Harlem Festival Anunció su Lineup con artistas como Chano, Nicki Nicole, Dillom, Airbag entre otros grandes artistas para el 29 y 30 de octubre en la ciudad de Santa Fe

HARLEM FESTIVAL SORPRENDIÓ Y GENERÓ MUCHA EXPECTATIVA CON SU NUEVO LINE UP PARA ESTE AÑO, TRAS 8 AÑOS CHANO VUELVE A PRESENTARSE EN SANTA FE, NICKI NICOLE, AIRBAG, EMILIA Y DILLOM COMPLETAN EL EXPLOSIVO LINE UP DEL FESTIVAL MÁS GRANDE E IMPORTANTE DEL LITORAL




Hoy terminamos de conocer el mega line up que propone Harlem Festival en esta edición, una grilla pensada y creada para reunir a todas las edades de la última generación, Nicki Nicole una de las artistas Argentinas con mayor proyección internacional, Chano, el ex líder de Tan Bionica regresa a la ciudad tras 8 años de su última visita, el trío de los hermanos Sardelli aportando su cuota de rock pop debutan en el festival al igual que El Mato un Policia Motorizado. El creador del exitosísimo Post Mortem, uno de los mejores discos del último tiempo, Dillom debutará en el escenario principal al igual que Emilia Mernes.


Además Seven Kayne, Clara Cava, Silvestre y la Naranja se suman al festival por primera vez, como los DJs que inaugurarán el nuevo escenario de electrónica Soundexile, Paula Os, Londongound y más que proponen una nueva experiencia dentro del festival.


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MIRÁ EL AFTERMOVIE DE HARLEM 2021


SOBRE HARLEM FESTIVAL


Tuvo su primera edición en 2018 para instalarse como uno de los más destacados festivales conceptuales de Argentina, donde convivan en armonía todo tipo de público, artistas y experiencias. Ubicado en el corazón del país, también busca el desarrollo artístico, cultural y turístico en la región de Santa Fe, Entre Ríos y el Noreste argentino. El festival se llevó a cabo en la ex estación de trenes Manuel Belgrano.


En las ediciones de 2018 y 2019 pasaron diversos artistas como Wos, Usted Señalemelo, Emmanuel Horvilleur, Indios, Salvapantallas, Louta, Juan Ingaramo, Marilina Bertoldi, El Kuelgue, Ainda, Conociendo Rusia, Ca7riel y Paco Amoroso, entre muchos otros.


Desde su tercera edición en diciembre de 2021, Harlem Festival terminó de consolidarse como uno de los festivales más importantes del país. 


Con más de 32 horas de música, dos escenarios uno dentro de la ex estación de trenes y otro al aire libre, fiesta, mucha expectativa y emociones Harlem Festival convocó a más de 15 mil personas y el actualmente el público ya está expectante por vivir esta nueva edición del 29 y 30 de Octubre.


Critica: Nop

Nope (Jordan Peele, 2022)

Luego del rotundo éxito de Get Out, su primer filme, y de la interesante pero regular Us llega Jordan Peele apuntando la vara más alto con su película de mayor presupuesto: Nope!



Nope o nop en español puede parecer a una negación poco seria ante algo que es obvio, esta palabra estará en gran parte del guión de la película pues, el tema a tratar son OVNIS y raptos, lo que está arriba es de no creer así que podemos decir: Nop, no está pasando.

Nop en parte refleja un homenaje al cine de sus inicios al recordar las primeras cámaras grabadoras, la primera secuencia en movimiento y los escenarios western. Hay mucha sátira y crítica al mundo del cine, lo cual la hace ligera con sus comentarios y momentos chistosos. Al momento de ponerse tensa lo hace muy bien y logra meternos en la atmósfera que Peele sabe recrear. Es una mezcla de géneros no compatibles entre sí: terror, ciencia ficción, western y comedia. Se vuelve una película que atrapa desde el primer minuto con un par de plots interesantes, sin embargo queda vacía y sin respuestas.

Es un filme de mayor presupuesto con un diseño de sonido espeluznante, una fotografía en luz natural delicada. Daniel Kaluuya monótono y aburrido, una Keke Palmer eléctrica y divertida que se vuelve el personaje que hace efecto gancho.
Queda muy corta a pesar de su duración, entonces preferimos las tramas más simples de sus primeras películas.

Sin embargo merece ser vista en el cine pues toda una experiencia pero Nop, no es mala pero si olvidable.

