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Film&Arts presenta el documental El primer folio de Shakespeare. En celebración del 400 aniversario de este libro fundacional, se llevará adelante el XII Festival Shakespeare Buenos Aires del 21 de abril al 5 de mayo, que incluirá charlas en la Feria del Libro. El documental se podrá ver el domingo 23 de abril a las 19.00 hs (Arg).
En colaboración con Folio 400, El primer folio de Shakespeare, dirigido por Patricio Orozco y producido por Film&Arts , se realiza un recorrido de la historia del First Folio desde sus comienzos. Cuando dos amigos del escritor, Heminges y Condel, decidieron comenzar con la tarea de recolectar las obras. En este documental, se ve el proceso de impresión del libro hasta la venta de un ejemplar en 10 millones de dólares recientemente. Sin este ejemplar probablemente se habrían perdido la mitad de las obras de Shakespeare, pero se han conservado y hoy en día sigue siendo uno de los dramaturgos más representados en los teatros del mundo.
Este año, en el marco del Festival de Shakespeare y la Feria Internacional del Libro en La Rural , se ofrecerá una serie de actividades y, entre ellas, la presentación de esta joya de documental el martes 2 de mayo . Además, se propone una selección de espectáculos que presentan a la nueva generación de jóvenes shakespeareanos, obras de teatro y charlas.
En Inglaterra, se produjo este rodaje en lugares significativos para este libro y su autor como el Holy Trinity Church, lugar donde se encuentra la tumba de Shakespeare; en The Stationers Company, la compañía de Impresores y Periódicos. Además, en el teatro Shakespeare’s Globe y el Dam Wanamaker Playhouse, en el salón de subastas Christies- Board room, en St. Paul’s Cathedral y en el Senate House Courtroom de Londres.
Film&Arts está disponible en Argentina por Cablevisión (HD 457), Direct TV (746), Telecentro (520/HD 1086), Movistar TV (HD 611), Claro TV (333) y Supercanal (434).
Luego de siete años sin pisar suelo argentino, se presentó en el Luna Park la noche del 22 de abril la cantante francesa ZaZ. Una noche inolvidable no solo para los fans acérrimos sino para los que fueron por primera vez.
Aunque desde 2001 está activa en la música participando como la voz en grupos de jazz en París, no fue hasta 2010, alcanzò el reconocimiento internacional con su primer disco en solitario titulado ‘Zaz’, siendo su primera canción ‘Je veux’ la que se convirtiò en Hit Wonder, incluso en Argentina se pudo sentir la voz y energía del francés de Zaz.
Con cinco álbumes en su carrera, Zaz aún sigue conservando esa humildad y entrega hacia el público, nunca olvida sus raíces de artista callejera y más bien intenta volver a ellas. El Luna Park comenzó a llenarse luego de las 21 hasta que quedó en su máxima capacidad, antes de eso, el cantante rosarino Tiago y los pájaros se presentó con sus temas animando al público con su voz y energía. La gran apareció a las 21:30 pero todos se preguntaban dónde estaba Zaz, los músicos tocaban el tema ‘De couleurs vives’ sin ella. No fue hasta que su voz se escuchó ¡¡¡Desde las gradas altas!!!
Los asistentes de las gradas altas quedaron sorprendidos con este hermoso detalle de ZaZ. La cantante comenzó a entonar la canción de su más reciente disco ‘Isa’ paseando por las gradas hasta bajar a campo y luego al escenario donde fue recibida por su fiel público en Buenos Aires. Al terminar la canción agradeció en francés y leyó una carta poética en español. Las lágrimas no faltaron.
Desde temas clásicos como Les passants, J’oublié la nuit, La fée, On Ira o mas recientes como Si j’amais, Tout la haute, la francesa se paseó por diversos gèneros además del Jazz, sorprendió con su faceta rock, pop y acústica, dio sus covers de Edith Piaf en temas como Dans ma rue y La Vie en Rose, pero cuando cantó Je Veux acercándose al final el público estalló y todo el Luna Park cantó sin parar el estribillo. Fue un momento de euforia difícil de olvidar.
ZaZ no sólo agradeció sin parar al público sino a todo el equipo técnico no solo de su logística sino también del Luna Park, haciendo un aplauso hacia el iluminador del teatro, por primera vez en un concierto se iluminó a un iluminador.
