Crítica: Cato

Por Agustín Villegas

Disculpen, pero acá estoy como sapo de otro pozo. Accedí a ver CATO por el cringe, no tenía idea de quien es Tiago PZK o a que se dedicaba, por lo que al terminar la película me puse a investigar QUIÉN ES CATO y la verdad no encontré nada muy interesante con lo que armarles mí previa informativa. Tengan en cuenta que tengo tendencia a ser un animal cruel con lo que es una moda que no me interesa, no planeo fingir amabilidad. El artista en cuestión es un rapero que también se especializa en el arte del trap, osea, una fusión entre rap y reggeaton. Al parecer el pibe ganó varios torneos de freestyle, lo que lo catapultó a la fama muy recientemente al punto de protagonizar un videoclip que intenta ser la respuesta argentina a la película de Eminem.

Cato es un pibe de barrio humilde que sueña con ganarse la vida haciendo música. Pero las tentaciones de los bajos mundos del conurbano lo llevan a tomar el mal camino. Despues de zarparse con un vecino y terminar humillado, el flaco decide buscar venganza mandándose la cagada de su vida, una cagada que le genera una culpa insostenible HASTA QUE SE ENTERA QUE TIENE UNA AUDICIÓN PARA CUMPLIR SU SUEÑO Y LISTO, PASÓ. Lo que Cato no se imagina es que las consecuencias de sus actos le van a pasar factura y … Bueno, no estoy autorizado a spoilearles nada … Pero no puedo evitar mencionar la carencia de evolución que nuestro héroe urbano tiene a lo largo de la historia.

A fin de no ser monótono voy a empezar mencionando las cualidades de la película. La fotógrafia esta bastante bien trabajada, si bien abusan de conceptos básicos como los contrastes de luz tengo que admitir que las tomas estan muy bien logradas. Los dialogos son otro de los elementos que suenan bastante realistas y no tan forzadas como otras de las millones producciones nacionales centradas en los barrios turbios de Buenos Aires. Las actuaciones zafan, sobresale Alberto Ajaka como el refinado comisario Carrillo, un personaje caricaturesco que por alguna razón funciona.

Ahora con respecto al guión sí tengo varios comentarios. Estamos ante un protagonista que VIVE EQUIVOCADO, todo su accionar es errático y LITERALMENTE todos tienen razón excepto el. Para ejemplificar les cuento el detonante a fin de esquematizar la atrocidad argumentativa del film. Cato le hace una joda cruel a un vecino interpretado por Daniel Araoz, el tipo se enoja con total razón y le mete al pibe un boleo en el orto. La película intenta demostrarnos que el malo es Araoz y no Cato, hasta cuando claramente vimos que el error estuvo en el pibe. Hasta acá me dije por dentro OK, ÉSTO ES ALGO QUE EL PERSONAJE VA A CAMBIAR A LO LARGO DE SU VIAJE, pero no, al otro dia entra a lo del vecino y se venga, llevándose como daño colateral a un ser querido. Ésto tiene consecuencias PORSUPOLLO QUE NO! Su vecino interpretado por Araoz, conocido como EL RUSO, resulta ser el hermano gemelo de un gangster (también interpretado por Araoz) conocido como EL POLACO, lo que lleva al antagonista a buscar venganza en la banda rival liderada ppr EL LOCO (Walter Donado), en lo que queda todo en una guerra sin cuartel que se lleva a cabo mientras Cato la rompe con la música y olvida en cuestión de horas el tremendo quilombo que hizo. Sería mucho más verosímil decir que el villano es el peluquero de Tiago PZK y no esos mafiosos con nombres inventados en el momento.

CATO es un producto insalubre para jovenes educados en piloto automático. Intenta hacernos empatizar con un personaje errante, pero considerando que éste no tiene evolución y la película se las ingenia en dejar mal parados a personajes que NO TIENEN NADA QUE VER entonces es solo un producto demagogo que busca a toda costa romantizar la pobreza sin sátira ni sensibilidad social. Un producto comercial que, de no ser por el corte honguito del protagonista, caería en el olvido a los tres segundos después del estreno.

