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Análisis: Advance Wars 1+2: Re-Boot Camp para Nintendo Switch

Advance Wars 1+2: Re-Boot Camp es un videojuego de estrategia por turnos desarrollado por WayForward y publicado por Nintendo para Nintendo Switch. Es una nueva versión de los dos primeros títulos de la serie Advance Wars, Advance Wars y Advance Wars 2: Black Hole Rising.

Lo primero que tendremos disponible son las dos campañas completas de los juegos originales, que a pesar de recibir un apartado gráfico totalmente nuevo y una banda sonora que ha vuelto a ser grabada, han mantenido su jugabilidad y sus mecánicas intactas. Se han añadido algunas novedades para mejorar la experiencia jugable como por ejemplo un nuevo nivel de dificultad para principiantes, la aceleración de las animaciones en los combates pulsando uno de los gatillos, estas animaciones también se pueden desactivar, la opción de reiniciar el turno actual si el desenlace del turno no nos es propicio.

El juego se desarrolla en un mapa dividido en celdas. En este mapeado tendremos tanto a nuestras unidades como a las unidades enemigas, así como ciudades propias, enemigas, o neutrales que podrán ser reclamadas, y el objetivo será acabar con el enemigo o capturar su capital, según la misión. Tendremos unidades terrestres, aéreas y marítimas, cada una con su ataque, defensa, movilidad, y la posibilidad de mover y atacar, o solo una de las dos acciones por turno.

Nuestras unidades no subirán de nivel, ni tendrán ítems para recuperar defensa o aumentar ataque, ni cambiarán de clase. El enfrentamiento al enemigo será en igualdad de condiciones y con las mismas reglas. Lo que sí podremos es fusionar dos unidades heridas del mismo tipo para conseguir una sola unidad con más vida, abastecernos de munición con la unidad de abastecimiento indicada, reparar daños automáticamente si nos posicionamos en nuestras ciudades, o crear nuevas unidades si capturamos una fábrica y tenemos ciudades en nuestro bando que generen riqueza.

Todo se nos irá explicando de forma sencilla a medida que avanzamos en el modo campaña, aunque hasta bien avanzada la partida aún se le irán añadiendo parámetros y condicionantes que aumentarán la complejidad y profundidad de las batallas. También es importante mencionar a los Oficiales Jefe, que son los personajes que dirigen a las tropas, y que tienen su importancia en el devenir de la refriega de dos formas diferentes. Cada Oficial Jefe influye en las estadísticas de sus unidades, y a la vez tienen un poder especial que podrá influir en las unidades, en las condiciones de la partida, o en el terreno. En la segunda campaña, correspondiente a Advance Wars 2: Black Hole Rising, los Oficiales Jefe serán más determinantes porque contarán también con un súper poder.

Y aunque las dos campañas nos llevarán un buen puñado de horas para poder completarlas, el mayor atractivo del título y fuente de diversión es el modo de Combate VS. donde podremos jugar en los mapas disponibles o en los que hayamos creado con el editor de mapas -bastante sencillo de utilizar-, tanto contra la CPU como contra otros jugadores de forma local, con un máximo de cuatro jugadores y la opción de hacerlo en una o varias consolas. Estas partidas son totalmente configurables y podremos elegir Oficial Jefe, reglas y condiciones de victoria.

El que estaba llamado a ser uno de los mejores modos ha pasado a ser a priori el menos trabajado, hablamos del modo online, que inexplicablemente solo nos dejará jugar y compartir mapas con otros jugadores que tengamos en nuestra lista de amigos y no con emparejamientos aleatorios, como sería deseable, una decisión que lastra uno de los modos de juego más prometedores. Completan los modos de juego una Sala de Batalla donde competir con la CPU en determinados mapas por la puntuación más alta; la Tienda de Hachi, una tienda donde compraremos nuevos Oficiales Jefe y mapas para el Combate VS. con monedas que conseguiremos en el juego; y una Galería.

