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En tiempos de horror, los desamparados y olvidados por la sociedad siguen estando. Los vemos todos los días en la calle pero omitimos, ¿Qué pensaran y qué soñaran? Entre las barbaries que se cometen, hace casi dos años dos personas sin hogar fueron quemadas en los límites de la ciudad. El hecho causó conmoción por el grado de sadismo y crueldad de los atacantes. ¿Puede la fantasía hacernos evadir la cruel realidad?
«La humanidad ya no volverá a ser la misma luego de la llegada del Tripulante Ocioso. En el nuevo orden, Lino y Leno tienen la responsabilidad de proteger el portal, y así garantizar la necesaria diferenciación de clases. Mientras se preparan en su búnker para el inminente ataque, ambos se entretienen jugando y compartiendo parte de su pasado». Esta es la reseña de la obra escrita y dirigida por Francisco Ruiz Barlett.
Leo Trento y Enrique Dumont protagonizan esta conmovedora historia. Ambos encarnan a unos amigos tan unidos y tan cercanos, que en su amistad van a recrear un mundo donde ambos se protegen, este les permite escapar de la triste realidad de vivir en la calle. La química entre los actores es sin igual, al ingresar al teatro y al salir del mismo, ambos no salen de sus personajes. Francisco Ruiz Barlett nos lleva un texto onírico y poético, todo esto acompañado con dosis de humor y reflexión social. Junto a la escenografía de Tadeo Jones y las luces de Samir Carrillo, se presenta un frente de batalla orquestado para combatir a un enemigo invisible, los personajes están atentos a este. La iluminación es sublime y es un factor importante en la historia.
Lino y Leno y el tripulante ocioso es poesía llevada a las tablas, un imaginario de dos personas abandonadas por la sociedad y con un triste final, pero que cuya conexión y fantasías, los harán evadir el destino que les ha tocado.
Disponible los lunes a las 21:15 en el Método Kairos (El Salvador 4530) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web. Instagram: cachalote94
Golda Meir fue y es un personaje importante para la historia internacional. Nacida en Kiev, radicada en Estados Unidos, se convirtió en una de las firmantes de la creación del Estado de Israel, asi como también una importante ministra y política. No obstante, finalizados los años 60, Meir se convierte en la primera mandataria en dirigir un país en el mundo. Sus decisiones políticas darían un giro trascendental a lo que hoy conocemos como Israel.
«En el momento menos oportuno de su vida, cuando atraviesa una dura enfermedad y se da por retirada de la política, Golda Meir (interpretada magistralmente por Marina Munilla, ganadora del PREMIO ACE REVELACION FEMENINA), recibe el llamado del Partido Laborista para ser Primera Ministra. La decisión de aceptar o no el cargo se verá condicionada por los recuerdos de su vida política, y por las constantes presiones de su entorno más cercano. Luego de aceptar el puesto para continuar su lucha incansable en pos de lograr la paz para el Estado de Israel, tomará finalmente una decisión de la cual se arrepentirá el resto de sus días: no atacar a tiempo el día de Yom Kippur».
Marina Munilla y Gerardo Grillea escriben esta ambiciosa obra histórica. Encabezada por Marina Munilla en el papel protagónico junto al amplio y talentoso elenco conformado por: Alejando Stordeaur, Mario Riccio, Claudia Kotliar, Ana Rosa Selaro, Juan Fernández, José Luis Calcagno, Nora Glazer, Gustavo Roza, Tomás Bertoldi y Julián Flaszman.
El Teatro Border tiene el honor de presentar la historia de Golda Meir. Munilla interpreta a la primera ministro de Israel de una manera soberbia, atraviesa su ascenso y ocaso al mundo político, a su vez su lado más fuerte y vulnerable. Las líneas que ella escribe junto Grillea son inteligentes, sagaces y llenas de referencias históricas. Se nota un arduo trabajo de investigación por parte del dúo.
Grillea también se encarga de la escenografía, la misma refleja la tensión de una sala de reuniones en crisis política, a su vez los detalles y paleta de colores grises, aportan solemnidad. Todo esto junto a la música de Gustavo García Mendy, hacen de esta un obra un deleite narrativo y estético. Marina Munilla nos ofrece un papel digno de aplaudir hasta el cansancio, una interpretación que se puede trasladar al cine sin problemas. Un retrato histórico de un personaje tan particular. Una visión distinta de Golda Meir.
