfera, no vamos a contar más, pero la actriz le da mucha humanidad al personaje, el público disfruta con una mujer, que los músculos son los que a veces fallan, pero todavía piensa y razona. Sufre, por un hijo, Fabiancito, que le gustaría que sea más parecido a Iván, su cuidador, por lo inocente, porque la acompaña y trata de escucharla.

La historia sigue, la recomendamos porque cuenta con simpleza, lo que no es fácil de narrar, como es el paso de los años,el abandono, los amores como un recuerdo juvenil.

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La obra terminará y Mabel con sus achaques físicos, pero con un espíritu joven, en un tono casi de comedia, producirá en el público disfrute y adoraremos a Mabel, deseándole salud y plenitud por muchos años más.

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

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NOS4A2, la nueva apuesta del terror de AMC llega a la pantalla chica el 3 de junio a las 22

“NOS4A2” [Nosferatu]-, serie de terror sobrenatural basada en el best seller homónimo de Joe Hill, estrenará el lunes 3 de junio a las 22h. La serie está protagonizada por el actor y productor nominado a los Emmy®, Zachary Quinto (Star Trek, “American Horror Story”), y la estrella en ascenso Ashleigh Cummings (The Goldfinch, Hounds of Love). La directora nominada a los Emmy®, Kari Skogland («The Handmaid’s tale», «Hijos de la libertad») dirigió los dos primeros episodios de una hora de duración.

Quinto encarnará a Charlie Manx, un seductor inmortal que se alimenta de las almas de los niños y luego deposita lo que queda de ellos en Christmasland, un retorcido pueblo navideño creado por su imaginación, donde todos los días es Navidad y la infelicidad es ilegal. Pero Manx ve su mundo amenazado cuando una joven (Cummings) en Nueva Inglaterra descubre que tiene una peligrosa habilidad.
Cummings interpreta a Vic McQueen, una joven artista cuya creatividad despierta una habilidad sobrenatural para rastrear a Charlie Manx. Lo que a Vic le falta en confianza social, lo compensa con valentía, humor y agilidad. A lo largo de la serie ella se esforzará por derrotar a Manx y rescatar a sus víctimas sin perder la cabeza o convertirse en una de ellas.

“NOS4A2” es producido por AMC Studios en asociación con Tornante Television. La serie es una producción ejecutiva de Joe Hill, Jami O’Brien («Fear The Walking Dead», «Hell On Wheels»), quien creó el programa para televisión y actuará como showrunner, y Lauren Corrao, copresidente de Tornante Television. El reparto también incluye a Olafur Darri Olafsson («Lady Dynamite») como Bing Partridge, Virginia Kull («The Looming Tower») como Linda McQueen, Ebon Moss-Bachrach («The Punisher») como Chris McQueen y Jahkara Smith (alias Sailor J) como Maggie Leigh.

Sobre el Canal AMC
Las narrativas originales y excepcionales valores de producción han sido por años los pilares del éxito de AMC a nivel mundial. En los últimos tiempos, la señal insignia de AMC Networks se ha forjado una enorme reputación como la creadora de algunas de las producciones más originales, exitosas y comentadas de la televisión contemporánea comoBreaking Bad, Mad Men y The Walking Dead, títulos que verdaderamente han redefinido la forma de contar historias en la TV por cable y satelital. Con Fear the Walking Dead,el canal refuerza su imagen de innovación y calidad y cumple su promesa de ofrecer al mercado latinoamericano las grandes producciones que le han ganado fama a nivel internacional.

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Análisis: The Sword Of Ditto para Nintendo Switch

Por Daniel Alvarez

Devolver Digital nos traen un título para Nintendo Switch que claramente nos hace recordar a los primeros juegos de Zelda. Si bien son obvias las referencias, desde el vamos el juego comienza con un chico despertando y con una misión para salvar su mundo, este tiene sus giros y su encanto propio. Tenemos muchas horas por delante para derrotar a la Bruja Mormo, así que a aprovechar esta encantadora aventura al máximo.

El juego nos habla de una leyenda, de un personaje llamado «La espada de Ditto» alguien que es capaz de forjar la famosa espada para derrotar al mal. Justamente una bruja malvada es la toma posesión del lugar y los somete a una vida de decadencia durante 100 años. El primer tramo del juego nos presenta a una espada de Ditto, quien se sumerge en la aventura de derrotar a la bruja, pero lamentablemente muere. 100 años después , nos encontramos ante el último Espada, que debe prepararse bien para cumplir con la misión y no terminar como el anterior, y es ahí cuando comienza nuestra aventura.