Entrando de lleno en el apartado audiovisual, como hemos mencionado al principio, este ha sido totalmente rehecho y la banda sonora grabada de nuevo. De la banda sonora poco que decir, definitivamente con las nuevas grabaciones salimos ganando, reconoceremos los temas originales y su calidad y sonoridad han aumentado exponencialmente. Con el diseño gráfico y artístico entramos en una pequeña controversia, los juegos originales hacían gala de un buen pixel art que ha sido sustituido por WayForward por un diseño 3D con apariencia más de plástico o juguete. No esta mal, y nos acostumbramos enseguida a los nuevos diseños, pero es también entendible que mucho fan de la franquicia eche de menos los diseños 2D de Intelligent Systems.

Advance Wars 1+2: Re-Boot Camp es una grata sorpresa, de eso no cabe duda. Después de 15 años con la franquicia en el limbo, volver a disfrutar de la estrategia bélica de Intelligent Systems es una gozada. Su jugabilidad no ha perdido frescura y funciona tan bien como funcionó en su día en Game Boy Advance. Las novedades y añadidos son un acierto que suman al resultado final y también acercan el título a un público más novel en el género.

Conclusión

Advance Wars 1+2: ReBoot Camp es una gran puerta a la estrategia por turnos. No sólo lo demuestra su currículum, sino que con solo jugar unas horas a este título ya estamos dentro de algo mucho más grande que la experiencia en sí. Creo que traerlo de vuelta fue una revalorización absoluta a una gema oculta de Intelligent System, pero los agregados de esta reversión no llegan a desarrollarse de la mejor manera para convencernos de que esta remasterización es la visión definitiva de estos clásicos.

Calificación 8/10

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Reseña: Un domingo

“Un Domingo”, la co- producción entre Proyecto Migra y El Galpón de Guevara, dirigida por el reconocido Florent Bergal, vuelve en su sexta temporada a ocupar el escenario de Guevara 326.





Es domingo, la familia se reúne en torno a una larga mesa. La llegada del prometido de la hija exaspera y abre el grifo para el desborde. Las tensiones afloran, el amor y el odio chocan, las imposiciones sociales y el buen proceder tiemblan. Todo explota. La llegada del invitado desenmascara eso que se esconde entre tapados y dedos meñiques levantados.

Acrobacia, danza, teatro, clown, manipulación de objetos. “Un domingo” es una verdadera fusión de disciplinas. La técnica es consecuencia de las emociones, cada número acrobático y/o bailado es provocado por el estar ahí, presente, en contacto con los otros, con el contexto y con lo que ocurre. Un elenco virtuoso y dinámico que no sólo desborda en precisión física, sino también en expresión y habitación de la emoción. Malabares con pelotas, espadas y bastones, canto lírico, acrobacia aérea y de piso, todo está atravesado por la teatralidad. El público no puede dejar de involucrarse en las situaciones, ya sea desde la risa, la consternación, la sorpresa, la ironía y la admiración.

Un deslugar, un ambiente onírico abarrocado, recargado y ensombrecido. El dorado gastado y el rojo terciopelo cubren las paredes de ese salón con pretensiones de refinado: la oligarquía en decadencia. Quizás el brillo pasado de esa familia se encuentra ahora en las copas y utensilios de plata que no dejan de manipularse y caer y quedar esparcidos en el piso. Son los objetos quienes se han quedado con lo mejor de la existencia del amo que ahora saca lo peor de sí.

La música irrumpe y construye ambiente. La música es también el silencio, es el ruido de las copas que caen, es el filo de las espadas que chocan, la respiración de quien se enfrenta con el amor y el enemigo.

Una obra que es concierto, cuadro vivo, pintura, danza de los sentidos. “Un domingo”, tan sólo un instante, apenas un extracto, apenas un fragmento de la convivencia torcida de esta familia atípica (¿atípica?) en la que hay más resonancias con lo real de lo que parece.


FICHA TÉCNICA


Intérpretes: Juan Carlos Fernández, Sofia Galliano, Gabi Parigi, Tomás Soko, Florencia Valeri, Gabriel Tato Villanueva// Vestuario: Celina Santana// Diseño de luces: Florent Bergal// Asistencia de dirección: Leticia Vetrano// Producción: El Galpón De Guevara, Paz Cogorno// Dirección: Florent Bergal
“Un Domingo”- El Galpón de Guevara (Guevara 326)- Sábado 22:30hs // Domingo 19:00 hs.