Golda Meir se presentó en el Teatro Border los domingos. El equipo comenzará una nueva obra junto al mismo elenco, esta vez inspirada en la vida de la famosa actriz sueca Ingrid Bregman, también en el mismo teatro.
Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web. Instagram: cachalote94
Una de las bandas más importantes del indie rock británicas llega a la Argetina para festejar los 15 años del lanzamiento de su disco debut Inside In/Inside Out, la cita es en mítico Estadio Luna Park el 18 de mayo de este año.
The Kooks anunció una nueva gira para celebrar el 15.º aniversario de su álbum de estudio debut ‘Inside In/Inside Out’, que se ha consolidado como una banda sonora indie básica para toda una generación de jóvenes. La gira, incluye ARGENTINA .
.A lo largo de los años, The Kooks han demostrado ser pilares del mundo indie pop del Reino Unido, con su ilustre carrera lanzada con el lanzamiento de su icónico álbum de estudio debut ‘Inside In/Inside Out’ en 2006 en Virgin Records. El álbum de ventas cuádruple platino cuenta con éxitos que incluyen «She Moves in Her Own Way» nominado al premio BRIT, «You Don’t Love Me» y el sencillo de la banda «Naive». El álbum se ha convertido en un culto de seguidores a lo largo de los años y, gracias a la transmisión, una nueva generación de fanáticos en la cúspide de la edad adulta, que se dirigían a la universidad y exploraban el mundo de las discotecas, descubrieron el álbum. ‘Inside In/Inside Out’ se convirtió en un clásico imprescindible y lo sigue siendo hoy en día. Ahora, con el 15.° aniversario del disco este año, The Kooks planean embarcarse en una gira por el Reino Unido y Latinoamerica para celebrar el álbum que los presentó por primera vez al mundo.
Hablando sobre la gira, Luke Pritchard dijo: “Después de esta larga hibernación, estamos muy emocionados de anunciar finalmente una gira en 2022 para celebrar los 15 años de nuestro primer disco ‘inside in/inside out’. Queríamos tocar todas las canciones del álbum junto con algunas de las favoritas de los fanáticos que abarcan toda nuestra carrera como agradecimiento a nuestros fanáticos por todo el amor que ha mantenido vivo el álbum, creciendo y encontrando nuevos oídos desde que lo publicamos en los años 2000. ¡Estamos muy emocionados de volver a tocar y estamos ansiosos por un viaje de nostalgia! ¡Consigue tus entradas y ven a la fiesta con nosotros!”.
Comenzando en el O2 City Hall de Newcastle en 2022, la gira llevará a la banda a lugares y teatros de todo el país, incluidos Manchester O2 Victoria Warehouse, Glasgow O2 Academy y Cardiff’s Motorpoint Arena. Para colmo, tocarán dos noches en la legendaria O2 Academy Brixton de Londres. Con la banda interpretando la totalidad de ‘Inside In/Inside Out’ de principio a fin todas las noches, además de éxitos adicionales que abarcan su carrera, no se puede perder esta gira. The Kooks ha disfrutado de un impresionante ascenso a la fama desde el lanzamiento de su álbum debut, ‘Konk’, que alcanzó el número uno en las listas de álbumes del Reino Unido. Desde entonces, han lanzado cuatro álbumes más con su más reciente ‘Let’s Go Sunshine’ alcanzando el estatus de los diez primeros en las listas de álbumes del Reino Unido en 2018. Junto con una nueva generación de fanáticos, la banda ha ganado un total de más de 1 miles de millones de transmisiones en múltiples plataformas y se embarcó en una serie de giras mundiales, incluida una gira por estadios del Reino Unido con entradas agotadas. Atrapa la gira del 15.º aniversario de The Kooks ‘Inside In/Inside Out’ .
¿Y vos, qué deseas? es una de las preguntas que la intérprete Melina Seldes nos hace mientras se acerca hacia el público, mirándonos fijamente a los ojos para saber la verdad en nuestros rostros. “Nothing to hide”, ganadora del Premio CTBA + Banco Ciudad 2021, nos invita a una experiencia sorprendente en donde “las noticias se han convertido en entretenimiento y están esparcidas por todos lados (…) el sufrimiento tiene audiencia, y somos consumidores de violencia en forma de espectáculo”. La obra nos espera en sus únicas 6 funciones, del 6 al 15 de Mayo, los viernes y sábados a las 21hs y los domingos a las 20hs en Planta (Inclán 2661), del barrio de Parque Patricios.