Calificación: 7/10

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Festival Verte: Llega el 17 de septiembre a San Nicolas el festival que trae a Nicki Nicole, Rusherking, Taichu y fiesta Bresh

El sábado 17 de septiembre, el Festival VERTE invita a una jornada para disfrutar en familia, al aire libre con música en vivo, DJS, un paseo gastronómico con amplia variedad de foodtrucks, activaciones y más, en un estadio con tecnología de punta, estacionamiento para los asistentes y capacidad para 20.000 personas que vibrarán con los temas de Nicki Nicole, Rusherking, Taichu y Fiesta Bresh.




El Estadio San Nicolás se encuentra en el km 234 de la Autopista Bs. As. – Rosario. Su ubicación estratégica facilita el acceso, ingreso y evacuación del predio. El mismo fue construido de acuerdo a las reglamentaciones de la Asociación Argentina de Fútbol (AFA) y a partir de 2020 fue designado sede de la Copa Argentina de Fútbol.


“En un contexto de reactivación de la industria del entretenimiento, nos entusiasma anunciar la promoción de un evento cultural de calidad para la región, estamos trabajando en una apuesta grande desde la producción para que sea una experiencia memorable para todos los asistentes, la primera de esperamos varias ediciones del festival”, expresan desde la organización.


Nicki Nicole + Rusherking + Taichu + Fiesta Bresh 

Sábado 17 de septiembre

18hs.

Estadio San Nicolás 

 /vertefestival link imágenes prensa 

Entradas a la venta por www.vertefestival.com 

Arte Jovial: Entrevista a Lourdes Varela



                                                                

Hablamos con Lourdes Varela, joven actriz de apenas 20 años, quien nos contó pormenores en las obras que participa: “Como piensan el Tiempo las Tortugas” y “Cosa Hecha”. Actualidad y sucesos de vida que tienen que ver del entrelazo de la ficción con la realidad.


         



“El teatro under es juego”, con simpleza y convencimiento, Lourdes nos resume la esencia del teatro independiente que, casi desde que tiene memoria, atraviesa no solo como pasatiempo, sino como modo de vida. El disparador fue tanto la convivencia con sus padres, donde floreaban historias y, además, el rol que el scout cumplió y lo hace en su vida, que ejerce hace ya una década. 

  Luego de pasar por escuelas como Timbre 4, hoy se forma en la UNA para cumplir a rajatabla con la denominación: actriz.

  Con apenas dos años por encima de la mayoría de edad, la joven encaja en la definición clásica, tan a veces contraproducente, donde se pronuncia, “en unos años va a estar en.…”, y la frase se completa en paralelo a alguna intuición con la mejor fe del mundo. 



–  ¿Cómo observas desde tu lugar a lo que es la estructura comercial de la actuación?


–  Cada cosa tiene lo suyo, aprendí que en todos lugares hay gente buena y mala. Creo que no hay que etiquetar en algo en que es «comercial o no», en todo hay mucho para valorar.


En “Como Piensan el Tiempo las Tortugas”, obra de Pilar Boyle (escrita por Ricardo Ryser), cumple con la labor de ser asistente de dirección, tarea dinámica que conlleva prestar responsabilidad y atención a todo un elenco, a lo que bien en el fútbol se podría denominar en el presente como «técnico alterno»; mientras que, en «Cosa Hecha», de Ignacio Torres hace de Ailín, alguien quien tiene una efervescencia particular, y que está en el medio de situaciones afectivas muy relevantes, con quien comparte empatía, como a su vez diferencias circunstanciales y viscerales.


– Sin caer en cuál te parece mejor, desde las semejanzas, ¿qué sentís que ambas tienen?


– Las dos tienen mucho desde lo vincular, cada obra tiene lo importante del recorrido de una historia que se cuenta a partir de las emociones que hay, y en el paso del tiempo… 



A lo largo de la nota, Lourdes nos hace mención al convencimiento y al entusiasmo, nos deja en claro, “no podría hacer algo que no me guste”, desde esa definición nos hace replantear sobre un sinfín de sucesos que posee a veces los trabajos, donde hay diversas correlaciones de poder que fuerzan, por distintos motivos, a dar luz verde.


– Y estás dando clases de actuación frente a cámara a niños/as entre 10 y 13 años, en el Teatro Quiron, ¿cómo lo sobrellevas?


