La rutina de la vida, el día a día, el trabajo, el descanso, el amor y la poesía. Todo eso es Paterson, la última película del siempre original Jim Jarmusch.

Desde el nombre de su última ficción Jarmusch está jugando con la dualidad, ya que Paterson es el nombre del pueblo donde vive Paterson, el protagonista de la película, encarnado por Adam Driver quien es conductor de colectivo. Las repeticiones aquí no serán casualidad y se darán más a lo largo del film. De hecho, a base de repeticiones se construye la película. La vida de una persona normal, sin muchas complicaciones, con días simples y comunes, repetitivos como los de cualquier trabajador, son el eje principal de la historia: el despertador no suena, pero Paterson se despierta siempre a la misma hora; el camino al trabajo es siempre el mismo; la ruta del colectivo es igual todos los días; a la noche un rato de charla con su novia, el paseo con el perro, el bar y luego ir a dormir. Poco pareciera suceder en la vida de Paterson, pero él sabe observar lo cotidiano de una forma diferente, encuentra en lo usual una visión renovada, porque Paterson es un poeta, y la poesía se nutre de cualquier aspecto de la vida, hasta de lo que pareciera ser más sencillo y banal.

Durante esa rutina de la vida diaria, Paterson llena las hojas de su cuaderno con distintas poesías, reflexiones que hace de lo que le sucede. Una caja de fósforos se convierte en un poema de amor, la poesía de una niña en una profunda inspiración poética. Paterson siente en su interior esa necesidad que vive en los artistas de expresarse en un lenguaje propio, profundo, mientras el tiempo pasa y la vida sucede a su alrededor.

Jarmusch es un artista y su lenguaje el cine, con el cual nos transmite, de forma sutil y simple, esa segunda visión de la vida, esa visión más despierta e interesante, en la cual lo que se observa no es siempre igual, porque todo cambia, porque el tiempo corre, como las cascadas que se sienta a ver Paterson todos los días en el horario del almuerzo. Esta película transmite esa sensación, la de que todo lo que nos sucede es un acto mágico e inesperado del cual no conocemos nada y gracias al cual podemos conocer mucho de nosotros y del mundo. Paterson cree saber cómo serán los días, pero en la semana que vivimos con él, habrá pequeños cambios, inesperados, repentinos, mínimos que harán que se encuentre más consigo mismo.

Estamos ante una de las películas más sólidas del director norteamericano que sabe cómo mantener su originalidad y características personales más allá del éxito y reconocimiento internacional que ha tenido. Sabe cómo mantener su cine en una línea independiente y opuesta al cine convencional, pero no por eso es de difícil acceso al público. Es un director que no pretende y no defrauda, su cine es simple, directo, sobrio y claro y Paterson es uno de los mejores ejemplos de esto. Una película pasiva y silenciosa, bella en todos sus aspectos, gracias a la cual saldremos de la sala con una sensación de tranquilidad y paz.

9/10

Ian Quintana

Los tiempos son los de la Segunda Guerra mundial. El lugar es Francia.
Jules es un policía francés, colaboracionista. Olga es una aristócrata rusa, miembro de la resistencia francesa, arrestada por la policía en tiempos de la ocupación nazi, por ocultar a dos niños judíos.

Helmut, un noble alemán, es un
oficial de las SS por convicción, en la creencia de que esa es la mejor idea
para su amada Alemania.
Olga es interrogada por el policía Jules, con maneras amables debido al rango social de la detenida, pero dejando entrever el tipo de interrogatorio bestial al cual se expone si no habla, en sí, si no delata. Olga se niega a hacerlo y es enviada a los campos de concentración. Allí Helmut, a cargo del control del
campo de concentración, reconoce en ella a una mujer culta que conoció años atrás, en circunstancias de juego festivo y que flirteó con ella. Trata de
ayudarla, de hacer más llevadero su pesar, la convierte en su amante. Y Olga intuye una ínfima posibilidad de huír, o solamente es la fuga instintiva del horror, de la animalidad despiadada en la cual está sumergida.