Con dirección y producción internacional de la mano de Melina Seldes y Bruno Catalano, esta obra nos revelará un tópico poco común pero muy necesario para discutir: la espectacularización de las noticias y el sufrimiento ajeno. Cuestiona profundamente la construcción de la realidad y la verdad que desarrollan los medios de comunicación al presentarnos noticias insólitas, insulsas e inverosímiles como forma de entretenimiento. La obra comienza cuando Melina Seldes aparece tras el telón mostrándose como una presentadora de un programa de televisión y empieza a interpelar a la audiencia con preguntas tanto comunes como algunas personales. Es muy interesante la posición que asume ya que nos hace sentir parte de la obra debido a que nuestra participación es fundamental para poder transmitir este mensaje que tan naturalizado lo tenemos: la construcción mediática en nuestras vidas.
La puesta en escena nos exhibe un montón de elementos que van a ser utilizados durante la obra/show, el espacio compone un gran balance con respecto a la distribución de sus objetos. Lo primero que se me vino a la cabeza al visualizar el lugar fue: ¿cuál es la verdadera relación entre estos elementos? ¿Por qué hay un arma dentro de un cubículo de vidrio y un Squatty Potty en el centro de la escena? Con el desarrollo de la obra vamos a poder encontrar una relación entre estos objetos que poco tienen que ver uno con otro pero que son importantes a la hora de representarnos como sociedad consumista dentro de la era del capitalismo.
Es muy interesante cómo la presentadora nos comunica ciertas noticias inusuales e información inimaginable sobre hechos que sucedieron en el mundo y cómo los medios de comunicación hacen lo imposible para que eso llegue al oído de cada espectador, de cada audiencia que siempre va a estar dispuesta a tragarse el discurso hegemónico de la televisión, de las redes sociales y, principalmente, del Estado. Con esto en mente, el gran lema de la obra es “Hoy, la noticia sos vos” como representación de ese falso interés por parte de las corporaciones/empresas, ese engañoso valor que te brindan para que te sientas parte de una comunidad, de una sociedad que tiene interés en saber qué es lo que deseas para tu vida.
Bruno Catalano y Melina Seldes nos ofrecen una pieza con mucha realidad y violencia junta que se convierten en elementos de un extraño y cautivante paisaje mediático. El público será partícipe de un espectáculo visionario inspirado en la forma en que los medios negocian y representan la realidad. Nos abre las puertas a cuestionamientos sobre lo que permitimos consumir y lo que dejamos afuera, sobre lo ensimismados e indiferentes que podemos estar cuando el sufrimiento y el horror tienen rating. Nos obliga a preguntarnos: ¿Acaso no seremos la causa y los autores de esta realidad que nos atosiga constantemente?
En la madrugada de este 1ro de mayo, el Batacazo Cultural fue inundado por un colectivo de bailarines, artistas y performers demandando su derecho a ser reconocides también como trabajadorxs, entendiendo el espacio de la fiesta como territorio político a disputar.
“¿De quién es la fiesta?” es la pregunta que la autodenominada crew agitadora se hace a la hora de elaborar “Obrerxs de la fiesta”, un evento-espectáculo nocturno que mezcla el teatro con la performance y la danza contemporánea. Desestructurando los límites entre artistas y espectadores, la fiesta se construye sobre las ruinas de una cuarta pared, tomando como puntapié la experimentación colectiva y construyendo la escena de manera conjunta. Al reconocer como obrerxs a todo quien construya el evento desde su baile y personalidad, la propuesta de “Obrerxs de la fiesta” resulta innovadora y atractiva para quien quiera expresarse sin normas ni restricciones.
