Crítica de Paula Fossatti

Es la historia de Frida, una niña de seis años que pierde a su madre ese verano, su padre había muerto tres años antes, ambos por causa del sida.

Frida debe mudarse a un pueblo cerca de Barcelona, Ampurdán, con la familia de su tío materno; estas son las primeras escenas que logran conmover con la mirada de un niño que tiene que partir a pesar de que no quiere hacerlo. El dolor y el desconcierto que retrata Laia Artigas es el recuerdo de la propia Carla Simón, quien con el paso de ese trágico verano busca en el desconcierto de su nueva realidad, un lugar en su nueva familia.

La cámara todo el tiempo tiene el punto de vista de la niña Frida, los primeros planos, como ve el mundo un niño que perdió lo que conocía y tiene que adaptarse a uno nuevo lleno de colores diferentes. Frida y su prima Anna (Paula Robles) son realmente las grandes protagonistas de la película, la sutileza e inocencia de sus actos, el miedo a dormir solas, lo espontaneo en la escena de los juegos; y es aquí que la directora retrata algunas situaciones disfuncionales en la relación con su propia madre.

El drama que nos cuenta Carla Simón, junto con David Verdaguer y Bruna Cusí es difícil no emocionarse, no habla del sida ni de la enfermedad, de hecho, nunca mencionan la causa de la muerte de ambos padres, tampoco intenta manipular los sentimientos de quien está asistiendo el film; la película va mucho más allá de ello, porque nos cuenta a través de la actitud de los niños en su cotidianeidad y en conversaciones de adultos como es el mundo para ellos, ¿Cómo aceptar que no vas a ver más a tu madre?, ¿Cómo configuras tu vida a partir de ese dolor?.

Sin dudas es una película maravillosa que en ciertas situaciones roza el documental y particularmente me emocionó porque a través de la comprensión y la simpleza es la historia de alguien que aprende a entender lo que siente.

Calificación 8/10

TITULO ORIGINAL: Estiu 1993

ACTORES PRINCIPALES: David Verdaguer, Bruna Cusí, Laia Artigas.

GENERO: Drama.

DIRECCION: Carla Simón.

ORIGEN: España.

DISTRIBUIDORA: Independiente

ESTRENO: 26 de Abril de 2018

97 Minutos

Crítica de Fernando Benítez.

Ploey Cabeza de chorlito

Esta divertida y emocionante historia de Ploey, un niño pájaro de la especie Chorlito que nace en una isla, debe enfrentarse a la cruda estación del otoño e invierno del ártico para esperar a que vuelva su familia en verano.

Al nacer, empieza a conocer a su entorno, su familia y hasta a su primer amor. Como toda ave, debe aprender a volar, pero este pajarito le tiene miedo a la altura, así que lamentablemente pierde su oportunidad de emigrar con su familia para no sufrir el frío. Solo y apenas recién nacido, y con la amenazante presencia de un Aguila con mucha hambre por los pájaros chorlitos, decide emprender un viaje en el que debe cruzar toda una cordillera de montañas a pie con ayuda de nuevos amigos que se cruza en su camino. Esta película animada islandesa te muestra el lado real de como es la vida de la especie Chorlito, que van emigrando de un lugar a otro siguiendo el calor. Y también, las habilidades que tienen para sobrevivir a cualquier amenaza cerca.

Obviamente fue creada para el público infantil dejando buenos mensajes con respecto a la valentía, a la familia, amistad, amor y educación, porque no, de como es la vida de un ave. Le llega a faltar algo de situaciones cómicas , pero de todos modos resulta una propuesta simpática para los más chicos.

Calificación 6/10

TITULO ORIGINAL: Ploey: You Never Fly Alone

VOCES ORIGINALES: Iain Stuart Robertson, Harriet Perring, Jamie Oram.

GENERO: Animación.

DIRECCION: Arni Ásgeirsson.

ORIGEN: Islandia.

DISTRIBUIDORA: BF + Paris Films

ESTRENO: 12 de Abril de 2018

84 Minutos

Apta para todo público

Crítica de Andrés Prillo

El reencuentro de tres veteranos de Vietnam treinta años después del final de la guerra es el escenario elegido por Linklater para reflexionar sobre el paso del tiempo. Qué se perdió en el camino para una generación marcada por la guerra y su impacto sobre el imaginario de una nación.

“El presidente lamenta profundamente tener que informarle que su hijo fue asesinado en cumplimiento de su deber. El murió como un héroe al servicio de su país”.

Con este telegrama comienza el viaje de tres ex soldados que se ven reunidos por la muerte del hijo de uno de ellos en Bagdad. Este es el punto de partida para un incómodo reencuentro entre tres hombres unidos por un pasado oscuro y que tendrán que lidiar con culpas postergadas durante años.