– Se dio por un corto que dirigí en un tren de la alegría, había muchos chicos/as como extras, y ahí empezó la idea por parte del director, Sergio Albornoz. Al principio tenía inseguridades por ser chica, pero después me fui soltando. 

  Arranqué de octubre a diciembre, estoy dando con Martina Valmaggia. Y a pesar del amor al arte, lo tomo como un trabajo. Actualmente son 16 chicos/as, que bueno, por la edad me gusta mucho estar en su formación, más a esa edad preadolescente. Trató en los trabajos de que hablen fuerte, que no den espalada a cámara. 

  Me pasa que me preguntan mucho sobre como aparecer, por ejemplo, en una publicidad… Las madres sobre todo… Hace rato terminaron de ver la cuarta de «Stranger Things» y tienen esa idea dando vueltas (risas).


– La digitalización avanzó mucho, ¿te pasa a vos y en tu alrededor, de a lo mejor priorizar hacer contenido en diversas plataformas virtuales antes que estar en un formato tradicional?


– No, no me pasó. Obvio que, si tengo la posibilidad, es trabajo y lo haría. Obviamente que no reemplazaría a lo que hago, sino que lo agregaría. Lo que sí, no podría estar en un lugar que no me guste.



Conclusión


La dinámica actual de las distintas plataformas digitales de contenido, implica obtener visibilidad y deseabilidad al respecto. ¿Sea como sea? Pareciera que la actualidad, lo rebelde o innovador, sea que hace que alguien menor a 25/23 años, entre a jugar en esa liga, donde el click, tan ansiado y a veces trabajado, es democrático, pero a costa de entrar en un concepto resultadista maquiavélico.

  Con otras exigencias y prioridades, la actualidad de Lourdes toma un timón diferente, y el día a día la hace surfear una ola de distinta, de formación, donde los tiempos, la constancia y la relevancia al respecto en cada suceso, no son para nada triviales, y que, sobre todo, asume responsabilidades y las analiza como tales, y con tan solo 20 años… 

  Personalidades icónicas como Freddy Mercury, Elvis Presley y Whitney Houston, entre otras, son quienes llamaría a formar parte de una hipotética y surrealista del juego de la “única cena”, en la que los personajes plasmados, tienen en común un recorrido firmemente exitoso con desenlaces ampliamente semejantes.

  


Disponible “Cosa Hecha” los sábados a las 20 en Teatro El Brío (Avenida Álvarez Thomas 1582) y “Como piensan el Tiempo las Tortugas” – hasta el 06/09 – los martes en Nün Teatro Bar (Ramírez de Velasco 419). Escribió Nicolás Doyle para La Butaca Web

Reseña: El funeral de los objetos

Por Diego Di Vicenzo

Un espacio de expiación, con tres niveles de altura —el del medio es la escalera, que también se utiliza. Desde arriba se ve en perspectiva, es decir, desde otro ángulo, y los textos que allí se dicen son de otro orden, casi de corifeo: se reflexiona sobre lo que pasa, se orienta con formulaciones teóricas, se invita a la reflexión.



A ese espacio llegan una serie de personajes estereotipados en algunos de sus vínculos afectivos primarios. Y esos vínculos están contenidos, pero también traducidos, en algún objeto.

Para la actuación, el objeto es siempre un talismán de apoyo para la construcción del personaje. Y en este caso particular, en el cual todos los personajes actúan con mayor o menor eficacia el cuerpo del grotesco, los objetos son, a un tiempo, un elemento de composición actoral, pero además una reminiscencia de la escena originaria, es decir, del deseo primario. Esta referencia a lo psi no es azarosa; en realidad, toda la obra es un manifiesto psicoanalítico, a veces demasiado explícito. O mejor: una lectura psicoanalítica en clave teatral porteña de seis sujetos atados a un conflicto “objetado” del cual esperan desprenderse.  Para ello contarán con la ayuda de un Virgilio-psi-gurú, que va haciendo desplazar a estos atormentados por la madre, la muerte, la ex…, por un itinerario algo dantesco, muy bien logrado con el manejo del espacio y de la luz, y en particular, por un ritmo corporal que recibe la música como un complemento natural. El mayor mérito de El funeral de los objetos es que se trata de un musical chiquito y arrinconado, pero con suma delicadeza y detalle por la voz y los movimientos. 

Muy parejo de energía, el grupo se mueve al unísono y no hay disonancias, por el contrario, se advierte un mancomunado y amoroso trabajo en equipo.

