Los vecinos de arriba es una comedia que va por su segunda temporada en el teatro Metropolitan Sura, debido al éxito que cosechó en su primera aparición en cartelera. La obra que también marca el regreso de Florencia Peña tras su embarazo (quien ha sido reemplazada por la talentosa Muriel Santa Ana) ,que está acompañada por los actores Diego Peretti, Julieta Vallina y Rafael Ferro. La comedia transita temas como las relaciones de pareja y el sexo , pasando por situaciones desopilantes y momentos para la reflexión.

“Recuerdo perfectamente que me dijiste que querías invitar a nuestros vecinos,… no que ya los habías invitado! ¡Hay una diferencia importante en el tiempo verbal, querida!”. Diego Peretti y Florencia Peña, acompañados por Rafael Ferro y Julieta Vallina, protagonizan la versión teatral en Argentina del gran éxito del año de España, LOS VECINOS DE ARRIBA; de Cesc Gay; dirigida por Javier Daulte y con producción general de Pablo Kompel, Cesc Gay y Daniel López-Oros. Dos matrimonios que a pesar de vivir en el mismo edificio, practican dos “estilos de pareja” diametralmente opuestos. Pero cuando se reúnen a cenar bajo un mismo living, las paredes que sostienen a cada departamento… – y a cada pareja – comenzarán a ceder y ya no sabremos quién vive dónde… LOS VECINOS DE ARRIBA es una comedia inteligente y fresca; llena de réplicas brillantes sobre agonía del matrimonio tradicional, la sexualidad, el amor y las mil formas de abordar la convivencia. El equipo creativo de LOS VECINOS DE ARRIBA se completa con el diseño de escenografía de Alicia Leloutre, iluminación de Matías Sendón y vestuario de Ana Markarian. LOS VECINOS DE ARRIBA se estrenó originalmente en catalán en 2015 en Barcelona, bajo el título Els Veïns de Dalt en el Teatro Romea, convirtiéndose en el gran suceso de la temporada, agotando todas sus localidades a lo largo de 61 funciones y convirtiéndose en el récord en la historia de Teatro Romea. La versión en español se estrenó en abril de 2016 en el Teatro de La Latina en Madrid, repitiendo el suceso de público y crítica

La obra de Cesc Gay hace una crítica al matrimonio, de aquello que hace al desgaste de la pareja , que es no poder sacar afuera sus frustraciones y deseos reprimidos. De ese modo, la pareja de Peretti y Peña , se sienten amenazados ante la aparición de una relación de sus vecinos mucho más liberal que la de ellos, abriendo la discusión sobre lo que está bien o mal en una pareja. El sexo está muy presente en esta historia, mientras unos lo disfrutan de forma plena (y hasta alocada), otros se quedan con la resignación y la autosatisfaccion mediante otros medios. De este modo vemos cómo una comedia sobre la sexualidad se ve repleta de situaciones desopilantes y sin inhibiciones, pero luego toma un giro dramático que coloca a los protagonistas para discutir algo tan presente hoy en día: la pérdida del amor y la separación.

Las actuaciones de Florencia Peña, Diego Peretti, Julieta Vallina y Rafael Ferro resulta una de las cosas más destacables e imprescindibles para el disfrute de la obra. Los actores resuelven con agilidad cada situación, saben manejar el tipo de humor que la obra plantea , provocando la risa desde la incomodidad que genera hablar sobre ciertas cuestiones del sexo.

Los vecinos de arriba es una obra muy creativa, que usa la sexualidad para reírse sobre las relaciones y algunas problemáticas de la vida cotidiana. Tanto la comedia como el drama se encuentra muy bien orquestado bajo la dirección de Javier Daulte y la labor de los actores que logran que el público pueda reírse y emocionarse en una misma función.

Un extraño y enorme placard nos recibe al ingresar a la sala. Es irreal, está lleno de puertas que simulan tener un orden que no tienen y unas dimensiones surrealistas.

No es simplemente escenografía, es algo más.

La Luz se va y la música nos introduce en un clima.