De las puertas del Batacazo Cultural caen unas cintas que leen “PROHIBIDO PASAR” y, justo detrás de las mismas, la barra ofrece variados tragos y bebidas. Sin embargo, la fiesta sucede todavía más adentro, más allá del extenso patio en donde lxs obrerxs charlan y mueven la cabeza mientras la consola del DJ retumba el piso. Adentro, la música resuena de manera envolvente, y las canciones saltan del pop al rock instantáneamente, pero con una organicidad que resulta natural y cómoda. De manera intrusiva, miembrxs de la crew ingresan en la pista al comienzo de algunos temas, mientras otrxs sostienen luces y acompañan la performance. Al principio no se nota que “algo” está sucediendo, pero todxs lxs obrerxs bailando se detienen a mirar, para ver cómo unx cuerpx se ve atravesadx por la música. Coreografías, performances y agites se van desencadenando con el devenir de las canciones, avivando al resto de la fiesta para continuar el baile, mientras se prenden y apagan luces de colores, vuela papel picado y aparecen y desaparecen intérpretes con diferentes vestuarios. Parece difícil volver al patio o ir a tomar un trago: constantemente “algo” acontece en la pista, y una propuesta se innova, o un elemento se agrega, o la música se renueva de manera inesperada.
Lo que “Obrerxs de la fiesta” viene a proponer tiene un fundamento teórico que, llevado a la puesta, tiene una clara solidez. Redefinir el concepto de “obrerx” para hacer referencia al colectivo de personas que hacen a la fiesta, invita a la construcción de un nuevo espacio donde el espectáculo es producto del propio hacer de cada unx. No es casualidad que el evento le dé la bienvenida al Día del Trabajador, y retome de vuelta la consigna de que lxs trabajadorxs culturales también son trabajadorxs o, en este caso, obrerxs. Resulta esencial en un contexto de empobrecimiento de la cultura independiente y desidia estatal, volver a repensar los derechos laborales de quienes trabajan la cultura. Diseñando la fiesta no desde una fuerza personal, sino una social, “Obrerxs de la fiesta” invita a experimentar otra nocturnidad desde el deseo y la creatividad, en un ambiente de reconquista y colectividad.
Y llegó el día en que la esperada secuela de Doctor Strange llegó a las pantallas de cine y venía con muchas cosas que hacían de esta entrega una de las más esperadas de esta nueva fase del UCM. Nos traía a Sam Raimi como director, la presencia de Wanda y Strange, la expansión sobre la aparición del multiverso y muchas cosas más. ¿Que puede malir sal..?
Esta crítica va a ser sin spoilers pero si es necesario hacer unas aclaraciones, Doctor Strange: El multiverso de la locura es un film que funciona por si solo aunque también sea la entrega que sirve para sentar las bases de lo que podría llegar a venir en el futuro con uno de los temas más atractivo: el multiverso y la infinidad de posibilidades que puede traer esto a nuevas producciones. Ahora sí, también existe otra cosa que puede resultar necesario a la hora de adentrarse a este film, y es haber visto la serie Wanda visión. Si bien no es un Wanda visión 2 con Strange, si hay una conexión muy directa con los hechos de la producción de Disney plus, que es necesario para entender, al menos el papel de Wanda en el film.
La aparición de un nuevo personaje, que es la conexión con los mundos paralelos y sus posibilidades es América Chávez, un personaje que desde niña descubrió el poder de viajar entre mundos pero que es una habilidad que no puede controlar. Al llegar con el Strange del universo que conocemos, va a ayudarla y protegerla porque alguien quiere hacerse de sus poderes. Y es así como nos metemos en un viaje casi a contrareloj dónde los personajes tratarán de estar a salvo de uno de los personajes más poderosos de las franquicias de Marvel: Wanda.
Por eso decía que era muy necesario ver Wanda visión, porque el film no nos da el tiempo necesario para verla como una villana, aunque el motivo por el cual se vuelve así es apenas mostrado en los postcreditos del final de la serie. Ahora sí, lo mala que puede resultar Wanda es increíble, pero aún así todos tenemos empatía con ella , pero si veremos un lado bastante oscuro. Y si bien no es una película puramente oscura, pero debo admitir que cuenta con momentos bastantes terroríficos y bizarros de los cuales no había visto antes en Marvel, al menos en el UCM.
