Crítica: Lo que fuimos

Por Bruno Glas

Mi familia y otras calamidades

Aquella frase de Truffaut de que “todas las películas nacen iguales” parece cumplirse sólo a medias. Vamos ¿cuántas veces elegimos o rechazamos una película a priori de acuerdo a lo que para nosotros significa el nombre de su director (o sus intérpretes, llegado el caso), en nombre de lo que nuestro gusto nos dicta? Bueno, esto mismo sucede también con la trama, nudo que supuestamente encierra las virtudes y limitaciones potenciales de un filme.

Con Lo que fuimos, debut en la dirección de Elizabeth Chomko y estrenada primero en el festival de Sundance, pasa un poco esto. Con leer la sinopsis se huele, más o menos, de qué va a ir la cosa: película familiar, con aire indie, una enfermedad como punto de partida, mucho drama, subtexto religioso y actuaciones crispadas. Basta nomás con hacer la suma…

Y el resultado, contra todo pronóstico y prejuicio, da positivo. Ello no implica que el filme sea perfecto, ni mucho menos, pero logra ponerse muy por encima de lo que podía ser a simple vista. El filme abre con una señora mayor que se levanta, en plena madrugada, y se prepara para salir. La cámara hace un primer plano de sus pies descalzos, luego la enfoca maquillándose, y en un momento dado nos la muestra de espaldas, dejando su hogar en medio de una tormenta de nieve. El montaje virtuoso de esta secuencia, y su valor narrativo al darnos una información determinada, pero dejándonos en la duda respecto a lo que puede acontecer, nos dan la pauta de que lejos estamos de un drama familiar filmado en piloto automático.

Bridget (Hilary Swank) regresa a Chicago junto a su hija y se reúne con su hermano Nicky (Michael Shannon), y su padre Burt (Robert Forster). Allí sabremos que aquella señora no es otra que la madre de Bridget, quien padece de alzheimer, y de la que sus familiares deberán hacerse cargo, con todo lo que ello implica.

El gran mérito del filme reside en la caracterización de sus personajes, cuyo trazo humano, con todas sus virtudes y defectos, nos pone frente a la misma disyuntiva que éstos enfrentan: ¿deben cuidar de ella por su propia cuenta, con las complicaciones que esto puede traerles? ¿o deben, por el contrario, hacerla ingresar en una residencia, dejándola al cuidado de quienes puedan tratarla, pero perdiendo el contacto? También es destacable la forma en que se retrata la enfermedad, que lejos de ser exagerada o buscar la lágrima fácil, consigue algunos momentos de gracia incómoda pero con una carga de tristeza. Si la situación con la madre de Bridget es el núcleo del filme, donde más pierde fuerza es en las subtramas. El conflicto de la protagonista con su hija, o el levante de un viejo amigo suyo a espaldas de su marido, aparecen demasiado descolgadas, y así la segunda mitad se resiente un poco. Aún con estos reparos, la película logra mantenerse en pie, y la directora no teme dar a la historia un final feliz pero no del todo conciliatorio…

Análisis: Super tennis blast para PC

Seamos sinceros, si vamos a hablar sobre los mejores juegos de tennis fuera de lo que es un simulador realista, podemos hablar de Mario Tennis y no tenemos mucho para contar. Ahora sí, la presentación que nos brinda super tennis blast, nos hace pensar que es más que un simple arcade indie. Sus mecánicas y visuales funcionan muy bien, dejando un buen juego deportivo, y lo más importante, a un bajo costo.

El estudio barcelonés Unfinished Pixel ha hecho un buen trabajo en el desarrollo de su jugabilidad, dónde la precisión resulta muy importante, combinando sus distintos tipos de movimiento en la cancha. Las mecánicas son bastantes sencillas, aunque requiere tiempo y práctica para su dominio. Entre sus modos tenemos el Pachanga, que nos permite jugar partidas individuales o dobles con la CPU o en multijugador local. El super blast que hace que la red y el campo cambien de forma aleatoria, el world tour para tener una experiencia progresiva y los minijuegos de entrenamiento.

Su dinámica y controles son bastante precisos, en términos visuales este juego realmente se ve bien. Con un aspecto colorido y que se acopla muy bien con la ambientación del juego. Seamos claros, se trata de un juego de tenis simple y conciso, lo importante es que está todo muy bien ejecutado, permitiendo que podamos pasar muchas horas agradables de juego.

