Archivo del Autor: Daniel Alvarez

Reseña: Chicas de New York

El pasado viernes 6 de abril ha tenido lugar en el Teatro Ludé el estreno de la obra «Chicas de New York», un musical que nos cuenta la historia de una neoyorquina que viaja en búsqueda de su padre, y que es acompañada por tres amigas que traerán a nuestras tierras mucho glamour, bailes y música.

La historia se remonta por el año 1930, cuando Julie, una neoyorquina que se la pasa trabajando en un circo/cabaret descubre tras la muerte de su madre , que el padre que nunca conoció aún sigue vivo y se encuentra en Buenos Aires. Esta chica toma la loca y casi suicida idea de dejar todo y emprender un viaje hacia la Argentina en busca de ese papá , pero no vendrá sola , sino que es acompañada por sus más fieles amigas rumbo a lo desconocido. En la llegada al país se encuentra con que ese padre , es dueño de un club nocturno y que las cosas actualmente no están muy bien. Así que cuando llega en vez de ir de lleno con la verdad , empieza a trabajar en ese club hasta poder ganar la confianza de aquel hombre para poder decir aquella fuerte verdad. En el transcurso de la historia, de esa estadía en el cabaret , la chicas de New York reviven ese club con su carisma y el talento que traen de su país, haciendo gala de aquel musical que el espectador verá.

Cabe decir que aunque la premisa es simple , la puesta escénica se alza como un gran proyecto musical , que desde el primer minuto atrapa al espectador desde sus coreografías, estética e imponentes números musicales. La historia es simpática, fácilmente podemos empatizar con Julie, sus amigas y hasta con aquellos que son «antagonistas» en la historia, ya que hacía su final deja un mensaje de aceptación, de que aquellos errores del pasado son corregibles si se piensa ser feliz en el presente.

El Teatro Ludé (ex teatro Santa María) es un espacio que ha querido encontrar un lugar para las producciones locales , pero apuntando hacia lo comercial. Y es eso lo que Chicas de New York busca ser , un espectáculo grande en su producción y con varias funciones durante el fin de semana. Ahora depende de la aceptación del público para que este tipo de proyectos puedan tener su hueco en la cartelera teatral porteña.

Chicas de New York es una obra que trae aquellos elementos que conocemos de los musicales de Broadway , pero que saben darle su toque local, tanto en las canciones como en la ambientación de los escenarios que recorre la historia. Así mismo sabe manejar muy bien el humor , gracias al trabajo actoral de todo el equipo, destacando siempre a nuestras cuatro indiscutibles protagonistas. Podemos afirmar que se trata de una obra ambiciosa para el público al que se quiere dirigir , sobre todo entretenida y recomendable para todo amante del musical argentino.

ELENCO

Lorena Paola

Julieta Gelmini

Denise Depauli

Noli Rodríguez

Emi Fegger

Marcelo Durán

Facundo Ávila

Leandro Martinez

Pachi Pancani

Clara Bergamo

Lucas Dominguez

Camina Nardone

Melisa Lipicar

Daiana Vera

Sofia Chamorro

Sofia Kin

Flor Pupi Cella

Federico Maciel

Lucas Apa

Libro: Hernán Bonsergent

Dirección: Verónica Navalles

Coreografías: Rodrigo Villani

Vestuario: Alfredo Miranda

Escenografía: Fabián Mancina

Diseño Gráfico: Matias Gordon / Alki Studio

Redes Sociales: Belu Maffei / Alki Studio

Prensa y comunicación: Tommy Pashkus Agencia

Dirección vocal: Ivan Skamarda

Dirección General: Ariel Ciocco, Hernán Bonsergent

Funciones: viernes y sábados a las 20.30 hs.

Domingos a las 20 hs.

Entradas a la venta en boletería del teatro o por Plateanet

Valor de localidades: desde $300.-

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Reseña: Anatomía del destino.

Reseña de Mariano Zamora

La llegada al teatro te sumerge en un mundo en el que todo es posible, en donde una persona puede hacer de cien, o de ninguna. En el Teatro El Ópalo nos encontramos con Anatomía del Destino, de Gabriel F. Chapo, en donde dos personajes son más que dos. Clara Díaz hace de Clara, una psicóloga Española que trabaja en el área de Recursos Humanos de una multinacional, y le dan la tarea de reducir gran parte del personal de una sucursal en Argentina. Federico Justo la acompaña en escena, interpretando varios personajes que acompañan a Clara y dan mundo y música a su relato.

