Crítica: Spider-Man: Sin camino a casa



Campaña de marketing nivel Dios.



Es probable que la tercera parte de la nueva saga del arácnido sea el boom mas grande de la era pandemia. Lo sorprendente de ésto es la forma en la que la película se promociono, bah, la forma en la que, justamente, NO se promociono. La campana publicitaria estuvo lisa y llanamente construida por los fanáticos, con sus teorías, sus memes y sus espectativas, la promoción del film se construyó sóla. No soy gran fan de las dos películas individuales previas (HOMECOMING y FAR FROM HOME), tienen ciertos enfoques creativos, como los team up comiqueros con otros personajes del MCU (Tony Stark en la primera y Nick Fury en la segunda) o el carisma tontolon de Tom Holland como Peter Parker, pero el apartado visual, la carencia de drama y los personajes secundarios tiraban para abajo mis ganas de seguir con ésta saga. También tengo en cuenta que tuvimos en la década del 2000 la trilogía SPIDER-MAN del maestro Sam Raimi, la cual nos dejo la vara muy alta con respecto a lo que podemos esperar del personaje en el ámbito del séptimo arte. Con unos villanos, lineas y planos memorables se convirtió en un hito, un clásico moderno. Posterior a esto tuvimos las de AMAZING SPIDER-MAN dirigidas por Marc Webb, reinterpretación que paso media desapercibida al punto de ni siquiera haber concretado una trilogía. La calidad fue buena y Andrew Garfield es probablemente el actor mas carismático que haya encarnado al trepamuros, pero eso no basto y todo el universo que pleaneaba Sony, titular de los derechos cinematográficos del amigable vecino, se vino abajo cuando Disney negoció con la empresa un trato que prendió fuego años de memes centrados en Spidey excluido de los Avengers, presentando una nueva encarnación del héroe en CAPTAIN AMERICA: CIVIL WAR. Y como si ésto fuera poco se mandaron la galardonada SPIDER-MAN: INTO THE SPIDER-VERSE, centrada en Miles Morales, el sucesor de Peter Parker. En ésta se exploro el concepto de multiverso arácnido, que ya venía agarrando fuerza desde hace algunos años gracias a videojuegos y arcos comiqueros.

Tengo la teoría de que las primeras dos películas de la época Holland fueron flojas intencionalmente, todo a fin de que la tercera genere en los fanáticos una cálida experiencia basada en expectativas bajas. Les confieso que vi NO WAY HOME con mucho cuidado, teniendo en cuenta esto que les menciono a fin de no caer en la trampa de la nostalgia inducida. El hype en masa es peligroso, llevó a gente decir que el Thanos de Infinity War es una adaptación leal a los cómics y a afirmar que es una de las mejores películas de la historia y la mejor del subgenero de superhéroes (el podio, en lo que a mí respecta, lo tiene, justamente, SPIDER-MAN 2 de Sam Raimi), no obstante puedo afirmar que la película que protagoniza ésta reseña es un fan service benigno y amoroso hacía el fandom del cabeza de red. No obstante les aviso que es un homenaje para los seguidores del personaje en el ámbitos cinematográfico, ya que de los cómics solo hayamos destellos y ni siquiera destellos basados en obras que ni siquiera fueron bien recibidas en su momento.

La historia sigue a Peter Parker (Tom Holland) siendo perseguido tras haber sido expuesto por Mysterio al final de la película anterior, quien falsificó pruebas en contra del arácnido haciéndolo quedar como un asesino despiadado. Ahora todo el planeta sabe que él es Spider-Man, generando en él mismo y en sus amigos, MJ (Zendaya) y Ned (Jacob Batalon) una ecatombe personal que lleva a nuestro héroe a pedirle al hechiero supremo Doctor Strange (Benedict Cumberbatch) que genere un hechizo capaz de devolverlo al anonimato, pero claro que las cosas salen para el traste y los enemigos de otros Spider-Men del multiverso caen en el MCU a hacer estragos.