Lamentablemente se le hecha de menos que el juego no contenga un modo de multijugador en línea, ya que su buena ejecución desde la sencillez que posee, nos permitiría tener muy buenas partidas con amigos en conexión online. Dejémoslo como un pedido para los desarrolladores, que ayudaría a agregar algo interesante al juego, entre todo lo bueno que tiene.

Super Tennis Blast es un juego que desde su sencillez denota mucha profundidad y cariño en su desarrollo para otorgar un juego de tenis completo y muy entretenida. Sus controles son bastante fáciles, por lo que no se tardará mucho en aprender las mecánicas de juego, que se disfruta mucho más si es junto a un amigo.

Calificación 8/10

Crítica: Pesadilla al amanecer

Por Gonzalo Borzino
Tras la misteriosa muerte de su hermano, Sveta (Alexandra Drozdova) comienza a tener pesadillas vividas y perturbadoras, las cuales la terminan forzando a buscar tratamiento en un instituto de somnología. Sveta participará de un experimento de sueño lucido colectivo donde, junto a otros tres candidatos, entrará en un mundo onírico buscando calmar sus síntomas, pero encontrará que sus sueños no son tan inofensivas como le habían hecho creer.

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Presentándose como la opera prima del ruso Pavel Sidorov, Pesadilla al amanecer (Rassvet) resulta un thriller de terror con muy pobre ejecución. Los momentos donde más se luce son algunos planos simétricos durante las etapas previas del experimento, donde se hace uso de la atmosfera para generar una tensión bastante decente. Es, a su vez, el cuarto largometraje de género de su escritor Evgeny Kolyadintsev (Diggery, Spoiler), quien lamentablemente toma una postura en extremo expositiva, donde los personajes relatan de forma literal sus relaciones, sentimientos y conflictos, logrando que estos parezcan poco naturales.
La actuación general es bastante regular, pero Alexandra Drozdova, la actriz protagónica, deja en demasiada evidencia su carencia de experiencia. Según su perfil de imdb este sería su primer trabajo audiovisual registrado, y se haría notar en sus gestos y formas de comunicarse. Sin embargo, no todo el problema recae en ella, habiendo otros actores más experimentados que también parecen fallar en sus ejecuciones, por lo que estimo podría tratarse de una falla de un director inexperto.
Los escenarios, sobre todo los del sueño, tienen una estética muy marcada. En un principio juegan mucho con la simetría, pulcros espacios vacios y líneas rectas, mas luego a medida que se profundiza el sueño, estos cambian a habitaciones grises, sucias, atiborradas de objetos. Esto bien podría representar de forma explícita la psiquis de los personajes, quienes comienzan a explayarse en sus traumas y a obrar en consecuencia.
A pesar de los problemas evidentes, la película logró sorprender con un astuto camino de migajas que llevan a una conclusión parcialmente predecible. Es evidente que sus fracasos son debido a la falta de experiencia de los involucrados, así como la implementación en técnicas demasiado obvias en la narrativa. No voy a sugerir, sin embargo, que el visionado de esta película haya resultado una pesadilla.

Puntuación: 4.0/10.0

Reseña: 200 golpes de jamón serrano

Por Victoria Seri 

Lo bueno de ir a ver obras de teatro de distintas temáticas y en diferentes espacios teatrales es dejarse sorprender por la propuesta. 200 golpes de jamón serrano. De una cosa tengo la certeza y es que luego de haber visto el espectáculo no sé todavía por qué se llama así. Esto es advertido durante la obra, pero de todas maneras tampoco creo que sea necesario saberlo.

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El espectáculo se presentará en el teatro Chacarerean por lo menos durante el mes de junio los miércoles a las 21 hs.

 

Como lo ha descripto la directora y dramaturga Marina Otero la obra es un biodrama. Gustavo Garzón interpreta a Gustavo Garzón. El actor cuenta a corazón abierto con monólogos y actuaciones en conjunto con Otero, sin pudor y sin temor, la historia de su vida. Repasa de manera audaz sus comienzos en la profesión, sus trabajos, habla de su familia, de los problemas de salud por los que ha atravesado, de su relación con sus compañeros y amigos actores, etc. Básicamente de la vida misma. La realidad es que escucharlo hablar de esa manera tan abiertamente de tantos temas es simpático, te hace empatizar, te acerca a su persona. Y también habla sobre sus deseos de experimentar otras maneras de hacer teatro, de lo disruptivo, de los gustos que se quiere dar después de tantos años y de cómo surge la idea para realizar esta obra con Marina Otero, con quien no se conocía, pero admiraba profundamente.

