La Butaca Web. El sitio de difusión de arte y cultura de Buenos Aires y España Reseñas, noticias, críticas en video y mucho más. Visitanos en www.labutacaweb.com ó en alguna de nuestras plataformas. Contacto labutacawebar@gmail.com
El 14 de abril fue la fecha elegida para que Enzo Sauthier, conocido como FMK, diera su primer show en un repleto Luna Park, donde cantó todos sus hits y contó con la presencia de invitados especiales y algunas sorpresas.
Pasada las 21 horas se dio paso al show, con el público esperando la salida del artista, quien junto a talentosos músicos comenzó su show. En su primer tramo se escucharon temas como «Parte de mi» y «Princesa». Luego de eso el predio se pintó de amarillo para traer invitados como MYA, con la canción «La dificil» y la aparición Tiago PZK con «Prende la cámara».
Luego de varios hits en solitario, donde se pudo apreciar el talento vocal de FMK , sonando de manera espléndida en vivo, se dio paso a la participación de Robleis, con quien si bien no han hecho colaboración musical, si el artista formó parte de la composición del tema «Solo» del famoso cantante y streamer. Uno de los primeros momentos más celebrados fue la aparición de Retutu y Migrantes, quienes hicieron una versión del tema «Hoy volví a verte». Recientemente fmk había participado en el show de Rusherking en movistar arena, quien dijo presente para cantar nuevamente «Bandido» junto a Emanero.
Una participación que era muy esperada era la de María Becerra, quien salió al escenario para cantar tranquila, y fue donde luego de ello, llegó una de las más grandes sorpresas de la noche. Maria empezó a cantar una reconocida canción de miranda, y fue donde el dúo apareció y dieron el adelanto en vivo de la nueva versión de «Perfecta» hecho por Miranda, junto a FMK y Maria Becerra, que ya se encuentra disponible.
El joven artista nos dio una gran noche en la que si bien nos llenó de artistas invitados con los que tuvo grandes colaboraciones, también nos demostró su brillo propio y lo bien que se aprecia escucharlo cantar en vivo, demostrando todo su talento y presencia arriba del escenario.
Agradecemos a la gente de Supernova y Vicky Roa por invitarnos al show y permitirnos asistir como corresponsales de prensa.
“Pampa escarlata”, la obra ganadora de la Convocatoria Óperas Primas del CC Rojas en 2019, vuelve al teatro en su cuarta temporada.
La historia gira en torno a Mildred Barren, una damisela adinerada de la Inglaterra del siglo XIX. Ella desea ser una gran pintora y por esto toma clases con el reconocido profesor Woodcock, quien continuamente reprueba los paisajes y las naturalezas muertas que la joven caprichosa hace y rehace en su alcoba. Harto ya de tanta nada, Woodcock pone fecha límite a Mildred. De no cambiar la temática de sus pinturas, el profesor abandonará a la joven: “Observe, señorita Barren, que hay mucho para ver. Y en consecuencia, para pintar también. Quizás no tenga que mirar hacia su temido afuera, siquiera. (…) Quiero decir que quizás usted esté dotada de cierto fuego interior que jamás se haya atrevido a expresar. O, peor aún, que usted ni siquiera conozca. Es su última esperanza”. Su última esperanza. Fuego interior. Las palabras de Woodstock quedan resonando y Mildred atraviesa la desesperación creativa de quien no encuentra la respuesta, el motor, el aire nuevo. Su criada Isidra, oriunda de las lejanas Pampas, le prepara una poción reconfortante propia de esas tierras bestiales. He aquí la llave, la salvación a la que Barren se agazapa, el elixir galopante que le enciende el pecho y hace que pincel y lienzo ardan. La imagen inimaginada se apodera de todo, la pintura viva de lo desconocido.