Este intento de película de terror se debe a la mano del director Sam Raimi, que antes de haber hecho spiderman era un referente del cine de terror y que luego de la franquicia del personaje arácnido ha seguido cerca en el género desde el lado de la producción, y también con la dirección de Arrástrame al infierno. Y siento que tiene mucho de este film que acabo de mencionar, ya que toca comedia con escenas un tanto terroríficas. Y si bien esta es una opinión personal, pero creo que el director intentó hacer casi una película de terror en Marvel y probablemente le han hecho bajar un poco la intensidad, pero aún así se siente original y con el sello característico del director. Esto no es un spoiler, pero si un adelanto de lo que se vio, al decir que fue una sorpresa de ver tanta muerte, escenas con mucha tensión y podría decir que hasta algo de sangre. Aunque también toca decir que hay momentos bizarros que están de más, y que los efectos especiales en muchos momentos da más que vergüenza ajena.
Dr Strange en el multiverso de la locura es lo que su título define, una total locura. Es un film que se disfruta en todo su metraje pero que a su vez sabemos que no es perfecto. Encontramos falencias en como se dirige la trama y en lo que sucede con algunos personajes, pero aún así es un viaje que vale la pena ver. Mención especial para América Chávez, que resultó ser un gran personaje que podría haber tenido un poco más de aparición en pantalla. Wanda imponente como siempre y un Strange que sirve para ir sentando las bases de todo lo que puede venir en las próximas producciones de Marvel.
Pasaron casi 16 años desde que la Nintendo Wii revolucionó la industria del videojuego para siempre. Tus padres, e incluso abuelos, dejaron de ver con malos ojos a “los nintendos”, para pedirte que enciendas la consola. Y eso se debió a un título: Wii Sports.
Contra todo pronóstico, recibimos una nueva entrega de esta saga para la híbrida de Nintendo. La premisa respecto al título de Wii no cambió en lo absoluto. Tenemos a disposición (por ahora) 6 deportes, que podremos disfrutar tanto en modo local como online, si contamos con la suscripción correspondiente. Estos son: tenis, bádminton, vóley, fútbol, chambara y bolos. El control por movimientos de los joycons es muy preciso en todos los deportes y la mejora en el hardware realmente se nota.
La customización de nuestro avatar es completísima, y mientras más juguemos, más accesorios, peinados y reacciones podremos desbloquear para los mismos. Pero aquí es donde la nostalgia pone un pero: los Mii perdieron el protagonismo. Es cierto que se pueden seguir utilizando in-game, pero la estética propia del título no encaja con estos y la personalización está muchísimo más limitada. Refiriéndonos a los deportes en sí, todos son divertidísimos, pero por supuesto aquí les presentaremos el para nada objetivo ranking que elaboramos:
6) Chambara: Sí, sé que me estoy ganando el odio de muchos lectores, pero es el que menos divierte. El sistema de combate cambia respecto a lo que vimos en Wii Sports Resort y ya no se trata sólo de sacudir el control desesperadamente, sino de saber cuándo jugar defensiva y ofensivamente. Con amigos resulta muy entretenido, pero pierde la chispa rápidamente.
5) Tenis: Un calco de lo que vimos en Wii Sports. Se perdió una oportunidad de crear un modo de juego de 1 contra 1, pero sigue divirtiendo muchísimo y la diferencia entre jugar bien y regular sigue radicando en la buena utilización del jugador de la red. El más fácil de entender, pero el más difícil de dominar.
4) Fútbol: La jugabilidad dentro de este deporte es muy similar a lo visto en Rocket League, una pelota gigante, arcos muy amplios y equipos de 4 contra 4 intentando marcar la mayor cantidad de goles. Como queja, la resistencia del jugador se agota de inmediato y cuesta mucho recuperarla. Eso obliga al jugador a ir al trote y le quita dinamismo al partido. Contamos con otros modos de juego, como los partidos 1 contra 1, que divierten de igual manera.
3) Vóley: En este caso, los equipos cuentan con dos jugadores y deberán ejecutar los movimientos de manera casi rítmica para lograr hacer puntos. Recibir el saque de abajo, armar arriba y rematar con potencia. Mientras tanto, el equipo que no tiene la pelota deberá bloquear los disparos a tiempo y armar el ataque. Muy divertido, pero muchísimo más si es en juego local.
2) Bádminton: El favorito entre todos los nuevos deportes. En partidos de 1 contra 1 deberemos hacer buen manejo del gallito, ya que en el peloteo la paciencia debe ser una característica que nos acompañe. Un consejo para sus partidos online: hagan uso y abuso de las pelotas a la red, que es lo que suele romper con la monotonía del partido y les dará la victoria.