La primera imagen nos sitúa en el consultorio de un prestigioso neurocirujano. Llamadas de por medio podemos deducir que tiene una relación conflictiva con su pareja. El procura que esto no perturbe su orden, pero la insistencia de llamadas hace que se le filtren respuestas que dejan entrever rasgos clarísimos de su personalidad. Al consultorio llega el marido de Clara. Ella tiene cáncer y la única posibilidad que tiene para superarlo está en manos de este neurocirujano. El esposo de Clara tiene todo listo y dispuesto para que la cirugía pueda hacerse pero existe un inconveniente. Es el año 2001, y el dinero para los honorarios del doctor no está disponible. Pese a los ruegos, con frialdad, el cirujano se niega a operarla.

Clara muere y todo cambia.

Habrá una trampa, una venganza, una sucesión de hechos inesperados, desencuentros y romance. CLARA es un thriller en tono de comedia que tiene como disparador un hecho trágico. Sus personajes son desbordados aunque la trama es muy precisa.

La obra está estupendamente escrita. Se entrecruzan elementos cinematográficos, como el planteamiento de la historia o el uso de algunas imágenes, con rasgos del melodrama y la comedia de enredos. Los personajes son seres alienados por la realidad, tratan de dominarla, pero su naturaleza es tan fuerte que por momentos todo se torna irreal, al punto de casi escaparse de la ficción. Todo resulta un cocktail impensado, divertido y efectivo. Con una mirada crítica e inteligente.

Los actores hacen un trabajo ágil y comprometido. Atraviesan la cuarta pared, nos hacen sentir un cómplice más.

En cuanto a lo visual, hay elementos destacables desde lo escenográfico pero que tienen el tono justo que la historia permite. La utilización del placard es ingeniosa, le otorga mucha personalidad a la puesta y la vuelve necesaria. El trabajo de dirección es sobresaliente.

Hay que ir a ver CLARA.

Actúan: Javier Pedersoli, Agustín León Pruzzo, Ezequiel Tronconi, Francisco Prim y Claudio Mattos

Fotografía: Malena Martinez Riva

Diseño gráfico: Petre
Diseño de espacio: José Escobar
Vestuario: Marina Claypole
Diseño de luces: Diego Becker

Asistente de dirección: Natalia García
Dramaturgia y dirección: Sofia Wilhelmi

Maximiliano Pouchan

De los héroes que no aterrizan en las islas de los cuentos cuenta la historia de Julio, un profesor de literatura y músico que, por situaciones ajenas a su voluntad, es reclutado a ir a la guerra de las Malvinas dejando atrás a Cecilia, el amor de su niñez. Nuestro ojo entra en el momento en el que Julio regresa de la guerra y se reencuentra con Cecilia. Ahora es momento de ponerse al tanto aunque la guerra aún persigue a Julio.

Una obra llena de acción aunque transcurra en una pequeña habitación blanca llena de objetos que no tienen lugar, demuestran cómo la situación de la época de los 80 afectó a cada persona, hasta una pareja de músicos que eran felices. El proceso de reincorporación de Julio sin duda es maravilloso, vemos como va desde la negación, pasando por la confontración hasta finalmente realmente llegar a su casa. Porque esa es la lucha de esta pareja, contra el pasado y poder hablar lo que nunca se habló.

Acompañar a estos personajes en su viaje contra la historia que los persigue es realmente conmovedor. La manera en la que está compuesta la obra llega a achicarte el corazón, ya que es evidente que el amor entre los dos sigue vivo pero la situación que los atraviesa es mucho más grande que ellos.

Ficha artística-técnica:

Actúan: Juan Tupac Soler y Verónica Cognioul Hanicq

Diseño de escenografía y vestuario: Eliana Itovich

Realización de escenografía: Santiago Rey

Diseño de luces: Lucia Feijoó

Diseño gráfico: Jota Pe Rodríguez

Fotografía y video: Ignacio Codino y Francisco Castro Pizzo

Prensa: Marisol Cambre

Producción: LugarOtro Estudio Teatral y http://www.poeticaresiliencia.com

Asistencia técnica: Bruno Quiroz

Asistencia de dirección: Camila Comas

Dramaturgia y dirección: Pilar Ruiz

La obra participó del Festival Novísima Dramaturgia y fue publicada en la antología “Futuros

Contemporáneos. Novísima Dramaturgia Argentina”.

