Teatro presencial con protocolos.

Por Daniel Alvarez

Es un placer volver a esa vieja costumbre teatral de ir a ver una obra de género musical en un día atípico, que en realidad no lo es para este tipo de espectáculo. Un martes en la noche, en un teatro comercial de calle corrientes, una obra que ha tenido su paso y buena repercusión en el circuito independiente, es un gran plan para un día de casi inicio de semana.

Si, a El Arrebato lo podemos catalogar como una obra de teatro musical porque cuenta con muchos elementos del género, pero que aún así se muestra con otros códigos, el del hip hop y la música urbana. Nos cuenta la historia de Mateo, un personaje que solo aparece en el relato de aquellos que lo rodean, el es un chico que le tocó nacer en una vida difícil, con una madre soltera y una situación económica dónde siempre se la han tenido que rebuscar. La obra nos plantea dos miradas distintas, en la que Mateo va por el camino fácil, o el del dinero fácil, y por otro lado, nos muestra la cara del esfuerzo y también el de la música. En lo musical, la obra pasa por momentos en la que predomina la coreografía y otros que dan paso a las denominadas batallas para contar algunas partes de la historia, si bien este último es el momento más distendido de la obra, es el que más se disfruta debido al acompañamiento que se tiene con el público.

En cuanto a los artistas en escena, se debe valorar el doble trabajo que tienen en el escenario. El primero es como actores, que están contando una historia desde el punto de vista narrativo y musical. Por otro lado, el siguiente desafío es saber jugar con los códigos del rap y el hip hop, dando lugar a aquellas batallas improvisadas, que sinceramente no sé si ya estaba escrito o no, pero nos dió esa sensación de estar realmente en una batalla de improvisación.

El arrebato es una obra muy interesante de ver, un espectáculo que se ve como un musical, pero que cuenta con unos códigos distintos que la hace interesante y única. Cuenta con un gran trabajo de dirección y actoral, que hace que todo funcione de manera coordinada cuando la obra lo requiere, y de manera tan suelta y natural cuando se recurre a las batallas de rap. El público ha acompañado de manera sorprendente, haciendo que el espectáculo, a pesar de los protocolos y el distanciamiento, se vea como una fiesta.

FICHA TÉCNICA

Elenco: Alberto Troncos, Elizabeth Gonzalez, Facundo Giordano, Luis María Peña Maciel, Nahiara Muchico, Nahuel Quimey, Víctor Corro, Simón Tobías. 

Libro: Emiliano Dionisi

Letras: Martín Rodríguez y Emiliano Dionisi

Música y Arreglos Musicales: Martín Rodríguez

Idea original: Angélica Villagomez

Dirección Musical: Martín Rodríguez 

Coreografía: Juan Martín Delgado y Maia Delgado

Asistencia de dirección: Maia Delgado

Dirección General: Juan Martín Delgado

Diseño de Escenografía: Giuliano Benedetti

Diseño de Vestuario: María Laura Martínez y Rodrigo Lico Lorente para La Polilla Imagen & Vestuario

Maquillaje y Peinado: Cristina Garbaccio y alumnas del taller Arte en Barrios

Diseño Gráfico: Lucila Gejtman

Fotografía: Samir Carrillo y @agenciaFS

Comunicación: Varas Otero

Stage Manager y asistente de producción: Camila Sartorio

Producción Ejecutiva: El Método Kairós.

TODOS LOS MARTES 21 H EN EL METROPOLITAN SURA

Por Denise González

Es un domingo por la tarde en Buenos Aires. Las calles desiertas que dejó la pandemia se ven un poco más transitadas en las puertas de algunos espacios culturales. En el Regina me reciben con un protocolo de excelencia, desde el ingreso hasta el momento de acomodar a los espectadores en la sala. La función comienza en el escenario de la medida y el estilo justos para lo que será el show a continuación.

Variando entre canto lírico, clásicas baladas en inglés y hasta mariachis, Paula Cefali brinda una carta extensa de propuestas que define como “un viaje en el cual dejar atrás por un momento nuestras preocupaciones”. Invitados especiales de lujo la acompañan en muchas de las canciones: me quedo con el dúo increíble de Barbra Streisand y Celine Dion acompañada de la extraordinaria Laura Manzini, la visita express a México junto a la voz increíble de Luis Podestá, la suavidad del dueto con Anita Co, y el piano sublime y voz de Federico Salcedo.

El show se desarrolla con una confianza familiar, se refleja bien en las palabras de Paula, quien dice haber pensado en esta ocasión como algo formal, pero que finalmente se transformó en comentarios distendidos y risas, desnudando los detalles del show y haciendo al público partícipe de ellos.