Ésta historia, la de la degradación del holocausto, está mixturada con
entrevistas individuales a cada uno de los tres protagonistas, mirando a cámara cuentan su historia (o lo que ellos creen es su historia, o lo que pueden soportar como su historia. Acaso lo que uno cuenta, así sea una historia graciosa, ¿No habla de su moral?). Estas entrevistas parecen estar en otro tiempo, en otro espacio, son contundentes y accionan como contrapunto narrativo de la historia principal.

Andrei Konchalovsky (ruso, director de “Siberiada” – una joya-, “Tío Vania”.
“Escape en tren”, entre otras), filmó esta película en un aséptico blanco y
negro, con formato 4:3, lo que le quita espectacularidad y le suma una postura de mayor objetividad. Como si la cámara, omnisciente, no juzgara ninguna acción: ni la miseria humana, ni su altruismo. Pareciera decirnos que en cada uno de nosotros anida lo monstruoso y lo sublime, que en las situaciones límite se expresarán, intempestivamente.

Las actuaciones de los tres protagonistas son extraordinarias. La medida exacta de carnadura y distanciamiento actoral. La fotografía de Aleksandr Simonov expresa con precisión estética lo que se narra.

Película áspera, dura, con la impronta de un documental, ambiciosa, no
concesiva. ¿Acaso se cuenta una tontería como cientos que se exponen? Pues, tiene la medida de lo que se cuenta, cuando el mundo enloqueció.

Dirección: Andréi Konchalovsky
Fotografía: Aleksandr Simonov
Música: Sergei Shustitskiy
Elenco: Yuliya Vysotskaya, Philippe Duquesne, Peter Kurth

A. R. Belano

Sabemos que Teresa, trabajaba en una casa de familia, que crió y cuidó un
niño, que se hizo hombre, y que ya no la necesitan más. Viaja hacia San Juan, al encuentro de una nueva familia, a comenzar de nuevo.

Sabemos que El Gringo, mezcla de centauro del desierto en cuatro ruedas y vendedor de abalorios, no carente de la simpatía llana y ese modo simple de mirar la vida, propio de mucha gente del interior del país.Tiene un puesto de venta en el santuario de la Difunta Correa.
Un percance en el ómnibus que viajaba Teresa y su consecuente espera en el santuario, hace que sus caminos se crucen.
Sabemos del olvido de su cartera, la de Teresa, en el trailer de El Gringo, al
probarse una prenda en esa noche de tormenta. La consiguiente búsqueda del vendedor y su encuentro, no así la cartera, la posterior recorrida ya juntos, de lugares donde pudo quedar olvidada, junto con materiales de trabajo del puestero. El desértico espacio sanjuanino, sus pequeños y cuasi rudimentarios parajes, operan durante la recorrida de Teresa y El Gringo, como capullo contenedor de esos dos seres solitarios (que no necesariamente padecen de
soledad), diáfanos, que en el otoño de su vida parecen como niños, y se
descubren. Lo que no sabemos, nosotros los espectadores, ni Teresa, tampoco El Gringo, si lo que ha sucedido posee la entidad de un leve milagro ó solo es una de esas pequeñas sorpresas que, a veces, te presenta la vida.

La ópera prima de Cecilia Atán y Valeria Privato, road movie en el desierto, de dos solitarios que como todos los solitarios, sus mundos poseen gran densidad. Filmada con un criterio formal muy cuidado, resulta una película interesante y
predispone al espectador a entrar en el código que se propone.

La actriz chilena Paulina García y el argentino Claudi Rissi, componen dos
personajes queribles. Una película que, como aquellos pequeños parajes en el desierto, posee cierto
encanto.