Desde el jueves 1 de marzo, 21 h

Beckett Teatro | Guardia Vieja 3556 | CABA

Localidades: $200 | Entradas a través de http://www.alternativateatral.com

Duración: 60 minutos

Hasta el 26 de abril

Ariana Marín

El teatro coliseo se ha preparado para un espectáculo teatral que más bien se ha convertido en un evento, en su mayor medida se debe a la participación del actor mexicano Gael García Bernal, con un texto de Sabina Berman. Esta obra toma la poética de Fernando Pessoa para narrar una historia sobre la identidad , y que a través de distintas formas de un yo, se toma el trabajo de hablar sobre el amor y los sueños.

Los Ejercicios Fantásticos del Yo trata sobre la identidad, entendida como pura fantasía.

Su anécdota: 24 horas en la vida del poeta Fernando Pessoa, en 1914, el día que inicia la Primera Guerra Mundial. El día en que Pessoa no pudo conquistar la mano de su amor, no pudo conquistar a una Editora internacional, tampoco pudo conquistar el Gran Premio de la Reina Victoria de Poesía, pero escribió el primer poema del siglo XXI, y uno de los poemas más bellos de la Historia.

Ejercicios fantásticos del yo nos pone en escena al poeta portugués Fernando Pessoa, que cuenta una anécdota del personaje transitando un camino entre la fantasía y la realidad. En dicho camino existen varios retos que Fernando debe afrontar: la elección entre el amor hacia una persona y la profesión que tanto de apasiona ,pero también la cruda realidad que vive que en momentos lo aleja de ambas cosas. De allí parte la aparición de sus «Yo» , que resultan ser personajes con identidades literarias , la vida de cada identidad de Pessoa permite conocer a este poeta como un todo, que no existe sin cada una de sus partes. Así nos damos cuenta que éste intenta buscar su propia identidad, dejar al descubierto al verdadero Pessoa, pero lo que debe darse cuenta es que él es cada uno de ellos, y en el transcurso de la obra esto se va descubriendo tanto par el como para el público.

El rol protagónico está personificado por Gael García Bernal , que viene de una larga trayectoria en cine , tanto en la actuación como en dirección. Cómo dato a destacar , es la primera incursión del actor en teatro , y toca decir que lo ha logrado con soltura y en un papel que le permite desplegarse desde una mirada poética , rasgo principal del personaje. También se encuentra acompañado de un notable elenco de nuestro país , en personajes más bien medidos pero que cumplen con su función. Si cabe destacar la participación de Fernán Mirás y Martín Slipak, que componen a algunos de los Alter ego y que logran destacarse por sus personalidades que aportan una composición interesante al resultado final del poeta.

La escenografía, donde sus espacios se representan a través de escenarios digitales , con una innovadora puesta en escena con pantallas móviles , acompañan al recorrido de la historia junto al libre despliegue que tienen los personajes en un escenario como el del coliseo.

Con texto de Sabina Berman y dirección de Nelson Valente , hacen de Ejercicios fantásticos del yo una obra que toma la poética como instrumento para contar una historia de época y cotidianidad , con el elemento de la fantasía en su narrativa. El compromiso de Gael García Bernal para con su personaje y nuestro teatro , permite que podamos ver una obra novedosa y seamos parte de un llamativo evento.

“EJERCICIOS FANTASTICOS DEL YO” se presentará en la ciudad de Buenos Aires, por sólo 10 semanas con Producción General de Sebastián Blutrach.

Gael García Bernal, interpretará a Fernando Pessoa, y el elenco se completa con: Rita Cortese, Fernán Mirás, Vanesa González, Martín Slipak, Javier Lorenzo, Fernando Sayago, Nicolás Pérez Cortés y Lucas Crespi.