Reseñas: La batalla de los ausentes

Batallar con la risa
La Zaranda, el grupo andaluz que se presenta desde 1988 en distintos escenarios de Buenos Aires, vuelve esta vez al Teatro Regio con su nuevo espectáculo: “La batalla de los ausentes”.


Tres sobrevivientes de una guerra, tres restos de un ejército perdido. Gaspar Campuzano, Enrique Bustos y Francisco Sánchez son, en esta ocasión, esos que resisten en la trinchera de lo que fue, es y será. Luchan contra el olvido, se burlan, reflexionan y encarnan ellos mismos situaciones de la sociedad en la que viven (¿Vivimos?). La incomunicación, el odio, el individualismo, la violencia, el enemigo, la guerra que vuelve una y otra vez.
En consonancia con sus anteriores producciones, La Zaranda vuelve con un
espectáculo que plantea problemáticas de orden existencial y universal, e instala un
ambiente fantasmal y absurdo que interpela en todo momento.


La dramaturgia, a cargo de Eusebio Calonge, está cargada de juegos de palabras y diálogos ingeniosos. Todo esto acompañado por el brillante y preciso manejo de objetos que caracteriza los espectáculos de la compañía. Una aspiradora convertida en arma, maniquíes que primero son compañeros de guerra heridos y luego funcionarios del poder a quienes se los maneja como títeres. Cada cosa es eso y algo más, infinito poder de conversión y demostración del “no límite” que tiene el imaginario de La Zaranda. Son los mismos actores quienes hacen y deshacen el espacio donde inmediatamente después ocurrirá la escena. Suena música para
ambientar estos momentos de transición visibles al espectador. Así, se nos recuerda
todo el tiempo la convención del teatro. Ficción y realidad, límites difusos en este
escenario oscuro, de escenografía austera y móvil.

Otro punto a destacar es el diseño de iluminación de Eusebio Calonge. Cada
momento es una pintura que profundiza el ambiente extraño donde se mueven estos personajes quijotescos. Al espectador se lo interpela. La risa brota de la incomodidad frente a lo que escucha y ve. Es una risa desgarrada, una risa frente al reconocimiento del pasado latente en el presente. La risa es lo genuino en un mundo de “pre- establecidos” y
conductas hipócritas e interesadas. Ya desde el título, “La batalla de los ausentes” invita a la reflexión. Según Eusebio Calonge: “En La Zaranda siempre nos gusta dejar un camino y un atisbo de esperanza, por más que lo que se comunica pueda ser, muchas veces, muy negro. Pero al fin, la siempre La Zaranda acaba con una luz. El plantearte y hacerte la
pregunta ya en sí es una luz”. Frente a la tragedia y el horror, frente a la repetición y
el olvido, la esperanza en la palabra, en la risa. La esperanza en el teatro que tiene desde siempre la razón de su existencia en el encuentro.


“La batalla de los ausentes” se presenta en el Teatro Regio (Avda. Córdoba 6056) de miércoles a domingos, a las 20 horas.


Escribió Micaela Steinbach

Reseña: No es tango

Tango is not dead

Aunque actualmente sea visto como un baile para turistas o personas mayores, el tango no ha muerto. Este mítico y sensual baile porteño es el emblema de las postales de Buenos Aires, un deleite visual y letras melancólicas.

La tendencia es ahora el trap y la música hecha por computadora, pero este no es un escenario fatalista, el tango está renaciendo y se vuelve un atractivo para los jóvenes curiosos, Noestango es el ejemplo de la evolución del género.

Ollantay Rojas define a su obra de la siguiente manera: »NOESTANGO es fruto de dos años de investigación llevada adelante por el Grupo noestango, en colaboración con el Quinteto Revolucionario. Plantea una pregunta por el tango como expresión artística, teniendo en cuenta su pasado glorioso y su presente marcado por el homenaje a lo que ya no es.Cinco bailarines en búsqueda de reencontrar su identidad artística en el ocaso de la moda del tango y luego de la pandemia. Cinco músicos que se apropian y traen a su presente una música canonizada e intocable. Los une la pregunta de qué hacer hoy con ese legado, del cual sólo queda nostalgia de la otrora música de Buenos Aires y una danza arrasada por la industria cultural»

Lisandro Eberle, Nicolás Minoliti, David Alejandro Palo, Milagros Rolandelli y Marcela Vespasiano son los bailarines de esta obra, estos demostrarán que el tango si se puede bailar en números impares, con ropa casual y no tener género. Van a deconstruir la música y llevarla al siglo XXI. Los bailarines Lisandro Eberle, y Milagros Rolandelli, junto Ollantay Rojas elaboran la compleja coreografía, la misma está compuesta por pasos arriesgados, intensidad grupal, solos y  mucha fuerza.