ZaZ terminò cantando La vie en Rose y dando a conocer a los miembros de su banda, con nostalgia intentó despedirse y parecía aferrada al escenario, el público porteño no la quería dejar ir, ella recogió sola hasta el último regalo de sus fans y se quedó estática sonriendo mientras el Luna Park cantaba un Olee Oleee Zaz Olee.
Merci beaucoup de venir encore une fois ZaZ, L’Argentina c’est ta terre.
El 21 y 22 de abril fueron las fechas elegidas para el regreso de Romeo Santos en Argentina. Tras una primera fecha agotada, se agregó una nueva función el 21 de abril, el día que tuvimos el placer de asistir. Con una enorme producción, un público eufórico y al artista dantodo de sí, disfrutamos una noche a pura bachata.
En el show del viernes, la noche comenzó con el show de Luckra, quien actuó de telonero y fue animando a la gente que ingresaba, en su mayoría a aquellos que tenían su lugar cercano al escenario y esperaban poder estar lo más cerca posible de su artista favorito. Una vez terminado ese show, tuvimos el placer de tener a deejaymad, quien nos dio música en un momento en el que estadio ya se estaba llenando y animaba a la gente sobre el el show que estaba por venir, y anticipando que Romeo Santos subiría a alguna de las fanáticas en un momento del show.
Es cierto que el ingreso de Romeo Santos se hizo esperar, porque llegó casi a las 22 horas, suponemos por algunas demoras en el acomodo del público, pero la espera había valido la pena. Es así como el artista ingresó en el imponente escenario, cantando temas como «Pañuelo» «Diabla» y «Eres mia» , con un público sumamente eufórico. Romeo dio un brindis, principalmente por la bachata, el género que representa y defiende fervientemente, convirtiéndose en uno de los exponentes más populares del género..
Los hits siguieron en la noche, y hubo un momento en el que el cantante sentado en su trono, dijo que interpretaría canciones clásicas y es donde el público ha acompañado cantando cada tema. También se hizo presente las canciones del grupo aventura, en el que se interpretaron temas como «Mi corazoncito» «Un beso» y «Obsesión». El show terminó por todo lo alto con uno de sus temas más populares, culminando con «Propuesta indecente»
Si bien el show , en su primera noche, tuvo una organización algo caótica, todo fue recompensado a la hora del inicio del show principal. Con un imponente escenario y un agradable diseño de luces, el artista Romeo Santos salió a dar su show y demostrar porqje lo llaman el Rey de la bachata, con una setlist de más de 30 canciones, conexión con el público presente y la celebración de todos sus hits.
Agradecemos a la gente de Fénix Entertainment por invitarnos al show y permitirnos realizar nuestra cobertura de prensa.
La cantante y compositora Rita Ora anunció su esperado tercer álbum “You & I” (que saldrá a la venta el 14 de julio a través de BMG) junto al estreno del nuevo single «Praising You» feat Fatboy Slim.
Con Rita como coautora de todos los temas del álbum, You & I demuestra ser su proyecto más personal hasta la fecha. Trabajando con el productor ejecutivo Oak Felder (Ariana Grande, Nicki Minaj, Alicia Keys, Usher), Ora ha creado un álbum conceptualmente hilado para significar los diferentes capítulos de su relación. Un disco lleno de energía sobre lo que se siente al enamorarse de alguien de forma instintiva y maravillosa.
«Este álbum significa mucho para mí», dijo Rita. «Es como mi diario de los últimos años, es mi sonido, se siente tan fiel a mí y a quien soy hoy».
Junto con el anuncio de “You & I” (la continuación de su aclamado éxito pop “Phoenix”), Rita también lanzó su nuevo single «Praising You» junto a Fatboy Slim. Una versión del himno de culto «Praise You, que sampleaba «Take Yo’ Praise» de Camille Yarbrough y que este año celebra su 25 aniversario. «Praising You» toma el clásico riff de piano y el estribillo feel-good del original e introduce la versión de Rita de la historia, una deliciosa metáfora de la naturaleza fascinante del amor, siendo un himno veraniego infalible.