Cabe destacar el impacto de los vestuarios de la protagonista: dos vestidos despampanantes, soñados para el reflector.

En resumidas cuentas, un espectáculo adecuado para público general, especialmente para amantes de los clásicos en inglés, abordado en un contexto de calidez y un espacio seguro en tiempos de pandemia. Si algo me llevo son las palabras de Paula Cefali al final de su performance: en locaciones como el Teatro Regina, vale realmente la pena asomarse a incentivar a la cultura, apostar por una puesta en escena interesante y fluida, confiando en que la organización será la mejor para que el espectador pase un buen momento y a la vez se sienta cuidado por un protocolo digno.

Próximos Shows

REENCUENTRO EL SHOW

Sábado 27 de febrero a las 23 horas

Canta Agus Lima

Invitadas: Caro Monteagudo, Berenice Riveros y Giuli Pierri

Piano: Raúl Monteagudo / Guitarra: Pablo Martínez / Dirección vocal de ensamble: Vicky Loescher

Después de un tiempo, finalmente nos reencontramos!

Se viene una noche diferente, con buena música, buena energía, divirtiéndonos y cuidándonos entre todos!

Será un show donde haremos un recorrido de bellas canciones nacionales e internacionales para emocionarnos y disfrutarlo juntos!!!

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LO QUE SE NOS CANTA Y BAILA

Domingo 28 de febrero a las 18 horas

(Artistas por orden alfabético)

Giselle Cánepa, Camila Cobo, Delfina Ipoutcha, Juan López Boyadjian

Tomás Luna, Martín Mena Mauger, Juanjo Moreno

Juampi Ragonese, Dani Rubiatti, Guga Valdez

Dirección: Juan Pablo Ragonese y Tomás Luna / Asistencia de dirección: Guga Valdéz / Diseño gráfico: Visto Gráfico / Vestuario: Salas Vestuario

Un hermoso show en donde se entremezclan las mejores canciones del cine, del teatro musical y populares de todos los tiempos con un gran trabajo vocal e interpretativo complementado con las coreografías maravillosas de la compañía de danza “ConSentido”.

Un show divertido, emotivo y dinámico para todo el mundo que recargará energías para empezar con todo este nuevo año!

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Producción Ejecutiva y Artística de todos los shows

Emiliano Míguez

“¿Nos preguntaron tantas veces por qué? ¿Para qué? ¿Es ahora? Y todos respondimos casi lo mismo, si es ahora porque el arte es esencial, porque el arte nos ayudó todo este tiempo a estar un poco más acompañados en casa. Por eso ahora que hoy de a poco nos toca volver a los espacios a nuestras “casas teatrales” te pedimos que nos acompañes, el teatro es un lugar seguro y nosotros queremos que vengas a disfrutar con nosotros de estos shows”, reflexiona sobre este ciclo de conciertos Emiliano Míguez.

Valor de las entradas para cualquiera de los shows $ 800.-

Consultar promociones

En boletería del teatro y por Plateanet.com

Av. Santa Fe 1235 – C.A.B.A

Por Daniel Alvarez

Está semana tuvimos el placer de asistir a la sala Pablo Picasso del Paseo La Plaza para disfrutar de la obra «Después de nosotros», protagonizada por Julio Chávez, Alejandra Flechner y Matías Recalt. Se trata de una conmovedora historia que nos trae el dilema de la responsabilidad cuando los padres deben proteger a su hijo con retraso madurativo, dónde el futuro puede llegar a ser una amenaza debido a que no saben que será del primogénito cuando ellos ya no estén.

Si bien en los inicios la obra se presenta con ciertos toques de humor, dónde el personaje interpretado por María Rosa Fugazot, realiza un pequeño resumen sobre todo lo que ha pasado con la pareja protagonista en los últimos años, y como han hecho para hacer su vida junto a su hijo Federico, quien ha necesitado la protección de sus padres en los últimos 21 años. Ella siendo empleada y cuidadora del joven, habla de más cuando el padre estaba llegando a la casa y logra escuchar las pestes que ella opinaba sobre el. Ante su inminente despido, se abre el drama sobre el padre que se siente desbordado por el cuidado de su hijo, de la madre que ha dejado la pareja y ha encontrado el amor con otra mujer, entre otras cosas. Todo estos sentimientos se han visto difíciles de sobrellevar debido a que siempre ha estado el hijo en el medio, y nos hemos topado en un momento de cambios, dónde los personajes reflexionan sobre el futuro y deben tomar decisiones en favor de la familia y de ellos mismos.