 

Sin embargo, ésta no es una obra común y corriente. Acá bailas, cantas, tomas vino, podes participar activamente o no, te reis y te emocionas, hay canciones, composiciones y música.

 

La propuesta es genial y única con performance y sketches, video y música en vivo. Completo y divertido. Y aunque quizás a priori uno se puede preguntar que tienen en común un artista snob de teatro capitalista con una bailarina que solamente ha trascendido por haber participado en un festival de teatro en Singapur. Cuando los vean lo entenderán. La respuesta es que hay mucho. La obra ofrece mucho. Definitivamente hay que ir a verla y  dejarse sorprender.

Ficha técnico-artística

 

Intérpretes: Gustavo Garzón, Marina Otero

Asistencia en escena y dirección: Agustina Barzola Würth, Lucía Giannoni

Cámara y música en vivo: Fede Barale

Adaptación y realización escenográfica: Los escuderos

Adaptación vestuario 2019: Chu Ferreyra

Diseño de iluminación: Adrián Grimozzi

Diseño gráfico: Sergio Calvo

Música original: Fede Barale

Fotografía: Andrés Manrique, Candelaria Frías

Prensa: Mutuverría PR + Media + CM

Producción ejecutiva: Marina D`Lucca

Textos: Gustavo Garzón, Marina Otero

Dramaturgia y dirección: Marina Otero

 

Producción integral de la primera versión del proyecto:

Teatro La Comedia de la Provincia de Buenos Aires

 

Duración: 70 minutos

Crítica: Hombres de negro: Internacional

Por Macarena Maidana
Hombres de Negro: Internacional (Men in Black: International, 2019) es una comedia de ciencia ficción y acción dirigida por F. Gary Gray. Co-escrita por Matt Holloway y Art Marcum, funciona como spin off de la saga que conocimos gracias a Will Smith y Tommy Lee Jones . En esta oportunidad, protagonizada por Chris Hemsworth y Tessa Thompson, el reparto se completa con Rebecca Ferguson, Rafe Spall (Black Mirror), Liam Neeson, entre otros. Emma Thompson vuelve a interpretar a la Agente O, aunque su tiempo en pantalla es mínimo.


Molly (Tessa Thompson), es una mujer que luego de tener contacto con un alien, y ser testigo cómo unos hombres vestidos de trajes oscuros le borraron la memoria a sus padres, se pasa 20 años obsesionada con pertenecer a esta organización secreta que trata con vida alienígena en la Tierra. Ni el FBI ni la CIA le servirán y por suerte, descubre por sí misma el cuartel general de los Hombres de Negro, después de suplicar un rato a la jefa O (Emma Thompson), Molly se pone el traje, obtiene su nombre de Agente M y le otorgan su primera misión dentro del período de prueba, una que incluye viajar hacia Londres y conocer al agente H (Chris Hemsworth).

Para aquellos que vimos Men In Black (1997), esta entrega se siente como una mezcla entre reboot y spin off ultra forzada, con chistes que causan más sueño que gracia. La película se vuelve muy predecible y hasta sosa por momentos. Una lástima que tanto Tessa Thompson como Chris Hemsworth sean desperdiciados en un filme de esta talla.
Aunque ya conocimos el lado cómico de Chris Hemsworth en Thor Ragnarok, se siente súper forzado el guión para con él. Cumple el rol de Niño Bonito y no logra generar nada en el espectador más que impaciencia por que se termine.
Lo mismo con Tessa Thompson, que a diferencia de Will Smith en la primer película, ella encuentra el cuartel de los HDN por sus propios medios. Ni siquiera se puede hacer hincapié en las escenas de acción y persecución, se tornan aburridas e inverosímiles.
Lamentablemente, Hombres de Negro : Internacional no cumple con las expectativas, es un spin off que nadie pidió y terminará en el olvido.

Calificación 4:10

Reseña: Cuando todavía había ciruelos

Por Victoria Seri
Cuando todavía había ciruelos se presenta en el Teatro Pan y Arte de Boedo, hasta el mes de julio, los viernes a las 20.30 hs.

