Crítica: Gonzalo Borzino

Luego de haber sobrevivido a la guerra y regresar a la casa donde creció, Kurt (Hayden Christensen) nunca hubiese imaginado que lo peor estaba por venir. Estancado en una sociedad decadente y acosado por fantasmas reanimados por su trastorno de estrés postraumático, comienza a ser seducido por la idea de que el mundo está llegando a su fin y que debe preparase para lo inevitable. Incentivado por el cuestionable mesías Noe (Harvey Keitel), Kurt se refugia en su soledad y fabrica un bunker para sobrevivir a la tormenta que se avecina, a la cual solo los más aptos sobrevivirán.

A pesar de poseer una obra netamente enfocada en documentales, siendo el más reciente el de Boca Juniors (2015), Rodrigo H. Vila apuesta por su primer largometraje de ficción como director, productor y escritor principal. Algunas de las técnicas implementadas delatan su trasfondo no ficcional, como al momento de desarrollar una secuencia de acción, en donde el plano se queda fijo y muestra el panorama completo de la secuencia en lugar de acompañar los movimientos para generar adrenalina en el espectador. Desde luego que esto podría ser una marca autoral de un surgente cineasta, por lo que habrá que esperar y ver.

También titulada como «Numb, at the Edge of the End«, la película argento-canadiense está dotada de un impactante estilo visual. Ante los ojos del espectador se presentan escenarios muertos, de colores apagados, donde el oxido y el abandono son los reyes. Esta disposición escénica, agregada a los cerrados planos, promueven una sensación de opresión y asfixia que lleva a empatizar con el entorno presentado, tan alejado y aun así tan similar al nuestro. Podría leerse como una hiperbolizarían de los barrios bajos, un extremismo de miseria ampliado al espectro más amplio de la población, la clase media que desaparece. Aquí reina una anarquía de clanes donde la unificación bajo un mismo símbolo es la única forma de sobrevivir, lo que lleva a algunos a unirse por sentido de supervivencia. Y luego, en medio de este entorno de caos, se encuentra la agencia de seguridad, cuya pulcritud resalta contraria al mundo exterior. Sin embargo, posee un interior hipócrita y lleno de podredumbre acorde con lo que se vive afuera, el cual es revelado al momento de apagar las luces.

A nivel actoral, Christensen posee momentos de verdadero dolor facial. Sus expresiones de destrucción de alma recuerdan demasiado (para bien o para mal) al Anakin de Star Wars: Episodio III, cuando este ejecuta las masacres en nombre del emperador. Es una mirada llena de tristeza, pero llena de decisión. Su dinamismo con Liz Solari, su interés amoroso, no está demasiado desarrollado debido al casi nulo tiempo que ella está en pantalla. Acaba siendo un dulce para los ojos y poco mas, evidenciándolo incluso en la narrativa misma, donde a su personaje se lo ve como alguien con quien tener relaciones. Curiosamente, este papel lo iba a llevar a cabo Lusiana Lopilato, pero debido a los problemas de salud de su hijo debió desembarazarse del mismo. Por otro lado, un personaje que es absolutamente disfrutable, tanto por lo actoral como por la forma en que está escrito, es Johnny (Justin Kelly), el amigo ya fallecido de Kurt. Es la representación de un pasado que se niega a morir, una entidad anterior a la nueva vida de refugiado que lleva a cabo y alguien que lo ata a su viejas formas, entorpeciendo su progreso para volverse un sobreviviente efectivo. Por último, cabe resaltar la participación de los skinheads como parodia de los drugos de La Naranja Mecánica (1971), de entre los cuales salen dos extremos actorales muy dispares: El de Raymond E. Lee como un líder estructurado y el de Steve Kisicki como un pandillero enloquecido. Uno no puede evitar sentir al último un tanto «Gollumesco», gracias a sus exageradas muecas y bailes que realiza durante sus numerosas apariciones a lo largo de la película.