Es muy difícil saber que es lo que ustedes consideran spoilers y que no. El hecho de que me cueste hablar de la película porque TODO es spoiler habla del contenido vacío de la misma. Hablando de los aspectos técnicos, como lo visual o lo artístico la película evoluciona mucho con respecto a sus predecesoras. Tenemos escenas muy bien logradas, con planos secuencias de mucha calidad y los personajes secundarios por primera vez se lucen, se sienten reales. A nivel actoral a todos se los nota mucho mas preparados y la película en sí se siente mucho mas seria, la primera mitad es muy Marvel Studios, mientras que la segunda tiene una onda mas Sony permitiendo al director Jon Watts llevar a los Protagonistas a situaciones de extrema oscuridad. Sigo sorprendido con la crudeza y dramatismo de algunas escenas, en mas de una vez sentí nudo en la garganta y todo en momentos que tienen como centrales a Tom Holland o a la Tia Milf, digo May, de Marisa Tomei. La justificación de porque los villanos del universo Raimi y el universo Webb caen al MCU es poco sólida, se entiende, pero hasta ahí, aunque la realidad es que no importa, el fan service de la película tiene como motor explorar lo que significa ser SPIDER-MAN, siendo pieza clave en la evolución del personaje. Me voy a limitar a hablar de Alfred Molina, Willem Dafoe y Jaime Foxx, quienes son los únicos actores oficialmente blanqueados. Me frustró un poco ver al Doc Ock rejuvenecido por CGI, un actor como Molina tendría que haber tenido su rostro real luciendose como el interprete de teatro puro que es, esa onda gráficos de Playstation 4 me distrajeron bastante, pero la presencia del personaje en escena no pasa de moda y, a pesar de no ser NI AHÍ lo que fue en su momento, se sigue sintiendo real. Foxx se redime como Max Dillon, A.K.A Electro, quien tuvo un paso bastante errante en THE AMAZING SPIDER-MAN 2, permitiendole acá ser el alivio cómico de los villanos multidimensionales alcanzando la redención que tanto quería el actor. Ahora quiero hablar de Willem Dafoe, la verdadera estrella de la película. El actor es un caso muy raro, ya que queda desnucado con el universo planteado por ser DEMASIADO BUENO, su actuación es terrorífica, da lo mejor que puede y se le nota disfrute en volver a ser Norman Osborn y su alter ego El Duende Verde. El personaje no se adapta a la moda family friendly de Disney, es literalmente el villano mas violento que vimos en mucho tiempo. Sus motivaciones son pura maldad, las gesticulaciónes del actor dejan en claro que no necesita máscara ni prótesis para ser el único Duende Verde del cine.

Si, de todos modos hay problemas. La primera mitad de la película se siente perezosa a nivel narrarivo. Si bien la dirección de Jon Watts resulto ser inesperadamente genial la forma en la que la historia se cuenta se pierde en lo ilógico, desaprovechando posibilidades infinitas de ver a Spiderman en situaciones nuevas. Una película sobre Peter Parker siendo acusado de asesinato hubiese sido mas que suficiente para brindarle al personaje una evolución solida, pero el estudio decidió en volcarse a la nueva amiga de Hollywood, la nostalgia. La segunda mitad toma mucha mas forma, se vuelve oscura y los recursos utilizados, como mencione mas arriba, se alinean con la construcción del protagonista y, por primera vez en la franquicia Holland, se siente que el pibe que no es el mismo.

SPIDER-MAN: NO WAY HOME es una carta de amor tóxico y manipulador para los fans, una carta redactada muy bien y con muchos dibujitos de colores … Una carta de amor llena de recuerdos alterados y flasheadas megalomaniacas de las cuales atesoraria con mucho afecto.

Reseña: Noche de gala con NOIALTRI en Teatro Astral

Noche de gala y grandes voces


El Teatro Astral se llenó de gala  este pasado domingo con la presencia del grupo NOIALTRI. Dos horas de concierto lírico cuyo repertorio recorrió temas de Cerati, Gloria Estefan, musicales como La novicia rebelde y Les Miserables y por supuesto, lo más importante: La ópera pop italiana.


Noialtri se trata de un conjunto conformado por el barítono Nicolás Manservigi y los tenores Javier Suárez y Juan Plante, que nace tras una búsqueda de talentos por el país y esta oportunidad contará con la incorporación del tenor y finalista del exitoso ciclo televisivo “La Voz” (Telefe), Ignacio Sagalá.

La euforia del público estuvo desde el momento uno cuando el trío inicial comenzó a cantar la famosa canzonetta ‘Caruso (Ti Voglio Bene)’ la cual artistas como Bocelli han reversionado. Los aplausos no pararon, el  público pedía más y más.
Este grupo es una especie de Il Volo o Il Divo argentino. Con frescura y jovialidad, se desenvolvieron en el escenario. Ignacio Sagalá fue la incorporación posterior, el público del astral se paró aplaudiendo para recibirlo. Con su guitarra interpretó las canciones que dio en su participación La Voz Argentina.