El grupo musical integrado por Estteban Falabella, Lautaro Greco, Manuel Quiroga, Sergio Rivas y Cristian Zárate interpretan un tango post  Piazzolla- Esta música entra con  vigor y hará dependientes  a los bailarines, estos sin ella no se moverán y estarán sujetos a la suma intensidad de la interpretación. Noestango es un espectáculo que no se pueden perder, demuestra el talento juvenil y su forma de transformar un género musical que tambalea debido a la modernidad, ellos lo llevan al futuro y a todas las edades.

Disponible los martes  a las 20 en El Galpón Guevara (Guevara 326) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Reseña: Voley: La Final

La pelota si se mancha

En el deporte se juega todo o nada, es una lucha para poder ganar y tener el mérito, pero más allá de eso debe ser una experiencia cívica, sana y cuyas reglas se respeten.
Cuando ocurren presiones, abusos y oscuridad, la pelota se mancha, en este caso la de Volley. Rodillas y codos estarán llenos de sangre y secretos.



«¿Hasta dónde Crees conocerte?
¿Hasta dónde te crees capaz llegar? ¿Y de ocultar?
¿Dónde esta el limite? ¿Dónde esta tu limite?» Son parte de las preguntas que Nicolás Manasseri se hace para su obra musical titulada Volley, la final.

Alejandro Roig es encargado de dar letra y música a la obra de Manasseri. Volley la final es un musical punk rock que involucra a un elenco joven integrado por: Dolores Basualdo, Sabrina Birmajer, Juliana Diaz, Florencia Diez, Dante Emanuel, Juan Lopez, María Luz Navarro, Facundo Rau, Federico Sorrentino, Noelia Vera, Oscar Villalba y Matias Zajic.

Volley la final explora la violencia deportiva cuya consecuencia se debe a las presiones, el abuso, el bullying y la impunidad. Es una competencia para ganar pero también para poder escapar de la final.
La tensión se establece de inicio a fin, siendo lo más deslumbrante la fuerza de los chicos debido a la intensidad que supone la obra, todo esto enmarcado a una exigencia física y la coreografía de María Fernanda Provenzano. El diseño de luces es alucinante.

«Volley, la final» ademas de lo musical, funciona por mostrar el lado crudo del deporte y la sangre que se derrama en la cancha.

Disponible los martes a las 21 horas en el Teatro Itaca (Humahuaca 4027)

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Análisis: Digimon Survive

El mundo digital ha vuelto lento, pero contundente.

Digimon es ese nombre, que, aunque solo sea por el tiempo que llevan en el mercado, todo el mundo conoce. Y es que, a la par que Pokémon, Digimon ha conseguido hacerse con un nombre en la industria tanto en el mundo del cine y el anime como en el del videojuego. 



Digimon Survive es la última apuesta de la marca y creo que, aunque no lo hicieron con ese parecer, el nombre le viene que ni pintado pues ha tenido un desarrollo de lo más terrible. A pesar de todo, ha conseguido sobrevivir y llegar casi impoluto a nuestras manos, aunque no es apto para todo el mundo… veamos por qué.


No lo recordaba tan oscuro

Igual estoy equivocada, pero los recuerdos que tengo de Digimon (aunque a veces eran realmente duros) suelen estar plagados de color y un rollito bastante agradable. En esta ocasión, creo que si habéis jugado coincidiréis conmigo en que la historia pinta bastante oscura. Una atmosfera turbia de misterio envuelve a nuestros protagonistas que, como rezaba la canción, “con los Digimon, luchamos juntos contra el mal”.

Al rato de estar jugando ya vemos que la historia nos va a atrapar. Con pocos detalles, nuestros protagonistas perdidos en una zona desconocida y unos pequeños monstruos que dicen querer ayudarnos… ¿qué acabará pasando? Digimon Survive es una visual novel. Si conocéis el género, sabréis que la estrella debe ser la historia y Witchcraft lo ha logrado. A pesar de ser un juego largo (unas 38-40 horas) no tiene desperdicio ninguno y habrá momentos en los que la historia os atrape tantísimo que no podáis parar de jugar.