Guión y Dirección: Cecilia Atán y Valeria Pivato

Fotografía: Sergio Armstrong

Música: Leo Sujatovich

Elenco: Paulina García, Claudio Rissi

A. R. Belano

En esta ocasión Hollywood vuelve a enfrentarse a uno de sus favoritos villanos: la naturaleza. La cuestión es que no es el único que ocasiona problemas y pone en gran peligro a la población. Una pelea entre la gente que utiliza el recurso de controlar el clima para salvar a la gente y los que la quieren como arma de poder , hacen de esta película un contrareloj donde la Geo tormenta puede ocasionar una gran catástrofe.

Después de que una serie de desastres naturales sin precedentes amenazara el planeta, los líderes del mundo se reúnen para crear una intrincada red de satélites para controlar el clima global y mantener a salvo a todos. Sin embargo, la solución dura poco y el sistema diseñado para proteger la Tierra empieza a atacarla. Inicia entonces una carrera contra reloj: es preciso descubrir cuál es la verdadera amenaza antes de que una geotormenta mundial arrase con todo… y todos.

Estamos ante una película de Cine catástrofe, la trama gira en torno a la creación de un sistema de satélites que funcionan para controlar el clima a su gusto, evitando de este modo, grandes desastres naturales que ha dañado a la población en el pasado. Resulta que este sistema está ocasionando fallas, justo cuando el gobierno de los Estados unidos debe entregar esta máquina a autoridades internacionales , por eso convocan al ingeniero que creo esta arma para poder repararla. La cuestión es que al parecer el sistema fue saboteado y no se sabe ni porque ni por quien , el problema es que esto ocasiona grandes desastres en el mundo y es algo que los protagonistas deben detener antes que sea muy tarde.

La trama puede resultar una excusa para poder mostrar los grandes desastres que se ocasionan en el mundo, como tornados , terremotos, maremotos, etc… El film le da un gran espacio a la conspiración de por medio ,siendo el gran acierto de la historia, ya que logra mantener el suspenso hacia el final. No faltan los chistes fáciles , el gran cliché del poderío yankee y las escenas bizarras junto al «Presidente» de la nación. Estamos ante una película ligera y sin grandes pretensiones , pero que al fin y al cabo cumple con su cometido, que es entretener.

En cuanto a las actuaciones podemos decir que la historia tiene como protagonista a Gerald Buttler («300») y Jim Sturges («Across the universe») , como los hermanos que tienen una enemistad desde hace tiempo , pero que logran hacer las pases cuando el peligro los azota. Del resto nos, las interpretaciones son más bien automáticas pero que terminan siendo efectivas para lo que le requiere la trama.

La dirección está a cargo de Dean Devlin , quien ha trabajado como guionista en las películas de Día de la independencia. Claramente se nota las referencias a los filmes de Roland Emmerich, con quien a trabajado anteriormente el nuevo director. No busquemos verosimilitud en las escenas de desastres , más bien se han juntado todas cosas posibles y se les ha multiplicado por mil. Es lo que busca el film, brindar un divertimento visual grande y lo logra.

Geo tormenta es una película que puede parecer terrible , y a quien le parezca así seguramente tendría razón . De todos modos se agarra de los recursos que tiene para divertir y entretener, presentando una película sin grandes pretensiones pero pochoclera en fin.

Calificación : Buena

TITULO ORIGINAL: Geostorm

ACTORES: Abbie Cornish, Gerard Butler.

GENERO: Suspenso, Ciencia Ficción, Acción.

DIRECCION: Dean Devlin.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: Warner Bros

ESTRENO: 19 de Octubre de 2017

109 Minutos

Apta para todo público con leyenda

Malena, médica, cercana a sus 40 años, recibe un llamado de Misiones. El Dr. Costas le dice de viajar inmediatamente: el bebé que tanto espera está por nacer. Y Malena emprende un viaje que será de ida, en su vida.La problemática de la adopción en Argentina se conoce como compleja e intrincada. A saber: por causas que lo ameritan (no se puede depositar un niño a cualquiera, tal como dar un paquete de arroz) y por causas de burocracia estúpida.