1) Bolos: ¿Acaso sorprende a alguien esto? Los bolos fueron, son y serán el deporte más divertido en estos títulos. El manejo de la bola se siente muy precisa al momento de ponernos al control. La modalidad online enfrenta a 16 jugadores que se van eliminando a medida que avanza el juego, además de que contamos con otros modos de juegos con obstáculos que le añaden muchísima diversión al gameplay. El mejor y no admito discusiones al respecto.
Se nos hace muy corta la selección de deportes. Pero con el golf en el horizonte, sabemos que será cuestión de tiempo que otros deportes lleguen al título.
Nintendo Switch Sports sigue divirtiendo y siendo tan intuitivo como lo fue su hermano mayor en la Wii. Es tan fácil como prender la consola y jugar. No son necesarios tutoriales, ni explicaciones extensas. Aunque el revuelo que este título genere no será ni la sombra de lo que vimos en 2006, por ser un producto propio de su época, es un imprescindible si lo que se busca es una experiencia básica para disfrutar con amigos y familiares.
España sigue estando presente en el mestizaje cultural que como pueblos latinoamericanos compartimos, forma parte de nuestra historia la herencia musical, gastronómica, lingüística y religiosa.
Unas buenas tapas, rabas, churros, turrones y paellas hemos comido, también nos hemos deleitado con algún paso doble o flamenco; pero pocos son los lugares en Buenos Aires en qué se pueda vivir una experiencia auténtica española, por suerte en Palermo hay un restaurante que te hará conectar con España. El restaurante Paxapoga ubicado en la calle Beruti 4643, tiene el honor de presentarles el show de Marcela Rodríguez, coreógrafa y bailarina argentina especializada en flamenco.
Pero eso no es todo, el restaurante ofrece una cena show donde se podrán deleitar de los más ricos platos de la gastronomía española mientras se disfruta el espectáculo de Marcela Rodríguez. Este servidor tuvo la oportunidad de deleitarse con una entrada acompañada de jamones, croquetas de camarones, lengua a la vinagreta, judías blancas y quesos. Varias tapas son servidas luego como unas buenas papas bravas, callos y rabas. Para el plato principal una deliciosa paella que nos transportará de inmediato al sur de España. De postre, un exquisito helado de turrón con salsa. Obviamente, todo esto es acompañado con una prolija selección de vinos. Cabe destacar que los comensales quedaron deleitados con la excelente selección de platos.
El zapateao de Marcela Rodríguez nos dejó deslumbrados, en compañía de siete músicos, la artistas recorre géneros cómo la sevillana, el farruco y la rumba flamenca. Es imposible no levantarse de la mesa a bailar, y quiénes no sepan bailar flamenco no se preocupen, el ritmo los guiará.
El restaurante Paxapoga y el show de Marcela Rodríguez es una excelente decisión para un sábado de la noche. Un lugar de encuentro muy familiar y fiel a la cultura española.
La cena show está disponible los sábados a las 21 horas en Beruti 4643.Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web. Instagram: cachalote94
Desde de la capacidad de ver formas donde no las hay, de ver cosas que no son lo que parecen, “Pareidolia” configura una puesta que en cada detalle deja entrever algo más. Tomando una trágica historia familiar, la obra se teje como un dominó cómico desde las grandes injusticias sociales hasta las desilusiones más íntimas.
Cuando observamos rostros en las luces de un auto o manchas en la pared que se parecen a animales, la pareidolia activa en nuestra mente una capacidad imaginativa, la facultad de generar asociaciones abstractas a través de simples objetos. Así, Javier Naudeau diseña una dramaturgia que establece un diálogo extrañado con los intérpretes y la escenografía, siempre con la posibilidad de encontrar otra capa de significación debajo de la anterior. Como una cajita china, “Pareidolia” atraviesa un drama realista -un padre desempleado, una madre nostálgica, una adolescente con un secreto, un hijo rebelde- para trabajar con todas esas estructuras sociales que influyen sobre nuestra cotidianidad, siempre reflejo de algo que se está omitiendo.
