Por Daniel Alvarez

Bajo el marco del ciclo de obras de teatro «Verano off en el Met» se estrenó el espectáculo llamado «El juego» se trata de una experiencia teatral orientada al género de terror, algo que realmente es poco usual ver, pero que ha terminado en una propuesta bien lograda en lo que se quería transmitir.

Para hacer un pequeño resumen sobre su historia, los personajes nos cuentan que alguien de su círculo cercano ha desaparecido, por ese motivo deciden realizar una sesión del famoso juego de la copa para poder invocar espíritus y hallar respuestas del joven desaparecido. De este modo la propuesta realiza una pequeña interacción con el público, con el fin de hacer creer que se trata de una sesión real, dando a los espectadores las indicaciones de como deben comportarse para que la sesión se pueda llevar a cabo con éxito. En su historia nos vamos dando cuenta que existen secretos dentro del grupo, y que de a poco se van develando detalles sobre esa misteriosa desaparición, dando lugar a la aparición de la maldad y el miedo.

La propuesta se vio ligeramente modificada debido a los protocolos sanitarios, pero que también ha servido como un elemento atractivo dentro del mismo juego. Cada uno de los actores participantes de la sesión usan tapabocas, dando la sensación de que este juego se lleva acabo aquí y ahora, si lo ubicamos en tiempo y espacio. Cuenta también con alguna serie de efectos, que dentro de la sala ha llegado dar algún susto, y también porque no risas. La idea es saber de qué todo se trata de un juego , a medida que la obra transcurre sabemos que es así , pero aún así se ha hecho un buen trabajo de mezclar la ficción con la realidad. En algunos momentos quizá puede haber un exceso de ruidos y gritos , que tal vez nos hace perder un poco ese ambiente enfocado más al misterio que al susto por impresión.

El juego es una propuesta distinta y bien lograda, dónde el público debe saber que esto se trata solo de un juego, como el título de la obra, pero que aún así todos los actores hacen lo posible para que cada uno seamos participes de ello.

FICHA TÉNICA

Libro: Francisco Ruiz Barlett

Actúan: Braian Ross, Camila Garófalo, Diego Wainstein, Edgar Pino, Federico Martín Pezet, Iñaki Crotto, Lisa Ortiz, Lucía Palavecino, María Fernanda Davila, Martín Finkelstein, Nicolas Martuccio, Nuria Irene Blanco, Rocio Iribarne, Victoria Mariel Municoy.

Producción Ejecutiva:  El Método Kairós Teatro

Asesoramiento en vestuario: Carol Peiretti

Fotografía: Nacho Lunadei

Colaboración Artística: Matías Puricelli

Asistencia de producción: Na Fiasche

Asistencia de dirección: Juli de Moura

Dirección: Gastón Cocchiarale

Luego de una exitosa temporada en el off, llega a calle Corrientes: “El Juego. Una experiencia de miedo”, con un elenco renovado y la dirección de Gastón Cocchiarale.

En el marco del ciclo Verano Off en el Met se presenta los días jueves a las 23h.

Por Sebastián Arismendi

Luego del desierto

El cambio climático ya está sobre nosotros, y aunque en las grandes ciudades solo notemos que las estaciones ya no son cómo antes, la otra realidad está en los campos, los campos que se vuelan.

Mientras se vuelan los campos es una obra escrita por Raquel Albeniz, que junto la dirección de Paula Etchebere nos traen la tercera temporada de este novedoso y sensible proyecto del teatro under.
Siendo Almagro- Abasto- Boedo los lugares emblema para el teatro alternativo, con una escenografía agreste, desoladora, de composiciones ocre y rudimentaria, Coni Marino, David Masajnik y Claudio Pazos son los encargados de dar vida a estos personajes de un pueblo sin nombre que está desapareciendo, el gran enemigo es la tierra que se vuela producto de un ambiente hostil y desertificado.
La premisa de la obra nos habla de una pareja de mediana edad que se resiste a dejar su chacra, pero el panorama no es prometedor para ambos ya que el pueblo y la tierra están muertos, la llegada de un vecino con una gallina que espera llevar a competir causará un sentimiento de aferro y rechazo, siendo este animal el motivo por el cual deban decidir si quedarse y vencer a la tierra que se levanta o migrar.

Es una tragicomdia pues incluso en los escenarios hostiles y desoladores hay momentos risibles, además la comedia ayuda a equilibrar la trama que de por si nos trae un mensaje ambiental muy pesado y una realidad que está más allá de Buenos Aires pero que afecta a miles de personas.

Son interesantes ciertas metáforas que se involucran en la historia, ejemplo de ello es la gallina y la tierra, pero el espectador verá cual de ellas es la que más peso tiene en la historia.

El trabajo de los tres actores van en sincronía, cada uno representando un interés en común, siendo personajes desgastados, terrosos y con ganas de no desaparecer. Los tres aportan la empatía necesaria para conectar con la historia.

Mientras se vuelan los campos estrenó este jueves y estará disponible por los jueves restantes de marzo, a las 20:30 en Espacio Callejón (Humahuaca 3752), en el corazón teatrero de Almagro.