Funciones: Jueves y Viernes 21 hs / Sábado 20:30 Y 22:30 HS

Teatro: Coliseo – Marcelo T. de Alvear 1155

Localidades: desde $ 300.- entradas por boletería del Teatro o por Sistema Ticketek

«BoyScout», es el tercer y último proyecto con raíces biográficas del artista. Esta trilogía, que empezó con Negra, continuó con Dos hermanos (Ganador Premio Mayor de todo el continente a la coproducción 2012/2013 de IBERESCENA) y cierra con BoyScout, trabaja esencialmente sobre datos biográficos ficcionalizados y atravesados por elementos musicales. El espectáculo ha sido ganador del Premio Argentores a MEJOR OBRA MUSICAL y Premio HUGO MEJOR MUSICAL OFF, MEJOR ACTOR, MEJOR ESCENOGRAFÍA y MEJOR ILUMINACIÓN

“Sos una persona especial”. La obra teatral dirigida y protagonizada por Dennis Smith recupera este cliché, utilizando ese pretexto por los padres cuando el hijo confiesa su homosexualidad. Pieza autobiográfica, Boyscout muestra las trivialidades y dificultades por las que tuvo que pasar un adolescente cuando, finalmente, expresó con temor ante posibles represalias esta orientación.

Explosión de opuestos: lamento, rabia, delicadeza y elegancia. Sentimientos y actitudes acompañados de una voz angelical. Dennis Smith deleita y conmueve a los espectadores con canciones tales como Volver o Paloma Negra. Rodeado de cuerdas suspendidas del techo, se mueve cual boyscout mientras trata de hacer de él una persona “normal” a los ojos de su entorno. Hace una recolección de su pasado. Recuerda a la par que relata y vivencia algunos de los numerosos episodios donde sufrió bullying. La necesidad acuciante de recibir apoyo de sus compañeros. La respuesta es siempre negativa. Círculo vicioso: aceptación, contención y rechazo. Tres palabras que apuntan un viaje sin fondo. Un viaje, el cual dista mucho de ser una travesía hacia el País de las Maravillas.

BOYSCOUT
Con Dennis Smith, Leandro Rosenbaum, Fernando Losada.
Músicos: Fernando Losada (Teclados)
Asistencia General Agustina Nazar Anchorena
Diseño de Luz David Seldes y Sebastián Evangelista
Escenografía Nicolás Nanni
Fotos Débora Ramos
Diseño Gráfico Darío Katzev para TRINEO.COM.AR
sicoProgramación y Arreglos Musicales Fernando Losada
Vestuario LEVI’S Argentina & CONVERSE Argentina
Coreografía Laura Waisman
Colaborador Artístico Pablo Kusnetzoff
Productor Emilio Laferriere para la Dirección de RR.II. del MCGCBA
Dramaturgia, producción General y Dirección Dennis Smith

FUNCIONES SÁBADOS 19.00 HORAS

EL CULTURAL SAN MARTIN
Sarmiento 1551

América Arana

Menea para mí es una obra que ya va por su cuarto año en cartelera, una puesta que se ha vuelto de culto y que es muy necesaria para nuestro teatro. Aquí podemos ver una historia de marginalidad en todos sus aspectos , donde hay espacio para los dramas de la vida cotidiana al ritmo de la cumbia villera.

Al ingresar a la sala el público debe cruzar el escenario donde nos encontramos con una gran cantidad de ropa tendida y diarios esparcidos por el suelo. Los personajes de la obra están en la misma sala mientras la gente se acomoda, pareciendo que el espectador entra a invadir un espacio un tanto hostil. Los protagonistas, sumidos en la pobreza , la droga y la delincuencia nos muestran lo que es su día a día , no solo desde el conflicto que parte de su status social, sino más bien una muestra de valores y códigos que existen por aquellas calles. La cumbia también resulta importante en esta historia , cada letra es un reflejo real de lo que pasa en los barrios y es un complemento para llevar al relato hacia lo expresivo y corporal .

Lo más interesante de la propuesta es el excelente trabajo que se ha hecho en cuanto a la ambientación del relato, tanto en lo escénico como en lo actoral. Gran trabajo de los actores ha sido mostrar esta realidad de forma natural , con sus crudeza, evitando caer en la parodia mediante la recreación de esta clase social. Los actores de momentos invaden al público, les hacen saber que se encuentran presentes para adentre al juego teatral que propone , junto al prejuicio que pueda tenerse con los personajes. Luciano Crispi compone a aquel personaje en el que uno puede tomarlo de estereotipo, según el juicio social , pero tanto la interpretación del actor como el texto de Mariana Cumbi Bustinza , hace que pueda conocer en profundidad el porque se sus actos y generando cierta empatía con aquel fruto de lo marginal.