Sol Martínez, dramaturga y directora, nos plantea una mirada distinta a la historia de Ana Frank y su familia que ya conocemos. Porque en el diario de Ana Frank nos introducimos en la vida clandestina y persecución por la que tuvieron que atravesar durante el nazismo. Sin embargo, esta historia está contada cuando todavía había ciruelos.
Por algún tiempo, inclusive ya comenzada la guerra las niñas Ana y Margot tenían una linda y modesta vida junto a sus padres. Tenían sueños, fantasías y se comportaban como las niñas que eran. Antes de ser delatadas, descubiertas y transportadas por esos trenes tan temidos por ellas a los campos de exterminio, la familia anhelaba tener una vida próspera, estudiar, leer, escribir y disfrutar. Aunque ya empezaban a ser estigmatizados por su religión dentro de lo posible llevaban una vida normal, permitiéndose caprichos, peleas y también diversiones.
Disfrute mucho esta propuesta, me pareció un logro la intimidad que se consigue en el escenario para los relatos que se dan entre el grupo familiar y entre las hermanas. El escenario despojado de materiales innecesarios con el fin de que prevalezcan los diálogos y la dinámica actoral que fue lograda bajo estas circunstancias, es esencial para lograr emocionar al público. Una historia contada con amor y respeto e interpretada de la misma manera.

Ficha técnico-artística
Dramaturgia: Sol Martínez
Actúan: Nicole Muriel Camba, Magdalena Giorgio, Daniel Goglino, Celina Rodriguez, Coti Simioni
Iluminación: Lucia Feijoó
Diseño: Luciano Saiz
Fotografía: Daniel Ambrueso
Asesoramiento de vestuario: Marina Díaz
Asistencia de dirección: Natalia Spera
Dirección: Sol Martínez
Web: http://www.panyarte.com.ar
Duración: 60 minutos

Reseña: Amor de película

Reseña por Ricci

Amor de película nos habla de los vínculos fugaces y de los deseos individuales. Los cinco personajes tienen un objetivo en común: presentar un buen guion de película que tenga todos los condimentos para que eso suceda.

La obra es autoría y dirección de Hector Díaz. Como director lo hemos visto en otras oportunidades pero como autor es su primera obra. La obra surge de un grupo de creación colectiva fundado por Javier Daulte llamado “Teatro Líquido” compuesto por cinco dramaturgos, incluido el propio Daulte, con la idea de supervisarse entre ellos desde las primeras hojas escritas hasta el estreno.

Díaz llega para instalarse como dramaturgo en el ámbito teatral contándonos una obra llena de ritmo y comicidad, ubicando su historia en el ámbito del cine. La obra comienza con una primera escena llena de potencia que instala un dinamismo que jamas decae , sostenida por un grupo de excelentes actores/actrices. La historia cuenta con un productor (Rubén de la Torre), estereotipo del hombre decadente, y su asistente (María Inés Sancerni),un tanto demandante de su atención por falta de amor, que deciden unir a un guionista (Gerardo Chendo), imagen del cinéfilo solitario anclado en el pasado, con una exitosa youtuber (Luli Torn), representación de los centennials y la posmodernidad, para que escriban una historia en conjunto. Completando el grupo de personajes delirantes tenemos al funcionario del instituto del cine (Javier Niklison) que puede ayudar con el proyecto a cambio de algunos pedidos. El personaje del productor les pide a los guionistas que escriban una “comedia elástica” llena de amor, emoción y ritmo; y eso mismo es lo que nos brinda el directo: una comedia delirante para todo el publico.

La escenografía a cargo de Alicia Leloutre, José Escobar y Julieta Kompel nos muestra un espacio claro y conciso dividido en dos partes: por un lado la oficina cool y por el otro la casa desordenada del cinéfilo cuarentón. La iluminación es de Sebastián Francia y el vestuario de Jam Monti y Betina Andreose.