Elementos del gótico, del barroco, del género epistolar, de las novelas de la campiña inglesa, de lo gauchesco. Julián Cnochaert (dramaturgo y director) logra un texto híbrido donde se abordan de forma directa, por momentos, e indirecto, por otros, problemáticas en torno a la originalidad, a la creación, a la apropiación cultural, a la histórica y paradójica lucha entre civilización- barbarie: ambos polos se tocan más de la cuenta e intercambian lugares, no son compartimentos estancos, hay admiración y repulsión desde lo civilizado hacia lo bárbaro (y viceversa). “Pampa Escarlata” abre interrogantes, es una obra de preguntas, una obra que defiende la escena y la ficción como lugar de encuentro y reflexión. Una dramaturgia con un peso literario encantador que se traduce en una puesta imprescindible de la cartelera porteña. Un lenguaje barroco que no por eso deja de lado la acción, todo el tiempo se está en presente a pesar de palabras y palabras y oraciones que se pliegan unas sobre otras. Un texto construido de forma inteligente en todas sus aristas, el trabajo del qué decir está en constante diálogo con el cómo. También allí, en ese cómo, laten las temáticas planteadas, las formas literarias bárbaras- gauchescas rozan, chocan y se abrazan con las civilizadas- europeas.
La constitución de la Nación Argentina fue (¿y es?) compleja. La definición del ser argentino se dio (¿y da?) por comparación, diferenciación y asimilación hacia el interior del propio territorio (disputas internas entre proyectos de país). Pero también esa Nación se construyó (¿y construye?) por comparación, diferenciación y asimilación con ese otro extranjero imperialista que mientras por un lado dobleg(a)ó, por el otro no dej(a)ó de forjar y ser parte de la identidad. Negarlo es desconocer a ese propio ser Nación. Ser argentino es ser un híbrido, un resultado inacabado aún (¿cuándo acaba?) del encuentro complejo entre ese afuera y ese adentro. Como este texto, como “Pampa Escarlata”, como los cuadros de Mildred. “Si los de ajuera fueron los primero’ en configurarno’, que no se entere nadie. Mientchras tanto’, que’esta colección sea el shrecurso natural, la fuente primigenia pa’ propiciar el shrelato fundacional… ¡de la nación Artentina!”, estas son las últimas palabras de Isidra. Mildred Barren pinta a partir del brebaje que viene de las raíces de esa Pampa colonizada, bebe lo profundo de esa tierra sangre escarlata, la damisela que acusa de monstruosa a la otra sin mirar su propio reflejo poseído y vampiresco. En todo caso, ahí reside el todo, en la incapacidad de pronunciarse como un ser de múltiples aristas que a costa de afirmarse desconoce a la otredad incluso en aquello que admira.
En “Pampa Escarlata” los personajes son atroces y sensibles, crueles e inocentes: damisela monstruosa, profesor hipócrita y esnob, criada que se alza con fuerza y toma revancha. Lucía Adúriz se calza los ropajes de la joven débil y deseante de aprobación que termina transformándose en una vampira insaciable y desorbitada por la pócima sudaca y los efectos que ella tiene en su cuerpo. Lo que sucede en escena es admirable. Lucía Adúriz hipnotiza con sus formas del decir, con su construcción hipnotizante de imágenes y corporalidades que responden a las distintas identidades/ posesiones que habitan en ella. Pablo Bronstein es el profesor, también él despliega un abanico expresivo desopilante pasando de la denostación a la admiración por las pinturas de Mildred, su decir es claro y placentero y el manejo corporal que realiza es para aplaudir de pie. Por último Carolina Llargues, Isidra, logra la acumulación energética precisa para estallar en el final de la obra: “Io ia soy pampa, soy adentro, soy fuego y soy estero”, la criada que ya no calla, sus denuncias nacen de las entrañas. Los tres en escena construyen una máquina satírica, dinámica, absurda y siniestra, cargada de humor y épica, donde diálogos y soliloquios adquieren una densidad tan rica que dan ganas de repetir y volver a escuchar.
Hay que nombrar la escenografía (Cecilia Zuvialde) austera con sólo algunos elementos que dan cuenta del cuarto de la damisela. Los cambios de luz (Ricardo Sica) que acompañan las posesiones y construyen distintos espacios sin que sea necesario mudar objetos ni elementos. El vestuario (Paola Delgado) vistoso y representativo de los tipos genéricos de los personajes de la Inglaterra del Siglo XIX. La música (Cecilia Castro) que irrumpe en estos ataques intempestivos en el que el genio creativo se apodera y que también funciona como separador entre los tres grandes momentos de la obra que van dando cuenta del deterioro de la refinada Mildred.