Resulta una primera experiencia interesante para que un director/escritor que no posee terreno en la ficción pueda comenzar a dar sus primeros pasos. Por momentos resulta un poco lenta, pero eso no evita que uno continúe encadenado, fascinado hasta que punto arrastrara Kurt su locura, y como reaccionara su entorno ante esto. Hasta que estrene su siguiente largometraje, habrá que refugiarse en la existencia de esta película para poder ver si los aciertos de Vila fueron fortuitos o conscientes

Puntaje: 7.0/10

Crítica: Laura Pacheco Mora

La propuesta de la película, nos sitúa en un futuro no muy lejano (2028), donde reina el caos en Los Ángeles, por la falta de agua, un caos un tanto exagerado, pues sólo faltan diez años. Y en ese año, nadie puede circular por las calles, pero los bancos abren de noche como si nada pasara.

Ahora bien, ¿quiénes están en el banco? Empleadas domésticas que odian a sus jefes y un “pelado papanatas”, que se destaca entre ellas por vestir un traje de ejecutivo y llevar a la vista, en el bolsillo delantero de su chaqueta, una lapicera, que más adelante nos daremos cuenta del enorme valor que posee.

Oh casualidad, uno de los ladrones, el hermano del protagonista, le saca la lapicera y comienzan los diálogos más usados en las películas policiales de clase B, que comienzan a reinar a lo largo de todo el relato … “Si te la llevás, firmás tu sentencia de muerte”. En tal caso, ese objeto, más que sentencia de muerte, será todo lo contrario. Siendo la única recompensa que -obviamente- el protagonista se llevará y que contradice sus principios.

Jodie Foster– (Taxi Driver, El silencio de los inocentes), no puede remontar ni hacer un buen papel como actriz, como cuando fué dirigida por grandes directores, pero acá deja claro su ineptitud. Un estereotipo de una mujer mayor, menos creíble que, además, al caminar, intenta imitar a Miyagi. A veces se olvida que está haciendo ese papel y otras, hace una mueca, solo para el espectador, como si el actor con el que interactúa no mereciera su respeto.Jeff Goldblum, como siempre, hace chistes, que más tienen que ver con ironías a sus amigos actores que al personaje con el que interactúa.

¿Pero quién es el malo de este film? Es alguien a quien no vemos, pero que interactúa con una prostituta (con claras reminiscencias a Lara Croft), que supuestamente está enamorada del protagonista, pero que sus acciones más adelante, demuestran lo contrario. ¿Qué decir sobre el pasado del personaje que interpreta Foster? Damos cuenta que tuvo una pérdida, de la cual no puede recuperarse y que la vemos en imágenes de forma recurrente, como si el espectador no lo hubiese comprendido.

En definitiva, si querés pegarte una siesta, acá tenés todos los elementos: un protagonista de color, una Jodie Foster, que interpreta a una enfermera, y que como actriz lo último que hizo fue decir que se casaba con una mujer; una chica escort y un hijo que, como en Gladiador, le pide a su padre que lo reconozca.Lo mejor, el dispositivo de cerraduras de la casa, los médicos robots que operan a través de la enfermera y una impresora 3D que hace órganos (riñones, corazón, hasta ojos), y la que nos da la esperanza de prescindir de la donación de órganos.

Con respecto a la premisa mayor, que es la falta del agua, mejor no hablemos, ya que no se desarrolló ni tuvo implicancia en los acontecimientos; lo único que importó fue la violencia para poder justificar la presencia de la enfermera.

Calificación: 3/10

El Festival de Cine Coreano cumple 5 años de vida en Argentina, Han Cine se fundó en 2014 con la intención de acercar las novedades del cine coreano y en la mejor calidad.

Viendo su programación se puede decir que Han Cine viene para todos los gustos, ya que viene con varios géneros para disfrutar.

Esta vez nos trae 11 filmes para que podamos disfrutar del cine coreano, que algunas veces nos parece tan lejano, pero que cuenta con una prolífica filmografía y de gran calidad.