Con Coni Marino, David Masajnik y Claudio Pazos

Puesta en escena y dirección: Raquel Albéniz / Paula Etchebehere

Diseño de luces: Leandra Rodríguez

Diseño y realización de escenografía: Nacho Riveros

Vestuario: Jennifer Sankovic

Realización Gallina: Cristian Cabrera

Efecto tierra: Ana Hirsch

Asistencia de dirección: Facundo Darío Altonaga

Fotos en redes sociales: Evann Violeta

Diseño gráfico: María Forni

Comunicación + Media: Duche&Zárate

Producción ejecutiva: Florencia San Martín

Auspiciantes: Diseño Bar y e-ABC Learning

Funciones. Los jueves de marzo a las 20.30 horas

Localidades: $ 600.- En venta por alternativateatral.com

Duración: 60 minutos

Espacio Callejón – Humahuaca 3759 – CABA

Por Denise González Ferrario

En el Teatro Regina se retomaron los espectáculos con una apuesta desafiante después del largo período sin teatros en la ciudad de Buenos Aires. Los domingos se montan diferentes puestas musicales, entre ellas Lo que se nos canta y baila.

La palabra que mejor define a este show en mi opinión es excelencia. En todo momento fue una grata sorpresa lo que iba transcurriendo sobre el escenario. Cuatro cantantes enérgicos conforman la primera cara del show con interacciones pícaras y originales que permiten que los cuadros se interconecten entre sí fluidamente, transportando al espectador a clásicos del teatro musical y películas imposibles de olvidar. Se puede percibir el goce de los artistas en cada una de las performances, y un desarrollo impecable en el complemento con el equipo. Se aprecia, también, un gran trabajo de voces en cuanto a la creación de armonías y reversiones de las canciones que se lucen impecables con sus novedosos retoques, rompiendo así las estructuras de lo que conocido, a la vez que se hace inevitable reconocer lo que está sonando.

Los cuadros cantados se alternan con las coreografías de la compañía de danza Consentido, que brinda una serie de piezas de jazz y tap, provocando admiración y estímulos a toda la sala.

Los vestuarios en general están alineados a lo que se va presentando, con algunas alteraciones cómicas que se entremezclan salidas de diferentes obras musicales populares y, por supuesto, logran el efecto esperado en los espectadores. Los bailarines, desde ya, comparten colores y diseños elegantes, con algunas variables que dan un giro más rebelde, manteniendo la línea de coherencia.

Luces y calidad de sonido acompañan a que el show termine de declararse un espectáculo a destacar en esta vuelta al ruedo en los teatros de la ciudad. Apto para todo público, especialmente dedicado a los fanáticos del teatro musical, recomiendo Lo que se nos canta y baila para una tarde de entretenimiento asegurada.

Una vez más, el teatro Regina vuelve a brillar por las propuestas en sus salas, como siempre con los protocolos necesarios para cuidarnos, y ofreciendo, además, una carta con promociones en la barra antes y después de la función que termina por ofrecer una experiencia de lujo.

Teatro presencial con protocolos

Por Denise González

El sábado por la noche fue el Multiescena el punto de encuentro para apreciar El principio de la diversidad. La obra, dirigida por Marcelo Cosentino, trata sobre la obra de Alfred Kinsey, un entomólogo estadounidense que se destacó a fines de la década de los cuarenta por su investigación acerca de la sexualidad humana. Su trabajo rondó los comportamientos homosexuales, los inicios de la sexualidad, entre otros puntos clave.

Tal como lo muestra el montaje, el protagonista comienza a estudiar la temática a raíz de los problemas en la intimidad entre él y su esposa. En un contexto de discriminación a la raza negra y una religiosidad envolvente, la sociedad se ve impactada por la información que revela el equipo de Alfred. Lo que nos muestra de cerca el elenco son las alteraciones que transcurren entre los matrimonios y los individuos en sí a raíz de los experimentos encabezados por el científico. Se empiezan a poner en tela de juicio los límites de la perversión y el deseo.

Desde el comienzo de la puesta en escena, se puede percibir el tinte de oscuridad en las voces de los personajes, que manifiestan entre luces y música tensos, los tabúes en los que están inmersos -como decimos en Argentina- de la puerta para adentro al grito de “¡¿Soy normal?!”. Los testimonios se van presentando hacia el público, para después integrarse a protagonizar sus historias. Una a una, se desarrollan e interrelacionan.

Con sus cuotas de humor y osadía, las escenas se suceden con buena cantidad interacciones dinámicas y claras. Debo decir que generan que el espectador se absorba en la trama en un contraste fuerte entre la realidad actual y el viaje al pasado.

Los actores se desenvuelven fluidamente. Me quedo con los cortes repentinos entre la convención con el público y su inmediata introducción en el desarrollo de las escenas: la manera es que entran y salen de la atmósfera que les toca representar es rápida y sin interrupciones, considero que habla de un trabajo refinado de construcción.

Luces, escenografía y vestuarios adecuados en la medida justa a lo que pide la obra. El guion está pensado, y, en mi opinión, exitosamente plasmado, para referirse al público y hacerlo partícipe, para volver a consumirse en la puesta cíclicamente. Claro que es una cuestión de gustos del espectador, para mí un logro y un recurso atrapante.

El final vuelve al principio, con la misma puesta inicial, invitando quizás a preguntarnos: ahora que viste todo esto, ¿soy normal? ¿Es posible responder esta pregunta?

Apta para adultos y adolescentes, la considero una gran opción para compartir una salida de fin de semana entre amantes del teatro y, por qué no, para aquellos que nunca se sumergieron en este mundo, para dar inicio a un recorrido de entretenimiento diferente. Aliento a asistir a ver el espectáculo y llevarse reflexión y diversión, a cambio de un protocolo seguro en todo momento.