El conflicto se plantea desde el comienzo, en la desagradable tarea (para algunos) que le toca a la protagonista de reducir la cantidad de puestos de trabajo de una empresa. Clara se choca con esta barrera, y a partir de allí se va a representar la revolución interior de una mujer de clase media (para arriba) que se ve ‘’obligada’’ a aceptar el pedido por parte de su jefe, pero que nos muestra, a través de diferentes recursos, como ese aceptar se va transformando en un despertar ideológico. Federico Justo se presenta en escena como un actor multifacético que da al mismo tiempo, con su voz y guitarra, música ambiental e incidental a diferentes momentos de la obra, dotándola de un escenario musical en vivo muy agradable.

Clara, inmersa en una situación contradictoria entre su puesto empresarial capitalista, y su inclinación y reflexión de la sociedad lejos de la guillotina monetaria, va a bifurcar su accionar entre el seguir las ordenes de la empresa, y el encontrarse a si misma ante la desobediencia laboral. Este incendio ideológico es lo que va a iluminar el desarrollo de la obra, jugando con el tiempo de representación, creando burbujas reflexivas, desarrollando a Clara como un reflejo de un despertar espiritual que a muchos les pasa y pone patas para arriba su actual visión del mundo.

Federico va a llenarnos de personajes el jardín de esta obra, pero principalmente va a ser el viento que empuje las velas de Clara y la llene de situaciones que alimentan su desarrollo. Vamos a encontrar en esta obra una revolucionaria reflexión de lo que hacemos y podemos hacer con las herramientas que tenemos en nuestras manos y muchas veces no vemos, mostrando lados combativos y reflexivos, retratando la fragilidad de personas comunes que se encuentran finalmente con el reflejo de una sociedad maquillada por los números empresariales, pero que despierta y combate la oscuridad de la individualidad capitalista, a pesar de todo.

Ficha técnica:
Actores: Clara Díaz, Federico Justo
Música en vivo: Federico Justo
Dirección de Arte y Escenografía: Emilia Pérez Quinteros
Diseño y realización de iluminación: Carolina Rolandi
Diseño y realización de vestuario: Daniela Chihuailaf
Asistencia de vestuario: Franco Solís
Asistencia de escenografía y realización: Martín Fernández Abuchdid y José Basoalto Ortega
Diseño gráfico: Facundo Mazzeo
Fotografía: Facundo Mazzeo
Prensa: Correydile
Producción Ejecutiva: Malón Teatro
Dramaturgia y Dirección: Gabriel Fernández Chapo
Duración del espectáculo: 70 minutos

Domingos 20 horas

Teatro El Ópalo – Junín 380 –

Entradas: $120 (único valor)

Reservas: 4951-3392 / www.alternativateatral.com

Link directo: http://www.alternativateatral.com/obra53165-anatomia-del-destino

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Crítica: Un lugar en silencio

Crítica de Agustín Villegas

Calladito te ves más bonito.

Una familia es víctima de circunstancias tétricas cuando el planeta se ve atacado por una misteriosa amenaza que se despierta con el mínimo sonido generado. Viviendo en el medio de la nada y comunicándose mediante susurros o lenguaje de señas éste elenco de actores grosísimos nos lleva de paseo por un film de terror que nos remonta a la época en donde el sonido lo era todo en una película.

John Krasinski no solo demuestra que es un actorazo en el ámbito dramático, sino que también se luce como director dandole el tono justo a cada una de las escenas de la película. Emily Blunt como siempre brilla, su gesticulación no le erra nunca y brinda credibilidad suficiente como para empatizar éste enigmático terror que acosa a éste post apocalíptico mundo. Y el cuarteto protagonista se completa con la joven Millicent Simmonds y Noah Jupe, los hijos de los personajes de Blunt y Kasinski que cuentan con unas personalidades fuertes.