Organizada por el Centro Cultural Coreano se viene la 5ta edición del 6 al 12 de Septiembre. La función de apertura empieza con “A Taxi Driver – Los héroes de Gwangju” de Jang Hun realizada en 2017.

Para todos aquellos amantes del cine asiático, y para los que quieren ver películas por fuera de lo que se produce en Estados Unidos y Europa, no se lo pierdan. Han Cine llego para quedarse.

Las entradas pueden ser adquiridas a través de la web de Cinemark/Hoyts o en boleterías del cine.

Alejandra Martínez

El último hombre cuenta la historia de Kurt Matheson (Hayden Christensen), un veterano de guerra con trastorno de estrés post traumático que cree que el fin del mundo se acerca.

Luego de establecer una relación con un dudoso Mesías (Harvey Keitel) abandona su vida cotidiana y comienza a entrenarse de una manera extrema en un refugio subterráneo.

Todos dudan de su integridad mental pero cuando él mismo empieza a planteárselo algo extraordinario sucede.

El film dirigido por el argentino Rodrigo H. Vila es un thriller apocalíptico, que a pesar de poseer una gran calidad fotográfica, no llega a entenderse la trama. La problemática sobre la destrucción del medioambiente y la locura en los ex combatientes de guerra se mezclan sin lograr que el espectador pueda deducir lo que se quiere contar.

Si bien el elenco que logró reunir Vila es muy interesante y de gran renombre, sus actuaciones no se ven reflejadas gracias a que el guión en algunos momentos es demasiado enredado. Y no se llega a “sacar el jugo” de actores como Harvey Keitel, Marco Leonardi y Fernán Mirás; sobre todo el personaje de Mirás que parece puesto a presión para que aparezca en la película.

No hay que ponerse filosófico en cuanto a la trama y lo que quiere decir el director-guionista. Solo hay que señalar que el film, que puede ser muy bueno por el gran elenco, derrapa como cine de género.

PUNTAJE: 4

El Último Hombre (The Last Man, Argentina/ Canadá, 2018)

Dirección: Rodrigo H. Vila.

Guión: Rodrigo H. Vila, Gustavo Lencina y Dan Bush.

Elenco: Hayden Christensen, Harvey Keitel, Marco Leonardi, Justin Kelly, Liz Solari, Rafael Spregelburd, Fernán Mirás, Raymond E. Lee, Gabriel Smith Lenton, Federico Aletta.

Producción: Rodrigo H. Vila, Gonzalo Vila y Dalila Zaritzky.

Distribuidora: UIP.

Duración: 101 minutos.

Alejandra Martínez

Crítica: Laura Pacheco Mora

The Wife es una película de drama dirigida por Björn Runge y escrita por Jane Anderson, basada en la novela homónima de Meg Wolitzer.

Está protagonizada por Glenn Close (Joan), Jonathan Pryce (Joe) y Christian Slater (Nathaniel). Joan es la esposa ideal, que acompaña a su esposo a Estocolmo porque recibirá el Premio Nobel de Literatura. En el camino, surgirán acontecimientos que le permitirán, cuestionarse las elecciones del pasado, debido a sus consecuencias. Esto le brinda esa libertad que de otra manera no podría adquirir y tomando una cabal y definitiva decisión.

Una vez más, en esta entrega, se destaca Glenn Close que nos tiene acostumbrados a brillantes actuaciones y realmente es impecable; por otro lado, todos los actores están a la altura de la excelente construcción de los personajes, les creemos y sentimos la historia junto a ellos.

La trama oculta un gran secreto que será develado a la hora precisa, lo cual nos habla de la excelencia del guion. Con respecto al mensaje principal que transmite, se podría decir, que … “detrás del éxito de un gran hombre, hay una gran mujer” … 

Paralelamente a la historia principal, las historias secundarias aportan gran volumen.“¿Qué sucede cuando una mujer oculta un secreto durante toda su vida por amor y decide revelar la verdad a gritos”?

