Critica por Douglas Poito

@douglaspoito

En el Paleolítico superior europeo, hace más de 20.000 años, un joven tiene que embarcarse en una dura expedición para encontrar a su tribu, que lo han dejado atrás tras haberlo darlo por muerto debido a una herida recibida durante su primera cacería. Solo y débil, tendrá que enfrentarse a inhóspitos terrenos, terribles condiciones ocasionadas por la última glaciación y todo tipo de peligros. Aunque no estará solo, pues en su camino se cruzará con un lobo abandonado, que acepta a acompañarlo a regañadientes.

En esta épica historia de supervivencia, los dos tendrán que aprender a convivir y ayudarse para sobrevivir en la naturaleza y encontrar el camino a casa antes de que llegue el letal invierno.  Con esta sinopsis llega Alpha a sus salas de cine favorito, una película recomendada para mayores de 7 años. Esta cinta cinematográfica es un espectáculo visual, su cinematografía se roba el mayor de los aplausos. Paisajes realmente hermosos y un manejo técnico de gran calibre hace que “Alpha” se convierta desde ese punto de vista en una buena alternativa para disfrutar. Su relato lo hemos visto en muchas películas anteriores, pero el nacimiento de una relación emocional entre un animal y un humano siempre ha dado sus buenos frutos y en esta ocasión no podía ser la excepción. Esta vez la cercanía que se crea entre un lobo y un joven que luchan por sobrevivir se convierte en el núcleo central de la trama. Nada original, pero se agradece la magnificencia del filme. A pesar de lo plano o monocorde que puede ser su relato, su simpleza se convierte en fortaleza, haciendo que no sea rebuscada en las situaciones planteadas o en escenas innecesarias con diálogos simples y una acertada dirección, Alpha tiene sus elementos para gustar a un grosso público por ser cautivadora y genuina a pesar de ser simple y convencional en su historia.

Ficha:

Año: 2018

Duración: 96 min.

País: Estados Unidos

Dirección: Albert Hughes

Guion: Dan Wiedenhaupt (Historia: Albert Hughes)

Música: Joseph S. DeBeasi, Michael Stearns

Fotografía: Martin Gschlacht

Reparto: Kodi Smit-McPhee,  Jóhannes Haukur Jóhannesson,  Leonor Varela, Natassia Malthe, Mercedes de la Zerda,  Marcin Kowalczyk, Priya Rajaratnam, Jens Hultén, Spencer Bogaert,  Nestor de la Zerda

Productora: Studio 8. Distribuida por Sony Pictures

Género: Aventuras | Prehistoria. Supervivencia. Perros/Lobos

Puntuación: 7/10

Para esta 18º Muestra Internacional de Cine Documental que se diò del 18 al 24 de octubre en Buenos Aires, como broche de oro, para cerrar el ciclo, en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro Gral San Martín, se proyectó “El fantasma de Mayo del 68” de Jean-Louis Comolli y Ginette Lavigne.

Para aquellos que lo desconozca el Mayo Francés o la Primavera del 68, fue un movimiento izquierdista alentado por los estudiantes universitarios, quienes salieron a la calle, a la que luego se adhirieron los sectores sindicales, donde se produjo una huelga general, que duro varias semanas, con disturbios, enfrentamientos con la policía. En ese momento estaba en el gobierno francés Charles de Gaulle, a quien tomo aparentemente por sorpresa. Si no preguntamos cuales eran los reclamos, de lo que puedo leer, porque tampoco fui testigo de este momento histórico y está muy fresco en el tiempo, para encontrar un análisis imparcial, aparentemente, fue la efervescencia, de la juventud que se abría paso.

La documental, inicia contándonos las previas que se produjeron en otros lugares del mundo, por ejemplo en Corea.

El film es del año 2018, una película donde el tinte político no falta. Los realizadores son acérrimos defensores de todo lo sucedido en ese Mayo del 68, cuenta con una excelente recopilación de material histórico, que para quienes no la conocen, logran forjar la magnitud del movimiento y dejando de lado la sensibilidad política que tenga la documental, se le da un sentido poético al film, con un excelente relato de los hechos de Jean Luis Comolli y el actor Saguenail, y en paralelo voz en off de Ginette Lavigne, extractando textos de Jean- Christophe Bailly, Maurice Blachot y Daniel Bensaid.

Definiría, que es una película que tiene la intención de racionalizar las causas de la previa a los movimientos revolucionarios, buscando ahondar en los procesos de eclosión de masas.

Un encuentro con el pasado, un análisis de porque puede pasar y sumergirnos en un pensar, y como bien lo dice la voz en off, el ayer, puede ser visualizar el mañana, aunque lo neguemos.

Reseña Diana Decunto – consignas.de.radio@gmail.com

“Gonjiam: Hospital Maldito”, terror coreano de pacotilla – Crítica por CJ. Colantonio.