Malena viaja sola en su auto hasta un hospital, en un pueblito de Misiones.
Marcela, está a punto de parir y Malena llega justo a tiempo para presenciar el nacimiento. Obviamente, ambas han acordado (¿Han arreglado?) la cesión de la criatura. Hasta allí todo sucede según lo estipulado, pero se presenta un pariente de Marcela pidiendo 10.000 dólares como modo de ayudar a la familia, una familia carenciada. Todo parece ser un arreglo entre médicos, enfermeras, policías, abogados, jueces y la madre que vende … y la madre que compra.

Esto que parece un negocio, y lo es, sucede constantemente en nuestro
país. Y todos lo saben. Y todos se horrorizan. Pero, como en muchas
cosas, a nadie le importa en verdad.
Malena se resiste a que lo iniciático con su hijo tenga como acto
fundacional un hecho vil, y se niega. Pero su ansia por ser madre es tal,
que pide a su marido (en viaje de trabajo) ayuda económica y que venga de inmediato, ya que “los papeles” los tiene que firmar él, principalmente, como padre. Se realiza la transacción, económica y vital, y cuando la pareja vuelve a Buenos Aires es detenida en un retén en la ruta, acusados de robo del bebé. La intervención del suegro de Malena logra su liberación, pero el
bebé queda en un hogar de crianza.
Malena no puede soportarlo, secuestra al niño y huye acongojada, en una huída a ninguna parte, que son todas, y que termina siendo circular.

Diego Lerman, el director, pone la cámara com un microscopio sobre la
protagonista y el relato fluye como en primera persona. Todo lo que a la
doctora le sucede y la transforma, es auscultado en detalles sutiles y la
observa en su completud: en sus actos, en sus dudas, en sus principios, en sus miserias. Lerman no moraliza con sus criaturas, deja que fluyan tal
como son. Y precisamente allí estriba el encanto de este buen film.
La fotografía de Wojtek Staron es expresiva al punto de ser protagonista del relato y transformarlo. De una rara belleza, su paleta cromática hace algo de este film que no sería el mismo sin él, y remite al mundo pictórico del gran director polaco Krzysztof Kieslowski.

Las actuaciones de Daniel Aráoz, de Claudio Tolcachir y demás elenco son
muy buenas. Las protagonistas de esta historia: la española Bárbara
Lennie, como Malena y Yanina Ávila, como la madre biológica, ambas
creíbles, creativas, empáticas, duras y tiernas en su justa proporción. Las
dos escenas finales entre ambas actrices, perforan la pantalla de piedad.

Una película conmovedora.

Guión y Dirección: Diego Lerman
Fotografía: Wojtek Staron
Edición: Alejandro Brodersohn
Música: José Villalobos
Elenco: Bárbara Lennie, Daniel Aráoz, Yanina Ávila, Claudio Tolcachir

A. R. Belano

Hace poco la directora que nos trajo esta película declaró que no hay que filmar tanto, que no tiene tanto para decir. Creo que fue una de las mejores cosas que escuche decir con respecto al cine, y algo que muchos realizadores deberían aprender ¿No es preferible tardar 10 años en filmar una gran película antes que estrenar anualmente clichés de 24 fotogramas por segundo que no dicen absolutamente nada?

Don Diego de Zama es un hombre al que todo se le escapa de las manos (luego se podrá entrever que sus manos no eran necesarias). Un héroe casi idiota como el quijote. Ya el primer plano de esta película nos entrega una breve lectura de cuál es su situación. Un hombre que se encuentra en stand by, en un entorno político poco acogedor, donde no tiene mucho para hacer, y anhelando una autorización que le permita volver con su familia, que cada vez se dilata mas.

Preocuparse por la historia en este caso, es un falso problema. Como los impresionistas, la directora nos transmite el sentir con respecto a una historia. ¿Cómo es posible que una película nos haga oler?

