Por Nicolas Becerra

TÁR no es una película para cualquiera. Desde el comienzo busca hacerte contemplar la limitación de tu vocabulario. Es una película que se basa en el diálogo y que maneja una gran densidad intelectual en su dialecto. Constantemente demuestra un estado de superioridad sobre el prójimo, incluso sobre el espectador. Es una película seria que asume que tenemos conocimientos previos sobre distintos elementos de carácter cultural y artístico. Y tampoco se toma ninguna libertad para hacerte lograr entenderlos. Sin embargo, la historia en su estado más primitivo es cercana a cualquier ser humano. Nuevamente, Todd Field ahonda en las relaciones amorosas y pone en debate la moralidad. Nos ilustra con un fragmento de la vida de Lydia Tár, una célebre directora de orquestas que acepta tener cierta responsabilidad por hallar la excelencia debido a su afamado éxito, que ejerce el poder que tiene gracias a su prestigio y que carece de humildad. Bien podría ser otra su profesión, ya que esta es un simple medio para la proyección de la trama. A lo largo de la narración se nos exhiben las problemáticas que abordan la vida de Tár, la forma en la que lleva su propia autoridad, la relación con su pareja, su tendencia a los abusos laborales y sexuales y cómo acaba siendo perseguida por sus propios actos nocivos. Se realizan analogías entre la música clásica y la vida personal, sacando a la luz el clásico debate sobre la separación del autor con su obra, personificando esta disputa y cuestionando la decadencia cultural en la actualidad.

Siguiendo esta línea, Todd Field demuestra que es una película de su autoría. Los escenarios cotidianos y ritualizados, las reflexiones estéticas y los simbolismos son algunos elementos que también posee su anterior film ampliamente galardonado, Little Children. En algunas ocasiones el movimiento de los planos y su composición nos remite al género de terror, haciendo alusión a una película que holgadamente podría ser de fantasmas. La fotografía ayuda con esta sensación y logra ponernos en un lugar de intimidad. Se ofrecen situaciones que sumergen al espectador en la oscuridad de los vastos espacios aislados. Presenta una estructura narrativa lineal, pero con acciones dramáticas muy demoradas.

Un elemento totalmente destacable es el manejo del sonido. Este elemento es congruente con el mensaje que nos transmite Tár en la primera secuencia, la importancia del silencio. El silencio deja espacio para que los diálogos brillen. Intenta alejarse del ruido. Nos brinda esa concentración que necesitamos para observar la película. Nos posiciona en un consumo diegético, a veces presentando situaciones incómodas y algunas otras más humorísticas.

El ritmo también hace referencia a esto. Al principio es lento, como si se tratara de una misa, tal como Lenny interpretó el Adagietto en el funeral de Kennedy y que además es mencionado por la protagonista. La duración de los planos es larga e incluso se presentan planos secuencia con gran movimiento interno que recorren la perspectiva de Lydia Tár y dejan lugar a grandes actuaciones. La gesticulación facial, los movimientos esporádicos y el tono de cada frase, demuestran el control de Cate Blanchett sobre los detalles. Su actuación es irreprochable y guía la película de tal manera que genera un alivio sobre la lentitud de la misma. Por otro lado, es destacable la actuación de Noémie Merlant, que se encuentra en un estado de sufrimiento y fracaso constante, pertinente a la realidad de su personaje.

En conclusión, TÁR es un retrato del egoísmo humano y su lenguaje es consciente de ello. Probablemente no se vuelva de carácter popular, pero estos elementos pueden magnetizarte a la obra de Todd Field, o alejarte muchísimo.

Por Martin Karo

¿Cuántas películas están protagonizadas por mujeres embarazadas? Probablemente se te vienen a la cabeza algunos títulos como “El bebe de Rosemary” o “ Nueve meses” pero en estos casos el embarazo se utiliza como un recurso más. En “El bebe de Rosemary” lo que nos importa es saber si la paranoia que vive la protagonista es real o no y en la segunda película nombrada el embarazo es un motivo para que el protagonista madure, el embarazo puede ser un elemento más o el motor para abordar la trama o el tema de distintas formas.