Otra película que intenta renovar lo que El proyecto de la bruja de Blair inauguró hace ya veinte años, pero esta vez con una magnitud de recursos que tiran por tierra cualquier intento de aproximación.  La tecnología lo único que hace -en este caso- es estropear el concepto de terror psicológico más que abrir la imaginación del espectador, quien no sabrá si reír o dormir, porque hasta se anticipa con alevosía el susto que deviene.

Me cuesta entender aún, cómo es que la propuesta fue el ver a los protagonistas gritando de susto frente a cámara y cómo es posible que no se den cuenta que para querer a los personajes, primero hay que conocerlos en otras circunstancias que no sea su personalidad egoísta.

Quien escribió la película no sólo fue escueto en diálogos que pudieron haber sido la contracara de lo absurdo de las situaciones que fueron creadas en innumerables películas.  Me pregunto, ¿en qué público estuvieron pensando?

La solución para mejorar un material de un hospital psiquiátrico que verdaderamente existe y que guarda una de las leyendas urbanas más populares sobre situaciones paranormales en un recinto, hubiera sido, el haber administrado la información durante el relato y ser más atrevido en tomarse las licencias necesarias para hacer más atractivos la cantidad de momentos vacíos.  

En definitiva, no hace falta que seas un asiduo espectador de películas de terror, el juego con la oscuridad y la lentitud de las linternas, te dejará seguir comiendo pochoclos a lo tonto.

(Calificación: 2/10)

De la mano de Keira Knightley, vuelve este film de época, una biopic feminista basada en la vida de Sidonie-Gabrielle Colette.

Hace un tiempo – y ahora con el movimiento #MeToo-, el feminismo se ha ido colando a la pantalla de cine, con diversas películas, que se proponen visibilizar el invisible trabajo de muchas mujeres, tanto en la reciente The Wife protagonizada por Glenn Close , como en Big Eyes con Amy Adams.
Ahora es el momento de Colette .

La película narra la historia de la escritora Sidonie-Gabrielle Colette, iniciando en el momento en que nuestra protagonista se compromete con Henri Gauthiers- Villars – Dominic West-, conocido como Willy, renombrado escritor y crítico cultural. El matrimonio avanza de manera feliz y tranquila, hasta que por problemas económicos Willy descubre el talento en la escritura de su esposa.

De allí brota “Claudine” publicación de mucho éxito, que se extendería por tres publicaciones más. La película cuenta las discusiones que se presentan en el backstage de la novela, la falta de voz de Colette, las ambiciones de Willy y presenta los nuevos romances de Colette con mujeres.

La película desarrolla con naturalidad la trama principal , concerniente a las discusiones de la pareja sobre la escritura fantasma de Colette, aunque de a momentos se desvía a otras líneas argumentales, como los romances de Colette con Georgie Raol- Duval – Eleanor Tomlinson- y Maquise de Belbeuf “Missy” – Denise Gough- y la carrera teatral de la misma, lo que quita un poco la atención del principal eje de la película.

Keira Knightley se desarrolla con naturalidad y de manera verosímil ante los diferentes estadios de Colette, desde la esposa sin voz hasta la mujer que se desnuda en escena explotando en los escenarios de teatro. Avanzada, para la época que vivía, la bisexualidad de la protagonista también se manifiesta como un punto de libertad. Dominic West al mismo tiempo , ofrece una excelente actuación como el esposo, encantador, patriarcal y manipulador.

El director presenta una película completa, tanto desde la musicalización de la película hasta el detalle en el vestuario de época. Ya habiendo encantado al público y a la crítica del Festival de Sundance, sólo podemos esperar que tenga un efecto parecido aquí.

Calificación: 8/10

Florencia Orué

Gonjiam, el Hospital Psiquiátrico, ubicado en Corea del Sur, ha sido calificado como uno de los lugares más aterradores del mundo. El director Beom-sik Jeong lleva a la pantalla grande una nueva película de terror en donde busca transmitir todos los mitos que rodean al establecimiento que se dice, está embrujado. Muchos de sus pacientes se suicidaron y la directora desapareció de manera misteriosa.

El film fue grabado por los propios actores para entregar mayor veracidad a los sucesos paranormales que experimentan los personajes.

Su relato comienza con la idea de un youtuber de reunir a un grupo de jóvenes dispuestos a recorrer los pasillos del psiquiátrico y transmitir en vivo el horror. Para obtener un beneficio económico otorgado por un número elevado de visitas, el director, quién que opera desde una carpa en medio del campo y la noche, decide manipular ciertas situaciones, sin comunicárselo a sus colegas, provocando el sobresalto y la sorpresa tanto de los youtubers como de los potenciales espectadores que están mirando el vivo y nosotros.

Todo parece funcionar dentro de la oscuridad y antigüedad del edificio, hasta que intentan abrir la puerta 402, una habitación nunca antes explorada, dando así el toque novedoso, ya que no son los primeros en ingresar al lugar. 

Es una atractiva propuesta found footage/ falso documental que hace hincapié en lo paranormal mediante las numerosas leyendas de personas que visitaron el hospital.