La realidad es que la obra sin prejuicios denota una realidad quizá poco mostrada en el ámbito teatral , siendo cruda pero muy interesante desde el punto de vista artistico. La música es parte del retrato de los personajes que están en escena solo para mostrar su vida, que aunque no pareciera , en su máxima cotidianidad.

Menea para mí es una obra que merece ser vista y perdurar como una pieza artísticamente atractiva y socialmente crítica. Todo esto es gracias al gran trabajo de dirección y el empeño de los actores que hacen todo lo posible en mostrar algo real y único sobre lo que a veces intentamos esconder de nuestra sociedad.

Ficha artístico técnica

Dramaturgia y dirección: Mariana Cumbi Bustinza Elenco: Luciano Crispi (El Masi), Ezequiel Baquero (El Tucu), Catalina Jure (La Noe), Natalia Gatto (La Pao), Ornella Fazio (La Peke), Germán Matías (El Wester), Vanina Cavallito (La Mami) y Mercedes Hazaña (La Magui).

Dirección musical y temas originales: Facundo Salas; Asistencia de dirección: Ángela Rodríguez Ayala Coreografías: Mariana Cumbi BustinzaEscenografía: Agustín Leonardo Addesso Diseño de iluminación: Adrián Cintioli Diseño gráfico: ADD.Arte Asistencia de escenografía: Emmanuel Graziano Asistencia de producción: Marcos Roba / Sofía Viñuales Operador de luces: Cristian Domini Fotos: Fernando Lendoiro / BQO / Santos LozaVideos de difusión: BQO Prensa: Simkin & Franco

Funciones: viernes a las 23 Hs.

Teatro: El Extranjero

Dirección: Valentín Gómez 3380 – Abasto

Entradas: $250 Y estud. y jub. $180 Informes: 4862-7400 Mail:elextranjeroteatro@elextranjeroteatro.com / cumbibustinza@gmail.com

Daniel Alvarez

«Lola Viodegradable» Cuenta las historias de tres mujeres que además de llevar un nombre en común: “Lola”, comparten el terrible recuerdo y la experiencia de ser víctimas de la violencia de género. La primera se enfrenta a la sombra del “Viejo Pellejo”, quien además de ser su padrastro, es su violador. La segunda Lola, urge venganza, desolada por la muerte de su hermana menor a manos de su propio esposo. Y finalmente, bajo las míseras luces de un bar aún más miserable, una Lola cantante, alcohólica, se enfrenta a su vida de mentira, a la pérdida del amor y de su dignidad.

Tres Lolas que podrían ser una sola. Tres mujeres que bien podrían ser todas y cada una de nosotras.
Valentina Cabrera encarna a tres mujeres humilladas, oprimidas, degradadas, sometidas por hombres crueles y sociedades cómplices.
El público se vuelve testigo -sino partícipe- de la destrucción de Lola pero también de su transformación.

La propuesta de Umile Escalante se trata, justamente, de eso: una obra que aborda la problemática de la violencia de género no puede dejar al espectador pasivo y distante en su butaca; debe involucrarlo, interpelarlo. Y eso hace, para que la degradación devenga biodegradación y trasforme.

La experiencia escénica “Lola Viodegradable” se ofrecerá en dos únicas funciones los días
10 y 17 de marzo a las 21 hs en la sala de El Jufré Teatro- Bar, Jufré 444 de Villa Crespo

Gabriela Lema

ACTUAR, UNA FORMA DE RESISTENCIA FRENTE AL OLVIDO

El esfuerzo de un actor por sobrevivir, por recordar a los actores de su querida compañía. Retazos del pasado, momentos gloriosos que ya no volverán. La soledad de un artista frente a su público.

Años cuarenta. Un viejo director de una compañía teatral nómade solo frente al mostrador de un bar, en las orillas de un pueblito de Santa Fe. Todos se han ido, algunos en busca de un futuro mejor, otros abandonaron la profesión. Ginebra en mano, él rememora a cada integrante, los vínculos personales, sus aciertos y sus errores.