Pintura, música, imagen, texto, expresiones filosas. “Pampa Escarlata” encuentra una nueva forma de tratar el mito de la fundación de la Nación Argentina. La risa, el silencio reflexivo, el público no puede perderse de nada. Teatro brujo. “Tiene moviemento, una beieza atrevida, así de que entra por lo’ ojo y se queda ahí dentro deuno, pero también grande potencia, ciertamente, que siempre se agradece de ver, porque al vershlo, está todo dicho”, eso dice Isidra tímidamente cuando debe dar su opinión sobre el primer cuadro nuevo de Barren. Ahí, quizás, el resumen de todo. “Pampa escarlata”, obra que se agradece de ver, porque al verla, está todo dicho.
“Pampa Escarlata”– Teatro El Extranjero (Valentín Gómez 3378)– Viernes 22:30
Ficha Técnica Autoría y Dirección: Julián Cnochaert Actúan: Lucía Adúriz, Pablo Bronstein, Carolina Llargues Diseño de vestuario: Paola Delgado Diseño de escenografía: Cecilia Zuvialde Diseño De Sonido: Cecilia Castro Diseño De Iluminación: Ricardo Sica Fotografía: Marianela Muniz Asistencia de dirección: Lucía Gusmán (Luchitron) Prensa y Producción :Carolina Stegmayer
Que dura es la vida del currito. Esta es la conclusión principal después de jugar a este título. El videojuego desarrollado por Wired Productions (estudio inglés fundado en 2013) resulta atractivo a priori pero el resultado final está desequilibrado por diferentes motivos.
La historia nos sitúa en una distopia futurista donde nuestro protagonista (Kurt), ha sufrido una duro revés vital y trabaja para una multinacional llamada Jüngle. Su trabajo diario consiste en buscar, categorizar y dar salida a paquetes (a muchos de vosotros os recordará al empleado típico de una famosa empresa norteamericana cuyo logo es una sonrisa). Pero no os dejéis engañar. Por la noche hará las veces de topo para desentrañar las oscuras intenciones de esta multinacional. A nivel gráfico se trata de un título bien diseñado donde destacan los escenarios futuristas, robots que aportan más profundidad a la historia aunque se echa de menos que haya un mayor nivel de detalle puesto que en muchas ocasiones los escenarios resultan vacíos. A nivel jugable el personaje responde correctamente a los controles aunque a veces se mueve de manera torpe.
Las misiones son sencillas puesto que cuentan con un origen y final predeterminados. Esto supone una arma de doble filo. Algunos jugadores estarán contentos por disfrutar de una aventura sin complicaciones mientras que otros tantos sentirán cierta sensación de vacío puesto que no podrán investigar de manera libre las diferentes tramas que podrían surgir a partir de las interacciones del personaje con los diferentes NPC. Por lo que respecta al apartado sonoro es notable ya que la banda sonora ha sido compuesta por Oliver Kraus (Adele, Florence and the Machine y Sia) y cuenta con actores de doblaje tales como con Jason Isaacs (Harry Potter, The OA, Death of Stalin), Ólafur Darri Ólafsson (Severance, The Deep), Clare-Hope Ashitey (Children of Men) y David Hewlett (The Shape of Water, Stargate: Atlantis). Como punto negativo indicaros que el videojuego no viene traducido al español por lo que tendremos que conformamos con tener disponibles subtítulos en dicho idioma.
La duración de esta aventura se sitúa en torno a las 4-5 horas por lo que se hace entretenido, podremos coleccionar diferentes productos y tendremos también la posibilidad de disfrutar de diferentes finales lo que resulta un incentivo para querer rejugarlo. En resumen nos encontramos ante un título con un planteamiento atractivo y un buen nivel técnico y jugable. El personaje resulta simpático y podemos llegar a empatizar con él pero a nivel argumental nos encontramos ante un título que se queda corto por la falta de ambición del estudio desarrollador.
Espero que os haya gustado este análisis y nos vemos pronto en La Butaca Web.
