Por Candela Otero

Esta obra, que se lleva a cabo los jueves en el Maipo Kabaret, cuenta la historia de una joven paraguaya que, tras ser engañada, es obligada a prostituirse en un aislado burdel en Ciudad del Este, Paraguay. Allí se encuentra con los tres personajes que completan la historia: Dos mujeres de mediana edad, una de ellas trans, apodada «La Cris»; y la otra, la prostituta con mayor antigüedad del burdel, a quien llaman «La loba». El último personaje es un cliente, habitué del lugar, desesperado por encontrarse con la reciente víctima.

Una historia profundamente dramática, que se construye sobre un tema tan delicado y actual como es la
trata de personas, del cual muchísimas mujeres han sido víctimas y continúan siéndolo en la actualidad. Laobra cuenta con muy buenas actuaciones, destacándose el trabajo de Renata Toscano, quien encarna a la joven paraguaya a la cual han despojado hasta de su identidad, ya que ni recuerda su nombre. Asímismo, es destacable la interpretación de Nacho Pérez Cortés, quien se pone en la piel de un desagradable hombre que pretende encontrar, en esa chica, el amor que le falta en su vida. Ambos actores logran mantener la esencia y las emociones de sus personajes a niver corporal y verbal.

La historia, que resuelve en poco menos de una hora, no tiene, quizás, el desarrollo que necesita. Queda la sensación de que el final es muy abrupto y que ha aportado mucho la presencia de algún personaje más, o la aparición del «Monstruo», un personaje que se nombra en reiteradas ocasiones. La puesta de iluminación y la banda sonora aportan mucho a la obra. Estos elementos, en conjunto, generan una linda propuesta desde lo audiovisual.

Ficha técnica
Elenco: Edda Bustamante, Willy Lemos, Nacho Pérez
Cortés, Renata Toscano.
Dirección general: Valeria Ambrosio
Música original: Matías Chapiro
Diseño de escenografía: Magalí Acha
Diseño de vestuario: Mariana Seropian
Diseño maquillaje: Jennifer Blanco – Leticia
Chirieleison
Corpografía: Sebastián Codega
Producción artística: Lino Patalano / Elio Marchi

Producción ejecutiva: Pablo López
Prensa y comunicación: Duche&Zárate
Fotos: Alejandro Palacios
Teatro: Maipo Kabaret (Esmeralda 443,CABA)
Funciones: Jueves 21 hs.
Entradas por: Plateanet o en boletería (desde $500)

En el Teatro Brío, en el corazón del barrio de Villa Ortuzar, una obra que nos llega al alma, Foráneo, basada en la dramaturgia de Iñaki Aragón y actuado por Martín Elías Costa.

Cuenta la historia de un inmigrante, que seguramente será la similar a la de muchos. En un unipersonal, con un excelente sostén a lo largo de la obra del actor Martín Elías Costa, que cuenta cuando después de pasar muchos años de hambre tras la Guerra Civil Española, se embarca José, de origen catalán, en 1947, en un barco, para “hacerse la América” y llega al puerto de Buenos Aire. Después de dar vuelta la página, para comenzar una nueva vida en estas tierras, y comenzar a tatuar en su piel, las huellas que deja ser foráneo.

La escenografía, compuesta por M. Elías Costa y Agustina Soler, forma parte del mensaje teatral, porque todo transcurre en un pequeño taller, donde José, a medida que va trabajando, ajustando tornillos y tuercas, armando dispositivos, en ese pequeño laboratorio de herramientas aplicando los conocimientos de mecánica, nos va contando su llegada a Buenos Aires, como termina su familia en Tucumán, nos relata sobre las vanas promesas, de “hacerse la América”, como se enamora, la llegada de los hijos y bueno, es una obra que a esta altura nos abra enternecido porque seguramente nos pegará muy de cerca en las historias propias o contadas de ese huir de la Europa de postguerra.

La dirección de Agustina Soler, ha sabido dar las marcas adecuadas, para que la obra sea hermosa, porque con un texto muy profundo y extenso, el actor logra naturalidad, espontaneidad, se sabe manejar los silencios, los espacios oscuros, tiene cierto humor, sutil. Es esa obra de teatro donde el público se va satisfecho por haberle traído emociones de una manera amable, grata y a veces por qué no necesaria.

El sábado 13 de julio, fue la última función y tienen previsto retomar el 8 de setiembre, se las recomiendo para que la tengan en cuenta, por ser una propuesta diferente, para reencontrarnos en el teatro con ese espíritu de lucha, que demuestra que no se deben bajar los brazos y que momentos difíciles ha habido muchos.