Los cuatro en el escenario son una bomba cuya onda llegará más allá del astral hacia toda calle corrientes.La energía que transmiten es inigualable, todo esto es gracias al entrenamiento de su coach vocal, la soprano Maia Barrio.
Diego Rolón, Maylen Myskow, Ricardo Baez y Alejandro Cattaneo forman parte de la banda en vivo Piano, violín, bajo y batería servirán para dar música  a estos integrantes líricos.


Al terminar el show, el grupo Noialtri dio una yapa y cerró el telón, pero la emoción del público fue mayor que insistieron en más canciones, así que volvieron. Esto demuestra la llegada y alegría que transmitieron hacia los espectadores.


Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Crítica: Causalidad

Considero que el mayor desafío para un director es hacer toda su película en un plano secuencia. Estos resultan un ardúo trabajo de ingeniería y coordinación donde el guión debe someterse a las limitaciones de la fotografía, por lo que no se pueden establecer pasos en el tiempo ni trasladarse a otra ciudad, todo esto involucra también a los actores quienes deben ensayar tal y cual estuviesen en una obra de teatro sin los entreactos dramaturgos.



El plano secuencia es lo llamativo de la nueva película de Who la cual Juana Viale y Laura Novoa protagonizan junto a Pablo Mónaco, Esteban Bigliardi, María Soldi, Fabián Arenillas, Camila Peralta, Ariel Gigena, Ernesto Mischel, Marcos Woinski, Agustina Rudi, Gabriela Lerner, y Joselo Bella en el reparto.

»Este atrapante thriller cuenta la historia de Claudia (Juana Viale), quien se presenta en un bar para conocer a Luis (Pablo Mónaco), un médico que la contactó a través de una aplicación de citas. Claudia no se imagina lo que el destino le tiene preparado. Un secuestro que termina con una muerte inevitable, pero a la vez impredecible. Una historia de venganza, suspenso, y giros sorprendentes hasta el último segundo, narrada en un único plano secuencia». Es cómo Who describe su película.

Causalidad es un thriller indescifrable pues no hay pistas narrativas al suceder todo en tiempo real, no se sabe muy bien cuál será el desenlace o porqué, el hecho de que haya sido un plano secuencia sin cortes (reiterando este aspecto), lo hace destacable y aplaudible para poder coordinar la trama en una sola toma.

La historia de Causalidad no es nueva ni tampoco impactante. La cámara en mano tiende a marear y se pierde la estética que pudo tener al no acondicionar mejor la iluminación, paleta de colores y focos. La historia coge fuerza ya hacia mitad cuando ya sabemos hacia dónde se dirige, aunque el giro de tuerca del final no se espera, no convence en la ejecución del mismo.

Las actuaciones de Causalidad no son perfectas, pudo ser mejor el trabajo actoral sin embargo el esfuerzo de someterse a rodar dos horas de película en una toma, contando que si hay un error se debe grabar todo de vuelta, destaca las interpretaciones.

Causalidad es un thriller eficiente pero no sorprendente que se sostiene con los pocos recursos que tiene para contar una historia en una toma.

Calificación 6.5/10


Disponible en Amazon Prime.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web

Instagram: cachalote94

Reseña: 28 almas en el hielo

Historias que se ocultan en el hielo


Hay infinidad de historias que a pesar de estar documentadas, no trascienden en la memoria colectiva, permanecen guardadas hasta que son difundidas, convertidas en obras o filmes, 
¿Qué nos hace valientes para sobrevivir ante la mayor de las adversidades? Aquellas historias de naufragio y supervivencia causan fascinación, lo que si no sabía era sobre la aventura de los 28 marineros en la   Expedición Imperial Transantártica (1914-1917), también conocida como Expedición Endurance.


»Basada en una historia real. En 1914 una expedición se pierde en la Antártida, su barco queda atrapado en el hielo. Son 28 hombres de distintas nacionalidades que en un ejemplar acto de fe luchan por sobrevivir en el clima más hostil con temperaturas por debajo de los 20 y 30 grados bajo cero durante largos meses en la más absoluta oscuridad, muertos de hambre y rodeados por el mar más peligroso del planeta. Quedan atrapados en el hielo hasta fines de 1916.»
Silvia Copello es la autora y narradora de esta increíble historia, a su vez se basa en el libro SUR, relato de la expedición del Endurance de Ernest Shackleton (1920).