Marco Beltrami se encarga de la banda sonora, la cual no es perfecta pero le da un toque especial a la excelente mezcla de sonido que estuvo por encima de las expectativas. Si bien no soy fan del genero de terror me gusta mucho éste resurgimiento del cine silencioso mediante el miedo, es algo inmersivo y entretenido de sentir.

Recomiendo fuertemente «Un Lugar Tranquilo». Preferí no hablar mucho de la historia que la revelación de cual es la amenaza es algo digno de ser visto por ustedes, y por primera vez voy a callarme los dedos y dejar que ustedes saquen sus propias conclusiones … eso sí, apaguen el condenado celular cuando entren a la sala.

Calificación 8/10

TITULO ORIGINAL: A Quiet Place

ACTORES PRINCIPALES: Emily Blunt, John Krasinski.

GENERO: Terror, Suspenso.

DIRECCION: John Krasinski.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: UIP

ESTRENO: 05 de Abril de 2018

90 Minutos

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Crítica: Mazinger Z Infinity

La nostalgia es algo que nos viene atacando muy seguido en esta época , ahora es el turno de Mazinger Z , aquella serie animada que vio su lugar en tv por el año 1972 y que ahora regresa con un film en su 45° aniversario (Si, aquí llego un poco atrasado). Pero más allá de ese efecto nostálgico que puede causarle a muchos de los que vieron la serie en su infancia ¿Realmente vale la pena esta nueva aparición? Si bien eso lo juzgará cada uno , pero cabe destacar que en nuestra opinión , la película ha sido un notable entretenimiento que traspasa las generaciones.

Tras 10 años de haber vencido al Dr. Infierno, Koji Kabuto sigue los pasos de su abuelo. Durante una investigación científica en el monte Fiji, Koji descubre en un yacimiento arqueológico algo que podría anunciar el regreso de su más grande enemigo

Esta cinta más bien es tratada como un nuevo episodio, con duración cinematográfica, que busca contar una nueva aventura alimentándose de la nostalgia y el material original de la serie , pero también adecuándose a las necesidades de una nueva generación que pueden entretenerse con el film más allá de que le llegue a resultar algo desconocido. La historia logra adaptarse con fluidez, mediante un ataque en Japón por parte del Dr Hell, nos traen de nuevo al famoso Mazinger Z para derrotarlo y también para explorar con un poco más de profundidad temas en torno a la naturaleza humana, el mundo en que se vive y si realmente la humanidad merece vivir , y porque…

En cuanto a la animación si bien se utilizan nuevas técnicas con algunos toques tridimensionales , la cinta trata de ser lo más tradicional posible, mantenimiento la escencia el clásico dibujo animado.

Mazinger Z Infinity, es el regreso de lo que ha sido una gran serie que ha formado parte de la infancia de muchos , a diferencia de otros regresos que si bien mantenían la nostalgia pero no aportaba algo de calidad, esta cinta da un salto de generación para entretener a los más grandes y tambien a aquel nuevo público que seguramente será arrastrado por el primero. Gran regreso.

Calificación 8/10

TITULO ORIGINAL: Mazinger Z

VOCES ORIGINALES: Wataru Takagi, Bin Shimada, Shôtarô Morikubo.

GENERO: Animación.

DIRECCION: Junji Shimizu.

ORIGEN: Japón.

DISTRIBUIDORA: Diamond Films

ESTRENO: 05 de Abril de 2018

95 Minutos

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Reseña: El conventillo de la paloma

Habían aprendido el español a empujones, venían de lugares e historias diferentes, pero forjaban, sin saberlo quizás, una nueva cultura en un Buenos Aires que los hospedaba de a montones. En una típica postal porteña, el conventillo, los inmigrantes se ponían en común o se batían a duelo. Es lo que representa “El conventillo de la Paloma”, una obra ya clásica del teatro argentino, escrita por Alberto Vacarezza, y a casi noventa años de su creación (1929), se pone en escena en un lugar idóneo como el Teatro Colonial.

Con un elenco de doce actores, la historia se desarrolla en el patio de un caserón donde conviven tres matrimonios, un encargado, un joven compadrito y la bella Paloma, que ha llegado recientemente y mantiene a los hombres enamorados y a sus mujeres celosas. Entre los giros cómicos, el conflicto no tarda en vislumbrarse.