«No sólo obtener el sello de aprobación de Norman Cook (FBS), sino que colaborar con él y rendir homenaje a una canción tan importante de mi infancia se convirtió en una experiencia surrealista», comentó Rita. «Creo que esta canción significa algo diferente para cada persona, pero desde mi punto de vista, se trata de alabar a tus seres queridos y celebrar realmente esas relaciones. Me siento increíblemente honrada de poder darle nueva vida y reintroducirla a toda una nueva generación.»
Hablando de esta nueva versión, Norman dijo: «De un encuentro casual a altas horas de la noche en el Naughty Corner de Glastonbury surgió una amistad y una colaboración que podrían parecer improbables. Sin embargo, aquí está, ¡y tiene vida propia!».
El videoclip, dirigido por el ganador del Oscar Taika Waititi, muestra a Rita en una audición con un grupo de bailarinas para el papel de sus sueños y cuenta con un cameo de Fatboy Slim. Con un guiño al video original de «Praise You», dirigido por Spike Jonze, Rita lidera al grupo a través de su desordenada rutina, ganándose poco a poco a los jueces en lo que se convierte en un gran número al estilo de Studio 54, con glamorosos cambios de vestuario y una coreografía estelar. En una colaboración exclusiva con Meta, se puede ver en Facebook como video musical premium y en Instagram, y estará disponible en todas las plataformas, incluido YouTube, a partir del 28 de abril.
El martes 9 de mayo, en la semifinal 1 del Festival de Eurovisión, Rita interpretará por primera vez en exclusiva mundial «Praising You», junto con un popurrí de algunos de sus mayores hits. Emitida por primera vez en BBC One y BBC iPlayer en el Reino Unido, la semifinal del Festival de Eurovisión 2023 también podrá verse en directo en más de 35 países de todo el mundo, con una audiencia prevista de más de 40 millones de espectadores.
La canción «Praising You» sigue al lanzamiento de «You Only Love Me», que ha acumulado 40 millones de streams globales hasta la fecha y ha sido alabada por The Sunday Times («un hit electro-pop instantáneo»), Billboard («una oda finamente elaborada a un romance complicado» en la que Rita demuestra ser «una experta en el tipo de pop electro-teñido y elegantemente diseñado que exhibe»), y PAPER, (que declaró que el single «profundamente pegadizo» es «Rita en su mejor momento»), entre otros.
«You Only Love Me» fue también el primer lanzamiento de Rita desde que firmó un acuerdo de colaboración con BMG, en virtud del cual será la propietaria de todas sus futuras grabaciones maestras y disfrutará de un control artístico que no había tenido antes.
Antes del lanzamiento de «You Only Love Me», se anunció que Rita se unirá a Brandy en la película original de Disney+: Descendants: The Rise of Red. También actuará junto a Robert De Niro y Jamie Foxx en la próxima película Tin Soldier.
Julio O´Byrne y Leonel Vallejo vuelven al Teatro Payró con su versión de “La muerte de Marguerite Duras” de Eduardo «Tato» Pavlosky.
Un hombre en la soledad de su casa observa la agonía y consecuente muerte de una mosca a quien llama Marguerite Duras. Este hecho se vuelve la llave que abre la puerta al ejercicio de la memoria. Los recuerdos de la infancia, del padre, de aquel verano, del paso del tiempo. Este hombre recibe visitas, son los fantasmas de su pasado quienes llaman a la puerta y van trazando un camino de recuerdos en donde fluye la fantasía, el temor, el odio, el amor. En el hombre, la complejidad del yo y el nosotros, la duda existencial, el miedo y, a la vez, la curiosidad por la muerte y por el qué vendrá.
El texto de Pavlosky enfrenta al ser con la finitud, la banalidad de la muerte de una mosca despierta la consciencia del propio estar. Como uno de los tantos fantasmas que se encuentran con el hombre, Marguerite Duras sobrevuela. Homenaje quizás a la escritora francesa conocida por tratar en su literatura temas como la soledad, el viaje, el infinito, la inmortalidad, lo imposible: “Mirad las arenas muertas del desierto, el cuerpo muerto de los niños: la inmortalidad no pasa por ahí, se detiene y los esquiva”.
La versión que Julio O´Byrne y Leonel Vallejo (actores, directores y productores) realizan es novedosa: aquel hombre está desdoblado, el choque de la propia existencia consigo misma se aborda desde dos cuerpos en escena: “Dos caras de una misma moneda”, dice el programa de mano. La convivencia entre el torturador y la víctima, lo terrenal y lo poético, lo suave y lo duro, el boxeador y el actor.