Copello narra esta historia con un magnetismo increíble, aporta una  experiencia y sentimiento personal y nos transporta hacia el hielo, nos hace  imaginar que estamos allí sobreviviendo bajo las duras condiciones, en el Sur del Sur pero con un grupo muy unido que quiere sobrevivir.
Fernanda Gomez es quien dirige esta sencilla pero conmovedora obra. En un reducido espacio con cubos blancos y fotoproyecciones a cargo de Mariano Pozzi, Copello pone el cuerpo y voz. En su labor de narradora o cuentacuentos, el espectador queda atrapado en su magia. 

Al salir de sala quedamos con ganas de más, de investigar sobre esta increíble historia real, quedamos también con la voz de Copello y su relato de amor hacia el hielo.
28 almas en el hielo está disponible para este último sábado 18.  En el Teatro del pasillo (Colombres 35) a las 20 horas.
Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Análisis: The Ascent para PC

Por Alejandro Corell.


“Tu vida, al igual que la del resto de tus compatriotas tiene un precio, uno muy bajo, precio que tardarás toda una eternidad en pagar.”


Desde que el año pasado CD Projekt RED trajese al mercado el desde entonces siempre nombrado (para bien o para mal) Cyberpunk 2077, la palabra que acuña su título ha circulado en boca de todos. Más allá del nombre de un juego, ciberpunk engloba todo un género, que abarca tanto literatura y cine como videojuegos. No es algo nuevo, y a lo largo de los años se han utilizado enfoques muy diversos para crear una historia con este estilo. Los pilares bases que no pueden faltar en ningún producto que se considere del género son lo “ciber” (tecnologías avanzadas, implantes biónicos) y lo “punk” (crítica social). A partir de ahí uno es libre para hacer lo que quiera.


Y en este contexto, a mitad de 2021 se lanzó The Ascent, el primer título de manos de Neon Giant, que se define como un shooter RPG de acción individual y cooperativo. Palabras muy importantes en el resto de la crítica. Me considero un fan de la estética ciberpunk desde que la descubrí por primera vez, tiempo ha, y soy capaz de encontrar en The Ascent todos los elementos necesarios para considerar que su universo se rige por esta estética sin lugar a dudas. En un universo donde las compañías, gigantes financieros capaces de comprar planetas enteros, la población vive acinada en grandes metrópolis, como la arcología del Grupo Ascensión. Al igual que la mayoría, en busca de un lugar donde vivir, si es que a algo así se le puede llamar vida, nos endeudaremos profundamente al Grupo Ascensión a cambio de poder entrar en su ciudad, buscándonos la vida para poder ir pagando a lo largo de lo que parece una eternidad, nuestra gran deuda. Por suerte, somos una persona hecha a si misma, que siempre está preparada para afrontar cualquier contingente, como, por ejemplo, que de un día para otro, la compañía propietaria del sistema se declare en quiebra y desaparezca fugazmente, sumiendo a la arcología al caos absoluto de la noche a la mañana. Con esta premisa empieza The Ascent, y no puede ser más tópica y exquisita.




Si bien, es habitual que en un videojuego la historia sirva como motivo de las acciones del protagonista, en este título es algo que se nota de forma desmesurada. Hay todo un universo creado alrededor de nuestra pistola, pero la forma en la que en muchas ocasiones se nos muestra, con enormes líneas de diálogos, con un estilo visual nada agradable, en mi opinión, hace que el interés del jugador por saber más acerca del entorno que le rodea se vaya reduciendo conversación a conversación. A cambio de este desinterés narrativo, el juego es consciente de cual es su función: ser un shooter frenético sin dejar tiempo al descanso entre oleada y oleada. Y es en el gunplay donde The Ascent más brilla, es realmente satisfactorio descargar el cargador del arma de turno en el pecho del primer desgraciado que se nos cruce por delante. A lo largo del juego encontraremos una variedad de armas aceptable, desde pistolas fusiles y escopetas hasta lanzacohetes y francotiradores, podremos elegir a nuestro gusto de que forma queremos machacar a los enemigos. Junto a los tipos de arma, también hay distintas municiones, normales, energéticas y digitales principalmente. La munición estándar servirá principalmente para enemigos biológicos y las otras dos serán más útiles contra robots. Todo este sistema se ve ensalzado por las alturas de disparo: tendremos la opción de disparar a altura de la cadera, o levantar nuestra arma a nivel de la cabeza. Esto, conforma un sistema de disparos con coberturas dinámico, que es la perfecta evolución del modo clásico presentado en Gears Of War.