Las diferencias del lenguaje del español, el turco y el porteño tienen su contraparte en la atracción que sienten hacia una única mujer, claro que sus esposas no están dispuestas a soportar ningún desprecio y promueven el fallido plan de querer echar a Paloma. El italiano encargado del conventillo no tiene motivos para hacerlo, y además es otro fiel pretendiente de la joven que le alquila una habitación.

El disgusto de las mujeres se convierte en jolgorio cuando aparece un joven soltero, que también vive allí, a insinuarles que son ellas las que deben poner celosos a sus maridos. Así se suceden episodios cargados de doble sentido, nuevos y pintorescos vestuarios, a la vez que un baile los convoca a todos en el patio, donde aparece el caballero del que Paloma huye. Y aunque eran varios los hombres que la buscaban, ninguno se atrevió a defenderla, salvo el joven Villa Crespo.

Manoli Ozores Muñoz, interpretando a “la Gallega”, y Gabriel Orozco, como ‘Don Miguel’, se destacan en sus representaciones. Adrián Di Stéfano, como director, incluye la participación de un cantante de tango en vivo, aportándole mayor interés al público sobre todo si está de visita en Buenos Aires. La escenografía podría sacar ventaja añadiendo mayor colorido y detalles de la época. Buena iluminación, sonido a mejorar.

Ficha Técnica:

Autor: Alberto Vacarezza.

Dirección: Adrián Di Stefano.

Elenco: Osvaldo Bebén, Guido Di Stefano, Lautaro Diaz, Carlos Duquene, Joaquín Facchini, Alberto Guerrero, Natalia Luongo, Marcelo Marchese, ManoliOzores Muñoz, Gabriel Orosco, Joel Alexander Sardi, Silvina Tenorio, Beatriz Torres, Jorge Vizioli.

Cantante: El Polaco Ernesto Pomorsky.

Asistente Técnico: Mica Ringa.

Ambientación: Elenco de Un Gran Hombre.

Vestuario: Beatriz Torres.

Fotografía: Edgardo Salvatierra.

Diseño Gráfico: Natalia Luongo.

Asistente de Dirección: Silvina Tenorio.

Musicalización: Adrián Di Stefano.

Producción General: TEATRO COLONIAL

Teatro: Teatro Colonial, Paseo Colón y Belgrano (C1063AAF), C.A.B.A., Argentina.

Funciones: Sábados a las 21hs.

Reservas: 4342-7958/1362. Platea $250 (Jubilados y Estudiantes $ 180).

Yamila Juan

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Crítica: Madame, de Amanda Sthers

Crítica de Laura Brosio

La película Madame, dirigida por Amanda Sthers, se enmarca en ciclo de cine francés Les avant-premières, que cumple diez años y se desarrolla en el Cinemark de Palermo. Esta comedia que también tiene sus tintes dramáticos, se centra en Anne (Toni Collette) y Bob (Harvey Keitel), una pareja de ricos norteamericanos instalados en París, que dará una cena para doce personas de la alta sociedad en su lujosa mansión. La llegada inesperada de Steven (Tom Hughes), hijo del primer matrimonio de Bob, hará que una supersticiosa Anne le pida a la criada María (Rossy De Palma) que se haga pasar por una millonaria amiga de ella. El problema surgirá cuando María y un marchand irlandés invitado a la cena (Michael Smiley) –que cree que María pertenece a la nobleza española- caigan perdidamente enamorados.

A partir de ese instante se van desencadenando graciosos malentendidos y ocurrentes gags que hallan complicidad en el espectador. Sin embargo, por momentos la comedia se vuelve previsible y va perdiendo su interés, sobre todo a raíz de un relato un tanto lineal. El final dará una vuelta de tuerca que sorprenderá al espectador.

Puede decirse que Madame es una mezcla eficaz de pasos de comedia con relato social, sellado por una proclama en defensa de la emancipación de la mujer. Queda la sensación de que la trama podría haberse explotado un poco más y que había más recursos a los cuales apelar para reforzarla. De todas maneras, con este filme, la joven realizadora francesa Amanda Sthers se constituye en una figura promisoria del cine galo a tener en cuenta. Habrá que ver cómo evoluciona o no en sus próximas películas.