ESCRIBIÓ: Micaela Steinbach

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Crítica: Misántropo

Por Jorge Marchisio

Si hay un director que la mayoría amamos en Argentina, es Damián Szifron. Y no es para menos, Los Simuladores es de las series más queridas del país, ya sean cinéfilos o no. Por eso llamaba la atención ver cómo le iba en Estados Unidos, y con un elenco y producción casi en su totalidad norteamericano.



Encabezada por Shailene Woodley y Ben Mendelsohn, Misántropo nos cuenta la investigación sobre una serie de asesinatos en masa perpetrados por un desconocido. Un experimentado agente del FBI y una policía con más de un trauma a sus espaldas, parecen ser los únicos que de verdad le están siguiendo la pista al culpable, mientras los demás se pierden en un mar de burocracia.

Como dijimos, el mayor gancho que tenía este proyecto, al menos para los argentinos, era su director y co guionista, Damián Szifron; más que el caso del asesino que parece inalcanzable para las fuerzas de la autoridad. Y si van a ver Misántropo solo por Szifron, desde ya le decimos que mejor se lo piensen, porque ni de cerca estamos ante uno de sus mejores trabajos.

Y con esto no decimos que la película sea un desastre, sino que como policial, no presenta nada nuevo de un género que fue super explotado, y lo seguirá siendo. Pero esta vez con un punto que, si lo destaca por sobre la media, y es el de la ya mencionada burocracia. Esto se nota en como el personaje de Ben Mendelsohn, tiene que lidiar con superiores que se quieren llevar todo el crédito por resolver el caso, olvidándose que hay un demente que está matando gente de forma impune.

También a favor, hay que mencionar el trabajo de Shailene Woodley y el ya mencionado Mendelsohn; dos interpretes que, en lo personal, considero bastante infravalorados tanto por la crítica como por la industria. La primera lo hace muy bien dando vida a una mujer que tiene varios secretos oscuros, mientras que el segundo, da la talla como ese agente que se sabe que está muy por encima de sus compañeros.

Pero como digo, lo malo es que la historia en sí no es muy original. Esto no sabemos si es culpa de Szifron, o de su co guionista; pero no esperen ver un argumento con muchos giros y una revelación final que les vuele la peluca.

Entonces, para ir cerrando. Misántropo es una película aceptable. Ni de lejos es lo mejor que hizo su director, pero tampoco es mala opción si buscan alejarse de los grandes tanques que nos llegan de Hollywood.



Calificación: 6/10

Lo mejor: las actuaciones, pese a las dos horas de duración la película no se hace aburrida.

Lo peor: pese a no aburrir muchas veces presenta situaciones vista cientos de veces en el género policial.

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Reseña: Kardum


Por Sofía Luna Roberts


Uno de los pensamientos más potentes que me llevé de esta pieza fue: ¿realmente somos conscientes del presente en el cual convivimos? ¿Nos damos cuenta de las decisiones que tomamos? ¿O simplemente nos dejamos llevar por las ambiciones y el poder? Los vínculos que generamos, a lo largo de nuestras vidas, se ven implicados todo el tiempo por las decisiones que realizamos a diario. La familia, vocación, los amigos, el trabajo: son los pilares de nuestras vidas en donde, muchas veces, nos terminan asfixiando si no somos capaces de encontrar un cierto equilibrio para que todo no se desmorone. “Kardum” nos introduce un mundo en el cual los distintos universos de los vínculos aparecen en escena, al igual que los personajes. Se presenta todos los días sábados a las 20 hs en el Método Kairós Teatro (El Salvador 4530).



Con dramaturgia de Ignacio Bresso y dirección de Sofía González Gil, la historia que nos cuentan trata sobre un físico teórico de renombre que, durante una entrevista, presenta su último libro. En el desarrollo de la misma, Lino Kardum comienza a darse cuenta que no todo es lo que parece y que hay aspectos de su vida que desconoce por completo. Las preguntas inquietantes que realiza el entrevistador, ponen en cuestionamiento los distintos roles que fue asumiendo durante su vida. Empieza a generarse un intenso intercambio en donde el amor, la paternidad y vocación son lo único que están en juego.