Calificación 4/10
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Reseña: Fucking Impro

El sábado pasado tuvimos el placer de asistir a la función de Fucking Impro, el nuevo formato del espectáculo comandado por el grupo improvisa2. Tomas Cutler, Marina Cumbi Bustinza y Gabriel Gavila renuevan su espectáculo luego de 17 temporadas con su show de improvisación, manteniendo la escencia de este mismo pero con nuevas reglas.

Fucking Impro es un show de improvisación que consta de tres instancias, la primera es hacer 3 improvisaciones de 5 minutos con las palabras que la gente va dejando para armar situaciones y el segundo tramos vamos a tener dos improvisaciones de 10 minutos pero además de las palabras, un integrante del público le va a agregar la temática y el género con una serie de preguntas que se le hacen en vivo, y al final una última improvisación de 15 minutos con las pautas anteriores, pero sumándole una serie de desafíos que les dará quien está en el control del Show. Es así como vemos un espectáculo que va de menos a más, porque en su inicio es más que nada una exploración para crear situaciones y también testear al público sobre los temas que le interesan y les causan gracias. Más adelante se vuelve ya una creación teatral, dónde desde la improvisación se termina formando una historia, sin olvidarse en ningún momento del componente humorístico.

El trabajo de los tres actores en escena es lo que hace valer al show, ya que casi sin elementos escenográficos y con la presencia de un músico improvisador, tienen la difícil tarea de trabajar con su imaginación y la del público para recrear distintas situaciones. Puede que en un principio no le encontremos tanto sentido a las situaciones creadas, hechas solo en función del componente humorístico que los artistas llevan consigo, pero a medida que las consigas avanzan, sorprende lo que pueden llegar a crear desde cero. Y si, este show de impro está hecho desde cero, sin tener elementos previos para crear el espectáculo, pero no está carente de ideas, ya que cada uno está atento a lo que va surgiendo y acompañan al público con sus ideas.

Fucking Impro es una buena opción para pasar un sábado por la noche y terminar con una sonrisa. Estos tres actores están para eso, para divertirse junto a nosotros creando algo nuevo cada semana.

Puedes ver Fucking Impro los sábados a las 22:30 horas en Nün Teatro Bar (Juan Ramirez de Velasco 419). Les escribió Daniel Alvarez para La Butaca Web.

Crítica: Venganza Implacable

Por Bruno Glas

¿Qué puede un cuerpo?

Desde 2008, Liam Neeson se ha reinventado como actor, convirtiéndose mayormente en un intérprete de películas de acción. Es por ello que no debe resultar raro que el título que se le puso a esta película en Argentina remita al film que lo llevó a ser casi una estrella del cine de este género: Taken fue en nuestro país Búsqueda implacable, y hoy Honest thief es rebautizada como Venganza implacable.

El título original, en verdad, se traduce literalmente como “ladrón honesto”. Esta honestidad se trasluce a poco de empezada la película. Ahí vemos al protagonista Tom Dolan comunicándose con el FBI para anunciar que él es el famoso ladrón al que apodaron “bandido”. Y no solamente revela su identidad, sino que también confiesa, sin pelos en la lengua, dónde escondió el dinero que robó a lo largo de tanto tiempo. Y el director incluso filma a Dolan llevando a cabo estos robos en una secuencia de montaje sumamente pacífica, donde las acciones y los movimientos del personaje son mínimos. Ahí se halla una de los aspectos más interesantes de esta película: el registro que hace de Neeson como un protagonista ya algo viejo, cansado; con una forma de moverse que no pretende la agilidad que tendría un actor más joven. Las escenas de pelea podrán mostrarnos un Dolan habilidoso y rápido para reacciona, pero también a alguien avejentado, que recibe golpes y que tiene dificultad para levantarse y para correr. La escena en que esto se hace más evidente es aquel en que se enfrenta a los agentes que lo persiguen en una casa. Luego de un breve tiroteo, uno de los agentes se escapa, y vemos a Dolan ponerse de pie adolorido. Toma asiento mientras respira agitadamente y se comunica con él, que ha logrado escapar. A esto le seguirá el momento más curioso de la película, ya que Dolan podrá hacerle frente a su enemigo, no a través de la honestidad que lo caracteriza, sino mediante una mentira que lo pondrá en jaque. Un antagonista, además, que se muestra como un agente de la ley absolutamente corrupto, en contraposición con la rectitud moral de Dolan.