En cuanto al elenco, Toni Collette y Harvey Keitel muestran su habitual solvencia. En tanto, Rossy De Palma vuelve a mostrar sus dotes para la comedia, brillando en todo momento, especialmente en las escenas que le toca interpretar con Michael Smiley, su adorado amor, quien también se luce en su papel. Ambos se potencian y logran los pasajes más hilarantes de la película. Un hallazgo es Tom Hughes en el rol de Steven.

FICHA TÉCNICA:

Título original: Madame

Dirección: Amanda Sthers

Guión: Amanda Sthers, Matthew Robbins (Historia: Amanda Sthers)

Música: Matthieu Gonet

Fotografía: Régis Blondeau

Empresas Productoras

LGM Productions / Made in PM

Año: 2017

Duración: 91 min.

País: Francia

Género: Comedia dramática

Distribuye: Energía Cine

Reparto completo

Harvey Keitel, Toni Collette, Rossy De Palma, Michael Smiley, Tom Hughes, Violaine Gillibert, Stanislas Merhar, Sue Cann, Ariane Seguillon, Amélie Grace Zhurkin, James Foley, Brendan Patricks, Tim Fellingham, Joséphine de La Baume, Sonia Rolland

Calificación: 6/10

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Crítica: Los hermanos karaoke

Crítica de Betania De Armas

Dirigida

por la productora argentina Cine Hummus, colectivo conformado por Agustín Gregori, Bernardo Francese e Ignacio Laxalde; conformado en el año 2004, se han caracterizado por realizaciones ficcionales que van de la mano con el humor y lo fantástico. Su trayectoria comprende en su mayoría cortometrajes, que los ha hecho merecedores de diversos premios no solo a nivel nacional, sino también internacional. Su opera prima fue “Básicamente un pozo”, y ahora nos presentan “Hermanos Karaoke”.

Una película de género comedia dramática, muestra la historia de un dueto de cantantes de covers, que se presentan en shows de karaoke, Simón (Agustín Gregori) y Mía (Maru Zapata), los cuales viajan hasta la Patagonia con el fin de realizar una presentación en la cena de Nochebuena, en un hotel de la zona. En búsqueda de un lugar mas económico donde hospedarse, deciden ir a un campamento. En el camino para llegar, se pierden y se encuentran con Alán (Bernardo Francese), un gentil chamán empresario que los ayudará a encontrarse a sí mismos y a replantearse diferentes posturas personales, relacionadas a su dueto musical. Todo esto lo hará apoyándose de conocimientos relacionados al marketing y el crecimiento espiritual.

El guión resulta original en cuanto a la utilización de la dinámica del markenting para una mejora en la vida profesional y espiritual, asimismo la implementación de tonos de humor sarcástico en determinadas escenas. Sin embargo, los diálogos en momentos se muestran un poco forzados e inverosímiles, el ritmo de la historia en ocasiones es lento y resulta tedioso seguirle el hilo. Los personajes principales Mía y Simón se presentan de manera muy corriente, son insustanciales, no poseen tridimensionalidad dominante; en cuanto a Alan, es el personaje que le da el toque fresco y atractivo a la trama; es carismático, original y se muestra creíble.

En cuanto a las actuaciones, resultan poco convincentes. Maru Zapata no transmite empatía, y resulta poco contundente. Agustín Gregori se le ve más expresivo pero su dicción resulta deficiente. El personaje de Bernardo Francese posee toda la fuerza dentro de las interpretaciones, su actuación resulta acertada, natural y creíble.

La puesta en escena es plana, el ritmo es netamente lento generando confusión y distracción, lo cual se torna poco novedoso y totalmente monótono.

Algo para destacar es que a lo largo de la película, en escenas específicas se busca transmitir la sensación de estar observando una pantalla de karaoke, por medio de la utilización de tipografía colorida y teniendo como banda sonora los covers cantados por el dúo, esto le otorga autenticidad. Sin embargo en otras escenas utilizan exageradamente un sonido(Foley) parecido a una chispa mágica que en un momento resulta repetitivo y aburrido.

Un elemento que le da fuerza es la utilización del espacio, es decir los maravillosos paisajes de la Patagonia, específicamente, las montañas, los ríos, la colorida vegetación, que sin duda alguna le adjudican belleza a la imagen.