Basada en la novela de Darryl Ponicsan, secuela de “The Last Detail”, “El reencuentro” es considerada una secuela no oficial de “El último deber”, protagonizada por Jack Nicholson en 1974. Los tres personajes de ese film vuelven a aparecer levemente modificados en un nuevo contexto histórico. El salto temporal de la guerra de Vietnam a la guerra de Irak le permite a Linklater reflejar paralelismos entre los dos conflictos bélicos.

Los tres llevan marcadas en su carne las secuelas de la guerra. Salvatore (Bryan Cranston) tiene una placa de metal en la cabeza, Mueller (Laurence Fishburne) tiene comprometida una pierna y Larry Shepherd (Steve Carell) perdió dos años en la cárcel por un confuso episodio.

Cada uno acude a una fuente distinta para encontrar su consuelo: el alcohol, la religión, el duelo. Son las heridas emocionales las que van a ocupar la mayor parte del relato, que transcurre en una serie de espacios cerrados (viajes en auto y tren) que deben hacer para recuperar el cuerpo del hijo de su amigo y llevarlo al pueblo donde nació.

Lo que inicialmente parece un encuentro formal para homenajear al difunto en un funeral, pronto cobra un giro doloroso cuando se descubre que la muerte del soldado quizás no fue tan honorable como el ejército afirmaba. A partir de ese hecho saldrán a la luz las frustraciones de una generación con las mentiras de su gobierno, el sacrificio irracional de la guerra, de los ideales perdidos.

Así, en esta historia simple, sin giros inesperados, aparece lo más disfrutable del film: la relación entre los tres personajes (y los tres grandes actores que los interpretan). Los diálogos sobre el pasado, la incomprensión del mundo actual, y el sinsentido de la guerra aparecen bajo un tono agridulce, pero nunca solemne. Siempre termina triunfando la humanidad y el carisma de tres hombres que deciden reencontrarse con sus fantasmas con una sonrisa.

Esto se puede ver en una de las mejores escenas, cuando recuerdan su visita a “Disneyland”, el apodo provocador que le pusieron a un prostíbulo en las afueras de su base en Vietnam. En este sentido, hay una gran ambigüedad en su mirada del mundo: quieren a su país sin ser nacionalistas, respetan al ejército sin ser militaristas. También recuerdan el pasado de manera contradictoria: como una época oscura de vicio y crueldad, y a la vez como una época excitante a la que añoran regresar.

Al encontrar su ataúd, pese a las advertencias, el padre del joven (Carell) decide mirar el rostro desfigurado de su hijo. A pesar de saber que será doloroso. Esa cara irreconocible bien podría ser el “rostro de una nación”. Puede verse como una metáfora de la pérdida de identidad y erosión de las convicciones de Estados Unidos que dominaron el imaginario de la “defensora de la democracia mundial” después de la Segunda Guerra. Lo que los historiadores llaman el fin del sueño americano.

Quizás lo que plantea “El reencuentro” es que el primer paso para superar un dolor, sea personal o histórico, sea enfrentarlo, mirarlo a los ojos sinceramente. Para poder seguir adelante y dejar, en algún grado, el pasado atrás.

Calificación: 7.5/10

TÍTULO ORIGINAL: Last Flag Flying

ACTORES PRINCIPALES: Bryan Cranston, Steve Carell, Laurence Fishburne

GÉNERO: Comedia Dramática

DIRECCIÓN: Richard Linklater

DURACIÓN: 125 Minutos

ORIGEN: Estados Unidos

DISTRIBUIDORA: Digicine

ESTRENO: 12 de Abril de 2018

Crítica de Agustín Villegas

Los kaijus llegan al genero comedia…

Cuando anunciaron que ‘RAMPAGE’ iba a ser parte del golpeado club de videojuegos llevados al cine me quede como si estuviese en un sueño en estado de coma. Pase horas jugando a este arcade, viajando de ciudad en ciudad lastrandome a sus habitantes y bajando edificios a trompada limpia en compañía de esos monstruos poseedores de carismáticos diseños e hilarantes expresiones caricaturezcas.