En medio de la acción, también hay espacio para algunos apuntes humorísticos simpáticos, como un agente del FBI llevando un perrito a su trabajo. O ver a Dolan manejar un camión de dulces con un dibujito en una persecución.

Por cierto, no todo funciona en el film. El director tiene la necesidad, más de una vez, de detener la acción para caer en explicaciones innecesarias, que no aportan a la acción. Esto ocurre cuando se muestra al protagonista contando a su novia por qué se dedicó a robar, o en qué consiste su plan de entregarse a la justicia. Sin embargo, estos momentos resultan lo bastante breves como para no eclipsar la narración.

En una entrevista, Liam Neeson declaró que dejaría de hacer películas de acción, ya que está cansado y no se siente en condiciones de hacer proezas físicas. Se ve que la honestidad vale tanto para Dolan como para Neeson.

Calificación 7/10

Reseña: Biodrag

Identidad

La identidad es algo propio, el cómo nos sentimos con nosotros y cómo queremos que nos vean los demás.
Con la llegada del siglo XXI, en occidente se han alcanzado grandes derechos sociales que han dado la oportunidad a una diversa a expresarse y de visibilizarse.
¿Cómo te sientes contigo mismo?, ¿Eres quién quieres ser?

Max Andrógeno es una drag que se encuentra consigo mediante los recuerdos de la infancia, especialmente su niñez y adolescencia. Sus relaciones familiares serán la raíz que dará forma a lo que es ahora. Max interioriza y habla con su niño y adolescente (interpretado por actores acople a la edad), los cuales servirán de guía para recordar quién es. Esta es la premisa de Akróasis, obra dirigida por Belu Moras y Pedro Velázquez.

Josefina Belardo, Mariangeles DI Lucrezia, Ramiro Gelvez, Gustavo Monje, Lucas Porto, Maty Rd, Daniel Salotto, Luciana Sapia, Noelia Vera son los actores que interpretarán esta biografía. Este grupo diverso en edad y género van a interactuar en esta introspectiva mediante lip syncs, coreografías y mucho montaje drag.

La escenografía de Walter Valli Arroyo y el vestuario de Juan Rattalino e Ileana Vallejos, innova al usar elementos, utilerías y prendas recicladas pero bien usadas, sobre todo vistosas y coloridas.

Biodrag es un show que recuerda a un episodio de Rupaul’s Drag Race pero con una visión intima. La música pop, el glitter y las luces darán vida a estos personajes y también a la historia, donde más allá de mostrar una biografía, es un retrato de la identidad.

Biodrag está disponible los sábados (17:00) y domingos (17:30) en el Teatro Border (Godoy Cruz 1838)

Escribió Sebastián Arismendi para la Butaca Web.

Reseña: Petit Hotel Chernobyl

Conventillos

A finales de siglo XIX en Argentina, la llegada masiva de inmigrantes europeos forzó a la creación de conventillos; casas PH de múltiples habitaciones compartidas. Generalmente se habla de piezas donde convivían hasta seis o mas personas y familias. Hoy en día los conventillos siguen presentes en marco de las crisis económicas.

Ya no es exclusivo de inmigrantes vivir en conventillos. No es para nada fácil la vida en comunidad, sobre todo el compartir espacios comunes y la habitación con alguien que no conoces, peleas y conflictos siempre habrán, pero también solidaridad y empatía.

»Cuatro mujeres que sobreviven en una pieza. Una pieza que bien podría encontrarse en la Argentina o en la Luna. Una joven que mastica soliloquios incomprensibles encima de una cama de la que solo sale para ir hasta la vereda o la terraza. Una maestra que recuerda sus días de trabajo como un infierno mayor que su presente, cantando en clave de ópera la marcha de San Lorenzo. Una aspirante a tenista a quien ya se le pasó el cuarto de hora y una entrenadora que posee quizá el único atisbo de esperanza que puede salvar esa situación». Es la sinopsis de la obra de Andrés Binetti, la cual dirige Nicolas Manasseri.

