El mito del padre que come a sus hijos en un banquete y que luego de saberlo es condenado no a morir sino a vivir con el dolor; este mito concebido por los griegos y que luego se reproduce a lo largo de toda nuestra tradición occidental y cristiana, que fue convertido en tragedia por Séneca, en el siglo I, es retomado con maestría por Emilio García Wehbi, director de la obra que en su estreno en el Teatro Cervantes impresionó y conmovió a cientos de espectadores.

¿Cómo convertir en espectáculo el peor de los sufrimientos? ¿Desde dónde mostrar la angustia de la humanidad que viene cargando una piedra enorme sobre su espalda? El director de esta obra, que contó con un elenco de doce actrices, comienza por la voz de una niña, la más pequeña de todas, interpelando al Hades.

Las niñas juegan a ser fuertes en un mundo de monstruos, se desafían entre sí con el lenguaje para intentar perder el miedo, su casita de muñecas se asienta en el mismo jardín oscuro de donde surgen las garras que luego las matan.

Pero para entender la metáfora hay que construir un anclaje, ¿en qué consiste la matanza? ¿No será acaso un pensamiento que se extiende? ¿Seremos todos los adultos cómplices de la muerte prematura de los más débiles? El estribillo de funky retumba en los oídos del público, que trata aún de digerir las palabras: “No hay asunto más prolijo que comerse a sus propios hijos”. (Sí, aquí vale mencionar la maleabilidad artística de las intérpretes: ejecutan instrumentos, cantan, bailan, son gimnastas, dan vuelta la escenografía y pasan de un góspel a un rap).

Entonces comienza la historia desde el principio, en el Acto II. Tiestes y Atreo eran hermanos en disputa por el trono. Tiestes engaña a Atreo y éste busca venganza. Se debaten a un duelo de maldiciones. (Se aclara que para la actualidad hay una nueva versión a la de Séneca y que cada hermano, para vengarse, mata al hijo del otro y se lo sirve en bandeja). Ambos terminan devorando su propia descendencia. Las voces de las hijas hablan desde el estómago. Destruidos, sin vuelta atrás, los padres viven con el remordimiento.

La obra cumple en demasía con el objetivo de dejar que el espectador la complete, pero sin duda es una crítica sagaz a la cultura patriarcal, a la banalización de las infancias, a la mirada del adulto medio. El juego de contrastes entre contenido y forma es admirable. Puesta en escena voluptuosa.

Tiestes y Atreo

Yamila Juan

Saltimbanquis es una obra de teatro infantil que cuenta la historia que un grupo de simpáticos animales que buscan su camino luego de escapar del maltrato de sus amos. Una propuesta musical que está compuesta por actores adultos y niños , que son parte de un bello relato ideal para toda la familia.

Saltimbanquis, es un musical basado en el cuento Los músicos de Bremen de los Hermanos Grimm. Es una obra que habla de la unión, del respeto por el otro, la solidaridad y la buena convivencia en comunidad. Cuenta las aventuras de cuatro animales que fueron explotados por sus amos y deciden huir hacia la ciudad para probar suerte como banda musical.

Un burro, un perro, una gata y una gallina son los protagonistas de la historia , van apareciendo de a uno , todos con una historia en las que se han quedado solo luego de su paso con los humanos. Inmediatamente logran hacerse amigos , tienen el objetivo de llegar a la ciudad y formar una banda musical . En su recorrido descubren que sus sueños y fantasías pueden ser distintos a los que creían en un principio, todo esto lo aprenden a través de la unión y la amistad , uno de los valores más importantes para ser fuertes y no estar solos.

La obra es muy bonita en su premisa , su puesta escénica también lo es. Cada actor que compone a los animales en escena , posee un carisma y color particular , que se hace imposible no tomarles cariño de inmediato. La obra también cuenta con niños que son parte del ensamble del espectáculo, algo ideal e inclusivo ya que va dirigido a toda la familia, en el que también participan los más chicos. Además del divertimento , está el mensaje o la moraleja que todo cuento sabe dejar. Más allá de toda la fantasía existente en el relato , el papel que cumplen los animales, que en muchas ocasiones sufren el maltrato de los humanos , responde a algo real y se busca una forma entretenida para hablar y tomar consciencia sobre ello.

Esta obra ya tuvo su paso por el Teatro Regio y el San Martin , teniendo su espacio fundamental durante las vacaciones de invierno. Ahora su reestreno en Ciudad Cultural Konex, bajo el marco de «Konex para chicos» los días domingos a las 16 hs. Esta sala permite el impecable despliegue en escenografía y vestuario , además del amplio lugar para el público, donde los chicos inevitablemente salen de sus butacas para jugar.