En cuanto a la dirección de arte resulta deficiente y poco cuidada; el vestuario se muestra realista pero sin variedad, los elementos implícitos dentro de las acciones, por ejemplo el auto resultan pobres y poco atractivas.

Los directores pudieron haber explotado mejor la puesta en escena y los recursos que tenían a su favor. Se entiende que es una producción de bajo presupuesto, que dentro de sus posibilidades realizaron un film donde lo novedoso y original solo se presenta en el argumento de la historia.

En conclusión, puede que para los amantes de las comedias disparatadas resulte una propuesta interesante, pero para los espectadores con otras preferencias de géneros puede que sea difícil seguirle el ritmo a la historia y no es recomendable. Es apta para todo público, sin embargo no se considera entretenida para niños.

Calificación: 5/10

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Reseña: Canto a Isadora

Reseña de Agustín Arosa

No resulta muy frecuente hallar referencias al tema Isadora Duncan: su existencia parece reducirse a páginas o comentarios como parte de un acotado período en la historia de la danza. Pero referirla escénicamente es una rareza: Isadora parece funcionar más como trampolín histórico que como objeto de experiencia estética. Con esto quiero decir que creemos saber mucho teniendo muy poco.

En Canto a Isadora se emprende una justa profanación: de las apalabradas referencias repatriamos un cuerpo a la escena, allí donde verdaderamente fue vital. Y esto sucede con dignas convergencias: el diseño de iluminación y sonido en conjunto con el vestuario ofrecen una atmósfera más que interesante en el limbo que es el subsuelo del cultural San Martin (Isadora vuelve a la vida, pero no tan lejos). Debe mencionarse además la astucia coreográfica: la obra pareciera tener cierta voluntad de transformarse en danza.

Pero algo más: lo verdaderamente interesante es haber apostado no por la mística sino por la humanidad. El recurrente imaginario de una Isadora catártica abarca escasos minutos, a lo que realmente venimos a asistir es a la Isadora conflictuada. Es grato ver a Cociuffo en este merecido espacio y sosteniendo tal propuesta.

Canto a Isadora nos viene bien no para recordar, sino para experimentar algo de Isadora; por eso es una fantasía y no una memoria.

Canto a Isadora, Miércoles y Jueves de Abril a las 21hs en el Cultural San Martín (sarmiento 1551)

Autoría: María de las Mercedes Hernando
Dirección: Valeria Ambrosio
Asistente de direccion: Leonardo Gaetani
Productor ejecutivo: Federico Brunetti
Compañia: Canto a Isadora
Elenco: Natalia Cociuffo (Isadora Duncan), Roberto Romano (Walt Whitman), Renata Toscano (María), Pablo Bronzini (El Pianista)
Escenografía: René Diviú
Meritorio de escenografia: Lara Diaz Fresno y Juan Maeder
Asistencia Escenografía: Flavia Herrera
Música: Pablo Bronzini
Vestuario: René Diviú
Relizacion de vestuario: Marta Dieguez
Iluminación: Valeria Ambrosio/ Leonardo Gaetani
Maquillaje: René Diviú / Valeria Ambrosio
Coreografía: Eizabeth de Chapeurouge
Fotografía: CCGSM
Prensa: Morena López Blanco y Alejandro Andolfi para We Prensa & Comunicación

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«The Magicians» regresa con su tercera temporada el 3 de abril por SyFy.

Los jóvenes magos están de regreso con su tercera temporada para toda Latinoamérica. El próximo martes 03 de abril a las 23hs ARG, Syfy estrenará una nueva entrega de esta serie. La historia basada en la exitosa trilogía de novelas del mismo nombre, obra de Lev Grossman, se centra en el personaje de Quentin Coldwater (Jason Ralph). Él, junto a sus compañeros, descubre sus habilidades mágicas en la Universidad de Brakebills, una institución secreta especializada en magia. Sin embargo, a lo largo del aprendizaje, comprenderán que las historias sobre las que leyeron de niños son demasiado reales y, sin darse cuenta, el poder de la magia adquirirá fuerte dimensión en sus vidas.