Amor de película. Jueves 21 hs. Espacio Callejon (Humahuaca 3759)

E3: Spyro llega a Nintendo Switch y PC en septiembre

El año pasado, Spyro the Dragon hizo su regreso triunfal en Spyro Reignited Trilogy, y el 3 de septiembre continúa propagando el fuego remasterizado al aterrizar en Nintendo Switch™ y PC a través de Steam por primera vez. Actualmente disponible en PlayStation® 4, PlayStation® 4 Pro y la familia de dispositivos Xbox One de Microsoft, incluida la Xbox One X, Spyro Reignited Trilogy pronto permitirá a los fanáticos de Spyro disfrutar de los tres juegos originales de Spyro™ como quieran jugar – en la marcha con la consola de juegos de Nintendo o con un aspecto mejor que nunca en la PC. La trilogía, que incluye Spyro™ the Dragon, Spyro™ 2: Ripto’s Rage! y Spyro™: Year of the Dragon, estará disponible para preventa a partir de hoy a través de los principales minoristas a un precio de 39.99 dólares.

Haciendo su debut oficial en Nintendo Switch durante la edición de este año de Nintendo Direct en E3, Spyro Reignited Trilogy marcará la primera vez que los tres juegos originales de Spyro estarán disponibles en una consola de Nintendo. La trilogía también marcará la primera aparición de Spyro en una consola de Nintendo desde Skylanders® Imaginators en 2016, y el primer juego dirigido por Spyro en una consola de Nintendo en más de 11 años. Con Nintendo Switch, los jugadores pueden saltar, deslizarse, atacar y prender fuego a sus enemigos mientras se enfrentan a los desafíos y aventuras del título, tanto en el modo portátil como desde la comodidad de sus hogares en el modo TV.Spyro también tomará su primer vuelo en la PC a través de Steam cuando Activision Publishing, Inc., una subsidiaria de Activision Blizzard, Inc. (NASDAQ: ATVI), presente la dinámica colección de juegos en ardiente 4K y una tasa de cuadros sin límites para deleitar a ambos veteranos y nuevos fanáticos de la franquicia.

Inmaculadamente remodelada desde cero, Spyro Reignited Trilogypresenta la emocionante y nostálgica jugabilidad que los fanáticos disfrutaron hace años con más de 100 niveles, secuencias de recompensas mejoradas, así como los hermosos diseños de los locos dragones de Spyro y otros icónicos personajes (incluido Sparx the Dragonfly, Hunter, Sheila, Agent 9 y Sgt. Byrd) y muchos más. La trilogía también incluye entornos mejorados, una banda sonora remasterizada, controles actualizados, iluminación completamente nueva y cinemáticas recreadas para un toque de dinamismo adicional en esta querida aventura. El desarrollador líder, Toys For Bob, está de nuevo en el camino para llevar Spyro Reignited Trilogy a Nintendo Switch, mientras que la versión para PC tendrá a los talentosos desarrolladores de Iron Galaxy a la cabeza.“Spyro Reignited Trilogy es una carta de amor para los fanáticos. Llevar esta experiencia nostálgica a Nintendo Switch y Steam significa que no importa la plataforma de juego que elijan, los jugadores tendrán la oportunidad de experimentar este juego increíblemente divertido e icónico”, dijo Michelle Fonseca, vicepresidente de gestión de productos y marketing de Activision. “Nuestro objetivo es transportar a los jugadores a sus preciados recuerdos de los años 90, mientras que también invitamos a nuevos fanáticos a sumergirse en el mundo de Spyro en cualquier plataforma que deseen”.

Spyro Reignited Trilogy demuestra el resultado de la remasterización de un juego épico que se basa en la increíble experiencia de los juegos originales. Los personajes y las personalidades se han redesarrollado creativamente con un sabor adicional que permite a los fanáticos volver a encender las llamas con Spyro y su equipo. Los jugadores experimentarán una trilogía repleta de una asombrosa cantidad de detalles, una mecánica de juego renovada y un manejo suave de la cámara. Para obtener más información, visita www.SpyroTheDragon.com y sigue a @SpyroTheDragon en Twitter y @Spyro en Facebook e Instagram. Por último, suscríbase al canal de YouTube en YouTube.com/SpyroTheDragon.

Reseña: Cerca: melodía inconclusa de una pareja.

Por José Rossi

La obra “Cerca: Melodía inconclusa de una pareja” de Eduardo “Tato” Pavlovsky, es llevada a cabo por el director Juan Washington Felice Astorga de manera muy particular, proponiéndonos una escenografía circular, con una base de metal que la hace girar sobre su propio eje, dando a conocer los distintos espacios de lo que sería la casa de una pareja adulta joven (interpretados por Cumelén Sanz, Marcos Casetta).