El universo en el que nos introduce Martel es bellísimo. Cada plano es visualmente adictivo, generando la necesidad de recorrerlos constantemente de un lado para el otro, mientras que los colores de la película son propios de Gauguin. También se debe mencionar el gran diseño sonoro, propio de todas las películas de Martel, tanto el sonido diegetico como no diegetico parece conjugar de la misma manera con el ambiente latinoamericano del siglo 18 y con la situación del protagonista.

El hispano-mexicano Daniel Gimenez Cacho se destaca en el papel de Zama, y el resto de los actores tampoco se queda atrás. La tardía aparición del personaje de Matheus Nachtergaele aporta una cuota de locura y cambia el sentido del relato.

Sin dudas, todos los problemas que esta película trajo, tanto en el rodaje como en post producción, valen la pena al ver el enorme resultado final. Zama sigue consolidando a Lucrecia Martel como una de las directoras más interesantes de este siglo. Es imposible mantenerse indistinto ante sus personajes oníricos, ante la pulsión sexual siempre latente en mundos nefastos. No sabemos por ahora con que otro proyecto nos va a sorprender la directora, ni cuando lo hara, pero de seguro que los cinéfilos la seguiremos esperando con ansias.

David Ainstein

It es una novela de terror publicada en 1986 por el escritor estadounidense Stephen King. Cuenta la historia de un grupo de niños que son aterrorizados por un malvado monstruo al que llaman «Eso», que es capaz de cambiar de forma, alimentándose del miedo que produce en sus víctimas.

Son los años 80 en el pequeño pueblo de Derry, en el estado de Maine. En
él vive un grupo de siete niños conocidos como ‘El club de los perdedores’, quienes suelen ser blanco fácil los matones de la escuela. La vida de estos siete chicos dará un giro inesperado cuando, durante las vacaciones de verano, una oleada de extrañas muertes provoquen el pánico y el terror entre los habitantes del lugar. Uniendo sus fuerzas, el grupo de amigos deciden buscar al asesino. Entonces descubrirán que los crímenes fueron cometidos por una entidad maligna: un sádico payaso llamado Pennywise, un personaje que data de varios siglos atrás con gran historial de violencia. ¿Serán capaces de luchar contra este engendro de apetito insaciable que se alimenta del miedo de los niños?

Dirigida por el argentino Andrés Muschetti (director de “Mama”) quién logró hacer a la perfección una nueva versión de este clásico del terror ,
respetando gran parte de la trama del libro original, logra atrapar al
espectador desde el primer minuto. Con un casting impecable, y la
destacable actuación de Bill Skarsgård, también se sobresalen el pequeño Finn Wolfhard que lo podemos reconocer por su papel en Stranger Things, y Sophia Lillis, quién dará que hablar. Muschetti contó en la conferencia de prensa, que quiso que se notara la relación de unión de los chicos, y para eso hicieron varios encuentros antes de filmar, como talleres de natación, bicicleta y tenían prohibido el uso de celulares, para que logren hablar más, conocerse y entablar una amistad, la cuál se nota en el film.

La película consigue tener puntos de humor, realmente graciosos, de
tensión y terror. Como sabemos, habrá una segunda parte de la historia, contada con los protagonistas ya de adultos, ya que esta primera parte, sólo cuenta la historia de los chicos, cuando en el libro es un flash back con la adultez.

Si bien la trama es de terror, la película tiene valores y demuestra lo
esencial del libro, que es la amistad de un grupo de chicos marginados que
cada uno tiene una carga personal, pero cuando están juntos se olvidan de eso.

TITULO ORIGINAL: It (2017)

ACTORES: Finn Wolfhard, Will Poulter.

ACTORES SECUNDARIOS: Jackson Robert Scott, Bill Skarsgård, Megan Charpentier, Jaeden Lieberher, Javier Botet.

GENERO: Terror, Drama.

DIRECCION: Andrés Muschietti.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 135 Minutos

CALIFICACION: Apta mayores de 16 años

ESTRENO EN BUENOS AIRES: 21 de Septiembre de 2017