La obra cuenta con buenas actuaciones, sobre todo en el dúo llevado a cabo por Julio Chávez y Alejandra Flechner, que en cierto modo han sido los más afectados debido a la responsabilidad que ellos tienen para su hijo, y que hasta el momento, no han podido expresar todos los sentimientos que tenían debido al rompimiento de su relación. El papel del hijo interpretado por Matías Recalt, nos deja un personaje en el que abunda la inocencia y la bondad, sin hacer demasiado incapié en el tema de su retraso madurativo, la obra nos deja esa sensación de que los malos son los de afuera, ellos son los que tienen problemas y por eso los padres deben estar para protegerlo, pero… ¿Que pasa cuando ya no estén?

En estas últimas palabras me quiero tomar la libertad para pedir amablemente a los posibles espectadores que tengan en cuenta el apagado de los celulares cuando asisten a una obra, ya que lamentable esta se vio interrumpida en varias ocasiones, y resulta un elemento distractor tanto para los espectadores, como para los actores que se encuentran en escena. En cuanto a la obra, ha seguido con tal naturalidad, cosa que se agradece a los actores por el profesionalismo llevado en escena.

Después de nosotros es una obra que nos trae un dilema muy cercano y humano, se trata de una historia que resulta conmovedora, que lejos de resolver un problema de manera drástica, la historia sirve para que los personajes puedan reconocer sus dificultades y encontrar la mejor manera de vivir con ellas.

FICHA TÉCNICA

Autores: Julio Chávez- Camila Mansilla

Música original: Diego Monk

Dirección: Daniel Barone

Elenco: Julio Chávez –  Alejandra Flechner – María Rosa Fugazot – Matías Recalt – Mariano Muso

Asistente de Dirección: Ramón Gaona

Diseño de Escenografía: Jorge Ferrari

Diseño de Iluminación: Matías Sendón

Diseño de Vestuario: Mercedes Colombo

Diseño Gráfico: Protto Esnaola

Fotografías: Machado Cicala Morassut

Contenidos Digitales: Alejo Frataslafra

Producción Ejecutiva: Mariana Correa

Producción General: Adrián Suar – Nacho Laviaguerre

Prensa y comunicación: Tommy Pashkus Agencia

FUNCIONES PRESENCIALES:

 Jueves y viernes a las 20.30 hs.

Sábado a las 20 hs.

Domingo a las 20.30 hs.

FUNCIONES VÍA STREAMING

Todos los jueves 20.30 hs. 

Sala Pablo Picasso del Paseo La Plaza

Valor de localidades presenciales: desde $1500

Valor promocional vía streaming: $900 

Entradas a la venta en boletería o por www.plateanet.com

Teatro presencial con protocolos

Por Daniel Alvarez

El viernes pasado tuvimos el placer de asistir a la sala Caras y Caretas 2037, que ha abierto las puertas para regresar en esta apertura teatral con protocolos, presentando una atractiva cartelera, en la que se incluye la obra Othelo (Termina Mal) los días viernes a las 20 hs. Este espectáculo es una adaptación de la obra del mismísimo Shakespeare, que nos presenta una versión que resulta fiel al relato de aquel personaje dominado por los cellos y que nos lleva a la tragedia. Está representación dirigida por Gabriel Chamé Buendía, nos muestra la historia a través de un lenguaje actual, que se apoya sobre la performance de los actores, tomándose ciertas libertades a la hora de mostrar el humor y la sátira de los acontecimientos, pero que aún así mantiene en todo momento la escencia del clásico de William Shakespeare.

Es difícil poder relatar mediante las palabras sobre las libertades que la obra puede llegar a tomarse , porque en vez de tratarse de una nueva versión del clásico de Othelo, es más una representación en la que nos muestra una mirada más actual para disfrutar la obra de Shakespeare. Cuando digo sobre la mirada actual, no quiero decir que el escenario y el tiempo donde transcurren los hechos se transforman, sino más bien, que en algún momento el lenguaje nos lo muestran más cercano, en función del humor y el entendimiento de referencias de la época de la historia. Si, en muchos momentos notamos que la obra resulta una sátira de la misma historia de Othelo, pero aún así funciona muy bien en lo escénico y lo narrativo gracias a la performance que llevan a cabo los actores, utilizando elementos escenográficos minimalistas, y el múltiple cambios de personajes que lo realizan tan solo cuatro actores. Othelo (Termina mal) es una experiencia que resulta difícil de imaginar si no lo estás viendo con tus propios ojos, y la realidad es que se trata de una propuesta que no deja indiferente a nadie. Creo que aquellos que no son muy cercanos al dramaturgo inglés, se van a encontrar con algo que si bien mantiene su impronta, resulta atractivo y con un lenguaje cercano para que los que no son muy conocedores de su obra. Y para aquellos que si tienen mayor cercanía , pueden llegar a ver una propuesta fresca y bien estructurada, que tal vez podría llegar a gustar a los más reacios a las versiones libres de un clásico.