El ritmo que logra el dúo es dinámico. Soliloquios que se combinan con diálogos vertiginosos, momentos de risa y otros de angustia sepulcral. Es para aplaudir la versatilidad corporal y vocal de ambos a la hora de encarnar la identidad desdoblada del protagonista, así como los múltiples fantasmas que irrumpen. Química grupal, funcionamiento colectivo. ¿Qué será que “funcione”? Quizás esa magia que mantiene al público activo repensando(se), reflexionando(se), siguiendo los recuerdos de un hombre que también hablan de la memoria del país.
El espacio (Facundo Veiras) está ocupado por dos sillas, un perchero y un proyector de diapositivas. El vestuario (Facundo Veiras) es funcional a la construcción de las diferencias que separan (¿o unen?) a las partes de ese yo. Todos estos elementos sitúan al protagonista en la década del ’70. La música original (Pablo Luna) actúa como separador de escenas. Cabe mencionar también al diseño lumínico (Miguel Ángel Madrid) en el que los espacios del sueño y de la fantasía se construyen en contraposición con la realidad mundana y solitaria.
Julio O´Byrne y Leonel Vallejo han logrado un (no)monólogo que demuestra que el texto de Pavlosky sigue vigente, que los temas que en él se abordan son actualizables al infinito, que la memoria es acción necesaria y que el teatro como espacio de juego, renovación, reflexión y diálogo sigue produciendo eso: el encuentro con un otro, con el presente, con la historia y con el propio ser.
“La muerte de MArguerite Duras”– Jueves 20hs– Teatro Payró (San Martín 766)
Sifu nos cuenta la historia de un joven aprendiz de artes marciales, que puede ser chico o chica según elijamos, el cual ve cómo su padre muere mientras intenta defender su casa de unos invasores algo familiares. No sabemos exactamente qué buscaban o cuál es su relación, pero sí que queremos vengarnos.
8 años después, ya como adultos y con todos los fundamentos del kung-fu aprendidos, nos lanzamos a una aventura que dura una noche entera, en la que hemos de encontrar a los 5 líderes que orquestaron esa matanza y acabar con ellos. Comenzamos a jugar con 20 años y hemos de superar cinco grandes zonas. Al final de cada una de ellas, nos espera el correspondiente jefe final.
En su superficie, Sifu es un beat ‘em up al estilo de clásicos como Streets of Rage o Final Fight, pero tridimensional. Con solo un par de botones, podemos lanzar toda clase de golpes a los matones que nos van saliendo al paso, pero en seguida nos damos cuenta de que hay mucho más por descubrir. Lo primero que llama la atención es que el juego tiene una dificultad muy alta desde el principio. Y es aquí no podemos aporrear botones para ver qué sale. Este es un juego de pelea muy técnico, en el que debemos estar totalmente concentrados para saber cuándo bloquear, fintar o alejarnos.
Para entenderlo mejor, hay que conocer la disposición de botones. Tenemos uno de ataque ligero y otro de ataque fuerte, que lógicamente podemos combinar para hacer toda clase de combos. Otro botón sirve para tomar armas o bien para atacar a un enemigo caído. En los gatillos está la clave, uno de ellos sirve para alejarnos, pero lo fundamental está en el que usamos para protegernos. Si lo dejamos presionado y pulsamos una dirección en el momento justo, podremos esquivar un golpe, lo cual es fundamental. Estas esquivas son cruciales en los duelos contra los jefes finales y enemigos complicados. Como en las artes marciales de verdad, tenemos que respirar hondo, enfrentarnos al rival, esquivar con precisión sus ataques y aguardar al momento justo en que baje la guardia para contraatacar.
A base de combinar esquivas, cobertura y huida llegamos a romper la defensa del rival, lo que lo puede dejar indefenso por unos momentos. Si le queda poca salud, se nos instará a usar un ataque final demoledor, pulsando dos botones a la vez. Estos ataques no solo son espectaculares, sino que además hacen que recuperemos una pequeña porción de salud. De hecho, salvo unas pequeñas excepciones, esta es la única forma de sanarnos que nos da el juego, por lo que hay que saber aprovecharla. Si encadenamos más de un enemigo caído, el héroe estará «on fire» y eliminará a los siguientes con menos golpes. Además de nuestra barra de salud, tenemos una barra de concentración que se va llenando a medida que golpeamos y, una vez llena, permite ejecutar en momentos clave ataques especiales imparables, como un barrido que tumbe al enemigo o un «piquete de ojos», que lo atonte por un momento.