En esta casa, creada a partir de elementos realistas ubicados en la cotidianeidad de nuestro tiempo, las vicisitudes de esta pareja hacen que su relación penda de un hilo. Las preguntas y respuestas existenciales lanzadas y respondidas por los aires de la boca los personajes, crean momentos de tensión y a veces de humor. ¿Qué es el amor? ¿El amor se acaba? ¿Qué pasa cuando el amor se acaba? ¿O acaso sabemos desde el principio que el amor se va a acabar y por eso debemos disfrutarlo desde el primer momento? A través de textos y parlamentos poéticos, se busca dar una respuesta a este tipo de interrogantes, o simplemente ponerlos en juego para que el espectador saque sus propias conclusiones.

La obra es un despliegue de destreza, ritmo y virtuosismo. Está llena de significantes y simbología, sobre la cual, los espectadores deben elaborar hipótesis por encima de las reflexiones que los personajes confusamente plantean. Se juega con la música y la iluminación para romper los efectos de la cuarta pared y se busca por momentos un vínculo más íntimo con el espectador.

Estos aturdidos y confundidos personajes, darán un recorrido por toda la obra para sortear la cotidianeidad que los asfixia e intentar darle una respuesta al problema existencia que los acoge.

Funciones los días Viernes a las 23 Hs. En el Teatro No Avestruz

Duración: 50 minutos

Teatro No Avestruz

Humboldt 1857

Todo lo que tenés que saber sobre el estreno de la segunda temporada de «El Jardín De Bronce»

Por Maria Luz Stella
En esta ocasión tuve la oportunidad de visualizar el primer capítulo de la segunda temporada de El Jardín de Bronce que tiene fecha de estreno este Domingo 9 de Junio a las 21 hs. Se estará viendo en más de 70 países entre Latinoamérica, Europa y África por lo que representa una ventana al mundo para la industria audiovisual argentina.


Es producida por HBO y protagonizada por Joaquín Furriel junto a Maite Lanata, Julieta Zylberberg, entre otros. Se suma al reparto Paola Barrientos, interpretando a una madre divorciada y trabajadora con dos hijos varones. Ella es quien llevará adelante la acción desde el momento en que su hijo mayor desaparece. En esta búsqueda, el personaje se va a relacionar con Fabián Danubio (Joaquín Furriel) y con César Doberti (Luis Luque) solicitandoles ayuda para dar con el paradero de su hijo.
La propuesta, al sumar este nuevo personaje y esta nueva historia, es indagar en el barrio de La Boca, mostrar cómo son los lugares y personas que conviven en él. Representa una visión más cruda y realista de Buenos Aires.
Por otro lado, como bien mencionaba más arriba, el personaje interpretado por Barrientos va a estar en contacto con Doberti. Quien en la temporada anterior muere y que en ésta se lo va a redescubrir en el nuevo caso a través del uso del flashback. En esta nueva temporada se va a trabajar una doble temporalidad: por un lado, el presente en el que que Fabián convive con su hija pasando por una sensación de vacío total. Ya que como él mismo menciona, es como si todavía no la hubiese encontrado. Y en esta sensación, surge esta posibilidad de ayudar a una mujer que perdió a su hijo y así al mismo tiempo tratar de sanar una herida todavía abierta. En este camino va a descubrir su potencial y vocación oculta poniéndose ésta vez en el papel de detective. Por el otro, un pasado en el que se va a revivir a Doberti siguiendo los pasos para llegar al hijo de esta nueva integrante en la serie. En palabras del actor, a este personaje, lo vamos a ver contando una parte invisible que forma parte de la temporalidad de la primera temporada. Hace las cosas que no hace la policía. Es todo un observador. Ve lo que no ve el resto.
En cuanto a la realización, resulta un mundo nuevo para todo el equipo. Ya que antes se contaba con el precedente de la novela homónima, por lo que se sabía de antemano cómo eran los personajes y cómo sería el final. En este caso, la historia excede a la novela. Los actores, principalmente, se encontraron frente a un nuevo desafío pero a su vez conformes con la idea de poder profundizar en sus personajes y continuar trabajando en ello luego de la realización de la primera temporada en 2017. Por el momento, se cuenta con los capítulos terminados de esta nueva temporada y dependerá de la respuesta del público la continuidad.

Mi calificación es 8/10