La labor de los actores es uno de los pilares fundamentales que permite que está obra, así como está formada, llegue a funcionar bien. Si bien el director ha realizado un excelente trabajo desde lo escenográfico y performático, en este párrafo quiero felicitar a los actores que han dejado todo en el escenario a la hora de representar múltiples personajes ,y ser ellos mismos los que guían la imaginación del espectador al ser ellos los que controlan el espacio y la escenografía en todo momento. Existen pequeños momentos en los que se rompen la cuarta pared, en la que hay incluso chistes sobre los cambios que se hicieron en la puesta a raíz de los protocolos de distanciamiento, como por ejemplo, el hecho de que los personajes estén besándose con una radiografía en el medio para evitar el contacto. No digo que la obra apela a la improvisación, sino al contrario, porque está todo perfectamente medido, pero si hay una labor de los actores a ser reaccionarios en momentos para mantener la dinámica del espectáculo.

Othelo (Termina Mal) es una obra que realmente vale la pena ver, primero porque mantiene la escencia de uno de los grandes clásicos de William Shakespeare, y segundo porque le otorga una mirada moderna tanto en lo escénico como en su lenguaje. Los actores dan todo en el escenario, en la interpretación de múltiples personajes, como en la utilización de numerosos elementos escenográficos y audiovisuales, para que sea una experiencia que abra la imaginación del espectador. Excelente propuesta y grandes actuaciones, así que les recuerdo, viernes 20hs en el Teatro Caras y Caretas 2037.

Por Daniel Alvarez

Esta semana tuvimos la oportunidad de disfrutar en el teatro Metropolitan Sura, una propuesta teatral llamada Conejo Blanco, Conejo Rojo. Se trata de una obra teatral en el que cada semana se sube al escenario un actor distinto, y que cuenta con la particularidad de que dicho intérprete no sabe nada del libreto hasta que se encuentra con el público. Este espectáculo ha tenido su exitosa temporada en timbre 4 y ahora pisa la calle corrientes para sumarse a las propuestas teatrales que se exhiben con los protocolos de sanidad establecidos.

Lamentablemente en esta reseña no voy a contar sobre el argumento de la obra, porque así como el actor invitado se encuentra con una sorpresa al subir al escenario, también lo debe hacer el público. Recuerdo que antes de ir a ver la obra, le había comentado a gente cercana más o menos de que se trataba la propuesta, y todos han hecho la misma pregunta. «¿Cómo se hace la obra si el actor no sabe el guión hasta que subió al escenario»? Bueno, eso sí les puedo contar. El actor invitado en esta ocasión fue Agustín Aristaran, más conocido como Radagast. La obra tiene mucho de lectura, de interacción con el público y la representación de ciertas escenas. El libreto también funciona como una guía, siendo consciente de que el actor llega sin saber nada de lo que debe hacer, pero que aún así guarda una historia para interpretar, pensar y reflexionar. Es una realidad que cada invitado va a hacer suya la obra, que le va a dar su estilo y su reacción particular ante lo que sucede. En este caso, el invitado apuntó a la comedia en un inicio, aunque más adelante se ha tomado un tono más serio al darse cuenta de la profundidad que llevaba esta seguida de instrucciones para llegar a un objetivo final.

En cuanto a los protocolos en el teatro, ese día me he encontrado con algo particular y que me parece necesario comentarlo. Justamente había mencionado en anteriores reseñas, que el aforo era del 30 porciento, que se dejaba libre una fila por cada ocupada, y que a su vez dos asientos por cada grupo de asistentes ocupados. Justamente detrás de mi una espectadora hizo un comentario sobre que había gente en la próxima fila, por lo que un empleado del teatro comento que por una nueva disposición del gobierno se aumentó la capacidad, dejando los espacios libres entre espectadores, aunque aumentando la ocupación de filas. La verdad estuvo todo muy bien organizado, a su vez la gente ha respetado el ingreso con distanciamiento, el uso de tapabocas y demás cuidados. Si es una información que es interesante que lo sepan a la hora de querer ir al teatro, y que siempre es necesario mantenerse actualizado.