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Sobre la agraciada Avenida de Mayo, con sus clásicos faroles nocturnos, a una distancia equidistante del Congreso y de la Casa Rosada, en el Teatro Tercer Acto, las actrices Silvia Geijo, Viviana Salomón y Andrea Vazquez, con dirección de Carlos Kaspar, junto al público profundizarán en las intimidades del género femenino, para terminar el viernes, con la cuota de humor necesaria, para arrancar el fin de semana.

Es un espacio abierto a un trío de mujeres, con coreografía de Stella Baez, vestuario y escenografía de Maru Morgana Graesslem, con libro de Silvia Geijo, Viviana Salomón, que se empujarán, deprimirán, criticarán, y harán todas las aclaraciones necesarias, sobre esos temas que en la mujer han sido disfrazados por la censura y que este consorcio femenino intentará darle un diálogo, con una fuerte dosis de picardía, para terminar desenmascarando los tabúes que se fueron perfilando a lo largo de los años, para hablar de sexualidad, de placer femenino, y otras cuestiones, que invitamos vayan a ver para que puedan reír con diversas mujeres caracterizadas por este terceto femenino, que desfilarán a lo largo del escenario, como por ejemplo, “una” soldado oriental explicando sobre los atributos femeninos de los chinas, japonesas, coreanas y taiwanesas. O bien Eva en el paraíso, protestando por todos los que la culpan, cuando se siente libre de culpa y cargo, porque al final y al cabo plantea que su único error fue comer una manzana, o bien María Magdalena, acosada por los romanos, o una cómica dama del Altiplano, bailando con el mismo atuendo a que hace alusión la Bomba Tucumana, con mucha gracia e ingenio.

Como lo dice el dossier y cabe la aclaración, “La de tu Madre” “es un espectáculo de humor que en primer lugar, busca entretener y divertir al espectador; pero a su vez nos invita a reflexionar respecto a las desigualdades de género y al rol que la mujer ha tenido en nuestra sociedad e incluso el rol que tiene hoy en día.”

Tuvo una excelente respuesta del público, que se reía, espontáneamente, liberando endorfinas.

Que maravilloso el ingenio en la escritura, sabiendo manejar con destreza el arte del doble sentido en las palabras, donde se logra un humor liviano, de alta aceptación, porque el desafío está profundizar más allá de lo que se dijo para invitar a cruzar la fronteras y encontrar el trasfondo de lo que realmente se quiso decir.

Ficha técnica:

Elenco: Silvia Geijo, Viviana Salomón y Andrea Vazquez

Coreografía: Stella Baez

Música: Juan Manuel Fagnano

Vestuario y Escenografía: Maru Morgana Graessle

Asistente de dirección: Tomás Heck

Libro: Silvia Geijo y Viviana Salomón

Dirección: Carlos Kaspar

Prensa: Natalia Bocca

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Varios autores nos hablaron del mito de Fedra, desde Eurípides, Seneca, Unamuno, Racine hasta Sara Kane . La trágica historia cuenta sobre una princesa que se enamora de su hijastro Hipólito , llevando a la ruina la casa de Teseo. Juan Mayorga, dramaturgo español , vuelve a deleitarnos en nuestro país con un texto lleno de dinamismo y que al oido nos hace recordar las primeras versiones clásicas. Nos presenta una Fedra alejada de lo divino, mas terrenal, en donde sus deseos y conflictos son los de una mujer en la actualidad. Mayorga apuesta a mostrar mundos mas tangibles.
La dirección a cargo de Adrián Blanco , también aporta lo suyo. La elección de la obra surge de una propuesta hecha por la protagonista Marcela Ferradás en donde esté le consulta si le interesaba indagar sobre algún personaje, a lo que contestó: Fedra. Nuestro director en cuestión focaliza la idea de un mundo gobernado por la ley patriarcal en el cual Fedra es víctima. Decidió que en su puesta solo haya una mujer y los demás personajes sean interpretados por hombres, incluso el personaje de Enone encarnado magistralmente por Horacio Peña. La obra no decae en ningún momento y mantiene en vilo a todos los espectadores.
Con respecto a las actuaciones todos se destacan. El elenco es el siguiente: Fedra (Marcela Ferradas), Enone (Horacio Peña), Acamante (Emilio Spaventa), Hipólito (Francisco Prim), Terámenes (Gastón Biagioni) y Teseo (Marcelo D’Andrea).
La escenografía a cargo de Marcelo Valiente refleja por momentos la galera de un barco y por otros una sala de entrenamiento. En los costados se encuentran unos palos , especie de remos, que al modificarlos de lugar hacen a la vez de bosque. Al fondo el emblema de la casa Teseo nos muestra el laberinto y el minotauro derrotado. En el centro la cama de Fedra , lugar principal de la acción, por momentos parece una balsa y por otros una pira funeraria.
La obra cuenta con música en vivo a cargo de Carlos Ledrag. Su diseño sonoro mantiene la tensión y se une con el sonido real del subte.
El vestuario están a cargo de Luciana Gutman y la iluminación de Leandra Rodríguez.
Una obra imperdible que pone el foco en el uso de la palabra y de cómo puede cambiar la vida de una persona.