Debo hacer una crítica sobre esta función , pero va dirigido al publico. Primero, toca hablar de la gente que llega demasiado tarde, al estar con chicos el espacio se ve obligado a dejar entrar al público aunque llegue media hora empezada la función. Y la segunda cuestión son los celulares , se que es lindo poder documentar una salida en familia , pero no sé si se llega a disfrutar un espectáculo del todo estando filmando. Es solo una opinión y necesitaba remarcar.

Saltimbanquis es una obra ideal para salir en familia y divertirse tanto los más chicos como los grandes. Muy buenas actuaciones por parte de un elenco que también incluyen niños y un más que bonito mensaje que nos deja la obra sobre el teatro hacia los animales.

Domingos de mayo16 hs.

Entradas: $230, $280 y $330 (según ubicación)

Gran Sala

Menores abonan a partir de los 2 años

No se suspende por lluvia

Entradas por Ticketek

Hemos tenido el placer de ir al teatro Lola Membrives y disfrutar de la obra Sugar, que ha estrenado el año pasado con mucho éxito, teniendo a Susana Giménez en la producción y con las actuaciones de Griselda Siciliani, Federico D’elia y Nicolás Cabré. Desde hace poco , el rol de Sugar lo ocupa «Laurita» Fernández, una grata sorpresa que se une a una comedia desopilante y con un gran nivel del producción.

La historia está ubicada en Chicago en 1929, durante el periodo de la ley seca norteamericana, cuando dos músicos se ven obligados a dejar la ciudad después de ser testigos de un enfrentamiento entre dos bandas de gángsters

Es imposible no quedarse encantado con el nivel de producción que existe desde un principio, que va desde lo escenográfico, los vestuarios y el notable ensamble con que la obra cuenta y eso solo es el inicio. La historia es bastante simple pero resulta efectiva en cuanto al espectáculo que se quiere montar , por un lado una comedia de tono absurdo y por el otro un show lleno de música y glamour. Aunque la obra se llame Sugar , el protagonismo le sigue a dos hombres que son testigos de un asesinato por parte de gangsters americanos y para poder escapar se disfrazan de mujeres y se unen a una orquesta compuesta solo por Señoritas. Allí se encuentran con Sugar , quien es la gran estrella del show , hermosa y talentosa , pero quizá algo despistada y «tonta» cuando hablamos de amor. Estos dos hombres que solo usan vestidos, pelucas y algo de maquillaje (uno bastante mal maquillado) quedan encantado con esta chica , al punto de intentar ligar con ella , acercándose desde el lado de «amigas». La puesta resulta divertida por la soltura en que se desempeñan los personajes , de lo absurdo que en momentos llegan a mostrarse , dejando espacio para reírse también de ellos mismos junto al público. Después la historia se las arregla sola para tener la excusa para montar un show musical , notorio y al mejor estilo de Broadway.

En cuanto a las actuaciones , la dupla Nicolás Cabré y Federico D’Elia funcionan perfectamente en la comedia , como mujeres son terribles pero en ningún momento se busca la personificación femenina de forma ideal , sino que esa manera absurda en que se visten es lo que hacen graciosos a sus números , se podría hacer una comparación con los hombres que se visten de rubias en aquella película que siempre suelen repetir en la televisión. Cabe destacar que Cabré roba varias escenas , maneja su humor característico y funciona.

Párrafo aparte para hablar sobre la participación de Laura Fernández en el show. Ella canta baila y actúa con gran soltura , si bien su personaje es más bien es el hilo que conduce la historia de los otros dos personajes , pero aún así tiene su momento para brillar. Brilla en los números musicales , acompañada por un ensamble que le permite lucirse. Grata sorpresa por la nueva incorporación.

Sugar es un más que agradable show , que vislumbra gracias al nivel de producción que posee, pasando por distintos escenarios y vestuarios que nos llevan a un lugar colorido y glamoroso. Su historia es sencilla pero cumple con su cometido que es entretener , buen trabajo de todo el equipo que compone esta obra musical.

Sunset Boulevard es una obra de teatro musical que ha sabido cautivar al público en Broadway, contando la historia de una actriz en decadencia que no ha sabido encontrarse luego de aquel histórico traspaso del cine mudo al hablado. Esta adaptación de un film del mismo nombre responde a un espectáculo con la firma del gran Andrew Lloyd Webber, con el protagónico de Glenn Close en su versión original. Aquí tenemos a Valeria Lynch en el papel de Norma Desmond, un personaje que está a la altura de esta artista con un impresionante registro vocal, y cuya interpretación ha resultado sorpresivo y muy interesante. Tampoco debemos olvidarnos del gran elenco que la acompaña…

Dejemos de lado a Norma Desmond por un momento , ya que la historia en realidad se centra en Joe Gillis, un guionista que parece estar destinado al fracaso dentro de una industria tan imponente como exigente. Una serie de sucesos hace que Joe termine en la mansión de una actriz que ha sido muy importante para el cine mudo pero que actualmente no se la ve en pantalla, ella es Norma Desmond. La actriz incapaz de aceptar que sus días de gloria ya pasaron, sueña con su retorno triunfante en la gran pantalla para lo que requerirá la ayuda de su guionista caído del cielo. Este hombre toma el trabajo como vía de escape de los problemas económicos que posee, se aprovecha de la situación desesperada de la millonaria actriz convirtiéndose en amantes , algo que terminará en una relación obsesiva y peligrosa.