Calificación: 9/10

Crítica: Laura Pacheco Mora

En un mágico y pequeño pueblo de pescadores de Marsella, Angèle, Joseph y Armand, se reúnen por un fuerte motivo familiar, después de largo tiempo sin verse. Angèle es una exitosa actriz y vive en París, Joseph está en pareja con una mujer más joven que él y Armand es el hijo que se quedó para cuidar del negocio familiar, un restaurante. En este contexto, se desarrolla una conmovedora historia, en la que descubriremos, un gran secreto y, a partir de un suceso que los afecta de forma trascendental, cada uno tomará decisiones que cambiará el rumbo de sus vidas.

Las actuaciones son exquisitas y simples; realmente cada actor, logra una conexión sensible e íntima con el espectador, siendo muy agradable transitar y descubrir junto a ellos, secretos, miserias, recuerdos, cuestionamientos, pasiones, pérdidas e intimidades, lo cual es verdaderamente destacable.

La fotografía es excelente y sumamente atractiva, acompaña con respeto y fluidez a esta sencilla y profunda historia. Este film es un claro ejemplo de inteligencia a la hora de pensar qué contar, cuando ya está todo contado, siendo innecesario utilizar recursos espectaculares o deslumbrantes para transmitir valores y mensajes sustanciales.

Cuenta con un impecable e íntegro guion, que permite sumergirnos en la trama con facilidad y sin lugar a dudas ni grandes pretensiones, el espectador se identificará con algunos de los temas propuestos y con los personajes.  

Si bien, desde el comienzo se plantea lo que sería un hecho relacionado con el devenir de la vida, lo interesante aquí, justamente es la naturalidad, delicadeza y frescura de la narración, debido a las diferentes emociones, intrigas y sorpresas que se generan hasta el final, que es una alegoría de la vida.

Calificación: 9/10

FICHA TÉCNICA:

Título original: La villa

Dirección: Robert Guédiguian

Guion: Robert Guédiguian, Serge Valletti

Fotografía: Pierre Milon

Empresas Productoras:

Agat Films / France 3 Cinéma / Canal+

Año: 2017

Duración:107 min.

País: Francia

Género: Drama

Distribuye: Mont Blanc

REPARTO

Ariane Ascaride

Jean-Pierre Darroussin

Gérard Meylan

Jacques Boudet

Anaïs Demoustier

Robinson Stévenin

Yann Tregouët

Geneviève Mnich

Fred Ulysse

Crítica: Gonzalo Borzino

En medio del bosque de Copahue, al pie del volcán, una niña busca su identidad. Le dicen blanca, le dicen que a quien busca lleva diez años muerta, le dicen que el bosque no la respetará , pero ella sigue. Esta terca muchacha es Yanka (Maite Lanata), quien da sus primeros pasos en el mundo fantástico derivado de la mitología mapuche buscando a su madre desaparecida, pero a quien encontrará realmente es a sí misma. La ultima heredera del linaje Gwen Winkul deberá atravesar una serie de pruebas dispuestas para tratar de detener la furia del dios del fuego Pillán (Leto Dugatkin), habitante del volcán. A su lado irán el duende mentiroso Chucao (Enrique Dumont) y un joven morador del bosque llamado Lihuén (Ezequiel Volpe), quienes la guiaran por su trayecto en esta nueva tierra llena de misterios y trampas.

Siendo la opera prima de Ivan Abello, es fácil notar las raíces culturales que lo inspiraron a elegir los tópicos que aborda. El mismo director confesó “… la primera imagen que se me vino a la cabeza fue un Volcán, y es algo que está impregnado en mi memoria y en mis orígenes, porque mi abuela que es Mapuche, nació al pié del Volcán Lanín junto al Lago Huechulafquen.», por lo que su afinidad a dicho colectivo no es ninguna sorpresa. La película trata de acercar, a un público menor, conceptos e historias que abrazan lo natural y nuestra conexión humana. Una noble misión, que sin embargo se ve negativamente afectada por la performance general, mas es pertinente señalar que las motivaciones detrás de la misma fueron buenas.