Digimon nunca se ha quedado atrás a la hora de tocar ciertos temas y aquí lo vuelven a hacer con la crudeza que suponen algunos de ellos para personas adolescentes como son nuestros protagonistas. Un verdadero lujo que se desarrolla ante nosotros a través de diálogos. Lo mejor del título es que viene totalmente traducido por lo que, para todos aquellos que quieran jugarlo sin tener que darle demasiado al coco para ir traduciendo, ya no existe impedimento alguno para disfrutarlo.




¿Vas a seguir mucho rato?

Un punto flaco de Digimon Survive es que: “mucho texto”. Cuando digo mucho texto es, mucho texto. Hay veces en las que he estado varias horas pegada a la consola sin que pase más que texto por delante de mí.  Y es que el desarrollo principal del juego podría resumirse en: hablar, un poquito de point and click por aquí, hablar, hablar, hablar, combate, hablar, hablar… ya me entendéis.

Sumamos a esto que siento que pasan muy lentos los textos, las acciones, el combate, la carga entre zona y zona… al final resulta algo tedioso a pesar de las ganas que puedas tener por saber qué pasa. Por si fuera poco, en pleno combate también podrás conversar, aunque esto lo desarrollaré más adelante, ya os adelanto que también es realmente frustrante.

Por otra parte, nos hacen elegir en muchísimas ocasiones partes de los diálogos que al final no terminan de incidir en nada de nuestra aventura salvo en las posibles evoluciones de nuestros Digimon (y bueno, en un momento determinado de la historia que no voy a desvelar).




Esto iba de luchar contra el mal

Si en algo se me queda escaso es en el combate. A la hora de desarrollar las peleas, disponemos de un complicado sistema de combate (o así nos lo hacen ver en el tutorial) basado en la estrategia. Cuando lo empezamos, podemos pensar que será del tipo XCOM o Mario + Rabbids aunque guardando las distancias.

En batalla, nuestros compis tendrán varias opciones: moverse, atacar, usar objeto, hablar, evolucionar o simplemente no hacer nada. Con este abanico de opciones podemos pensar que el combate será de lo más jugoso ya que contamos también con la posibilidad de usar fortalezas y debilidades, de jugar con por dónde realizamos el ataque… pero al final tiende a quedarse en nada. 

El combate es realmente sencillo sin que apenas encontremos dificultades por el camino. Aunque conviene ir preparado, al final no es un gran obstáculo en nuestro desarrollo. Lo más terrible de esta parte es sin duda el reclutamiento de otros Digimon. Aquí debemos conversar con ellos contestando a una serie de comentarios que hacen y dando en el clavo con la respuesta para que quieran unirse a nosotros. Desde luego si lo que quieres es conseguir a todos, menudo tostón. Un sistema demasiado tedioso para lo que realmente es. El gran punto flojo del juego.




Se ve bien hermoso

Si la historia es de lo mejor del juego, no podía quedarse atrás el apartado artístico. Se ve realmente bonito. Tanto los personajes como los escenarios están meticulosamente creados de manera que encajan perfectamente en el estilo de Digimon que todos conocemos.

La BSO también acompaña en este sentido y ayuda a mantener el ritmo, el interés y la atención. Un acierto sin duda. También me resulta acertado el doblaje en japonés que conseguirá conquistar a todos los fans. Por su parte los combates recuerdan más a un clásico retro rozando el estilo píxel. Más sencillo, pero sin quitar detalle. También los efectos de sonido están cuidados aquí y amenizan el combate.




Conclusión

Digimon Survive es una película bonita. Algo lenta en la que las cosas pasan sin que tengamos mucho que ver.  El combate por su parte es simple e insulso, convirtiéndose en un quiero y no puedo que termina por aburrir, aunque como tampoco batallamos mucho, al final acaba pasando.
Es un juego para los amantes de la saga y del género, sin llegar a conquistar al resto.


Nota 7/10

Análisis: Cult of the Lamb para PC

Por Alejandro Corell

“El señor es rey eterno; los paganos serán borrados de su tierra”

Podemos decir sin miedo a equivocarnos que Neil Gaiman es uno de los mejores escritores vivos procedentes del Reino Unido. A través de multitud de obras ha tratado un amplio abanico de temas, suficientes incluso para llenar estas líneas sin centrarnos en nada en particular. Pero si me permito la cita en esta ocasión, es para focalizar las miras en American Gods, una de mis obras preferidas del autor y también una de las que hemos tenido la suerte de poder disfruta de una serie de televisión. Sin destripar la trama, ya desde los inicios de la novela se invierte la concepción de las creencias y adoraciones como el opio del pueblo. Los seres vivos necesitan adorar a alguien superior para sentirse autocumplidos, pero mucho más grande es la necesidad de este ser por ser adorado. No hay dioses sin creyentes. La única forma de sobrevivir es asegurando la estabilidad y crecimiento de tus súbditos. 