Al comienzo de la tercera temporada, la magia se extinguirá tras haber sido interrumpida y dejará de fluir hacia el mundo de Quentin y el de Fillory. Julia Wicker (Stella Maeve) demostrará su habilidad para continuar generando algunas chispas, demostrando que la magia podría regresar. Quentin y sus amigos se embarcarán en una búsqueda épica para traerla de vuelta.

Al mismo tiempo, los protagonistas emprenderán una misión para salvar la Tierra inconsciente de la destrucción causada por ciertas fuerzas que han estado acechándola detrás de una cortina de ilusión a lo largo del tiempo. El problema es que la gente común no tiene noción de lo cerca que están de convertirse en una especie extinta, razón por la cual los protagonistas deberán intervenir para salvar a la raza humana.

Esta temporada contará con nuevas e importantes incorporaciones. Trevor Einhorn encarnará a Josh Hoberman, un estudiante de Brakebills que integraba la clase perdida de tercer año cuyos miembros desaparecieron en circunstancias misteriosas en 2014. Por otro lado, Brittany Curran personificará a Fen, nacida en Fillory y casada con Eliot se convertirá en una pieza valiosa dentro del Consejo Superior. Ellos se unirán al gran elenco original formado por Jason Ralph, Stella Maeve, Jade Tailor, Taylor Dudley, Arjun Gupta, Summer Bishil, Hale Appleman y Rick Worthy.

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Reseña: Etiqueta Azul

Etiqueta azul es una obra de suspenso, un thriller de dos personajes de entre 22 y 28 años, un hombre y una mujer que se despiertan una mañana en un departamento en microcentro. Están encerrados y no se sabe bien por qué. Para revelar ese misterio, deberán reconstruir qué pasó la noche anterior.

Etiqueta Azul nos adentra en una imbricada red de secretos, seducción, apariencias y prejuicios. Red erigida en torno a un sentimiento, omnipresente a lo largo de toda la obra: TEMOR. “La jaula se ha vuelto pájaro, ¿qué haré con el miedo?” (Alejandra Pizarnik) Paula y Juan experimentan esta sensación pero difieren en los motivos. Paula manifiesta terror al verse encerrada en una habitación con alguien que no conoce; Juan alberga la esperanza de ser aceptado, no sin cierta inquietud. Ambos personajes nos enfrentan ininterrumpidamente a un estereotipo: la diferencia de clases, determinada por la zona de residencia. Suscita en nosotros preguntas cuyas respuestas hemos de repensar y cuestionar: ¿cuán presente está dicho prejuicio? ¿Seremos capaces de vencer esta connotación negativa?

Las magistrales caracterizaciones y actuaciones atrapan desde el primer instante la atención del público. Malena Sánchez y Eliseo Barrionuevo hacen partícipes a los espectadores de un thriller, donde los nervios a flor de piel son inevitables.

FICHA TÉCNICA:

-Elenco: Eliseo Barrionuevo, Malena Sánchez

-Diseño de escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez

-Asistente de escenografía: Imanol López

-Diseño de iluminación: David Seldes

-Asistente de iluminación: Martín Fernández

-Diseño de vestuario: Sofía Di Nunzio

-Diseño de sonido: Sebastián Verea

-Diseño gráfico: Lía Parsons

-Dirección de gráfica y comunicación: Cynthia Levi

-Prensa: Duche&Zárate

-Foto: Gabi Machado/Estudio Machado Cicala Morassut.

-Foto de escenario: Hernán Gulla

-Maquillaje: Rou Recondo/Frumboli Estudio

-Peinado: Juan Manuel Cativa/Mala Peluquería

-Operador de sonido: Clemente Habiague

-Operador de luces: Ciao Senicato

-Asistente de producción: Dalila Carro

-Producción ejecutiva: Cristina Fridman

-Producción general: Patricia Liguori

-Supervisión dramatúrgica: Horacio Banega

-Autora: Patricia Liguori

-Asistente de dirección: Dalila Carro

-Dirección General: Joaquín Bonet

Funciones: Sábados a las 21 horas

Localidades: $ 250.- Jubilados y estudiantes: $ 220.-

El método Kairós – El Salvador 4530 / 4831-9663 / CABA

Amérika Arana

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