Por supuesto que hay muchas películas cuyo tema central es el embarazo como “Juno” o “Los días que vendrán” entre otras que intentan generar conciencia sobre esa etapa de la vida de la mujer, y su pareja si es el caso.

“Las Preñadas” juega en esa liga pero con un enfoque más realista en un contexto poco explorado en comparación al de otras películas de la misma temática, en el que la clase social juega un rol activo en su justa medida sin llegar a dar un discurso innecesario o moralista mostrando una realidad cruda y queda en el espectador juzgar esa realidad. Protagonizada por Marina Merlino y Ailin Salas como Carmela y Juana respectivamente. Esta película narra la historia de un par de amigas que están embarazadas al mismo tiempo y viven en la frontera entre Argentina y Brasil. Carmela, que tiene el embarazo más avanzado, se siente rara y con el miedo de que este pasando algo malo con su bebe decide ir a buscar un hospital en el que la puedan atender acompañada de Juana, a lo largo del filme vamos a ver todos los peligros y complicaciones con los que tienen que lidiar las mujeres en aquel pueblo entre ellos la falta de empatía para con las embarazadas. “Las Preñadas” contiene varios planos pausados tanto del ecosistema natural como social, muchos se podrían quejar por un ritmo lento pero lejos de cualquier tipo de pretenciosidad esta velocidad le queda como anillo al dedo a la película. Al estar acostumbrados al uso de redes sociales, el espectáculo constante y la necesidad que tenemos por la inmediatez de todo ese consumo a veces no nos permite disfrutar de un contenido más “lento” pero no por eso menos poderoso. Esto sin tener en cuenta que la película transcurre en un pueblo en donde las carencias económicas de ambas familias se hacen notar desde el primer momento.

Las actrices hacen un trabajo increíble, se siente como si Carmela Y Juana fueran personas reales, de verdad parece que están embarazadas en especial Malena (Carmela) que al estar más cerca de parir tiene que reflejar toda la tensión y dolor que conlleva y lo logra con creces. Por su parte Ailin (Juana) logra un personaje super entrañable y lleno de carácter, uno termina queriendo tener a Juana como amiga debido a su determinación y persistencia por ayudar a Carmela. Por último agregar que la película está inspirada directamente en la juventud del director Pedro Wallace donde los problemas que acarrean a las protagonistas son parte de la cotidianeidad de las mujeres, problemas que pueden ser literalmente los mismos o peores como la falta de empatía, la violencia doméstica, la violencia obstétrica y la ausencia del estado, entre otros. Es necesario que existan cada vez más películas como “Las Preñadas” que nos permitan observar estilos de vida y problemáticas a las que deberíamos prestarles más atención.

Vale completamente la pena ir a ver esta película cuyo estreno será el 9 de febrero en el Cine Gaumont y en espacios INCAA. a su vez, el 10 de febrero estará disponible en formato digital y gratuito a través de Cinear Play. 

Calificación: 8/10 

Si hay un realizador del que me enamore de inmediato al ver su ópera prima (In Brujes), es Martin McDonagh. Es por eso que sigo de cerca cualquier nuevo proyecto que tenga, como es el que hoy nos compete, The banshees of Inisherin. Veamos que salió de acá.

Vamos a la ficticia isla de Inisherin, donde a principios del siglo pasado, vemos como dos amigos se distancian por la decisión de uno de ellos. Este suceso tan banal, va a desatar una guerra declarada entre ambos, afectando a toda la comunidad.

La historia puede ser una tontería, más si tenemos en cuenta que The banshees of Inisherin dura casi dos horas. Y pese a que la trama se basa en puro diálogo y presentación de universo, al menos a quien le habla, esa duración casi no la sentí. Y no lo digo por estar cegado por mi fanatismo hacia el director; solo basta ver las nominaciones en la próxima edición de los Globos de Oro para darse cuenta que si estamos ante una buena película.

Como reza el dicho de “pueblo chico, infierno grande”, eso es lo que nos plantea McDonagh con su nueva película. A priori pareciera que nada pasa en Inisherin y que todos conforman una comunidad unida que trabaja, va a la iglesia, y por las noches se reúnen en el único pub que hay para cantar y charlar entre amigos. Nada más lejos de la realidad.