Es esta premisa, en resumidas cuentas, la que nos aborda hoy aquí con Cult of the Lamb. El título se permite un inicio rápido. Nosotros, como último cordero del mundo, somos sacrificados para evitar la vuelta al poder de un antiguo ente, aquel que espera, tal y como sostiene la profecía. Por desgracia para nuestros ejecutores, este brillante plan no sale demasiado bien y una vez muertos, seremos rescatados y comandados por el mismo mal que deseaban erradicar, siendo cargados con la misión de enfrentarnos a sus captores para, por fin, liberarlo. Para facilitar nuestra empresa, recibiremos parte de su poder en forma de un atuendo capaz de mutar en armas y hechizos, pero incluso así, no tendremos suficiente. Esta no es una tarea para un solo hombre (o cordero), por lo que, si queremos tener alguna oportunidad, deberemos formar un culto, uno que crezca en número y nombre, lo suficiente como para hacer grandes cosas. Bienvenidos a la liturgia, tenemos camisetas personalizadas.

Una de las cosas que más llaman la atención de Cult of the Lamb es su apuesta multidisciplinaria. Una parte del título es, en términos generales, un roguelite. Tendremos que atravesar las distintas mazmorras del juego, enfrentándonos a enemigos en salas proceduralmente generadas, haciéndonos más fuertes conforme más intentos hagamos. Pero una vez volvamos de nuestras aventuras, tendremos que encargarnos de cuidar nuestra base, convirtiendo la experiencia en un juego de gestión, en una versión quizá más elaborada de aquella vista en Moonlighter.  

Respecto a la parte de aventura, para liberar a Aquel que espera, tendremos que avanzar por cuatro reinos distintos, enfrentándonos a los herejes que se han hecho con el poder, para llegar así a aquel que está detrás de todo esto. Para conseguirlo, tendremos que luchar primero contra hordas de enemigos, que nos esperarán en cada una de las habitaciones que recorramos. Desde el equipo de Massive Monster, tienen claras las bases que hacen divertido un roguelite. En primer lugar, la aleatoriedad. Cada vez que entremos en un nivel, este se diseñará de forma procedural, de forma que nunca recorreremos el mismo camino. Esta variación se aplicará al camino recorrido, a los enemigos, a los objetos y recompensas, pero no a los jefes finales. Y es que para enfrentarnos a cada uno de los herejes tendremos que superar primero cuatro veces cada uno de los escenarios, encontrando siempre a los mismos enemigos finales, los cuales una vez derrotados serán sustituidos por el siguiente en próximas vueltas. Esto provoca que, en caso de quedarte atrapado más tiempo del necesario en una zona, el viaje se vuelva algo monótono.  

Lo que también lucha en pos de la monotonía son los sets de armas y su forma de uso. Por desgracia, no hay una gran variedad de herramientas de muerte en el viaje: espadas, dagas, hachas, garras y poco más, eso sí, con distintas variaciones. No obstante, su forma de uso se siente demasiado simple, ya que todas cuentan con un único combo. Además, no parece que hayan aprovechado esta poca variedad para pulirlas al límite y es que más allá de la espada, el resto presentan claros problemas. Las dagas son mucho más rápidas, pero hacen menos daño. Las hachas son lo contrario, muy lentas pero cada golpe resuena con fuerza. Lo que puede parecer un sistema lógico no tarda en palidecer cuando descubrimos que a muchos enemigos (sobre todo a los jefes), no podremos golpearles más de una o dos veces seguidas, impidiéndonos realizar nuestro combo completo, independientemente del tipo de arma que llevemos. 