Ignacio Bresso, Sandra Criolani y Mario Mahler le dan vida a los personajes de la historia, generando diferentes tonos y personalidades muy bien logradas en cada escena. El hecho de que la obra transcurriera en un mismo espacio (una habitación) potenció, de una forma equilibrada, los movimientos y acciones que cada personaje pueda desarrollar en él. El espacio nos brinda un ambientación cotidiana y familiar pero que, al mismo tiempo, puede llegarse a convertir en un mundo donde diferentes universos chocan para dejar una enseñanza transcendental en la vida de Lino.

También me parece pertinente destacar la presencia/ausencia de Clarita, la hija de Kardum. Esto es porque es un personaje que no aparece físicamente, pero dentro de los diálogos es mencionada constantemente. Su presencia se despliega a través de los juguetes de madera que se encuentran en esa misma habitación mientras Lino es entrevistado. Este ir y venir de su hija deja en claro el rol paterno que adquiere Kardum, un rol presente y ausente al mismo tiempo. La distancia que genera con sus vínculos familiares lo hacen cuestionarse sobre las consecuencias y ramificaciones de pequeñas decisiones tomadas en su día a dia.

La dirección de Sofía González Gil muestra una mirada integral de todos los artistas en escena inquietando al espectador con la incertidumbre de cómo se van presentando los acontecimientos arriba del escenario. Su forma de narrar, mediante un uso equilibrado de risa y emoción, nos deja conmovidos por los mensajes que se pueden leer a entre líneas de la historia.

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One vision of Queen: El show que el talentoso Marc Martel nos dió para celebrar la música de Queen

Por segunda vez en Argentina, el pasado domingo 30 de abril, se presentó en el estadio Luna Park el cantante Marc Martel, con un show titulado «One vision of Queen» y que nos trajo un repertorio de lo mejor de la banda británica formada en 1970. Su voz, que denlta una gran similitud a la de Freddie Mercury, músicos con gran talento que lo acompañan y un público ferviente por la música de Queen, han hecho de este show una celebración para cada uno de los fanáticos de la banda.

Marc Martel, es un cantante canadiense que se volvió popular a través de YouTube por imitar la voz del líder de Queen de una manera más que sorprendente, cosa que lo llego a ganar reconocimiento y aparecer en programas de TV y llegando a cantar junto a los propios músicos de Queen Brian May y Roger Taylor. En el 2018 recibió la propuesta de darle la voz a Freddie en la película «Bohemian Rhapsody» y que supuso un gran éxito para el artista. Luego de eso fue dando shows en el que demostraba su talento y carisma en el escenario, y es así como pudimos apreciar su presencia en el estadio Luna Park.

El show comenzó cercano a las 21 horas con el público ya ansioso con el comienzo del show. Marc Martel junto a la banda, inició la noche con We will rock you, con una versión más personalizada por el showman de la noche, aunque recreando algunos gestos y poses de Mercury. Más tarde han sonado éxitos como «Another one bites the Dust» «I want to be free» «Under Pressure». Fue también en la presentación, de no solo canciones icónicas, sino interpretaciones en vivo de freddie que quedaron en el recuerdo, que han sobresalido en esta noche. Una de las primeras que sonó, fue Bohemian Rhapsody, con Marc Martel en el piano, recordando también al público que fue participe del film y preguntándoles si les había gustado, ya que su voz fue usada en varios de los montajes del film.

Uno de los momentos en el que gran parte del público se puso de pie , fue con la canción «Radio Gaga» en el que el cantante dejó a la gente que cante parte de su estribillo junto a los aplausos al ritmo de la canción. También fue especial la interpretación de «Somebody to love» donde Marc expresó que era una de sus canciones favoritas de Queen y fué un tema que lo cantó con pasión y entusiasmo.