A medida que los personajes conversan (en apariencia de nada), vemos como es el funcionamiento interno de esta isla. Tenemos a la tendera chismosa, el policía violento, hasta incluso el tonto del pueblo. Y a nuestros protagonistas, dos hombres que pasaron los cuarenta hace tiempo, que al parecer eran buenos amigos de toda la vida hasta que uno se hartó del otro considerándolo aburrido. Seamos honestos, en la vida real, también nos molesta cuando perdemos una amistad, imagínense si eso se da en un lugar apartado de la civilización, con apenas unos mil habitantes.

Pero para que esto funcione, hay que hablar de la fotografía. Todo lo que se imaginan de una Irlanda antigua, se puede ver acá. Y no solo lo decimos por el irlandés mega cerrado que hablan todos, sino por las carretas, la iluminación a base de velas o lámparas de aceite, y como el no tener otra cosa que hacer más que pasarse el día en el pub tomando una cerveza (negra, obvio), criticando a otros habitantes de la región.

Para ir cerrando, el último punto a destacar son las actuaciones. Si bien Colin Farrell es el principal, sobresalen Brendan Gleeson y en especial, Barry Keoghan en el rol del tonto del pueblo.

Martin McDonagh vuelve a demostrar que es de los realizadores más interesantes que hay actualmente en el medio. Si bien creo que no se va a llevar ningún Oscar, es bueno ver esta película con varias nominaciones en la próxima edición. Es lo más justo.

Calificación: 8/10

Lo mejor: las actuaciones, la fotografía.

Lo peor: la historia peca de muy simple

Por Sofía Luna Roberts

La infancia es un período de vida que marca las primeras cualidades de la persona. Sea ésta dolorosa o no, el ser humano siempre está buscando la forma de poder expresar esos recuerdos o sentimientos que lo formaron como la persona que es hoy en día. Estas expresiones se vuelven vitales y necesarias para poder atravesar los traumas y convertirlos en algo sanador. Dan Breitman nos muestra su proceso a partir de la obra “Yo quería un musical… ¿Y qué?”, el primer musical de su autoría escrito en conjunto a Virginia Magnago y Darío Jalfin. Una obra que conlleva una historia única sobre un gran artista que se propuso a contar lo que padeció en su infancia de una manera lúdica y humorista. Dan Breitman los espera los próximos días jueves a las 22:15 hs en Paseo La Plaza, Av. Corrientes 1660.

La pieza teatral nos sumerge en los distintos espacios, tiempos y personas que el actor fue encontrándose durante toda su vida. Dan nos relata historias que lo marcaron, que lo obligaron a preguntarse sobre su rol como artista, desde sus anécdotas más divertidas hasta las más dolorosas. Logra fusionar la comedia con la tragedia de una manera muy equilibrada generando una risa y emoción asegurada por parte del espectador.

En el escenario se encuentra un piano de cola, una silla de director y diferentes vestuarios que son fundamentales para darle cuerpo y textura a las historias relatadas. Darío Jalfin se hace presente en las tablas, acompañando en cada momento la narración de Dan. Sus manos se agilizan al tocar el piano y su voz da comienzo al espectáculo, el cual se transformará en diferentes personajes para darle sentido y vida a esas anécdotas que tanto atrapan.

Las menciones a Liza Minelli o Barbra Streisand circulan por todo el unipersonal, ellas representan los sueños y las aspiraciones que fueron un gran motor en la infancia de Dan para seguir adelante por aquello que se desea. Los monólogos y relatos siempre desembocan en una canción que no subraya lo que se acaba de decir sino que continúa el hilo narrativo, pero de una manera más poética y creativa. Las voces, los instrumentos, las luces y la estética minimalista dejan a relucir la indiscutible vocación de los artistas cuando se trata de un musical a lo Broadway.

“Yo quería un musical… ¿Y qué?” requiere de mucha valentía para exponer la propia intimidad y tragedia que cada uno lleva cargado en el cuerpo. Dan Breitman logra exitosamente convertir situaciones difíciles en comedia y diversión para el espectador. Las canciones, los bailes y la entrega personal son los pilares de esta obra logrando una genuina empatía con el público que es gratamente agradecida con una ovación al final del musical.