Para dejarlos mejor posicionados voy a contarles un poco de que va la historia del juego. Midway Games llevo a cabo el primero de todos en 1986, titulado lisa y llanamente ‘RAMPAGE’, el cual fue desarrollado para Atari, Nintendo Nes y, principalmente, para máquinas arcade. La idea consistía en seleccionar a una de las tres bestias protagonistas (el gorila George, el lobo Ralph y la reptil Lizzy, presentes en la película) para ganar puntos destruyendo edificios, autos, aviones, helicópteros e inclusive comiendo civiles, policías, militares y hasta las pertenencias de los departamentos afectados por los golpes. La idea era atractiva, por lo que once años despues la compañía se embarcó en sacar una trilogía de juegos en forma de reboot, que consistía en los subtitulados ‘WORLD TOUR’, mí favorito y el mejor para sacar la ira, el ‘UNIVERSAL TOUR’, que agregaba ciudades en la luna y el ‘TROUGHT TIME’, que permitía a un nuevo elenco de bestias viajar en tiempo y devastar ciudades históricas sin ningún tipo de piedad. Un tiempito despues, en el 2006, la empresa lanzó otro reboot algo inferior para Playstation 2, Nintendo Gamecube y WII, subtitulado ‘TOTAL DESTRUCTION’ que seguía teniendo buenas ideas pero no era comparable con la simpleza y el carisma de las primeras tres entregas. El humor negro y diseños exageradamente caricaturizados le dieron al título una personalidad única que fue bastante infravalorada a través del tiempo. La historia solía ser siempre la misma, un experimento en la empresa Scumlabs sale mal (una vitamina nueva, intoxicación por una nueva hamburguesa o un lago radioactivo) y unos humanos se convertían en unas divertidas abominaciones en forma de animales gigantes antropológicos que eran capturados por humanos y rescatados por monstruos a medida que iban sucediéndose los juegos. Pero estamos acá para hablar de lo que fue la película, por lo que voy a dejar de irme por las ramas.

El argumento del film sigue a David Okoye (Dwayne ‘The Rock’ Johnson), un primatólogo ex jefe de una unidad contra la caza furtiva fuera de Ruanda que tiene una amistad especial con el gorila albino George. La cosa se complica cuando, tras la explosión de una estación espacial dedicada a investigaciones experimentales de una perversa corporación, unos extraños artefactos caen en distintas partes de Norte América, causando que tres animales comunes y corrientes, entre ellos el simpático George, se conviertan en unas indestructibles criaturas gigantes dispuestas a destrozar todo lo que ven a su paso. Para detener ésta locura, Okoye se une a la Doctora Kate Caldwell (Naomie Harris), ex ingeniera del programa genético que originó el peligroso suero y a Harvey Russell (Jeffrey Dean Morgan), un irónico agente gubernamental con una actitud de acero.

Para ser francos, el juego original no se trataba de un ‘HALF LIFE’ en aspectos narrativos, por lo que los cambios en el concepto central de la historia (como que las bestias sean animales gigantes y no humanos mutados) no se me hicieron tan difíciles de digerir a medida que la película iba transcurriendo. Apenas salió el trailer me lamenté por la oportunidad que el estudio estaba perdiendo en llevar a cabo un film de monstruos tan generico, y si bien los diseños de las criaturas lo son, el humor negro y retorcido de la obra original se terminó aplicando parcial pero cómodamente al resultado final del film.

El hecho de que la película ponga el enfoque protagonista en los humanos y el enfoque antagonista en los animales fue lo que le bajó unos pares de puntos a la idea. Los monstruos pudieron haber tenido una personalidad que lidere con la historia de una forma mucho más innovadora al tratarse de una comedia, sin ser limitados a aparecer solamente en escenas de acción y destrucción. Banco a Dwayne Johnson desde siempre, puede que sea un actor medio pelo pero tiene un carisma infinito que le hace sostener cualquier producción, la amistad que tiene con el gorila George es lo mejor que nos dejo la película junto a los efectos especiales. Mailin Akerman y Jake Lacy interpretan a la dupla de villanos principales del film, unos hermanos totalmente opuestos pero que tenían como denominador común la tenencia de la empresa culpable de todo el quilombo. Ella es una sociopata capaz de mantener la calma en las situaciones de más presión y el es su contraparte, un cobarde que ya no sabía como lidiar con los pecados de su empresa.

La dirección, a cargo de Brad Peyton, no es algo del otro mundo, pero supo encaminar la película de una forma más que aceptable. Las escenas de acción están bien construidas y los escenarios de destrucción son atrapantes y creíbles. Me gusto ver una cantidad tan grande de efectos especiales en un entorno diurno, eso habla muy bien del laburo técnico de éstos. El guión no tiene que ser analizado demasiado, tiene errores que se perdonan debido a la naturaleza de la idea. Estamos ante una película hecha para entretenerse sin pensar demasiado.

«RAMPAGE – DEVASTACIÓN» es una película divertida, graciosa y simpática. ¿pudo haber sido mejor? Totalmente, pero el resultado final fue algo que es digno de verse al menos una vez para distenderse un poco de la cruel realidad.

Calificación 7/10

TITULO ORIGINAL: Rampage

ACTORES PRINCIPALES: Dwayne Johnson.

GENERO: Ciencia Ficción, Acción.

DIRECCION: Brad Peyton.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: Warner Bros

ESTRENO: 12 de Abril de 2018

107 Minutos