Mariano Chiesa interpreta al personaje que sirve como hilo conductor de esta historia, un hombre que a pesar de sus constantes decisiones erróneas , tiene sueños y fantasías en si mismo , plasmadas en las historias que esconde bajo su pluma. Su encuentro casi accidental con la actriz norma Desmond en un principio sirve como una vía de escape , hasta que ciertos sentimientos se cruzan , aunque no es amor lo que sienten ninguno de los dos , es más bien el confort que existe al salir de una situación desesperada. Este personaje sirve también para recorrer el mundo del cine en aquella época, sus pasos por los estudios cinematográficos, la relación con amigos que son parte del ambiente y el amor que surge con alguien inesperado y prohibido. Todo este recorrido funciona también para mostrar una puesta con mucho color y música , algo característico de aquella llamada época dorada del cine. Y en su contraste tenemos el drama , la decadencia en persona, esa actriz si bien sigue vigente con sus sueños de gloria vive dentro de un pozo del que nunca a podido salir y así se ve reflejada en la relación con el guionista.

Ambos actores se lucen en sus papeles , Mariano Chiesa ha sabido dirigir el curso de la historia , el carisma y el talento que posee en el terreno del musical es algo que logra verse con notoriedad y se ve reflejado en la química con su contraparte femenina. Valeria Lynch logra acaparar la atención en sus escena , tal como debe ser la actriz , la artista se come dicho personaje sorprende tanto en su registro vocal como en lo interpretativo. Vayamos a lo claro , Norma es una mujer que en su locura que ha comido el personaje de estrella de cine, pero no es capaz de razonar fuera de su fantasía y es eso lo que lleva a que todo pueda terminar en tragedia. El resto del elenco está puesto para hacer brillar el espectáculo , en aquellos momentos donde se monta aquel mundo del cine , la ambientación de la época y sobre todo la alegría en su música. Los actores en escena son más que experimentados en el género musical y su presencia está a la altura de las circunstancias.

Algo que también es imprescindible destacar es el nivel de producción que se ha montado en el hermoso escenario del teatro Maipo. Desde la escenografía hasta cada uno de los vestuarios que posee Norma Desmond y todos los personajes denotan la calidad artística y la inversión que se ha hecho en este producto. El trabajo de adaptación también está bien resuelto , claramente las canciones están traducidas, para los que conocen la obra original el cambio es bastante sutil.

Sunset Boulevard es una obra que merece ser vista , primero por su impecable producción , que no tiene mucho que envidiarle a Broadway. Luego por la participación de artistas como Mariano Chiesa, Rodolfo Valss y sobre todo la gran Valeria Lynch , quien se anima a poner su imponente voz y también el cuerpo a una mujer fuerte y llamativa, aún en su locura. Un musical completo e impecable al que debemos prestarle mucha atención , y disfrutar desde nuestro papel de espectador.

Autoría y Letras: Don Black y Christopher Hampton

Música: Andrew Lloyd Webber

Dirección: Claudio Tolcachir

ELENCO

VALERIA LYNCH

MARIANO CHIESA– RODOLFO VALSS – CARLA DEL HUERTO

MARIANO ZITO – JORGE PRIANO – RODRIGO SEGURA

JIMENA GONZALES – MARCELO DE PAULA – CRISTIAN CENTURIÓN

SILVINA NIETO – WALLY CANELLA – EMMANUEL ROBLEDO ORTIZ

MARIANO CONDOLUCI – PATRICIO WITIS – PABLO GARCÍA

KARINA BARDA – LAURA MONTINI – ANA DURAÑONA

MARÍA HERNÁNDEZ – MENELIK CAMBIASSO – IRINA RAMIREZ

BELÉN CABRERA – FACUNDO MAGRANÉ

HORARIOS

DE MIÉRCOLES A VIERNES 20.30 HORAS

SÁBADOS 19.00 Y 22.30 HORAS

DOMINGOS 19.00 HORAS

LOCALIDADES DESDE $300

TEATRO MAIPO

Esmeralda 443 – CABA

Este gran clásico de la religión judía vuelve a Buenos Aires a la calle Corrientes, mas precisamente en el Teatro Astral, de la mano del director Gustavo Zajac, con Raul Lavie como cabeza protagónica de la obra y gran elencos.