La culoncita fue la última en irse, con ella hacían números de chistes fáciles en cualquier lugar, a veces sólo por la comida. Otra de las actrices era Natalia, niña bien que se dedicó al teatro como forma de rebelión hacia su familia y su clase, aspiraba llegar al Maipo. Dejó la compañía para triunfar en el género picaresco. Se llevó a otro actor con ella. Luego Rafael, actor afectado y exagerado que sólo logró actuar sinceramente cuando no estaba actuando, demostró su amor al director para partir al día siguiente. Otro actor partió tras el ofrecimiento de hacer Otelo en el Teatro del Pueblo de Leónidas Barletta que estaba en pleno auge en esa época. Confiesa que lo eligieron por su tez oscura, y se despide con un cálido abrazo y una frase desgarradora: “seguí así, ya vas a llegar”.

Él, sin embargo, cree que ya llegó a la cima y que cayó estrepitosamente. La debacle de la compañía comenzó cuando murió la actriz principal, a causa de una perforación de pulmón. Con su partida, el director decidió preparar Un enemigo del pueblo de Ibsen. Pero esa representación fue su perdición. El personaje terminó por confundirse con la persona y se transformó en un paria, en aquél a quien todos abandonan.

Dice que recordar es volver a pasar por el corazón. Manuel Vicente en el papel protagonista, recrea en escena a todos y cada uno de los integrantes de la compañía. Las situaciones de tensión y de fraternidad, la pelea por obtener una buena paga, la necesidad artística de representar obras que consideraba fundamentales para el teatro, aunque su reducido público no las entendiera. Versión reducida de Woyzek, La Gaviota de Chejov, Shakespeare, Ibsen, Sófocles. Encaraba cada proyecto como si fuera el más importante de su vida, adaptaba al libreto a la cantidad de actores disponibles y a las circunstancias escénicas. Sociedades de fomento, clubes, pequeños teatros e incluso circos y plazas servían de escenario para estos apasionados.

El texto de Andés Binetti (quien también está a cargo de la dirección) es nostálgico, romántico y amargo también. Vicente recorre magistralmente cada personaje a través de inflexiones de voz, cambios gestuales y movimientos en el escenario. Es uno y todos a la vez, como si en su cuerpo y en su presencia habitaran todos los actores posibles, todas las obras de teatro, todos los mundos creados.

La pasión por el teatro vocacional dialoga, y choca por momentos, con el teatro oficial, el comercial y con el reciente teatro independiente que tiene como epicentro al Teatro del Pueblo (doble referencia al lugar en el que representan la obra hoy).

Un relato de la ausencia, del recuerdo, de la carencia como motor para el trabajo, de la entrega hacia un oficio que le ha dado todo, y ahora ya no queda nada. La firme convicción de tener que representar hasta el final de sus días, porque es lo mejor que sabe hacer y lo único. Una forma de no ser olvidado es seguir actuando, frente a un ciervo perdido en la maleza de una isla, último espectador que lo observa.

Ficha técnico artística

Actuación: Manuel Vicente

Diseño de escenografía y vestuario: Alejandro Mateo

Diseño de luces: Francisco Varela

Diseño de sonido: José Binetti

Diseño gráfico: Juan Francisco Reato

Fotografía: Selene Scarpiello

Prensa: Carolina Alfonso

Asistentes de dirección: Nadine Cifre, Grace Ulloa

Dirección: Andrés Binetti

Sala: Teatro Abierto, Teatro del Pueblo (Av Roque Sáenz Peña 943, CABA). Sábados 18hs. Entradas $250, Est y Jub $220

Melina Martire

¿Cuántas variantes puede abarcar el reparto de roles en una familia?

¿Y en una compuesta solo por mujeres?

¿Qué precio tiene ser la hija boba?

¿O la exiliada? ¿Exiliada de dónde?

SALÓN DE BELLEZA es un útero materno, Claudia, Natalia y Paula, madre e hijas se reúnen en el negocio familiar para embellecerse e ir a un casamiento.