Conejo Blanco, Conejo Rojo es una obra muy interesante y distinta, que nos presenta una propuesta sólida capaz de brillar por si misma más allá de quien sea el actor que suba al escenario. Igual como recomendación, deberían aprovechar a asistir cuando encuentren un actor que les llamé la atención y que crean que le van a dar una mirada propia a la obra. En esta ocasión Agustín Aristaran le ha dado un toque humorístico, centrado en la participación con el público. En las próximas semanas habrán personalidades como Jorgelina Aruzzi, Mercedes Morán, Peto Menahem. Así que piensen muy bien, que la propuesta les va a resultar muy llamativa.

Las funciones de CONEJO BLANCO CONEJO ROJO se realizarán los viernes a las 20 horas en el Metropolitan Sura, Av. Corrientes 1343.

Los primeros artistas confirmados y sus fechas respectivas son:

·         Viernes 8 de enero: Fede Bal

·         Viernes 15 de enero: Jorge Marrale

·         Viernes 22 de enero: Carola Reyna

·         Viernes 29 de enero: Agustin Aristarain (“Soy Rada”)

·         Viernes 5 de febrero: Jorgelina Aruzzi

·         Viernes 12 de febrero: Mercedes Moran

·         Viernes 19 de febrero: Peto Menahem

·         Viernes 26 de febrero: Louta

Progresivamente se irán informando las siguientes fechas de marzo y en adelante

ENTRADAS EN VENTA EN LA BOLETERIA DEL TEATRO METROPOLITAN SURA Y A TRAVES DE PLATEANET: www.plateanet.com

Teatro presencial con protocolos.

Por Daniel Alvarez

Esta semana tuvimos el placer de asistir a una función especial de la obra musical A Chorus Line, una adaptación de un famoso musical de Broadway de los años 70′, en la que presenciamos un arduo casting en el que una serie de bailarines luchan por ganarse un lugar en la primera línea de un coro y que su recorrido funciona para relatar la personalidad de cada uno de los personajes a medida que van contando sus experiencias de vida. La obra se ha llevado a cabo en el teatro astral cumpliendo los protocolos establecidos ante la situación sanitaria actual.

Buenos Aires es un lugar donde el musical tiene un espacio muy importante, tanto en el teatro comercial como en el circuito independiente. La realidad es que con esta nueva apertura teatral, no podía faltar un espectáculo que represente ese pedacito de Broadway que nos suele ofrecer la ciudad, aunque siempre hay que estar consciente que una obra musical es costosa de hacer y difícil de llevar a cabo en estos tiempos. A Chorus Line logra transmitirnos la magia que el musical tiene en nuestro país, con una adaptación teatral de una obra que si bien estrenó en el año 1975 y que también cuenta con algunos guiños de la época, resulta atemporal siguiendo la problemática que tienen muchos artistas a la hora de conseguir trabajo y seguir sus sueños. La propuesta en si es muy simple, hay un casting en el que han quedado preseleccionadas trece personas, pero que en el espectáculo solo serán contratados tres hombres y tres mujeres. La cosa se pone más picante cuando su director comienza a indagar en la vida personal de los participantes, siendo este un ejercicio dentro de la audición, en el que cada bailarín debe ser uno mismo si quiere lograr su cometido. Lo último mencionado es lo que hace muy interesante a la propuesta, partiendo de una propuesta muy sencilla y fácil de poner en escena, logra denotar una profundidad a la hora de convertir en persona al artista. Podemos decir que es una historia de personajes, sin olvidarnos del componente musical, en el que contamos con números solitarios acompañados por un ensamble muy bien acoplado a las necesidades de la obra, que se lleva a cabo de manera dinámica.

Si bien se puede decir que algunos actores han logrado destacarse un poco más que otros, es solo por el hecho que algunos personajes tienen más presencia o su historia tiene mayor impacto en la trama. La realidad es que existe un gran equilibrio en la selección de artistas que conforman este musical, y como lo dice en un momento el personaje de director en la obra, para que esto funcione bien , los artistas tienen que apoyar a sus compañeros para que todos destaquen, ya que así debe ser el show. Los artistas en escenario son Jessica Abouchain, Nico Arosa, Mariana Barcia, Evelyn Basile, Menelik Cambiaso, Juan Martin Delgado, Nicolás Di Pace, Fede Fedele, Mariu Fernandez, Clara Lanzani, Martina Loyato, Matias Prieto Peccia, Roberto Peloni, Georgina Tirotta, Sofia Val, Gustavo Wons, Alejandro Zaga y Sofia Zaga Masri. Si me gustaría hacer una mención especial a Gustavo Wons, que ha tenido la oportunidad de entrar en escena como el coreógrafo de la audición, pero que también es quien le ha dado coreografias a la obra en si, siendo una de las figuras más idóneas para llevar a cabo este desafío. Otro actor que destaca es Roberto Peloni, ya que encarna al único personaje diferenciado en la obra , siendo el director del espectáculo y quién ha decidido llevar el casting hacia lo personal y lo humano. Se destaca porque en este caso el personaje se reluce en el plano de lo interpretativo desde el texteo, ya que no cuenta con una participación musical salvo por el conocido número final con la canción One.