Esta historia se sitúa en Rusia, en un pequeño pueblito de Anatevka, en el siglo XIX. Allí encontramos a Tavye, un trabajador lechero con su esposa y tres hijas en plena adolescencia. El conflicto de la obra es mantener la tradición como siempre lo fue en esa época y el futuro matrimonio de sus hijas, que es casarse con su misma religión, al padre se le debe pedir la mano de la hija, y que el futuro marido tenga un buen pasar económico para que ella tenga una vida feliz. Pero todo sale al revés. Debe lidiar con un joven rebelde que es nuevo en el pueblo, la felicidad de su hija que no va con la tradición judía y enfrentarse con sus vecinos. En si, enfrentar pensamientos distintos.

Con un gran elenco de actores, cantantes y bailarines, la obra con un intervalo de por medio, es muy entretenida. Voces como Raul Lavie y Florencia Otero destacan en la puesta . Además, le suma mucho la escenografía para demostrar ese entorno antiguo, de pueblo con mucha historia con revoluciones a su alrededor. Con una sola escena y puesta de luces alcanza a contar toda la historia.Los bailes y canciones con estilo judío, te ayuda a entrar en clima y ser parte de ella.

Esta obra con una buena producción, e interpretes con experiencia que saben cómo desenvolverse en un musical. Es un recomendable espectáculo que invita al público a ser parte de una clásica historia de forma renovada .

Un dictador, líder de una nación muy peculiar, recibe un comunicado: la monarquía europea de la monarquía europea de Liechtenstein le ha declarado la guerra. Así arranca esta pieza teatral del dramaturgo y director, Darío Pianelli.

Erase de un remoto país (con antojadizas particularidades sudacas) que se encontraba bajo el mando del gran Tirano. Nada sucedía más allá de terror y la idiotez habitual hasta que la llegada de un comunicado modificará las cosas: La monarquía europea de Liechtenstein le declara la guerra. Desde entonces todo será paranoia y temor; la deslealtad acechando, los barcos enemigos anunciando la guerra, la soledad de un cualunque tirano y la ficción de su poder, desmoronándose.

La obra , que mantiene un código de farsa, funciona como una parodia a las dictaduras que se han mantenido en los países sudamericanos, aunque también burlándose de cualquier régimen totalitario existente. Así, la amenaza de una guerra pone todo patas para arriba desde adentro del poder , aquel tirano que se creía todo poderoso siente la debilidad ante el miedo , la deslealtad y la traición, que se verá presente entre sus súbditos más cercanos. La puesta maneja un humor bastante particular , rozando el absurdo en la acciones de los personajes, donde al quedarse sin ese status de poder , realmente pierden los estribos.

Aunque la obra juegue con el humor desde lo absurdo , el contenido dramático siempre está presente. La crítica hacia la sociedad, la manipulación de los medios de comunicación y la forma en la que se identifican estos actores de la política responden a algo que muchos como sociedad conocen. Es interesante también que la puesta no responda a una nación en partícular , aunque usa referencias para identificar a algunos actores en escena.

Algo más en lo que se destaca Cualunque tirano es en sus actuaciones y en la conjunción que hay entre ellas y la puesta en escena. El espacio donde asistimos a este en encuentro es reducido , más bien íntimo , pero aún así logra desplegarse con grandeza. El manejo de luces, escenografía y el despliegue de los actores nos permite ver algo más grande , permitiendo que realmente el espectador se sienta dentro del lugar donde se toman las decisiones políticas, aunque sean erróneas.

Cualunque tirano es una interesante pieza teatral para observar y reflexionar sobre la política y la guerra , desde un punto de vista que usa la parodia y el absurdo como medio para hacer una crítica a la sociedad a lo largo de la historia. Es una obra que sobresale por sus actuaciones y la puesta en escena, que invita al espectador a ser parte de la caída de un gran tirano.

Ficha técnica:

Actores:

Tirano: Martín Rivero

Perro: Roco Saenz

Periquito: Emilio Dieguez

Galeb: Gonzalo Villareal

Diseño de Luces: Federico Leyenda

Diseño de Vestuario: Milena Amado

Diseño Gráfico: Juan Francisco Reato

Fotografía: Mariela Salaverry / Santiago Dropo

Prensa: Correydile

Asistente de Dirección: Malena Salicrú

Dramaturgia y Dirección: Darío Pianelli

Duración del espectáculo: 70 minutos

Sábados 20 horas

Teatro El Ópalo – Junín 380 –

Entrada general $180/ $150 (estudiantes y jubilados)

Reservas por Alternativa Teatral