“No está muerto lo que puede yacer eternamente y con el paso del tiempo, incluso puede morir la Muerte”
El universo narrativo de Lovecraft capturó mi interés ya desde mi tierna juventud, momentos en los que especiar la monotonía de la vida con matices de desesperación, horror ante el infinito y desesperanza parecía el mejor camino a seguir. De una forma u otra, la obra narrativa del genio de Providence ha influido notablemente a todos los medios culturales. Los videojuegos, como no, poco tardaron en servirse también de estas premisas para incluir en sus bibliotecas todo tipo de interpretaciones, algunas más destacables en sus valores de producción que otras, pero todas ellas conformando interesantes acercamientos. Como buen seguidor del género, no podía dejar pasar la oportunidad de jugar a Dredge, el juego del barquito lovecraftiano y no me arrepiento para nada de haberlo hecho. La premisa de este es bastante simple: tenemos un pequeño barco pesquero y cada día deberemos de salir a mar abierto en busca de nuevos bancos de peces que arrastrar fuera de su húmedo entorno vital para poder venderlos y mejorar nuestra equipación.
No hace falta complicarse demasiado para obtener un buen resultado, y el sistema de farming y su desarrollo mantienen un ritmo muy equilibrado que permite al jugador sentirse en continua evolución. Ni muy rápido ni muy lento, aunque el resultado puede variar en función de las decisiones de cada uno. Estas presentan un punto crítico cuando el sol se pone y la noche llega, con todo lo que esta arrastra. Ya decía Lovecraft, con mucha razón, que “la emoción más antigua e intensa de la humanidad es el miedo, y el más antiguo e intenso de los miedos es el miedo a lo desconocido”. Esta premisa se aplica en Dredge desde su inicio. Dentro del pequeño mundo abierto por el que nos desplazaremos nos encontraremos con todo tipo de biomas, sorprendentes y partícipes de una bonita postal de día, pero realmente amenazadores de noche. Como tantos otros títulos inspirados en estas obras, contaremos con un medidor de cordura, que irá reduciéndose conforme más nos expongamos a la oscuridad y/o a cualquier suceso perturbador. A la vez, cuanto más elevado sea este, mayor será la frecuencia con la que nos encontraremos con este tipo de sucesos.
He de confesar que mi progresión en el juego avanzó muy lentamente los primeros días porque no tenía el valor suficiente para enfrentar la oscuridad y volvía raudo como aquel perseguido por la blanca dama cada vez que el reloj marcaba la caída del sol, suceso que suele llegar rápidamente ya que el tiempo pasa enormemente rápido, aunque únicamente cuando nos desplazamos o realizamos alguna acción. Una vez que fui capaz de aceptar mi funesto destino y me lancé a la noche, pude disfrutar de todo el potencial de Dredge, que se marca sin duda como un juego de contrastes. Con un presupuesto limitado, el equipo de Black Salt Games ha apostado por desarrollar un título de dimensiones reducidas, lo que le permite brillar en todo su recorrido sin caer en intervalos muy repetitivos o frustrantes. No obstante, esto no significa que nuestro viaje sea coser y cantar, ya que la dificultad del título radica en lo poco resistente que es nuestra embarcación. Un pequeño toquecito contra cualquier superficie y los daños serán considerables. En muchas ocasiones perderemos la funcionalidad de alguna herramienta básica, como las cañas o los motores o veremos impotentes como nuestra valiosa carga se va borda abajo.
Pese a su reducido tamaño, hay espacio más que de sobra para la investigación. Explorar cada rincón del mapa es una actitud muy premiada por el título, permitiendo que nos crucemos con herramientas y recursos fundamentales para mejorar nuestro navío, así como con todo tipo de personajes, que desarrollarán la narrativa de la obra tanto como nosotros queramos bucear en ella. Sin lugar a duda, Dredge se posiciona muy alto en la lista de los mejores indies del año. Recomiendo encarecidamente disfrutar de esta producción a todos los seguidores de la obra de H. P. Lovecraft, así como todo aquel que quiera iniciarse en ella o disfrute de los juegos de pesca. Pero tened cuidado al entrar en ella, no miréis demasiado fijamente al abismo, o este os devolverá la mirada.
Esta cinta me soprendió, porque esperaba una cosa y recibí algo totalmente distinto e inesperado, pero ojo, no me quejo.
La película esta basada en hechos reales(o mejor dicho, en las memorias de su autor que escribió unas cuantas obras) y sigue al sacerdote Gabriele Amorth, que ejercio como exorcista en la diócesis de Roma y quien esta interpretado por el gran Russell Crowe. Cabe mencionar que antes de ir a verla, yo no tenia idea de que estaba basado en hechos reales y sin embargo no es necesario saber sobre el tema para disfrutarla.