Ricky Pashkus ha sabido como encaminar la puesta en escena desde su rol de director, mostrando a los personajes como el plato principal en lo escénico. La escenografía es simple, basta con unos espejos en representación de las típicas salas de baile dónde de llevan a cabo los castings, aunque toca decir que cuenta con un interesante diseño de luces que en ocasiones hace la experiencia inmersiva.

En cuanto a la sala y los protocolos, el teatro astral es un espacio que cuenta con una gran cantidad de butacas y espacio escenográfico, siendo últimamente uno de los teatros que ha albergado musicales como Drácula, Casi normales, e Incluso Kinky Boots, uno de los éxitos con Martín Bossi y Fernando Dente , que se vio afectada con su cancelación en el inicio del aislamiento obligatorio. Al inicio de la entrada toman la temperatura y colocan sanitizante, los acomodadores llevan al público a sus asientos designados de manera bastante ordenada. Es una realidad que antes de esta nueva normalidad, este tipo de espectáculos se vivía más como una fiesta, dónde se festejaba una sala llena y eso hacia cambiar el ánimo de una función. Si bien puede que se sienta extraño todo este distanciamiento, pero hay que decir una realidad, el espíritu festivo aún se mantiene, y disfrutar de un espectáculo de esta talla, sea como sea, termina valiendo la pena.

A Chorus Line es una obra musical muy encantadora, ideal para estos tiempos en donde los artistas han sido uno de los más afectados por los tiempos que corren, y en cierta medida, todos podemos llegar a empatizar mucho más con ellos sobre la difícil tarea de conseguir un lugar en este medio tan bello pero competitivo. La obra denota un excelente trabajo en todos sus aspectos, pero es en los actores dónde radica el brillo del espectáculo. Si están interesados en ir al teatro, vayan, tomen todos los recaudos necesarios y disfruten…

Por Sebastián Sabio

Un viaje al inicio del cine.

La obra «Smile» de «Jazmin Bitran» cuenta la vida de un Charles Chaplin (interpretado por Daniel Groppo) ya consagrado como actor y director que debe lidiar con su inolvidable personaje «Charlotte» (interpretado por Alejandro Canuch), del cual no logra despegarse mientras convive con su hija (Victoria Arrabaca), la cual desea seguir los pasos de su padre en el cine.Hace casi 85 años se estrenaba «tiempos modernos», la extraordinaria película dirigida y protagonizada por Charles Chaplin y hasta el dia de hoy todo el mundo del cine lo recuerda y en esta nueva obra podemos ver a este entrañable personaje del mundo del cine volver a la vida y recordarnos una importante lección de vida: Un día sin reír es un día perdido.El personaje de «Charlotte» no emite palabra alguna (logicamente), sin embargo se destaca por sobre los demás y nos demuestra el poder del cine mudo y del lenguaje clownesco. Un interesante complemento para explotar este recurso es el uso de un Pianista (Martin Pomerantz), el cual pone un sonido que se amolda perfectamente a la obra y ayuda a adentrarnos en este mundo del cine en blanco y negro. Más allá del esfuerzo hecho por interpretes, directores y demás cabe destacar que la sala Ana Frank realiza un excelente labor protocolar para evitar contagios durante las funciones abriendo la sala para que se una con el jardin, separando los asientos y brindando todo lo necesario para que podamos disfrutar de la función sin miedo de contagiarnos de COVID.

Estreno: Sábado 9 de enero – 20h.

Días y horarios: sábados a las 20hs.

Valor de las entradas: $400.-

Duración del espectáculo: 60 minutos

En esta ocasión les presentamos una reseña sobre “CANCIONES CON GRACIA, El humor en el teatro musical” dirigida por Pablo Gorlero y dirección musical de Santiago Rosso con Gustavo Monje, Roberto Peloni, Flavia Pereda, Sacha Bercovich, Tatiana Luna en  los jardines del Auditorio de Belgrano.

Con canciones de Anything Goes, The Rocky Horror Show, Avenida Q, Company, Barnum, Hamilton, El rey león, 9 to 5, y Annie Get Your Gun, entre otras (incluye un homenaje a Hugo Midón).