Aprobando como shooter, no se puede decir lo mismo como a RPG. Si, tenemos niveles, sí, tenemos habilidades, pero no se sienten como un elemento principal del juego, si no como un añadido de última hora en una capa superficial. Conforme subamos de nivel, ganaremos puntos de habilidad para personalizar nuestro personaje y hacerlo más fuerte en base a lo que nosotros queramos, podemos obtener más vida, energía, daño o demás tópicos. Y ya está, nada cambia en demasía, ni a la hora de poder equipar unas armas u otras, o al interactuar con los NPC de las ciudades al puro estilo Fallout, característica que habría sentado muy bien al título.
No puedo evitar deshacerme en alabanzas en el apartado audiovisual, el cual reúne con creces todos los elementos necesarios para conformar un buen producto ciberpunk. El diseño de las diferentes zonas, y principalmente las ciudades es sublime. Tecnológicamente avanzado y moralmente desterrado, cada metro cuadrado que recorramos es una oda al consumismo extremos que rige la sociedad. El hecho de que todo cuanto veamos se encuentre saturado de elementos, ya sean grandes neones, pantallas comerciales o rascacielos de escombros puede agobiar al jugador, haciendo que se vea sobrecogido por tal cantidad de elementos, de la misma forma que debe sentirse todo aquel desafortunado que deba dedicar toda su vida a partirse el lomo trabajando en un entorno como la Arcología. A este diseño de escenarios no puede faltarle una banda sonora al mismo nivel. Música digital, a todo trapo es todo lo que hace falta para completar la experiencia más ciber gamberra del año.



The Ascent, con sus más y sus menos es una experiencia muy recomendable para todo aquel fan de la estética ciberpunk y de los shooters isométricos. Sin innovar en nada, lo que hace, lo hace bien en casi todos los apartados. Cabe destacar que es posible completar esta aventura jugando con hasta cuatro amigos, pero yo no he tenido la ocasión de probarlo, (y amigos tampoco, para que nos vamos a engañar). Siendo que el título se encuentra actualmente en el Game Pass, no hay excusa para no probarlo al menos. Es cierto que en su lanzamiento presentó muchos problemas de rendimiento, pero ahora, medio año después, la experiencia es mucho más satisfactoria. La hoja de ruta augura una tasa de refresco de contenido bastante reducida, pues todo lo que se ha ido introduciendo y se introducirá en un futuro cercano son poco más que nuevos aspectos para armas y armaduras y algún cacharro mortal nuevo, pero nada de nuevas misiones y aventuras. No obstante, el contenido existente, asegura una o dos decenas de horas de diversión y disparos, según todo lo que queramos hacer en este mundo cibernético y cruel.


Calificación :7/10

Crítica: Petite maman

Petite maman

Luego del triunfo de la maravillosa película Retrato de una mujer en llamas (2019), Céline Sciamma vuelve con un drama corto, íntimo y mágico, el cual explora a profundidad de una manera inocente, las relaciones entre madres e hijas.



Las mellizas Joséphine Sanz y Gabrielle Sanz protagonizan esta historia junto a Nina Meurisse, Stephane Varupenne y Margot Abascal.
Luego de la muerte de su abuela, una pequeña de ocho años debe ir con sus padres a hacer la mudanza del hogar donde vivió su madre y su abuela. Entre tantos recuerdos materiales, madre e hija se consuelan. No es hasta que la madre decide irse por un tiempo cuando esta nena se encuentra con una niña de su edad muy parecida a ella. Ambas iniciarán una relación de amistad muy genuina, protectora e inocente.

El guión de Céline Sciamma es delicado, sencillo pero poético. Toda la atención está puesta sobre estas niñas actrices que en 72 minutos de película, muestran todo su talento actoral.

Hay un ligero misterio que va pausado sin generar sorpresas, pero es el tratamiento tan natural, sencillo e íntimo lo que resalta en la trama.

El amor entre madre e hija es mostrado de una manera muy pura, desde el punto de vista infantil.

Sciamma demuestra su habilidad para dirigir a infancias actorales, siendo estos capaces de protagonizar buenos dramas.