La obra comienza cuando Willy y Luciano, amigos inseparables, ven una oportunidad de negocio en la superficie llana de una bolsa: sólo revelada su forma exterior pero nunca su contenido. Sin embargo, cuando el secreto de Nerea, la hermana de Luciano, se ve revelado, la trama se desenvuelve en torpes enredos. Mientras los celulares desvían la capacidad de acción y resolución, los personajes deambulan entre las paredes de una casa semivacía, dominados por el flujo de una realidad mayor a ellos que los atraviesa. Cual nihilistas, los padres obvian lo que les está sucediendo a sus hijos, mientras los hijos descuidan lo que está sucediendo entre ellos. Ninguno de los intérpretes se encuentra apto para ponerle un frente a la situación, y lo que simplemente resta son las formas vacías de esos cuerpos confundidos en su propio espacio y tiempo.
La escenografía replica este “vaciamiento” con vigas que dividen las habitaciones de la casa, simulando paredes agujereadas, junto con puertas invisibles, que nunca llegan a disgregar el afuera del adentro. En esas figuras extrañas, se develan fuerzas que incitan los conflictos familiares pero no se ven -desde una piedra invisible que rompe el vidrio de la ventana o el sonido de una llamada telefónica inaudible-. “Pareidolia” deja al público el trabajo de encontrar, desde la asociación creativa, cuál es el conflicto verdadero que engloba a la historia, y si realmente esos personajes son agentes de su propio destino o simples formas que se vislumbran en sujetos huecos.
Si hay algo que sostiene enteramente a la puesta, es la afinada labor de los actores en escena. El entrenamiento con el texto y la dinámica de los diálogos influye positivamente en el resultado final y el público devuelve ese trabajo con agradecimiento y emoción. De alguna manera, la creciente tensión dramática se va colando entre la estructura cómica de la puesta, provocando que la sala se silencie por completo un instante después de colmarse de risas. Sin duda, los intérpretes dejan toda su interioridad a la vista, arrojando en el escenario una serie enriquecedora de símbolos para desmenuzar.
La obra introduce pistas silenciosas entre las filas de las butacas, sin dejar opción al espectador más que a colocarse desde una posición activa y alerta. Sincera y perturbadora, “Pareidolia” construye con todas las piezas implícitas, una historia que es todo lo que no parece ser. “Pareidolia” está todos los domingos a las 20.00hs en el Portón de Sanchez. Podés conseguir tus entradas a través de Alternativa Teatral.
Luego de cada ruptura o la creencia de una, los pensamientos rumiantes invaden nuestra cabeza, miles de teorías de forman y queda la intención de querer volver, atar aquello que una vez estuvo y no dejarlo ir. Puede el amor desquiciarnos pero también hacernos ver lo que realmente queremos. Resiliencia es algo que todos tenemos, llega tarde pero llega, y lo hace en forma de oportunidad.
«Si no la hubiese visto no la habría conocido… Si no la hubiese conocido no me habría enamorado… ¿Cómo habría sido?, tal vez estaría rodeado de hijos, de miles de hijos jugando a la ronda de San Miguel. Tal vez no tendría motivos para preguntarme qué hago acá, o tendría otros motivos. Motivos nunca faltan. ¡Qué sabe uno!» Es como describe su obra Emanuel Zaldua, la cual también protagoniza.
Emanuel Zaldua elabora un personaje frenético, desesperado e histriónico, a medida que corre entre si y entre su cabeza, nos muestra una historia por la cual muchos hemos enfrentado: la locura del desamor. Zaldua ejecuta a este personaje neurótico de una manera sincera pero también muy divertida, la dirección de Gonzalo Quintana le permite soltura y dinamismo.
Paola Delgado es la encargada de recrear esta carismática casita la cual se irá rotando en 360° por dos asistentes, a medida que Zaldua corre la casa también, nunca se sale del escenario pues el escenario está en constante y apresurado movimiento. Este plus de comedia, frenesí y ternura es acompañado por la música original compuesta por Horacio Martin Pallarés, la cual toca en vivo durante la función.
Caballito de Mar es una obra tierna y sincera, llena de momentos muy alocados pero conmovedores, un monólogo que más allá de hablar sobre una ruptura, habla de nuevos comienzos.
Disponible los viernes a las 23 horas en el Teatro Num (Juan Ramírez Velasco 419) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web. Instagram: cachalote94
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