Sin dudas, Pablo Gorlero es un gran referente de nuestro teatro musical argentino y mundial, sus apuestas buscan aggiornar materiales diversos bajo el signo de nuestra tierra. Las canciones y propuestas se adaptan a nuestro idioma e idiosincrasia. Incluso hay una trasposición de una de las canciones al contexto pandémico y reírnos un poco de nuestra dramática situación, ayuda a relajarnos un poco.

Los intérpretes musicales se destacan con su maravilloso arte desplegado, cada uno y una con su marca personal que los caracteriza, desde el humor, el encanto, la simpatía. La fuerza que tienen es impresionante y fue una maravilla poder volver a disfrutar de su magia en el escenario, al aire libre y con muchos espectadores eufóricos que probablemente disfrutaban de su primer show luego de muchos y largos meses de cuarentena.

Dentro del complicadísimo panorama del teatro actual, esta es una propuesta con aire fresco que nos da esperanza para lo que se viene.

Algunas canciones nos sonaron desactualizadas en cuanto a las letras medio patriarcales, pero entendemos que respetan el material original que proviene de otro contexto y época. Y el humor ayuda, como dijimos, a alivianar.

Pronto esta propuesta volverá a estar en cartelera, recomendamos disfrutar de este show divertido, ameno y con mucho talento a disposición del teatro musical.

Idea  y dirección: Pablo Gorlero

Dirección musical: Santiago Rosso

Con: Gustavo Monje, Roberto Peloni, Flavia Pereda,

Sacha Bercovich, Tatiana Luna

Intérpretes (por orden alfabético): Sacha Bercovich, Tatiana Luna, Gustavo Monje, Roberto Peloni, Flavia Pereda

Reemplazo: Agustín Iannone

Participación especial: Rita

 Peinados: Miguel Ángel González y Claudia Zucchi

Fotografías: Marcela Russarabian

Difusión y prensa: Carolina Alfonso.

Asistencia de dirección y diseño de luces: Sebastián Armella

Producción ejecutiva: Ezequiel Paredes

Asistencia en producción: Mariela Schvartz

Dirección musical: Santiago Rosso

Idea y dirección: Pablo Gorlero

Teatro presencial con protocolos

Por Daniel Alvarez

Nada del amor me produce envidia fue la segunda obra de la cual he tenido la posibilidad de asistir luego de la apertura de los teatros a raíz del aislamiento social obligatorio (Ahora Dispo). Está vez el lugar de encuentro ha sido el Teatro El Picadero, dónde también han respetado minuciosamente los protocolos establecidos para que podamos disfrutar de un melodrama musical protagonizado por María Merlino.

La obra nos cuenta la historia de una costurera, una persona que fue la responsable de hacer los vestidos de bodas, fiestas y demás galas sociales, siendo una participe indirecta en el amor y la felicidad de otras personas. Lo primero que dice al presentar los quehaceres de su vida, es que nada del amor le produce envidia, porque ella tiene otro concepto de esa palabra trasladado al arte que realiza, que produce un amor un tanto solitario del que ha decidido padecer. El punto de inflexión aparece cuando esta costurera recibe el encargo de una elegante clienta a la que le diseña el mejor vestido que jamás a hecho, pero que también ocurre la irrupción de la misma Eva Duarte, quienes se disputan el codiciado vestido de nuestra protagonista.

Sin ánimos de contar más sobre lo que sucede en la obra, tenemos que decir que se trata de un unipersonal en la acompañan números musicales que sirve para conocer el alma de la protagonista. La actriz María Merlino logra brillar con su personaje, apasionada en su soledad, y que logra transmitir sus sentimientos en cada momento. La puesta en escena es simple, pero nos pone en el lugar de los hechos, que contiene los elementos de costura y un maniquí con un vestido, que logra verse como protagonista a pesar de estar estático durante casi toda la obra.

La historia tiene una duración de menos de una hora, pero es intensa y concreta en lo que quiere contar. Un relato que también nos pone en un contexto histórico en la época gloriosa del peronismo, pero que resulta un hecho para la historia, sino más bien solo un contexto dónde ocurren las penurias de la modista.

Nada del amor me produce envidia es una obra bella y armoniosa, en la que vemos la transformación de la protagonista y dónde cada canción fue elegida correctamente para mostrar los sentimientos de esta solitaria mujer. Volver al Teatro El Picadero también fue una experiencia única, dónde nos demuestran que teniendo todos los cuidados correspondiente, podemos disfrutar de algo tan bueno para el alma como lo es el teatro.

Domingos a las 19 hs Teatro El Picadero: “Nada del Amor me Produce Envidia”. Es un melodrama musical cuyo anclaje es el mundo de las cancionistas argentinas de los años 30. Obra de Santiago Loza interpretado por María Merlino y dirigida por Diego Lerman.