Al ritmo de la canción »Tramposa y maliciosa» de
Leo Mattioli, Laura Manzini, Alejandra Oteiza, Fernanda Provenzano y Martina Zapico orquestarán a este cuarteto de personajes desdichados y frustrados. En marco de crisis personales y aspiracionales, estas mujeres encontrarán sororidad, pues no hay mayor hombro para llorar que el pasa por la misma situación.

Vanessa Giraldo atina con su escenografía, retrata esta pieza de una pensión deprimente donde estas mujeres conversan al llegar la noche.
El humor es algo que estará muy presente, pues si bien el trasfondo es dramático, Petit Hotel Chernobyl es una comedia negra que nos hará reír sin duda, aunque también reír y luego preocuparnos.

Los personajes están muy bien definidos desde el inicio, el lenguaje corporal es otro de los elementos que dan fuerza a las interpretaciones de estas actrices, que con sus diálogos van dosificando la información necesaria para comprender a sus personajes.

Petit Hotel Chernobyl es una comedia negra bien escrita con un final sorprendente e inesperado. Donde más allá de compartir una pieza por distintas circunstancias, es buscar un grupo de contención en tiempos difíciles.

Petit Hotel Chernobyl está disponible los domingos a las 21 horas en el Nün Teatro Bar (Juan Ramirez de Velasco 419)

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Análisis: Tails Of Iron para PC

Por Alejandro Corell.

No es el tamaño lo que hace al héroe, si no la grandeza de sus actos.

El equipo de Odd Bug Studio presenta su último proyecto, Tails of Iron. Este RPG de acción en 2d cuenta la historia de Redgi, un pequeño ratón que sueña con heredar el trono de su padre. Por desgracia el destino es cruel y le reserva una tarea todavía más ardua que reinar, recuperar el reino, atacado por los malvados sapos.

El juego se define a si mismo como un souls-like, y en cierta medida cumple ese estándar. Conforme avancemos en nuestra aventura marcaremos nuestros puntos de control sentándonos en bancos que emulan las hogueras del famoso juego original de donde viene este adjetivo. No obstante, la palabra souls-like puede actuar como un reclamo o como una pesada caja de cemento en medio del mar.

A lo largo de las 10-12 horas de duración del título, recorreremos una amplia variedad de escenarios, destrozando sin piedad a todas las oleadas de enemigos que se cruzarán en nuestro camino. Este sendero de espadazos y pringue tendrá como objetivo recuperar zonas clave para el control del reino y salvar a amigos y familiares de un mortal destino.

Un factor muy importante del diseño de niveles en Dark Souls, es que es posible recorrer el mapa evitando el conflicto con la mayoría de los enemigos si es lo que quieres. Esto es algo que no ocurre en este título. Conforme avanzas por un nuevo terreno, de forma usual encontrarás oleadas de seres hostiles. Estos no se encuentran colocados en el mapa, en zonas estratégicas de forma habitual, si no que sencillamente aparecerán por los lados del escenario, bloqueando nuestro avance hasta que terminemos con todos ellos. El combate es quizá, el factor que mas chirría en el título. Junto al sistema de oleadas, el sistema de combate se basa en una acción directa ya familiar para mucha gente: ataque normal, ataque fuerte, esquivar, bloquear y desviar. Puede parecer simple y es posible que un sistema bien diseñado pase desapercibido, pero cuando algo no está del todo bien, se hace muy notable. La mecánica es simple, esquiva ataques rojos y desvía ataques amarillos, y saldrás ileso del encuentro. Pero los tiempos de reacción y de cancelación de ataques presentan un desequilibrio notable, lo que en muchas ocasiones termina traduciéndose en recibir golpes no esperados que puede llegar a frustrar en algunos de los encuentros más complicados. No obstante, en el momento en el que te adaptas a las taras del sistema y aprendes a responder como te pide, es posible convertirse en un experto espadachín.

Fuera del combate, el juego es excelente en el resto de sus apartados. Respecto a la producción audiovisual, la banda sonora es la base ideal para sostener el excelente trabajo de doblaje realizado por Doug Cockle, conocido por poner voz a Gerard de Rivia en la saga Witcher. El resultado final es realmente bueno, es un disfrute escuchar los combates y permite introducirse dentro del entorno.