Obviamente nos remite al largometraje “The Blair Witch Project” y con el avance de la tecnología, se utilizan recursos más atractivos como drones, gopro y multicámaras.

Se sugiere más de lo que se muestra, lo que resulta interesante ya que logra que el espectador participe de la experiencia. Es una película entretenida, seguramente los fanáticos del género pasarán un buen rato; sin embargo, no logró su cometido de aterrorizar al público ni ofrecer novedades trascendentales al género.

Calificación: 6/10

Laura Pacheco Mora

Basa en la historia real de Sidonie-Gabrielle Colette (Keira Knightley) autora de las polémicas novelas que causaron gran revuelo en París de los años 20 «Claudine» y «Gigi», desde su infancia en el campo hasta su consagración en la sociedad parisina junto a su marido, el también autor Henry Gautheir-Villas “Willy” (Dominic West).

La historia transcurre en la ciudad de la luz, en un momento plena ebullición a finales del siglo XIX y principios del XX. En esta época de gran efervescencia cultural, nos adentramos específicamente en el mundo de la literatura y del arte dramático.  Los creadores llamados a liderar las vanguardias de una época prodigiosa se daban cita en reuniones y fiestas. En este contexto desbordado de talentos, Colette supo entusiasmar a las masas con sus historias de Claudine.

Este film está planteado desde una óptica patriarcal y machista que predominaba en la Europa de aquellos años, en donde la mayor parte de las actividades, estaban vinculadas a esta cosmovisión. La sensibilidad y la inteligencia de la mujer no eran tomadas en cuenta.

La cuidada y excelente ambientación de la época, sirve de espectacular antesala para guiar escénicamente un relato con fuerza, en el que es posible imaginar la inquietud amorosa de Colette, que oculta su relación lésbica con la Marquesa de Belbeuf o “Missy” (Denise Gough), a quien esa sociedad le permite vestir pantalones porque tiene poder al igual que el hombre; y enjaulada en un matrimonio donde su esposo explota su talento natural para su propio lucro.

Sidonie-Gabrielle Colette (Keira Knightley) bellísima y talentosa actriz, entre sus trabajos más reconocidos se encuentra “Orgullo y prejuicio”, aquí nos regala una brillante interpretación y logramos identificarnos de inmediato con su personaje excelentemente logrado que transmuta de chica de campo, con la pureza de un animal y fácil de manipular y moldear por su marido, a una autora exitosa de Europa. Logra semejante transformación gracias a su rebeldía, valentía, coraje y confianza en sí misma que va adquiriendo con el tiempo y a medida que rompe con esas estructuradas paredes visibles e invisibles impuestas por la sociedad.

(Willy) Dominic West encarna con soltura a un personaje que es una mentira, ambicioso, arrogante, impone reglas y subestima a los demás creyéndose superior.

Ambos sumergen sus respectivos trabajos en un continuo ejercicio de dramatización excesiva, lo que favorece a la trama. Los diálogos de la pareja nos remiten a una competencia desigual en donde sin importar la capacidad, el género masculino tratará, en la piel de Willy, imponerse a toda costa, con prepotencia, violencia y hostigamiento. Prácticas aceptadas y muy comunes en la época.

La velocidad con la que transcurren los hechos, quizás resulta poco acertada para la construcción de una trama que nos relate una personalidad tan vibrante y enérgica como la de Colette, minimizando la crítica social que está implícita en el film.

Más allá de una cuestión de género y del don con el que se nace o no, queda claro en esta película, que sólo siguiendo tu intuición y utilizando al corazón como principal motor, lograrás lo “imposible”.

Calificación: 8/10

Laura Pacheco Mora

EN TRÁNSITO, la nueva película del alemán Christian Petzold.  // Crítica por CJ. Colantonio.

La temática de este notable director alemán, ha sido siempre la identidad.  “En tránsito”, la respuesta a quienes somos, trae aparejado una convincente búsqueda que su protagonista construye en sus actos para conocerse a sí mismo.  Con un claro homenaje a la película “Casablanca”, ésta relato es una adaptación de un libro que sucede en la misma época (1942/44), donde un hombre se traslada a Marsella, tras la invasión nazi, con el objetivo de escapar a México, como si aquel lugar fuera el paraíso y aquí, el purgatorio.

Sin embargo, lo notable de este relato radica en cómo éste hombre parece estar anclado de manera perpetua en un lugar que roza lo dantesco; nos encontramos en el presente en donde los espectros del fascismo siguen vivos.

Seguramente la clave que nos ha dejado el director para descifrar su relato sucede cuando el protagonista mira el típico mapa en una marquesina a las afueras de un tren subterráneo y una mujer le toca el hombro aunque inmediatamente parece dejar claro que lo ha confundido con otra persona.  En ése momento, ambos parecen reconocerse, pero a la vez no. Sin duda alguna, damos cuenta que el melodrama sucede en ésa paradoja que es el rostro de un hombre que no se reconoce a sí mismo.

(Calificación: 8/10)