El arte de convertir una situación dramática e insostenible en un cúmulo de risas. Salón de Belleza puede remitirnos a La casa de Bernarda Alba, aclamada obra teatral de Federico García Lorca: una madre autoritaria y sus dos hijas, supeditadas a su voluntad. La ausencia de la figura paterna transforma este centro estético en una cárcel, donde la vida se vuelve monótona. Natalia y su madre repiten las mismas acciones: se ocupa de hacer de las mujeres un prototipo de belleza a la par que escuchan constantemente sus conversaciones. Esta letanía ininterrumpida junto a las dificultades económicas se traducen en fuerzas desgastantes, las cuales devoran a ambas. Apenas poseen tiempo para preocuparse de su femineidad y el amago es sinónimo de represión. Los improperios empiezan a emanar. Gracias a sus magistrales actuaciones, logran generar un sentimiento contrario al esperado; lejos de provocar la indignación, ambas tiñen esta escena de ridícula y sarcástica.

La llegada de Paula sirve para expresar de manera brutal toda esa rabia y agonía contenida, “¡Sois dos enfermas psiquiátricas que están pegadas todos los días!”. Se desvelan secretos, oprimidos durante mucho tiempo. Se descubre la búsqueda del amor en hombres mayores.

Circunstancias cercanas a nuestra realidad: los anhelos de tener otra vida, la escasez monetaria, la persecución de la felicidad. Obra imperdible, ya que a través de la comicidad logra divertir y cuestionar nuestros preceptos.

FICHA TÉCNICA

Autoras: Marina Glezer y Sonia Stigliano.

Dirección: Marina Glezer.

Asistencia de dirección: Sonia Stigliano.

Elenco: Maitina De Marco, Luciana Lifschitz y Gilda Scarpetta.

Escenografía: Ariel Vaccaro.

Iluminación: Iván Gierasinchuk.

Vestuario: Greta Ure.

Producción: Marina Glezer.

Prensa : Raquel Flotta

TEATRO NÜN

NÜN TEATRO BAR

Juan Ramirez de Velasco 419, ESQUINA ARAOZ

VIERNES 21 HS

A PARTIR DEL 23 DE FEBRERO

América Arana

El ser humano esta atravesado por todo aquello que el destino le tiene preparado; es ahí en donde cada uno tomará las riendas del asunto de su vida. Anhelará sueños aunque sean inimaginables, necesitará creer para mantenerse en pie, se hará fuerte cuando lo traicionen y esperará a alguien que prometió su vuelta… esperará y esperará.

Lila y Violeta son hermanas, viven en un mundo pequeño, se llama Chivilcoy, allí se ven obligadas a hacer de todo por sobrevivir. Lila se aferra a lo efímero, quiere cuidar su techo sin importarle las consecuencias, quiere dinero; la atormenta la ambición de sobrevivir sin importarle con todo aquello que tenga que lidiar; mientras que Violeta es fe, abraza la esperanza del regreso del barco que zarpó, abraza a la Virgen Reina del Mar, cree tanto en un futuro irreal que se olvidó de ella misma. El remisero Travolta aparecerá en la vida de los personajes para recordarles que el mundo de pueblo es otro, y que las cosas pueden ser más fáciles si te adaptas a la realidad. Travolta nos muestra sinceridad, nobleza y el valor de la palabra, en contraste con la aparición de la Reina del Mar que logra enloquecer a Violeta con sus pedidos y predicciones, burla su fe llevándola a cuestionarse hasta su propia existencia.

Cada acto de la obra nos hace interrogarnos si la vida realmente debe ser aceptada como se nos presenta, nos pregunta nuestra lealtad hacia el otro… ¿Qué tan preparados estamos para lograr eso que tanto deseamos?.

Ficha técnico artística:

Actúan: Nora Kaleka, Cecilia García Moreno, Carolina Mugetti, Pablo Clariá.

Asistente de dirección: Pedro José Sánchez

Diseño de luces: Leandro A. Pérez

Diseño gráfico: Mariana Rovito

Diseño de sonido: Pedro José Sánchez

Arte: Paula Amante

Escenografía: Carla Iglesias

Realización de vestuario: María Rodríguez

Fotografía: Carola Etche

Producción Ejecutiva: Cristina Sisca

Prensa: Simkin & Franco.

Dramaturgia y Dirección: Gabriela Romeo

Funciones: sábados a las 20 hs.

Teatro: La Ranchería

Dirección: México 1152

Entrada general: $250. Estud. y jubil. $200

Reservas: por Alternativa Teatral o al 4382-5862

Paula Fossatti