Estamos ante un juego del género RPG, pero también combina con la aventura a través de mazmorras y derrotar enemigos para adquirir habilidades y avanzar en la historia. Existe algo particular en el juego, ya que al morir, debes iniciar otra vez la partida, en la que aparecen cambios en los mapas y en la jugabilidad, manteniendo una dificultad que resulta constante, pero que tampoco llega a frustrar.

Cada una de las mazmorras van planteando puzzles que deben ser resuelto con un elemento, que vienen acompañados de enemigos. El título puede jugarse con tres niveles de dificultad (Fácil, normal, difícil) aspecto que permite al jugador ajustarse al tipo de desafío que quiere someterse, ya que es un juego desafiante. Su jugabilidad contrareloj hace que sea necesaria la experiencia para poder pasar el juego, que aunque es relativamente corto, debes morir para poder superarlo.

El apartado visual es colorido y muy bien logrado desde la perspectiva visual que han tenido juegos como Zelda A Link To The Past hasta su aspecto roguelike que lo hace característico. A diferencia de Zelda, su mundo es mucho más animado, con ciertas semejanzas a cartoons como Steven universe o tal vez Hora de aventura, así mismo, mantiene un colorido que le da una identidad propia al juego, con una historia ajustada en tiempos pero con mucha profundidad para su desarrollo. El apartado sonoro también resulta muy bello y que combina muy bien la relación entre lo clásico y moderno.

Uno de los aspectos que también se destacan en este juego, el la posibilidad de jugar en cooperativo local, algo que se encuentra muy bien logrado, y que si tienen con quién pasar un buen rato jugando, la experiencia es más que entretenida, sin perjudicar la narrativa del juego. Este título anteriormente ha sido lanzado para PC y PS4, siendo lanzado para Nintendo Switch, en donde prevalece la posibilidad del juego en modo portátil, modo en el que llega a lucirse en muchos aspectos.

The Sword Of Ditto es más que un juego inspirado en Zelda, y si bien son muy claras sus referencias, este título logra dar una identidad propia y un entretenimiento puro, que es lo que lo hace destacar. Toca jugar, morir, dejar pasar 100 años y volver a intentar. Su jugabilidad es desafiante, pero logra mantenernos enganchado con sus cambios y progreso, y cuyo objetivo de derrotar a la bruja Mormo, resulta sumamente satisfactorio.

Calificación: 8.5/10

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Crítica: Ugly Dolls

Por Rodrigo F. Ruiz.

UglyDolls- ¡Que vivan los feos!


En toda película para niños siempre me llama la atención lo que los grandes estudios norteamericanos suponen que es mostrable y lo que no. En este género tan particular donde conviven los recortes que rozan la censura, UgglyDolls es un caso más aunque con algunas particularidades.
La película trata sobre el deseo de un juguete rechazado/defectuoso por convertirse en un objeto de consumo,o en otras palabras por convertirse en el juguete de alguien. El mercado, la compra y la venta serán omitidas en la película, aquí primará la elipsis cuando el hecho, la consumación del deseo se concrete.
En lo que sí, la película hará énfasis en mostrar es en el proceso de formación y tormento por el cual la protagonista debe pasar para convertirse en el juguete de alguien. Es significativo el hecho que en la mayor parte de la película se resalta la tenacidad de Moxy ( la protagonista, el juguete feo) por adecuarse a las reglas de un sistema totalitario y penitente. Podemos decir que la película plantea la problemática de la vida en una sociedad donde a todo ser (u objeto en este caso) se le exige venderse y mostrarse como en una vitrina de supermercado. Y la película nos lo cuenta desde los excluidos de este sistema, desde los juguetes rechazados, lo hace de una forma en donde no encuentra alternativas o ni siquiera las plantea, es más, la película realiza un festejo de la tenacidad de los excluidos para enfrentar a las exigencias absurdas que le presenta el sistema, sin contradecirlas. Los personajes obedecerán hasta el absurdo; su único dolor y el nuestro como espectadores será cuando se enteren que nunca tuvieron chances reales de ser comprados por alguien.
Ahora, fuera de la crítica ideológica, en la cual UglyDolls es similar a todas las películas que pertenecen a este particular género ( aunque por lo menos Buzz Lightyear tomaba consciencia de ser un producto), el problema de Ugly Dolls en mi humilde opinión es su realización en general. Si podemos tomar casos similares en donde la realización, la épica, el humor remediaban carencias éticas de los filmes, esta no es el caso. Ugly Dolls contiene un conjunto de personajes indiferenciados entre sí, el grupo de amigos que parte a la aventura son tan chatos como los que se encontrarán más adelante, los traídos al mundo para ser puestos en una vitrina. Retaría a alguien que salga del cine y pueda nombrar a los amigos de Moxy, es imposible. Sumando que los segmentos musicales, en las que tanto Disney como luego Pixar brillaban en su realización, ahora se estancan en animaciones básicas.
En síntesis, Ugly Dolls plantea un acercamiento interesante desde su temática a nuestra sociedad actual, al poner el foco en los excluidos del sistema, la cuestión es que su ejecución es nefasta. Si el 70% de la película es mostrar esta adecuación a cualquier precio por parte de los personajes al mundo de la compra/ venta, no hay happy end que la salve. Sobre lo que se puede o no decir, tengamos en cuenta que esto se encuentra bien controlado, sobre lo que es bello y lo que es feo, deberíamos saber que la belleza ( o la fealdad) de Moxy y sus amigos era lo que los hacía únicos en este mundo totalitario propuesto por el film. Si la fealdad es el arma para permanecer fuera del ambiente concentracionario que es el proceso de selección de juguetes ¡Que vivan los feos!