Habiendo sido rodada en dos meses, finalizando el proceso el 26 de febrero del 2014 y contando con el auspicio del INCAA y Neuquentur S.E, esta pieza audiovisual centra sus eventos en los paisajes vecinos del volcán Copahue (provincia de Neuquén) dotándolo de una belleza natural que, desafortunadamente, no siempre es aprovechada. Algunos de los planos empleados son angostos y las visiones de bosque atiborradas de contenido. Esto ocurre incluso en los momentos de montaje, limitando uno de los activos mas valioso con los que contaba la película. Otros planos fueron directamente holgazanes, superponiendo la cabeza de un actor sobre la del que está hablando sin ningún motivo aparente.

Según uno de los guionistas «esta es la película con mas efectos especiales del cine argentino» y si esa afirmación es correcta, estamos en problemas. El lector haría bien en recordar la regla «calidad antes que cantidad», pues esta película se llena la boca clamando tener muchos efectos pero la mayoría se quedan a mitad de camino entre una demostración deprimente del potencial local y algo fantásticamente extravagante. No son los efectos de lo grandioso lo que falla, Pillán y su guarida están fabulosamente logrados, sino que los efectos de soporte, las pequeñas cosas que deberían pasar desapercibidas y que son sumamente irritantes a la vista. Por ejemplo, la choza de la mentora espiritual de Yanka tiene unos arboles añadidos digitalmente frente a si, que más que caracterizar el entorno lo hacen parecer una pared pintada.

Otro problema muy notorio a lo largo de la película es la actuación del tipo alienígena. Siendo un largometraje orientado a público infantil, es esperable un cierto nivel de falencias entre los actores mas jóvenes debido a acelerados tiempos de producción y poca familiaridad con el medio. Sin embargo, nos encontramos ante un caso particular debido a que no solo fue la actriz más joven (Maite Lanata) quien dio una actuación desinteresada y sin energía sino que todo el reparto, desde jóvenes a viejos, carecían de orden. Por lo tanto es inferible quela responsabilidad de esta falla no este en el cuerpo actoral, sino en la dirección que no supo aprovechar a las personas que tenía delante. Asimismo, los diálogos que debían interpretar eran demasiado cargosos, sobre explicativos y poco naturales. No obstante, cabe resaltar la divertida interpretación de Kú, el secuaz de Pillán, interpretado por Juan Palomino a quien se lo reconoce por su papel de Nafta Super en Kryptonita (2015). Su actuación fue sumamente disfrutable, como ver a un villano de caricatura viviente, y su vestuario fue, por mucho, el más atractivo.

Finalmente, la temática de la historia se encontraba un poco descentralizada. Si bien se habla del olvido por un lado, desde el evento catalizador donde Yanka cree que su padre se ha olvidado de su madre volviéndose a casar, hasta las exigencias de Pillán que desea volver a ser honrado por el hombre. Ambos casos son caprichos de olvido que se encausan en el rencor y la explosión iracunda, sin embargo el motivo del dios cambia durante la película según a quien le preguntes, siendo algunas veces «bueno y malo a la vez» o colérico porque el hombre uso el fuego para la guerra. La historia no se pone de acuerdo con si misma sobre que es lo que quiere contar y eso se hace notar en el forma en que pasan las escenas, pisándose unas con otras o haciendo que la protagonista tropiece sin un rumbo claro ni aparente, pero sin buscar la imagen de desorientación.

Lamentablemente este es un film que no puedo recomendar, y digo que es lamentable ya que poseía una interesante motivación detrás, además de la inclusión de mitologías poco exploradas. Ni las composiciones de Ruy Folguera, ni los paisajes, ni Juan Palomino pueden salvar una historia tan desorientada, la actuación desinteresada, los efectos repudiables y el aberrante diseño sonoro. Sus problemas son demasiados como para dejarlos pasar y lo mejor que podemos hacer es mirarla hundirse en el eterno olvido obsequiado por el Copahue.

Puntaje: 3/10