Calificación: 7/10

Disponible en cines este mes.

Escribió Sebastián Arismendi para la Butaca Web.

ENCANTO: LOS LATINOS EN EL CINE ANIMADO



En esta oportunidad tuvimos la fortuna de ser invitados al pre-estreno para prensa de la sexagésima película animada de Disney, Encanto. Este film fué dirigido por Byron Howard y Jared Brush y tiene la peculiaridad de contar con un elenco de intérpretes casi completamente latino.



En esta hermosa historia creada por la casa de ratón se habla sobre la cultura colombiana y se muestran comidas como el jugo de panela, las arepas y el café típicos; También se habla sobre tradiciones específicas de la región cómo la noche de las velitas y el día del ahijado. Los productores de este film recorrieron zonas del país para poder adentrarse en sus costumbres.

Se situaron en lugares de Colombia como Quindío, Bogotá, Cartagena y Santander, por eso se muestra una secuencia de sucesos rica en folklore colombiano de la zona. Cabe destacar la hermosa variedad física de los personajes animados que muestra que los latinos estamos compuestos de una hermosa diversidad.

Cabellos ondulados, lacios, rubios, ojos de varios colores, tonos de piel diversos y que se alejan de la hegemonía caucásica es lo que hace que Disney realice una linda representación de los latinos reales en el cine animado ¡Bravo por eso! y espero que siga pasando con todas las demás personas que vivimos en el planeta.

Encanto habla sobre los dones que tiene cada persona al nacer y que los hace especiales, y al final nos deja reflexionando sobre la importancia que tiene la unión de las familias y de los pueblos por lograr el mejor objetivo en común: Estar Felices

La película está disponible desde el 24 de noviembre del 2021 en todos los cines a nivel mundial y luego estará en la plataforma de streaming Disney Plus. Es una producción hecha para los más pequeños de la casa, pero también es una hermosa obra de arte para disfrutar con toda la familia.


¡Bravo!
⭐⭐⭐⭐⭐

Aronix Morales
@SoyAronix
Art / Entertaiment / Digital MKT

Reseña: Sigo Mintiendo

Fiestas lunáticas


¿Cuál fue la fiesta más extraña en la que has estado?Esta pregunta seguro te hará recordar momentos irrisorios e incómodos. Alcohol, cheesitos, guirnaldas, globos y tortas, también recuerdos borrados por una resaca.
Mariana Chaud finaliza su retrospectiva con «Sigo Mintiendo», obra estrenada en 2004, siendo la primera que dirigió. Para esta notable ocasión reúne a su elenco original a 17 años de su estreno. Marina Bellati, Marcos Ferrante, Veronica Hassan, Walter Jakob, Valeria Roldán protagonizan esta divertida  y ocurrente historia.



»Un cumpleaños, dos hermanas, una amiga, un novio y un extraterrestre.
¿La necesidad produce alucinaciones o acá hay alguien vestido de ananá?
En la noche del cumpleaños de Flopy, el festejo es sencillo, inocente y un poco patético, hasta que llega el disfrazado… Este joven- en parte galán, en parte extraterrestre- vendrá a alborotar los corazones de todos, en mayor o menor grado, para dejarlos peor de lo que estaban». Es la sinopsis de la obra de Chaud.

La escenografía a cargo de Matías Sendón es tan precisa y tan bien elaborada que se asimila a un sitcom, todo esto acompañado de un juego de luces luminiscentes y extraterrestres. 
La música original de Pablo Bronzini dará un toque alienígena a esta ocurrente comedia. En cuanto al factor Alien, no se pueden perder el personaje de Marcos Ferrante.
Sigo Mintiendo es una comedia jocosa que usa muy bien el recurso de contar la historia en retroceso. La dirección de Chaud destaca por ser su debut de hace veinte años y así este gran elenco que darán vida a estos ocurrentes personajes.


Sigo mintiendo está disponible hasta el 19 de este mes en el Teatro Sarmiento (Av. Sarmiento 2715), al lado del EcoParque.


Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Análisis: Battlefield 2042 para PS4

¿Cómo hablar de un juego que carece de singleplayer, o incluso de un tutorial, para más o menos saber que hay que hacer antes de morir cien veces en el intento? Bienvenidos a nuestra reseña de Battlefield 2042.