One vision of Queen fue un show que nos regaló una emocionante noche para recordar a una de nuestras bandas favoritas, fue tal la emoción del público, que los músicos debieron volver en tres ocasiones luego de terminar el show, culminando con «We are the champions» y nuevamente «We will rock you » con un aire más festivo. Luego de que se encendieron las luces , el público siguió pidiendo un tema más y fue cuando a los minutos, volvió Martel al escenario y dijo que ya habían cantado todos los temas que prepararon, pero que gracias al recibimiento de público iban a hacer un tema más que no se encontraba en el repertorio. Así fue como cerraron con «The Show Must Go On» una noche única en el Luna Park.

Agradecemos enormemente a la gente de Stargate Productions y Mts agency por invitarnos al show y permitirnos realizar nuestra cobertura

Fotos: Luciana Estela Aguilar

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Música para volar: Deslumbró en el Teatro Broadway con su show «Soda Sinfónico»

Soda siempre en nosotros

Pasan las décadas, cambian los gobiernos, vienen crisis o se rompe todo pero Soda Stereo siempre sigue allí, sosteniendo al pueblo argentino y dándole fuerza. A 41 años de su creación no hace falta presentar lo que ya forma parte del ADN de esta nación, ¿Hay alguna duda del poder sodero? Por suerte tenemos Música Para Volar.



El pasado 29 de abril el Teatro Broadway se llenó de rock al presentar al grupo Música Para Volar. Un concierto sinfónico homenaje a Soda Stereo en un paseo desde los clásicos a los temas menos populares. Integrado por José Matteucci en batería y voz, Alexis Thompson en guitarra, Julieta Sciasci en bajo y voz y Bruno Moreno en piano, quien además se encarga de componer los arreglos para orquesta y coro.

Desde 2012 este talentoso cuarteto no es solo un tributo, es una experiencia que llena de energía incluso al público que solo conoce las canciones más emblemáticas.

Para este concierto el grupo dispuso de una lista de canciones en su página web, las más votadas eran parte del repertorio, obviamente se complació al público con uno u otro capricho. Cabe destacar que José Mattecci además de ser el baterista también fue la voz, algo poco visto dentro un grupo de rock, el joven músico animó y fue guía de esta experiencia.



Los arreglos corales de Bruno Moreno elevaron la noche y mostraron las canciones de Soda de otra manera, una más solemne. El coro estuvo integrado por adolescentes cuya energía y jovialidad fue transmitida al público hasta el último minuto.

Música Para Volar puso a rockear al Teatro Broadway y a todo el Obelisco. Una noche para soderos y para fans captados durante el recital. ¿Quién no ama a Soda Stereo?

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

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Crítica: Los caballeros del zodiaco

Aquellos que ya pasamos los treinta aun tenemos recuerdos de Vietnam con la infame Dragon Ball Evolution. Por eso todos nos agarramos la cabeza cuando nos enteramos que se venía un live action con intervención yanki de Los caballeros del zodíaco. Pero creo que ni el más pesimista estaba preparado para esto.



La historia que nos dan, ahora, sigue a Seiya, un joven que anda buscando a su hermana Patricia. Un día, se topa con Anmal Kido, un multimillonario que le dice que, en realidad, es el Caballero de Pegaso, leal protector de su hija Sienna, quien, en realidad, es la reencarnación de Athenea, diosa de la guerra.

Si les parece raro que haya algunos nombres cambiados, lamento decirles que quizás ese sea el menor de los males que presenta Los caballeros del zodíaco; porque no solo estamos ante esos casos de una pésima adaptación, sino que aparte, es una muy mala película por méritos propios; volviendo a demostrar que occidente no debería tocar material oriental.

Ahí tenemos muchas ñañas vistas en adaptaciones sin sentido, como empresas multimillonarias y multinacionales que no existen en el material original, efectos de dudosa calidad, flashback que se repiten hasta la saciedad con el único propósito de estirar el metraje, personajes nuevos que nadie pidió mientras que otros brillas por su ausencia. Y podría tirarme un párrafo de diez líneas con lo mismo.

Para colmo, la ineptitud de los responsables es tal, que ni siquiera se tomaron la molestia de poner alguno de los temas más conocidos del anime. Hay un momento donde suena de forma muy leve una canción, pero es un cover. Si es que hasta youtubers conocidos que hablan sobre cine, usan más temas de Los caballeros del zodíaco que los propios creadores de su live action.