Por último, tenemos una barra de equilibrio, que se llena a medida que recibimos golpes. Si esta llega a saturarse, nuestro personaje se tambaleará y quedará a merced de los malos, así que es prudente alejarse de vez en cuando para que el equilibrio se restaure solo. Aunque nuestros puños y patadas son cruciales, también iremos encontrando armas que dan pie a movimientos únicos y causan más daño, como bastones, armas blancas u objetos de un solo uso tales como botellas. Podemos usarlas en el cuerpo a cuerpo o bien arrojarlas para golpear por sorpresa. Todo esto ya hace que los combates tengan mucha miga de por sí, pero aún no hemos entrado en el aspecto más original de Sifu: el envejecimiento. Si nos golpean demasiado, nuestro personaje muere, pero podemos hacer que resucite en el mismo sitio gracias a un misterioso poder.
El precio a pagar es que el héroe envejece cada vez que resucita. La primera vez, solo envejecemos un año, así que pasamos de los 20 a los 21. Pero si nos matan de nuevo, envejeceremos 2 años más. Si nos matan de nuevo, envejeceremos 3 años. Cada vez que iniciamos una nueva decena, no solo cambia nuestro aspecto, sino que pasamos a hacer más daño con cada golpe, pero nosotros tendremos menos barra de salud. Si llegamos a los 70 años, la siguiente muerte será la última y tendremos que reiniciar el nivel.
Hay ciertos «trucos» para evitar nuestro envejecimiento. Por un lado, si después de morir conseguimos acabar con enemigos clave, reduciremos el contador de muertes. Así, si estaba «previsto» que con la siguiente muerte envejeciéramos dos años, pero conseguimos una victoria clave, con la siguiente muerte envejeceremos solo un año.
Cada vez que empezamos un nuevo escenario, arrancamos con la edad con la que acabamos el anterior. Así, si superamos la primera fase con 60 años, nos tocará arrancar la segunda siendo ya unos adultos mayores. Pero claro, si morimos de viejos o directamente abandonamos, al volver a entrar en ese nivel empezaríamos con esos 60 años, no con más. Siempre empezamos con la edad más joven con la que hayamos llegado al nivel.
Hay un factor extra que da aún más juego: nuestro tablón de pistas. El héroe quiere averiguar qué pasó en realidad hace 8 años, así que va recogiendo pistas como cartas o folletos en los niveles, que automáticamente quedan reflejados en el tablón. Lo que esté en el tablón permanece siempre, aunque muramos.
Esto es importante, porque en ese tablón podemos añadir algunas llaves o tarjetas que nos den acceso a rutas alternativas del nivel, las cuales suelen ser más rápidas. Así, puede que nos vengan avanzar mucho en el nivel, aunque acabemos siendo muy viejos, porque quizá desbloqueemos una ruta más cómoda que podamos seguir luego, siendo más jóvenes.
Los niveles de Sifu también esconden algunas estatuillas de dragón. Podemos usar cada una solo una vez y, al hacerlo, ganamos el derecho a desbloquear mejoras que se apliquen hasta que muramos definitivamente: más daño con las armas, más capacidad de concentración. Para poderlas desbloquear, necesitamos un número de puntos de experiencia, de puntos en general o incluso tener una edad determinada. Si somos demasiado viejos, no podremos desbloquear algunas ventajas. Ya lo veis, este juego de lucha hilar muy fino hasta en las ventajas que nos da.
En esas mismas estatuillas o cada vez que nos matan, podemos invertir los puntos de experiencia en aprender nuevos movimientos: un ataque cargado, combos nuevos de puños y patadas. Algunos son extremadamente útiles, pero si nos matan, los perderemos. La única solución es gastar su precio multiplicado por 6, lo que los desbloqueará permanentemente.
Llegados a este punto, tendrás claro que Sifu no es el típico juego de peleas. Tiene normas muy estrictas, que una vez bien entendidas os pueden facilitar bastante la vida. Pero lo más probable es que al principio el juego les resulte extremadamente frustrante. Tiene combates muy, muy duros y seguramente se queden pasmados más de una vez al ver cómo envejeces sin parar, sin que te de tiempo de conectar más de un par de golpes.