De primera tengo que decir que es mas una sátira que una película de terror. Obvio tiene elementos para serlo como jumpscares y ni hablar de todo lo satánico que se presenta desde un principio. Pero todo eso no llega a combertirla en una obra terrorífica, es más, no busca ni pretende serlo.
La cinta tiene bastante humor por momentos, y eso gracias al personaje del padre Amorth que tiene una personalidad muy peculiar. Un hombre decidido y experimentado en el campo del exorcismo y que a veces tira chistes y suele tomarse con calma las cosas. Del mismo modo gracias a él, nosotros los espectadores nos sentimos seguros cada vez que él se encuentra en escena o acude al auxilio de otro personaje.
La película nos da algo distinto. Esperamos asustarnos pero esa sensación se aleja cuando la trama avanza. Asi que si esperas terror quizás esta no sea tú película, pero si se la pasa bien.
La nueva expansión de Destiny ya está con nosotros, y te cuento todo lo que necesitas saber para enfrentar la nueva aventura que nos propone Bungie.
La campaña:
En esta oportunidad, nuestro guardián deberá desarrollar sus aventuras en Neomuna, una metrópolis ultra avanzada que se sitúa en Neptuno, en donde la raza humana mantuvo el desarrollo tecnológico en su máximo esplendor en total silencio, manteniendo toda distancia posible de sus pares terrícolas al punto de desconocerse su existencia. Como no podía ser de otra manera, “tocaremos” las puertas de Neomuna de forma abrupta e inesperada, terminando con el reinado de tranquilidad de sus habitantes y llevándoles de regalo una guerra intergaláctica.
Los enfrentamientos contra El Testigo y sus discípulos escalaron al máximo, y el emperador Cabal Calus, con sus Legiones de Sombra, tienen como principal objetivo adquirir el poder de “El Velo”, un artefacto con un poder inimaginable, del que nada sabemos, no se nos explica cuál es su origen, que función cumple o ni ningún detalle aparente, solamente que tendremos como objetivo el de protegerlo a toda costa y evitar que el enemigo llegue al mismo. Pero, no estaremos solos en esta frenética carrera, contaremos con la guía de Osiris, un antiguo conocido que nos mantendrá a raya dentro de nuestra aventura, y la ayuda de nuevos personajes, Nimbus y Rohan, dos oriundos de Neomuna en el rol de “Surcanubes”, humanos alterados cibernéticamente para defender la ciudad y sus habitantes.
Si bien mucho se ha dicho con respecto a la historia de esta campaña, lo cierto es que no es mala, pero lejos está de ser una de las más memorables dentro de la franquicia. Es cierto que los acontecimientos de “Reina Bruja” (expansión anterior a esta) dejaron la vara muy alta, se esperaba de “Eclipse” algo mucho mejor, siendo esta la anteúltima expansión que supuestamente dará con el fin de la historia principal de Destiny, planteada hace ya 6 años. En sus 8 nuevas misiones de campaña, “Eclipse” se siente más como una especie de introducción a la nueva subclase y un paseo por los escenarios de Neomuna que una historia atrapante y memorable.