FEDRA de Juan mayoga
Dirección: Adrián Blanco
Viernes-Sabados-Domingos (20.30 hs)
Teatro San Martin. Sala Cunill Cabanellas
Duración: 105 minutos

En Hasta Trilce, los domingos a las 20 hs, No convencional, a pleno flamenco, con la puesta de Guadalupe Aramburu y Lorena Di Prinzio.

Cuando en las artes de la danza, hablamos de no convencional, por culpa de nuestras  estructuras mentales,  desconfiamos de la propuesta, porque tememos cuanto se apartará del género, en este caso del flamenco o bien creemos que se exageró en lo que se promete del espectáculo quedando reducido a un título de marketing y cayendo en un espectáculo conservador.

En el caso de esta coreografía, armada y bailada por Aramburu y Di Prinzio, tiene partes no convencionales, y respeta el formato de la danza flamenca, en un cien por ciento. Cosas no convencionales que me encantaron fue bailar flamenco con bata de cola, es muy estético y muy meritorio para las artistas, porque es una técnica muy difícil, inclusive en España, son pocas las bailaoras.

En la primer parte mucho garbo para bailar flamenco, descalzas y con bata de cola. Les puedo asegurar que es una puesta con mucho profesionalismo, belleza y profundidad, de tal calidad que al terminar la obra, el público cierra  con una merecida ovación  por toda la emoción que despierta, trayendo a un escenario de Buenos Aires,  la buena vibra de España, y lo mejor del arte  gitano.

No debemos perder de vista,  lo convencional, las castañuelas y abanicos como accesorios, en  un flamenco que en mi caso personal, recuerda al de  Sevilla y Granada.

La música es excelente, ideal para las coreografías que se desean mostrar. La dirección musical, a cargo de  Esteban Gonda y muy bueno el cantante, Álvaro González.

Estuve este domingo 7 de julio, el espectáculo fue a sala llena. Me llama la atención  el auge que ha tomado en estos últimos años, en Buenos Aires, la danza flamenca, y lo heterogéneo del público que lo compone, en cuanto a que cubre todas las edades.

Me emociona, cuando al espectador, se va satisfecho por la entrega total del artista, como es en este caso de No convencional, donde hubo un apasionado y merecido reconocimiento manifestado en ovaciones y aplausos, como la necesidad del público de manifestarse para dejar en claro su agradecimiento al artista.

Una puesta para ver, para disfrutar, para gritar bravo y olé,  donde la línea de lo poco o mucho convencional  jugarán apuestas para que el espectáculo sea delicioso. Les invitamos a que asistan para  que puedan comprobarlo por ustedes mismos.

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

En el teatro Quiron, los sábados, un musical de Micaela Narodowski y Antonella Valese con la dirección general de Stella Maris Faggiano y música original de Facundo Galli.

La historia en formato de un musical autóctono, muy nuestro, con cinco músicos en vivo, gira en torno a una reunión de cumpleaños, hay una agasajada, tres jóvenes que son amigas desde hace mucho tiempo y a los que se acoplan dos amigos.

Pasan una hermosa fiesta de cumpleaños, pero es una obra donde el tiempo, juega un rol importante. Excelentes cuadros musicales, que darán testimonio a una historia, en la que se produce un quiebre, una línea que separa el presente del pasado.Donde los interrogantes se levantan a partir de ese hecho, sobre cómo se podrá continuar, hará un requiem sobre todo lo que quedó pendiente, los momentos quedarán en el recuerdo, y deberán todos ellos darse mutuamente coraje para continuar.