Pero para aumentar la profundidad del título, a parte de armas cuerpo a cuerpo contaremos con maldiciones, distintos hechizos que nos ayudarán a enfrentarnos a los enemigos que nos rodeen. Contaremos con muy pocas cargas en cada sala, así que es mejor reservarlos para momentos de necesidad donde necesitemos librarnos del peligro rápidamente. Este sistema caería muy rápido en la repetición, siendo ligeramente salvado por el sistema de progreso. Cada vez que volvamos a nuestra base, a parte de las gestiones que comentaremos a continuación, podremos mejorar las habilidades del cordero. Esto nos permitirá acceder a armas más poderosas o nuevos modificadores, así como nuevas maldiciones. Esta mejora permite que accedamos a cada nuevo nivel con una fuerza base superior a la del previo viaje, facilitando el camino, ya que los enemigos también serán más fuertes. 

En cuanto a los enemigos, si bien la variedad no es muy elevada, lo agradeceremos a la hora de aprender sus patrones, que en un combate contra pocos adversarios es tarea fácil, pero en salas abarrotadas será casi imposible esquivar todos los ataques. Esto desencadena una situación algo frustrante, cuando la cantidad de enemigos y partículas es tan elevada que no sabemos si quiera donde estamos hasta que recibamos uno o dos golpes, reduciendo sobremanera nuestras posibilidades de supervivencia. Donde se aprecia variedad es en los enemigos finales, sobre todo en los herejes, siendo cada uno más terrorífico y fuerte que el anterior. Cabe destacar la dificultad, superar Cult of the Lamb es un desafío que requerirá de una considerable dosis de esfuerzo. Algunos enfrentamientos son realmente complicados y es fácil perder la vida y tener que repetir. No obstante, tal y como sucede en juegos de esta índole, se llega a un punto donde es relativamente fácil leer al oponente e identificar sus patrones, dominando el enfrentamiento como un maestro de la lucha. Llegar a este punto puede costar unas 20-25 horas, o quizá algo más o algo menos en fusión de vuestra habilidad.

Y más allá de esto, cada vez que volvamos a nuestra base seremos responsables de gestionarla. Y es que uno de los puntos fuertes del título es esta mecánica. En un principio, contaremos con muy pocos elementos en nuestra parcela. No tardaremos en construir una iglesia y comenzar a reunir adeptos, que trabajarán para nosotros, aparte de adorarnos. Con esta fuerza de trabajo y su fuerza vital, cada vez serán más las funciones que podremos suplir en nuestro campamento: producción de recursos, gestión de materiales, captación de nuevos seguidores… Esto es algo más complicado de lo que parece a simple vista, porque a diferencia de las sectas reales, nuestros fieles no tardarán en mosquearse si algo les disgusta, de forma que tendremos que estar siempre pendientes de que todo esté bien. Esto significa dedicar una porción de la noche a recoger los excrementos y vómitos de nuestros seguidores después de volver de un agotador combate, al menos hasta que construyamos retretes. Bueno, si un seguidor se enfada, también podemos optar por sacrificarlo, así que es recomendable no encariñarse con ninguno, por muy monos que puedan ser. En un principio llevaremos a cabo muchas tareas manuales, que conforme vayamos avanzando y desbloqueando nuevos sistemas, comenzarán a gestionarse de una forma más automática, para que podamos centrarnos en aumentar la fe que nuestra iglesia siente por nosotros, convirtiéndonos en seres más poderosos. 

El último punto fuerte del título es su apartado artístico. Cult of the Lamb es, sencillamente, una preciosidad. Ya desde su primer tráiler, era fácil observar como el apartado visual estaba trabajado al máximo, ofreciendo unos diseños muy bonitos, que juntan lo oscuro con lo adorable. El diseño de personajes junto con las animaciones de movimiento y combate hacen que jugar sea siempre un disfrute. Además, este trabajo viene reforzado por el apartado sonoro, con sonidos muy sólidos que responden bien a lo que sucede en pantalla, dotando a cada espadazo o cada golpe de un mayor peso. Si esto fuera poco, la banda sonora, pese a no ser muy amplia, puede grabarse fácilmente en nuestro cerebro.

En resumidas cuentas, Cult of the Lamb es una aventura preciosa, que mezcla de forma efectiva dos géneros muy diferentes como son el roguelite y la gestión. Es cierto que el sistema de combate es algo simple y puede llegar a sentirse monótono, pero no deja de ser satisfactorio. A lo largo de las 20-25 horas que puede costarnos liberar a Aquel que espera, sentiréis que el tiempo vuela si os gustan otros juegos de este tipo. Por el precio que tiene, es una de las opciones más bonitas de este 2022. Así que sed un buen rebaño, y haceos el favor de probarlo.

Calificación: 9/10.