El estilo artístico del juego no se queda tampoco atrás, con un diseño de escenarios de elevada profundidad y pequeños detalles que pueden sacarte una sonrisa de asombro. Se aprecia un brillante uso del color, con tonos cálidos cuando el ambiente es seguro y un hostil verde en zonas peligrosas. Se trata de un estilo que hace mucho juego con la narrativa, que se centra en los lazos familiares. 

En conclusión, Tails of Iron es una apuesta muy original, que intenta sin demasiado éxito aplicar el genero Souls a una aventura en 2D, pero que no lo hace menos disfrutable. A lo largo de las 10 -12 horas de duración, cuenta una historia de aventuras que sin ser una obra maestra, no defrauda. El sistema de combate puede llegar a frustar en alguna ocasión pero conforme te acostumbras el camino comienza a allanarse, a excepción de algunos jefes. Si eres fan de los juegos de acción en 2D, y te apetece aventurarte en una preciosa ambientación medieval, este título es una muy buena opción.

 Calificación :8/10

Reseña: De Mujeres

Relatos de mujeres


Los derechos de las mujeres se vienen batallando desde hace más de un siglo, el feminismo ha abarcado todos los sectores de la sociedad, la finalidad es crear una sociedad más justa y equitativa en cuestión de géneros. Si bien hay muchos detractores hacia este movimiento, considero que es cuestión de sentir empatía hacia un colectivo que fue oprimido desde inicios de la humanidad y que ahora tiene voz propia, al menos esto es lo que sucede en occidente pues en oriente es otra situación.


»Una joven recién casada, una viuda que busca la felicidad luego de un matrimonio infeliz, una embarazada que enfrenta el abandono y la protagonista de una pasión prohibida se empoderan y desafían lo que la sociedad espera de ellas.» Es la sinopsis del conjunto de monólogos que Lucía Laragione, Rosana Martin, Vanesa Salas y Patricia Zangaro realizan para «De Mujeres»,, obra dirigida y armada por  Gustavo Armas. Cuatro monólogos que rozan entre el humor y el dramatismo, orquestados de manera espléndida por  Maria Ines Alvarez, Leticia Cabeda, Guadalupe Farina, Cali Rotondo.


La acogedora sala del Centro Cultural Movaq abre por primera vez sus puertas luego de año y medio de interrupción por razones de común conocimiento. De mujeres es una serie de monólogos que nos hacen entrar en la piel y el alma de historias tan distintas entre sí pero que tienen algo en común: La opresión y el constante ejercicio machista sobre las mujeres.


Desde una novia fugitiva estilo Julia Roberts, una viuda que confiesa sus secretos a la tumba de su esposo, una embarazada vengativa y una mujer musulmana que sucumbe al placer, esta obra nos lleva  a la reflexión sobre cuántas historias conocemos pero varias veces preferimos ignorar.


De  mujeres está disponible en MOVAQ (AQUELARRE EN MOVIMIENTO) en Villa Crespo (Malabia 852). Los sábados a las 21 horas. Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Reseña: Camelo 100% Impro

100 % ocurrencias

La improvisación es quizá el mayo desafío para un actor, el salir de la zona de confort al tener un guión, una situación y un personaje definido es lo que marca la diferencia. No todos los directores dan el pie para que un actor improvise en su obra, pero en Camelo… Todos van a improvisar.

«¿Qué es Camelo? Es un espectáculo teatral y al mismo tiempo una clase de teatro. Así define Rodolfo Rossi la obra que dirige y escribe. De la mano de un elenco joven y prometedor, en una hora veremos lo imposible pero también lo único ya que es un show que no se repite entre funciones.

Silvia Ariza, Agustin Belloli, Ailén Dettano, Matias Huttin, Solana Loza, Paula Mangini, Carolina Marana, Jacqueline Perez Soto, Rodolfo Rossi, Samantha Skandar, Nuria Storni es parte del elenco estable de este show, con el ritmo de »DESARME, DESARME, DESARME» dirigido por el andaluz Miguel Fo, el cual hará de profesor de teatro de estos chicos, pero… El público es quien dirige las situaciones y personajes que van a interpretar los jóvenes actores.

Para quienes nunca hayan ido a un show de impro, esta es la oportunidad. La idea de poder pertenecer a una obra nos involucra mucho más, lo cual se vuelve un evento diferente y totalmente disfrutable.