Conclusión Sifu es un juego que merece muchísimo la pena. Al igual que en las viejas películas asiáticas de artes marciales o en su anime favorito, puede que al principio crean que los retos son imposibles, pero a base de observar, perseverar y saber cuándo hacer cada cosa, mejoraran casi sin darse cuenta. Tanto es así que, cuando ya hayan superado algunos niveles y vuelvan al primero, se sorprenderán de lo fácil que resulta algo que parecía inabarcable antes. Es, en definitiva, un sorprendente placer visual en muchos momentos, gracias en buena medida a los juegos de cámaras y a unos movimientos de lucha apabullantes, que nos hacen creernos el mismísimo Bruce Lee.
En esta ocasión, Rebecca Zlotowski expone un nicho en parte inexplorado. “Los hijos de otros” (2022) nos cuenta la historia de Rachel, una profesora de secundaria que se enamora de un hombre divorciado y empieza a establecer una conexión emocional con la hija de este. La película trabaja sobre el concepto de la pertenencia y el legado. Si bien hay situaciones de menor ritmo que pueden tornarse aburridas, esta historia nutre de emoción al espectador con grandes actuaciones de carácter naturalista, sumiéndolo en momentos de tensión y drama absoluto.
Más allá de las expectativas sociales y culturales, Rachel busca experimentar el vínculo materno-filial. La relación entre Rachel y la hija de su pareja se vuelve tan cercana que realmente da pena observar las desfavorables situaciones que se presentan. Esta película, además, explora la toxicidad masculina. El hombre posiciona a Rachel en un papel secundario, y la frustración comienza a consumirla cuando entiende que cada vez está más lejos de tener un hijo “propio”. Es una mujer de mediana edad, el tiempo la aprisiona y sus seres queridos avanzan por un camino que ella desearía tener. Así es como también busca una salida ayudando a otros niños de la escuela donde trabaja.
Cabe mencionar que se muestran en pantalla gran cantidad de escenas de desnudos, haciendo énfasis en el sexo como elemento fundamental de la natividad y la tradición. Así que no es la película más recomendable para ver con niños pequeños. Todo lo mencionado se combina con una gran dirección de fotografía y movimientos de cámara de larga duración. Entre la dirección y las actuaciones, se vuelve una gran experiencia audiovisual. Por momentos recuerda a otras películas como Marriage Story (2019) o Beautiful Boy (2018), lo cual demarca un estilo muy virtuoso.
Calificación: 9/10
“Los hijos de otros” fue proyectada el 16 de marzo en el Festival de Cine Francés de Buenos Aires, en el Cinépolis del Recoleta Urban Mall.
Tango es sinónimo de lamentos y nostalgias, al menos ese es el sentir del tanguero en lo que transmite con sus letras, tal como si se tratara de un músico maldito, aquel que sufre con sus canciones. Los arquetipos del tango ya están definidos en la cultura.
El tango intenta no morir y no quiere convertirse en un recuerdo de la tercera edad y una atracción exótica para los turistas. El cine se encarga de rescatarlo y preservarlo, así sea con clichés, el género porteño no morirá aún.
La película original de Marina Seresesky se resume con una premisa que da entender hacia dónde va la trama: »Carlos y Margarita fueron la pareja de tango más famosa y reconocida de su época. Hoy, poco y nada queda de ese esplendor, de esa pasión que los llevó a compartir, escenarios, viajes y vida» Nostalgia transmite incluso el poster, donde se aprecian los protagonistas, Dario Grandinetti, Mercedes Morán y Jorge Marrale son el trío de primeros actores que llevan la película.
Empieza el baile cae, recae en la categoría de Road Movie, los protagonistas incursionan en un viaje que los llevará a redescubrir los orígenes del tango, pero más allá de eso, es una travesía para perdonar y sanar heridas. Las intenciones son nobles, los actores son comprometidos y transmiten la melancolía que la directora plasma en su guión, capaz el problema cae en las situaciones que a veces coquetean con el tono telenovelero y esto provoca desconexión.