Calificación : 3/ 10

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Crítica: Doberman

Por María Luz Stella 

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Mercedes se despierta casi a la hora de la siesta, enciende un cigarrillo, va al baño, luego se dirige a la cocina, se sirve café y enciende otro cigarrillo. Empieza a preparar un tuco para comer pasta con su hijo, mientras corta los vegetales conversa por teléfono con una amiga… Es en ese momento en el cual comienza un diálogo que parece interminable hasta el clímax de la película. Pero volvamos al inicio. Mientras se cocina el tuco, Mercedes (interpretada por Mónica Raiola) va realizando distintas tareas hogareñas como doblar ropa y lavar. En montaje paralelo vemos como el personaje de Mirna (interpretado por Maruja Bustamante) recorre en bicicleta las calles de tierra de un pueblo o pequeña ciudad ubicada en las afueras de Buenos Aires. La película inicia con un ritmo lento para el ojo acostumbrado al cine comercial, porque muestra casi como en un tiempo real lo que cada una va haciendo hasta el momento del encuentro. Con un dejo del cine oriental, la directora decide mostrar los detalles de cada acción para que acompañemos a estas mujeres en sus recorridos por la vida diaria.


Como bien dijo la directora, y logra verse reflejado en esta obra, hay un interés por indagar en la palabra y su uso desmedido para ilustrar un universo femenino específico en una película que tiene como base la cotidianidad y la conversación, con una simpleza en cuanto a lo técnico, logra construir una historia firme que deja abiertas las puertas para la reflexión.

 

Se estrena en las salas el jueves 16 de mayo.

 

Ficha técnica:

 

Guión y dirección: Azul Lombardía

Producción Ejecutiva: Lucas Mirvois, Pablo Ingercher y Ramiro Pavón.

Producida por: La Maldita y Oh My Gómez! Films

Dirección de Fotografía y Cámara: Eric Elizondo

Dirección de Arte: Santiago Badillo

Montaje: Nicolás Goldbart

Vestuario: Victoria Nana

Maquillaje y Peinado: Lorena Superville

Dirección de Sonido: Maxi Gorriti

Música Original: Mariano Otero

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Análisis: Crashbots para Nintendo Switch

Hemos tenido el placer de probar y analizar el juego Crashbots un título independiente desarrollado por Neonchimp Games y distribuido por Sometimes You. Este título corresponde a un juego que se desarrolla a través de una carrera automática, donde avanzamos, disparamos y atravesamos obstáculos. Su premisa es bastante sencilla, su jugabilidad también, y funciona, aunque no esta exenta de algunas fallas. Su atractivo radica en la agilidad en la que se maneja, y el desafío que supone a medida que superas cada nivel.

Al inicio, un pequeño tutorial te va introduciendo las mecánicas del juego, la forma en que debes disparar, saltar, agacharse y hacer lo necesario para superar los obstáculos. Sus mecánicas de juego son muy sencillas, superar los niveles de forma completa puede ser algo más complejo. Este juego en el que corres de manera unidireccional, no te deja otra opción que seguir adelante, manteniendo un nivel de frenetismo en cada nivel. Los obstáculos son variados, y necesitas perder en varios intentos para aprender a superarlos. También existen elementos como las barras de energías que serán útiles para la supervivencia en cada recorrido.