No quiero aburrirlos con una perorata enorme para algo que ya se dieron cuenta, y es que Los caballeros del zodíaco es pésima. No me cabe duda que aun sin llegar a la mitad del año, estamos ante una película que seguramente encabece los tops de lo peor del 2023.




Calificación 2/10




Lo mejor: que no dura más.

Lo peor: mala adaptación, malos efectos, mala dirección, y aparte se torna aburrida.

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Análisis: Curse of the sea rats para Nintendo Switch

Curse of the sea rats es el nuevo juego del estudio español Petoons Studios con un juego protagonizado por ratones y que responde a un metroidvania que puede disfrutarse en cooperativo con amigos. Se trata de un juego que demuestra ingenio en su diseño, jugabilidad pero que presenta algunos fallos técnicos en la versión que pudimos probar.

En este titulos tienes cuatro personajes controlables, cada uno con sus propias habilidades y estilo de juego, un multijugador local para hasta cuatro jugadores; y una poderosa identidad visual, gracias a su animación 2D hecha a mano y sus ratas antropomórficas. Tras el hechizo de una bruja, toda una tripulación es convertida en ratas, y esta además, secuestra al hijo del capitán. Luego de eso tenemos a cuatro prisioneros que iban en el barco que se comprometen a rescatar al niño a cambio de su liber, iniciando la aventura en la que puedes elegir a cualquiera de los personajes, cada uno con sus habilidades especiales.

Curse of the Sea Rats es un juego pensado para jugar con amigos , por eso es posible jugarlo en ooperativo hasta 4 jugadores de forma local. Se debera ir limpiando mazmorras y derrotando jefes, y con otros jugadores esto se vuelve más divertido, aunque la experiencia en solitario también es entretenida. En cuanto a su gameplay es bastante acertado, tanto en la acción como en la exploración de su escenario, aunque su mapa puede ser un poco intrincado, pero sin resultar frustrante. El problema ha sido en algunos momentos su rendimiento, encontrándonos con algunos bugs, momentos en el que la imagen se congelaba, o algo que nos impedía mover al personaje, si bien no fue algo que abundó o estropeó la experiencia, si podría mejorarse con una actualización.

El apartado visual si es sobresaliente, y se nota el trabajo y cariño que le han dado a esta propuesta, con diseño de personajes dibujado a mano que se sienten bien creativos, además de muchos escenarios que logran destacarse, en vez de darnos algo más convencional como en muchos metroidvania. En cuanto al sonido, su banda sonora no pasa para nada desapercibida, con música que acompañan perfectamente a la acción y la ambientación de la historia.

Curse of the sea rats es un juego con mucho potencial, que ofrece una experiencia muy divertida que puede disfrutarse en solitario o con hasta 4 jugadores en forma local. Su estilo Metroidvania nos permite la exploración, en conjunto con un combate que es entretenido y del cual podemos optar por las distintas habilidades que cuentan los cuatro personajes y que pueden intercambiarse en los puntos de guardado. Su rendimiento puede ser mejorable, pero le damos un voto de confianza porque es algo que se puede arreglar con una actualización.

Calificación 7/10

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Crítica: If yes, okay

Surrealismo ácido en el cine de autor

Alejandro Jodorowski es uno de los directores contemporáneo que puso en pie al cine surrealista, este que en su momento Buñuel y Dalí daban a conocer en la década de los veinte. Tanto Jodorowski como otros cineastas posteriores a él han logrado recuperar las bases del surrealismo: Los sueños y sus múltiples interpretaciones, los simbolismos, distorsión de la realidad, lo absurdo y lo extraño.


El director neerlandés Dick Verdult presenta su más reciente película en la nueva edición del Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI). Conocido como Dick El Demasiado, tuvo una crianza muy latinoamericana al estar en países como Guatemala, México, Argentina y Francia, estos países latinos han aportado a la influencia no solo de su cine, sino también en su faceta musical.