Mejoras y novedades de la expansión: Bungie aposto en esta expansión por incluir unas cuantas mejoras en los sistemas de mods de armaduras, del Artefacto de Temporada, simplificando la cantidad de mods existentes y dejando en el pasado las subclases de elementos ligados a las armaduras, aplicando mods de forma universal. El Artefacto de temporada ahora cambio, ya no se puede desbloquear en su totalidad, así que elegir qué desbloqueamos para nuestros loadouts requieren mayor conocimiento de las actividades que vamos a realizar y de qué manera nos pueden beneficiar. Desde esta expansión, y con mucha alegría, ahora contamos con la posibilidad de guardar nuestros loadouts, para no estar perdiendo valiosos minutos en los cuales podremos estar repartiendo destrucción a nuestros detestables villanos, simplemente ahora bastará con seleccionar uno de los loadouts que previamente guardamos, y ¡voila!, tendremos aplicadas las armas y armaduras, con sus respectivos mods, las subclases y todo lo que elegimos en un abrir y cerrar de ojos. También se agregaron nuevos sets de armas, cambios dentro de Vanguardia, Gambito y Crisol, además del pase de temporada, en cómo podremos interactuar con nuestras recompensas; se modificaron dos Asaltos para actualizarlos con nuevas mecánicas y contenido, se actualizaron armas de raids antiguas para agregarles mejoras actuales. Algo que no puede pasar desadvertido son los cambios en la dificultad del juego. Ahora las actividades que cuenten con selector de dificultad, denotaran realmente lo difícil que puede ser los niveles más altos, algo realmente esperando por toda la comunidad. Si bien ya estamos acostumbrados a los selectores de dificultad dentro del juego, los nuevos cambios hacen que aumentar los modificadores negativos se sientan verdaderos desafíos. Ya el hecho de pasarse la campaña en modo Legendario es una actividad que va a demandarnos completa atención y nuestra máxima dedicación, tremendamente recomendable para aquellos que les gusten los desafíos y pensar un poco más que mods utilizar con detenimiento. Por último, se agregaron los sistemas de Rangos y Elogios. Los Rangos básicamente van a demostrar al lado de nuestro nickname el nivel de proezas logradas, a medida que vayamos tildando los requisitos, se nos ascenderá de Rango y Titulo, siendo desde el Rango 6 el base más alto para alcanzar, y los posteriores se reiniciaran con el final de una temporada. Y los elogios, es un sistema de destacar, agradecer, felicitar, conmemorar, o como más les guste llamarlo a tus compañeros de combate al final de una actividad. Creo que a este sistema le falta un poco más de trabajo de parte de los desarrolladores, ya que se está desperdiciando una oportunidad de darle un sentido específico a la cantidad de “elogios” que hay dentro del juego.
La nueva Raid, Raíz de las Pesadillas: La nueva incursión finalmente llego, y a diferencia de las últimas incursiones de Destiny 2, esta es una que se puede considerar en un tono más “light”. Esta es una raid que no nos propone mecánicas complejas, enfrentamientos contra jefes que tengamos que estar muy atentos con todo lo que debemos realizar, no, esta es una raid que tiene como punto principal la acción y rapidez de combate, incluso los jefes no cuentan con “bloques” de salud, no vamos a estar limitados en el daño que le podamos hacer.
Creo que es una de las incursiones más amigables para nuevos jugadores, proponiendo mecánicas realmente sencillas para aprender rápidamente. Esto no quita que no se lo deba tomar como un desafío o como una actividad fácil, simplemente que para ser la actividad End-Game de hasta 6 jugadores por excelencia, es realmente divertida de hacer, tantos con jugadores veteranos de la franquicia como nuevos jugadores.
Como es habitual, este raid contara con su propio pool de recompensas, set de armaduras para cada clase, y un nuevo arsenal de armas, las cuales podremos craftear a nuestro gusto una vez las desbloqueemos.
Conclusión: Es una pena realmente que esta vez la narrativa sea el punto flojo de una expansión de Destiny. Normalmente, los puntos negativos siempre suelen ser bugs, errores del juego, falta de atención a modos olvidados (¿alguien dijo Crisol y Gambito?), pero esta vez, tocó ser la historia, la espina dorsal de Destiny, su flamante caballo de batalla que nos mantiene atrapados una y otra vez con relatos e historias fantásticas que esta vez, lamentablemente, fue lo más flojo. Las mejoras a antiguos sistemas del juego y las nuevas incorporaciones, hacen que Destiny reciba ese golpe de frescura tan necesitado y celebrado por sus jugadores, y se nota en la cantidad de gente jugándolo. Luego de 6 años, Destiny se siente un buen lugar para pasarse el rato de óseo.
El jueves pasado tuvimos la oportunidad de asistir a la función de Fuerza Bruta «Aven» en la nueva Sala Sinpiso del predio de GEBA. El grupo, que tuvo sus temporadas exitosas con el show Wayra, necesitaba una renovación de su espectáculo, y con aven lograron superarse a sí mismos, en una sala nueva y con todo su espíritu de fiesta que los caracteriza.