Si, su premisa es muy simple, pero resulta efectiva con lo que quiere dar. La cuestión es que puede resultar un tanto repetitivos los obstáculos a medida que los vas superando, además del grado de dificultad que por momentos no se encuentran muy bien equilibrados. Si compensa el control, la facilidad de manejo del personaje en términos jugables, brindando una experiencia atractiva más allá de su simpleza.

A nivel producción, nos encontramos ante un título colorido, casi alegre salvo por el detalle que al mínimo error te asesinan. Existe un buen trabajo en cuanto al diseño de personaje, objetos y niveles, aunque estos se van repitiendo a lo largo del juego. La banda sonora es adecuada a la ambientación , siguiendo también el frenetismo del juego en su recorrido. Si como punto negativo en sus datos técnicos, es que se le hace falta la traducción al español, por mas que no exista una narrativa que seguir.

El juego consta de 3 mundos con más de 20 niveles cada uno, los niveles en general son relativamente cortos, por lo que hay bastante tiempo para jugar, pero tampoco resulta un recorrido extenso. Existe un equilibrio entre la duración del juego y la dificultad, siendo la segunda la que te puede mantener atrapado en el, o fastidiado quizá. A través de las monedas que consigues en cada nivel, puedes ir obteniendo mejoras, que sirven también como un añadido que le agrega dinámica al juego.

Crashbots es un juego sencillo, que no tiene una historia concreta, sino más bien nos presenta un arcade en el cual solo debes jugar, atravesar obstáculos y sobrevivir. Es un juego atractivo por su premisa de brindar una jugabilidad unidireccional, lo que hace al juego dinámico y un tanto frenético. Tampoco se escapa de que el juego,más allá de no contar con una narrativa, le hace falta profundidad en lo jugable, volviéndose quizá un tanto repetitivo. Si quieres correr y disparar, también morir unas cuantas veces, se trata de un juego que te mantendrá enganchado unas cuantas horas.

Calificación: 6/10

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Crítica: Abrakadabra

Con dirección de Luciano y Nicolás Onetti, guion cinematográfico de Carlos Goitia, Luciano Onetti y Nicolás Onetti, una película, argentina, del género policial, filmada en el 2018, estrenada en sala, el 9 de mayo,pasado.

Con la actuación de Germán Baudino encarnando a Lorenzo, un mago de unos cuarenta años, quien heredó el oficio de su padre, quien es conocido como “Gran Dante”.

Lorenzo vive una seguidilla de asesinatos de mujeres, que pertenecen a su círculo. A medida que avanza la película, la muerte lo persigue, y no hay ninguna pista que pruebe su inocencia, pero tampoco no hay huellas de culpabilidad.

En ABRAKADABRA, haciendo homenaje al gran Houdini, todo es misterio. Tiene un estilo de dirección que recuerda mucho a las películas de terror más que al género policial.

Todos se convierten en sospechosos, tampoco hay indicios de inocentes.

Un film donde la muerte la intenta atajar a la locura. No contamos más para motivarlos a verla.

La peli fue filmada en las ruinas de Epecuén, que fue adquirido por NETFLIX. La película se presentó en el Marché du Film (Festival de Cine de Cannes), dentro de la sección “Upcoming Fantastic Films” de Blood Window, y tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Sitges, España; el festival más importante de cine de género a nivel mundial. Además fue seleccionada por otros festivales como ser: SITGES 2018 (Premiere Mundial, España), Frightfest (San Sebastián (España), Imagine (Holanda), Nocturna Madrid (España), Molins de Rei (España), Obscura Berlin (Alemania), Night Visions (Finlandia), Abertoir (U.K.), Mar del Plata International Film Festival (Argentina), Buenos Aires Rojo Sangre (Argentina), Mórbido (México), Zinema Zombie Fest (Colombia), Montevideo Fantástico (Uruguay), Insólito (Perú), Horrorant (Grecia), Blood Window Film Festival (Argentina), 15th Grossmann Fantastic Film and Wine Festival, Black Nights Film Festival (Estonia) y Bloody Weekend Film Festival.

Calificación 5/10

Diana Decunto – Reseña inboxmatutino@gmail.com

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