Así es, esta vez la gente de EA decidió prescindir de cualquier modo offline, centrándose solo en los modos cooperativos en línea, que, según ellos, es le fuerte de esta saga. Así que pasemos a analizar que tal son, los hasta ahora, tres estilos de juego que nos promete Battlefield 2042.
El primer modo de juego se llama All-Out Warfare. Donde tendremos la pantalla dividida en una cuadricula y se nos dan algunas opciones. Una de ellas es la ya clásica donde un bando defiende y el otro ataca, teniendo que empujar a los defensores cada vez a menos zonas de la cuadricula hasta ganar. La segunda de las opciones, tenemos todo el mapa en blanco, y ambos bandos deberán ir tomando control de diferentes zonas, al más puro estilo de captura la bandera.


El segundo estilo de juego, llamado Hazard Zone es bastante curioso. Se nos suelta de forma aleatoria en el mapa, para ir encontrando unos discos; discos que su ubicación también es aleatoria, y que, en varias ocasiones, se encuentran en zonas donde bots están controlando el lugar. Así que ahora no solo hay tiroteos contra otras personas, sino que contra la propia máquina. Al mismo tiempo, cada determinado tiempo, podemos salir de la partida con los discos que tenemos, para retornar con mejor equipamiento; lo malo es que los enemigos pueden ver quienes tienen los preciados dispositivos, lo cual se vuelve todo en una cacería humana.


Battlefield Portal es la ultima de las opciones, donde básicamente resumiendo, seria el modo libre o creación; pudiendo recrear escenarios de anteriores entregas, con su armamento incluido. Un lindo homenaje a los fans de siempre de esta franquicia.


¿Entonces por que la nota final no es alta? Simple, el juego es muy poco amistoso con aquellos que son ajenos a la saga. Está bien que no tenga un modo campaña en singleplayer, pero al menos debería tener un modo simulación para que los recién iniciados, practiquen los diferentes modos de juego para luego adentrarse en el caos que es el online.


Aparte que al menos quien les habla, probo la versión de PS4, y para ser sinceros, a nivel gráfico, tenemos bastantes juegos de años anteriores que se ven mucho mejor pulidos y con detalles, sintiéndose este Battlefield 2042 feo a la vista.


En conclusión, si son fans acérrimos de la franquicia y la vienen siguiendo desde casi sus inicios, están frente a una compra segura. Ahora si son nuevos en esto, les aconsejamos que se planteen dos veces comprar el juego en su precio inicial.



Calificación: 6/10


Lo mejor: el grado de dificultad, y, por ende, tensión que genera.


Lo peor: cero contemplaciones con los nuevos jugadores de la franquicia.

Crítica: Rey Richard: Una familia ganadora




Serena y Venus Williams son las tenistas más importantes del mundo. Su historia ha servido de inspiración para todas las niñas a nivel mundial, especialmente a las afrodescendientes. Siendo el tenis un deporte elitista de alta clase y gente blanca, ambas demostraron poder salir adelante, todo esto gracias a su padre Richard Williams, del cuál se basa esta película.



Dirigida por Reinaldo Marcus Green y escrita por Zach Baylin, y sigue la vida de Richard Williams, el padre y entrenador de las famosas tenistas Venus y Serena Williams. Está protagonizada por Will Smith, Aunjanue Ellis, Saniyya Sidney, Demi Singleton, Tony Goldwyn, Jon Bernthal y Dylan McDermott.


King Richard es un drama familiar y deportivo de este año donde Will Smith ejerce su mejor interpretación, acá encarna a un hombre terco, orgulloso y por instantes desesperante pero con el que podemos empatizar por el esfuerzo y dedicación hacia sus hijas.


Parece que Will Smith resalta en sus papeles sobre padres entregados, cómo en Busca de la felicidad, filme por el cual estuvo nominado al Oscar.


A pesar de ser un drama familiar, tiene tonos oscuros adecuados para no ser tan diabética la historia, especialmente al personaje principal el cual no queda bien parado en varias escenas.

Este biopic tiene las conveniencias clásicas del género deportivo: una fuerte carga de coaching, partidos emocionantes y tensión, momentos dramáticos y un final feliz. Cosa que no está mal pues es la historia real, fue un biopic autorizado.

Saniyya Sidney hace un excelente trabajo que seguro dará de que hablar.
King Richard es una película para toda la familia, para los amantes del tenis y para aquellos que disfrutan los dramas de la historia real.

Calificación 7/10

King Richard está disponible en cines en todo el país.
Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.