Luego de la temporada que hicieron en el estadio obras, con el show llamado «Wayra», se venía preparando algo más grande en GEBA. La novedad en un principio, es que se construyó una sala que se estrenaría con este nuevo show de fuerza bruta y que estaría adaptado especialmente para las necesidades del espectáculo. Es así como un espacio bastante similar a las dimensiones que se tenía en obras, se adaptó para traer esta fiesta con mucas novedades
Para aquellos que ya conocían al grupo, saben que este es un show que combina muchos elementos, desde lo musical, la percusión, lo acrobático pero todo con un concepto audiovisual que resulta interesante para todo el que está presente, cualquiera sea la ubicación que tenga. Es así como tomaron nuevamente todos estos conceptos pero haciendo algo totalmente nuevo. Los espacios se aprovechan en todo el predio para el disfrute de cada uno de los presentes, pero se amplían las escenas con ese componente audiovisual que tanto hemos disfrutados. Es así como vemos un estanque de agua con una coreografía en el techo, un tubo con alguien queriendo escapar al ritmo de la música y papeles que van volando alrededor, una plataforma que recorre todo el lugar con un baile sincronizado, y una Ballena! Que vuela por encima de todos los presentes.
Aquí nos encontramos con un trabajo más refinado e ingenioso en lo audiovisual, utilizando técnicas que sorprenden al público. Todo esto es gracias, no solo a los artistas que protagonizan el show, sino a todo un equipo con el que se trabaja de forma milimétrica para que salga todo perfecto. Si, hay algo que no falta, la música y el sentimiento de fiesta que ofrece.
Fuerza Bruta Aven es la superación de un grupo que ya ofrecía un espectáculo sorprendente e innovador. La nueva sala le sienta más que bien, permitiendo a la gente poder beber algo, distenderse y luego disfrutar de un espectáculo que es único, con mucho talento que aún nos siguen sorprendiendo.
Este pasado sábado 22 de abril Bhavi brindó un show en el estadio obras, que venía titulado «Abducción» y que respondía al lanzamiento completo de su último EP. Este trabajo, que le da continuidad a lo que nos brindó en el álbum «Pochoclos» fue la oportunidad de reunir nuevamente a su público tras tres vorterix agotados, en un show enorme que ha hecho saltar a todos los presentes.
Si hay algo que ha caracterizado a Bhavi, es lo bien que ha implementado lo conceptual en su música. Si en su anterior trabajo completó una trilogía, haciendo alusión a lo cinematográfico, aquí le dio continuidad con un ep en el que fue estrenando una canción y un video por semana, culminando con esta presentación en el estadio obras. En entrevistas, Bhavi comentó que todo esto se dio en un período muy corto de tiempo, casi pareciendo improvisado la producción del show, pero donde en realidad se trabajó mucho para realizarlo.
La cita en obras ha sido un poco más temprano de lo habitual, programado para las 19 horas, el estadio se iba llenando con un público eufórico y con muchas ansias de revivir aquello que se vivió en Vorterix, pero también esperando una experiencia nueva. Si bien se hizo esperar un rato, el músico arrancó con toda, haciendo gritar y saltar a todo el público presente. De su nuevo EP se hicieron notar las interpretaciones de temas como «Gasto» y «Aerobico» que han denotado la energía del artista en el escenario. Las visitas también se hicieron presente, siendo uno de los momentos más aclamados, la aparición de Khea para interpretar «Que pasó» y que revolucionó el escenario. También estuvo Seven Kayne con la canción «Besame», siendo también un momento muy celebrado en la noche.
Obviamente este evento se hizo como parte de toda la campaña de lanzamiento de Abducción pero también fue una gran oportunidad de revivir lo que se vivió con pochoclos y dar un show con una gran producción en lo audiovisual y en su puesta en escena. En este mismo pudimos ver distintos cambios de vestuarios, presencia de bailarines y la aparición de Pochoclean que se ha hecho bastante popular con la conclusión de su último disco lanzado.
Bhavi dio un show único en obras, con la presencia de invitados especiales y toda la energía que el artista lleva consigo. Fue una noche de éxitos, de la presentación de sus nuevos temas pero sobre todo un encuentro con sus más fieles fans que han celebrado la celebración que es Abducción.
Agradecemos a Cz Comunicación por invitarnos al show y poder realizar esta cobertura de prensa.
El pasado martes 11 de abril tuvimos la oportunidad de asistir a la función de prensa e invitados de la obra «Votemos», una producción de Adrian Suar, que nos mete en una reunión de consorcio en la que deben votar (y juzgar) sobre si aceptan que se le alquile un departamento a alguien que se conoce que padece una enfermedad mental. Se trata de una comedia que ofrece un debate sobre la salud mental, los límites de la convivencia y la estigmatización, con humor e ironía.