El manejo de cámara en mano temblorosa, los planos desfavorecedores y las tomas en exteriores no cuidadas con el ambiente hacen del filme de una experiencia donde se noten estos detalles técnicos de su fotografía.
El factor sorpresa o un real gancho no existe, el espectador se deja llevar por su premisa parsimoniosa y acepta el producto, capaz ese es el acierto. Empieza el baile es una experiencia de un tango tranquilo pero sin piruetas.
Eruca sativa festejó sus 15 años de carrera manera muy intensa. Lanzaron «Dopelganga» un disco de versiones de música argentina y latinoamericana, hicieron un show en obras, y también fueron destacados como personalidad destacada de la cultura en la legislatura porteña. El pasado 15 de abril se dió un nuevo show en el Teatro Coliseo para continuar con este festejo, y fue una noche para celebrar con lo mejor de su música e invitados especiales.
Arrancando con «Sola en los bares» se inició el show en un Coliseo repleto y que desde temprano se percibía este ambiente de celebración. Sus integrantes Lula Bertoldi, Gabriel Pedernera y Brenda Martin desplegaron todo su talento y energía en el escenario. Siguieron el show con otras versiones de Dopelganga como Ojalá, una canción de Silvio Rodriguez a la cual le dieron su sello distintivo.
Una de las grandes sorpresas de la noche fue la participación de Leon Gieco en el show, con quienes cantaron tres temas y fue uno de los momentos más celebrados de la noche. Entre esos temas estuvieron «Creo» «La memoria» y «Cinco siglos igual». Gieco no fue el único invitado de la noche ya que también se hizo presente «Miau Trio» con quienes cantaron «Caparazon».
Eruca Sativa festejó sus 15 años a puro festejo en el Teatro Coliseo, gracias a sus invitados, a la euforia del público y de los artistas que hasta salieron a la platea a bailar, se consideró este aniversario la gran fiesta que la banda merecía.
Agradecemos enormemente a Nillo prensa por permitirnos asistir al show y poder realizar nuestra cobertura.
El show será el próximo 29 de abril en el Teatro Broadway y las entradas se podrán adquirir en MPVOLAR.COM.AR
Música para Volar y el arte de crear “momentos de encuentro con canciones“ Durante una década, el grupo argentino ha abordado la obra de Gustavo Cerati, Charly García y Luis Alberto Spinetta, con arreglos originales para orquesta. Sus puestas utilizan instalaciones audiovisuales para convertir los conciertos en relatos inmersivos.
Tras 10 años de actividad, en los espectáculos de Música para Volar participaron más de 800 instrumentistas en toda Argentina, Uruguay, Paraguay y Chile.
El grupo Música para Volar está integrado por José Matteucci en batería y voz, Alexis Thompson en guitarra, Julieta Sciasci en bajo y voz y Bruno Moreno en piano, quien además se encarga de componer los arreglos orquestales y de cámara de sus espectáculos. Con diez años de trayectoria, la banda realiza habitualmente giras con sus diferentes espectáculos sinfónicos, de cámara y eléctricos, en los cuales abordan repertorios diversos, interpretando obras de grandes referentes del rock latinoamericano, como Gustavo Cerati, Charly García y Luis Alberti Spinetta.
Música para Volar (@mpvolar en redes) se formó en 2012, en la ciudad de Rosario, Argentina. En aquel momento, el objetivo era interpretar en forma íntegra un disco, el mítico Unplugged de Soda Stereo, llamado “Comfort y música para volar“. La sonoridad de esa obra es muy especial, ya que -transgrediendo las reglas que hasta ese entonces imponía la serie de grabaciones de MTV- combina los instrumentos eléctricos de una banda de rock con arreglos de cuerdas. La experiencia musical de ensamblar en vivo esa mixtura tan particular, así como la búsqueda de generar un espectáculo que “desordene la lectura“ utilizando proyecciones sincronizadas, fueron el germen del proyecto Música para Volar, que tras un par de años desarrollando repertorio e interpretaciones, se propuso crear su primer espectáculo sinfónico, donde más de 50 intérpretes, entre banda, orquesta y coro polifónico, se unieron para generar una sonoridad única.
Música para Volar se convirtió así en el nombre del grupo, y en el concepto que impulsa el proyecto: “Que la música sea la protagonista, y en cada recital dejar que ella nos lleve a donde quiera“, sostuvo Julieta Sciasci, bajista.
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