Entradas por Planteanet

Teatro presencial con protocolos.

Por Daniel Alvarez

¡El teatro ha vuelto! Esto es lo primero que quiero decir, sin olvidarme del sincero respeto que le tengo a todos los artistas del circuito independiente que aún no han tenido la oportunidad de tener su apertura a lo presencial y siguen sobreviviendo en el streaming. Pero aún así esto es lo que siento al volver a sentarme en una butaca, el hecho de transportarse cuando se levanta el telón (aunque sea se manera simbólica) y nos perdemos frente a lo que sucede en el escenario. Las reglas de como se lleva a cabo todo han cambiado, el público se ha reducido, hay distanciamiento y protocolos , pero la magia que tiene el teatro sigue estando intacta.

Antes de comentar cómo fue la experiencia de la obra en si, que toca adelantar que se trató de una sátira de lo político, endulzada con algo de musical, me gustaría hablar sobre cómo ha sido ir al teatro por primera vez después de tanto tiempo. La organización del teatro San Martin fue más que correcta, como también el comportamiento de todos los asistentes que han entendido perfectamente los códigos de distanciamiento con tal de disfrutar algo tan bello como es el teatro. A la sala se ha ingresado con anticipación, nos han tomado la temperatura y colocado sanitizante para nuestras manos. Allí en la imponente sala casacubierta , los asientos mantienen una distancia en la que anulan una fila y habilitan otra para espectadores, mientras entre asientos se dejan dos espacios libres. Aunque desde la foto la cosa pareciera que estaba vacía, existió una buena concurrencia que ha querido disfrutar de la obra Happyland.

Happyland hace alusión a un cabaret de Panamá donde se han conocido el general Juan Domingo Perón, con la que fue su tercer y última esposa llamada Isabel. Como sabrán, este personaje fue una figura importante dentro de la escena política en nuestro país, aunque su recuerdo llegue a verse más oscurecido debido a haber protagonizado una caótica presidencia que culminó con el último golpe militar en la nación. Es ahí donde empieza esta historia, sobre lo que sucede inmediatamente luego de este golpe, cuando Isabel se encuentra recluida en una residencia de Neuquén, acompañado de su ama de llaves andaluza y quiénes custodian su estadía. Si bien la pieza respeta los sucesos en su tiempo, está lejos de ser un retrato meramente histórico, sino más bien aprovecha ese escenario para hacer una sátira sobre lo que pudo haber pasado por la cabeza de esa mujer en ese entonces. Obviamente no falta la crítica y el humor ácido haciendo alusión a lo político, a lo que fue la figura de Perón y la sombra de lo que fue su anterior esposa Evita. Todo esto también está acompañado de una especie de flashbacks que nos muestra la faceta artística de Isabelita, mostrando también un lado más humano que quizá pocos lleguen a conocer, siempre sin olvidarse de que estamos ante una sátira.

Si hay algo que hace exquisita la pieza, más allá de la temática (que puede resultar para algunos controvertida), es el trabajo actoral que la obra nos regala. Tenemos a una artista de gran calibre como lo es Alejandra Radano, dándonos un personaje que demuestra el histrionismo de la artista. Los momentos más musicales están a cargo de Josefina Scaglione y Carlos Casella, que con su presencia otorgan un relajo a lo satírico en momentos necesarios. También están las actuaciones de Marina Merlino, como la doméstica andaluza, Adriana Pergueroles como una arzobispo, y Marcos Montes, como la encargada de la seguridad de las huéspedes, y que otorga una exelente representación de Eva Duarte en una especie de posesión espiritual que se lleva a cabo en un momento de la obra.

Ahora sí, Happyland es una obra que seguramente será difícil que deje a más de uno indiferente. A mi me ha gustado la libertad que se han tomado para contar todo desde un punto de vista satírico, sin olvidarse de lo histórico, pero haciendo que este sea un elemento de la misma sátira. La propuesta es interesante por lo que es, una obra que no tiene miedo de exponer su humor y su crítica, con un elenco que está entregado a aquello que nos quieren mostrar. Volver al teatro ha sido una experiencia excepcional y necesaria, sin olvidarse con lo que sucede a raíz de la crisis sanitaria ocurrida a raíz de la llegada del covid-19. Para aquellos que se animen a asistir al teatro, siempre respetando los protocolos por el bien de todos, les recomiendo esta experiencia, así como toda expresión teatral artística como lo es el teatro virtual y el presencial, con lo que con este último podemos decir que después de tanto tiempo, el teatro ha vuelto…