La obra comienza con una reunión de consorcio, donde siete personas se juntan para votar sobre el cambio de ascensor, algo que al parecer el edificio necesita con urgencia. Todo parecía estar en un unánime acuerdo, hasta cuando uno de los propietarios cuenta que logró conseguir un inquilino para su departamento. Ante el asombro de los demás propietarios, indagan sobre quien sería el nuevo vecino, ya que se trata de un departamento no muy decoroso. Al casi terminar la reunión este hombre hace el comentario de que el posible nuevo vecino, lo conocía en su trabajo, por un programa de reinsercion laboral, ya que este padecía un problema de salud mental. Esto encendió las alarmas de todos los vecinos presentes, quienes mostraron su preocupación y prejuicios por el nuevo inquilino, por lo que intentan dar paso a una votación para ver si se queda o no.
Si bien el tono de la obra es comedia, toca este tema particular de una manera realista y que pese a las situaciones hilarantes desde lo teatral, le da un tratamiento serio a como reacciona. La discusión toma esas cuestiones que pueden estar presentes, como la preocupación por ellos mismos, por su familia, pero también el hecho de juzgar por el desconocimiento y la ignorancia.
En la parte actoral, son 8 los actores quienes mantienen una participación equilibrada, con distintas personalidades bien marcadas, y que todo su buen trabajo individual hace al conjunto.
Votemos es una obra más que interesante que desde el lado de la comedia toma un tema serio y del que a veces no se discute tanto: La salud mental. Entre esa discusión viene de la mano la ignorancia y la discriminación, y que mejor escenario que la de una reunión de consorcio, donde solo un pequeño grupo de personas deciden por el «beneficio» de la comunidad. Es una obra con grandes actuaciones, que nos hace reír pero también reflexionar.
ELENCO (por orden alfabético) AGUSTINA CHERRI GUSTAVO GARZÓN JUAN GIL NAVARRO VIRGINIA LAGO TOMAS KIRZNER CARLOS PORTALUPPI MURIEL SANTA ANA y ALAN DAICZ.
Entradas en venta en http://www.plateanet.com o en la boletería del teatro METROPOLITAN (Av. Corrientes 1343) Funciones de Miércoles a Domingo.
Dentro de la danza contemporánea- interpretativa todo es posible, el cuerpo es un vehículo para contar una historia, el diseño audiovisual y el arte plástico son los acompañamientos que elevan la experiencia a otro nivel, uno más Cyberpunk, surrealista, sensual y terrorífico.
Patricio Suárez define sus cuatro ciervos en Carne Argentina:
«Seres híbridos formados por materia viva, píxeles y basura.
Danza de cuerpos urbanizados por la carrera tecnológica y la precariedad.
Viñetas descoloridas sobre la educación sentimental masculina.
La escena como caleidoscopio de nuestro tiempo: sueño».
Ramiro Cortez, Mateo De Urquiza, Gastón Gatti y Javier Murphy Figueroa son los intérpretes de esta obra. La visión de Ciervos de las Pampas Cyberpunk de Patricio Suárez lleva a estos cuatros jóvenes a un estado de éxtasis y transformaciones.
Suárez es encargado del escenario y del sonido, lo cual demuestra que la visión de esta obra es 100 % suya y resulta novedosa pues lo primero que veremos es una escenografía en visión periférica dónde el público es grabado, nosotros somos nuestros espectadores; no es hasta que entran los perfomers que entramos al universo de Suárez.
Suárez nos propone una apuesta desafiante, homoerotica, futurista, salvaje e interpretativa. Los perfomers ponen todo de si más allá del talento, toda su resistencia física ya que acá los veremos por etapas y exposiciones grupales y solitario, cada uno puede brillar.
No hay que finalizar la reseña sin mencionar el gran trabajo de Matías Sendon en la iluminación. El técnico nos sumerge aún más eligiendo azules eléctricos, rosas led y rojos infierno. Un espectáculo que roza lo electrónico. Carne argentina es un espectáculo sensorial que impacta por sus fases, una distinta de otra. Un paseo por lo animal, el hombre, lo salvaje y el futuro.
Disponible los jueves a las 21 horas en el Galpón Guevara. Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
La Butaca Web 