En el presente festival presentó ‘’If yes okay’’, la cual el director resume de la siguiente manera: ‘’Amy, la hija de 15 años, intenta escapar de la presión de este ambiente tóxico transformando su vida en un capricho extravagante, un teatro venenoso al estilo Kabuki. Este proceso cambia radicalmente su mundo: matar a su padre, como solución temporal, para huir en la noche, no impedirá que entre a un nuevo nivel de locura’’.
Durante los primeros cinco minutos el espectador es sometido a prueba pues no es una película fácil de digerir. Un conjunto de imágenes abstractas con personajes histriónicos y carnavalescos se presentan, una música electrónica distorsionada y tétrica va de fondo y luego una historia que carece de sentido.


Dick El Demasiado abarca un estilo dadaísta, esto se evidencia dentro del absurdismo que maneja en este filme, también coquetea con la comedia y sátira social, se sabe que los personajes se desarrollan en un ambiente esnob donde el ocio abre la puerta a sus locuras.


If yes ok presenta una paleta de colores muy festiva donde se destaca el verde, morado y rojo, acompañado de un diseño de vestuario sacado de una obra de teatro sobre el espacio, a su vez toda la puesta en escena se acopla, esto atrae a la vista y más bien nos sumerge dentro lo bizarre, asumimos el reto de que vamos a ver algo extraño o no.
El director juega con referencias hacia Argentina, país que conoce muy bien, estos guiños la vuelven simpática pero no la salvan de lo tortuosa que tiende a ser.


Posiblemente If yes ok sea una de las propuestas mas underground que se verá en el BAFICI, es una película con un fuerte sello de actor que odias o amas, no hay puntos medios, aceptamos la locura y surrealismo ácido del director o apartamos la vista para buscar algo más tolerable.


Escribió Sebastian Arismendi para La Butaca Web

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Analisis: The library of Babel

En esta ocasión tuvimos la oportunidad de probar el juego The library of Babel, un título que nos trae una aventura gráfica pero combinado con un juego de plataformas. Se trata de una propuesta simple pero con un gameplay interesante, que atrapa aunque marea su combinación de elementos.

En library of babel te envían a una colonia remota en lo profundo de una jungla solo para presenciar rápidamente un asesinato-suicidio. Esto se centra en una biblioteca que «… contiene todo lo que se ha escrito, se escribe y se escribirá…» y un levantamiento creciente que podría destruir los cimientos de la sociedad de robots. Jugamos como Ludovik, un buscador encargado de explorar y aprender información sobre un androide rebelde. El androide rebelde, Kabor, era un general de la colonia con base cerca de la biblioteca, que se había vuelto loco después de pasar un tiempo dentro de la biblioteca y analizar sus datos. Han establecido un culto, oponiéndose a otros androides y reclutándolos con la promesa de la verdad.

En su gameplay te moverás por el mundo desplazándote de izquierda a derecha, con un poco de verticalidad , desbloqueando nuevos caminos y secretos al estilo Metroidvania. El Buscador es una construcción frágil, fácilmente aniquilado con un solo golpe por el fuego enemigo y los obstáculos, por lo que se deberá estar al tanto con la plataforma y el sigilo, teniendo que agacharse y esconderae detrás de escondites resaltados. Los guardias aún pueden escucharte en estos casos, pero si te dan un espacio lo suficientemente amplio, puedes escabullirte hasta tu próximo escondite designado y esperar a que tus enemigos pasen. Si bien su gameplay es interesante, nos pasa algo con su aspecto Metroidvania, que a veces las pistas o están bien escondidas o son nulas por los que nos dificulta avanzar y puede llegar a la frustración.

En cuanto a los aspectos técnicos, el título tiene un más que interesante presentación. Hay un buen diseño de personajes, de escenarios y combinación de colores. La ambientación es uno de los aspectos más destacados del título y la música está acorde a los momentos que se viven en su exploración, como los momentos diversos de acción y suspenso.

The library of Babel es una propuesta que es interesante en su presentación y ambientación. Es probable que el gameplay, al combinar varios elementos resulte algo confuso. Su jugabilidad es atractiva acorde a la historia que estamos siguiendo, aunque puede que nos perdamos por el camino y necesitenos paciencia y concentración para poder seguir, pero aun así en su conjunto la propuesta es satisfactoria.

Calificación 6.5/10

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