Con pocos recursos pero con una dirección clara, los actores deben estar bien entrenados para afrontar todo lo que el director y el público pida, se vuelve un reto para ellos y una experiencia para nosotros.

Camelo 100 % impro es una puesta en escena original, divertida y experimental, sobre todo diferente para aquellos que están acostumbrados al teatro convencional y clásico.

Camelo 100 % impro está disponible los miércoles a las 20 horas en el Teatro Picadilly (Av. Corrientes 1524).

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web

Reseña: Lila

El sábado pasado tuvimos la oportunidad de presencial una obra/espectáculo llamado Lila, que nos cuenta la historia de una artista transexual, que entre el concierto que nos brinda, realiza un viaje al pasado para contarnos su historia, sobre cómo llegó hasta donde está actualmente, desnudando sus sentimientos en el texto y en su música.

Lila es una artista que se hizo reconocida en España, su país de origen, pero que ha vivido gran parte de su vida en Argentina, dónde su padre tenía una carnicería cuando era niño. Justamente «era» es la palabra que debemos utilizar, ya que nuestra protagonista vivió la transición al cambio de género. Siendo rechazada por su padre y viviendo los siguientes años al límite, luego se convirtió en una estrella y en una de esas noches de canto, nos cuenta toda su historia. Entre camarines comenzamos a enterarnos lo que sucedió en su pasado, el porque aparece el niño que lo atormenta, ya que aún tiene temas sin resolver. En el camino Lila nos deleita con la interpretación de canciones populares, que siguen el camino de su historia, y que a su vez nos deja espacio para brindarnos una letra de su autoría, para concluir el relato y la relación de lila y su padre.

Ulises Puiggros se pone en la piel de Lila haciéndola propia, y en dónde él también se hace cargo de la dramaturgia de la obra. Ulises contó que la idea surgió luego de conocer a mujeres trans que le fueron de inspiración y que ha decido tomar el desafío actoral de contar la historia de una artista trans desde su perspectiva.

Lila es una obra conmovedora, pero además de eso es un excelente show en el que todos podremos disfrutar de un agradable concierto un sábado por la noche. Lila puede verse los sábados a las 22:30 horas en Espacio Callejón (Humahuaca 3759).

Les escribió Daniel Alvarez para La Butaca Web

Reseña: Siglo de Oro Trans

Razones para ver “Siglo de Oro Trans”

Es atractiva la propuesta a primera vista. Una versión libre de un clásico del teatro barroco español, con una mirada contemporánea puesta en el género, la identidad y el cuerpo. Una comedia de enredos sobre el deseo equivocado, interpretada por un elenco que interroga las etiquetas a los cuerpos de todos los tiempos y lugares.


La maravillosa Payuca interpreta a Doña Juana, un personaje femenino que se viste de hombre para vengarse de un amor. Vestida de hombre, se hace pasar por un tal Don Gil de las calzas verdes, y enamora a Doña Inés, quien confundida se enamora de un hombre con rasgos de mujer. Pero Inés no es la única “engañada”. Toda la comedia está basada sobre la “confusión” que genera Doña Juana.


La versión libre de Gonzalo DiMaría explota al máximo la potencialidad reflexiva del clásico de Tirso de Molina, dejando evidente la enorme universalidad de los conflictos por el género. ¿Masculino? ¿Femenino? Este elenco está más allá de toda categoría. Don Pedro, el padre de Doña Inés, es también un personaje cuyo género es confuso. Se podría pensar que es su madre. Y así muchos otros.


Parece que esa idea de “confusión”, tan propia de las comedias de enredos, es una excusa para Pablo Maritano, director de la pieza. Esta excusa hace la obra no solo divertida, sino atrevida y afilada. La inclusión de números musicales es una decisión atinada, así como los vestuarios y la escenografía (mínima, y a su vez, grandilocuente).


Un aplauso de pie para Payuca y para el elenco y los músicos en escena. Se agradece la delicadeza de la adaptación, los guiños de humor contemporáneo y las convenciones teatrales de antaño, como el maquillaje y los peinados. Es una obra para divertirse, y recomiendo ir sin hambre ni sueño, porque son 90 minutos de poesía barroca. Vale la pena ir.


Para La Butaca Web, escribió Alejandro Córdova.