El elenco, tiene un rol muy importante, en darle los matices que la obra necesita, ellos son: Ramiro Iglesias, Santiago Benegas, Pachi Lucas, Antonella Valese y Micaela Narodowski .

La puesta se basa en las líneas de tiempo, con un juego preponderante, donde la música y las canciones, le darán esa cuota de optimismo, la necesidad de continuar a pesar de todo, en donde tratará de dar lugar a esa expresión tan común en la que caemos cuando con angustia, nos preguntamos y ¿ahora, qué hago?, No te podemos dar una respuesta a esa pregunta, si te podemos recomendar que vayas a ver A partir de Ahora.

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Por Sebastián Sabio

La crudeza de los campos.

Es el año 1968 y dos peones golondrina (Jorge y Lito) sueñan con la idea de tener el dinero suficiente para arrendar su propia chacra. Bajo la estrategia de mantenerse unidos y ahorrar, estos dos personajes van a viajar de pueblo en pueblo trabajando en diferentes chacras impulsados por ese sueño.

Esta obra es una gran adaptación de la novela de Johm Steinbek, llevada a la Argentina y a la década del 70. En ella se puede ver el llamativo mundo que se produce en el campo junto con todos sus condimentos como la relación con el patrón, las precariedades que padecen los trabajadores y la distancia que se produce con la gente de la ciudad.

Jorge y Lito son personajes que se complementan de perfecta forma. Jorge es el cerebro, el encargado de administrar la vida de ambos y Lito es la fuerza bruta, sumamente hábil para trabajar pero excesivamente brusco y con una gran torpeza llena de inocencia que genera ternura en el espectador.

Con actuaciones geniales de parte de todo el elenco, uno como espectador puede apreciar la gran cantidad de capas actorales que cada personaje posee y la profundidad que hay en cada uno de ellos. Una obra donde todo se destaca, desde la escenografía, que rápidamente te pone en el clima de la obra, hasta la iluminación

Por Victoria Seri
La versátil Anita Martínez estrena obra de humor, irónica y con mucho desparpajo, el espectáculo es ideal para pasar un muy buen rato, eso definitivamente está garantizado. Se presenta los jueves por la noche en el teatro Regina.

Historias fallidas de relaciones amorosas, citas que no salieron como uno lo espera, cita a ciegas decepcionantes, intentos de pasar buenos momentos y conocer gente nueva. Relatos contados desde la experiencia y desde la creativa idea de utilizar distintos estereotipos de hombres que acompañan las narraciones y las hacen visuales. Por un lado con mucha realidad, mucha risa y exageración y por otro con algunos momentos más reflexivos.
Un gran monologo, muy bien dirigido por Reinhold quien permite que Anita Martínez se desempeñe arriba del escenario y se luzca cantando, bailando, haciendo reír con su histrionismo y también con alguna que otra participación del público e improvisación.
La propuesta está destinada para toda la familia, para distenderse en una salida de amigas y para parejas también. La idea es pasarla bien y también hay que estar dispuesto a reírse de uno mismo, ya que con algunas caracterizaciones seguramente el público se sentirá identificado.

Ficha Técnica
Protagónico: ANITA MARTINEZ
Dirección: DIEGO REINHOLD
Producción Artística: Verónica Vieyra
Prensa y Comunicación: Tommy Pashkus Agencia
Fotografía: Alejandra Lopez
Diseño Gráfico: UOP Comunicación
Producción Ejecutiva: Denise Camps
Producción General: DIEGO DJEREDJIAN

Por Agustín Arosa 

Algunas de las joyas clásicas de la comedia son sin duda de Goldoni, y ponerlas en escena es ya un hecho motivador que podría convocarlx al Teatro Regio. En esta ocasión, sin embargo, no veremos a los conocidos Truffaldino o Mirandolina, sino una pieza poco frecuente: “El Adulador”. En la misma, un señor secretario utilizará sus argucias para conquistar lo que se propone influenciando al governatore.

Bellamente ornamentada, la puesta en escena ofrece una interesante propuesta sinóptica con llamativos recursos visuales y sonoros. Ciertamente, verla es reconfortante y sugerente. La obra ejerce atracción.

Infaltable mencionar el código que Gago y Arengo comparten en el desarrollo de la pieza, exhibiendo con naturalidad el cuerpo de la comedia; su performance es innegablemente resultado de una experticia actoral que conoce los avatares del género.

Ver “El Adulador” en el Teatro Regio es una buena oportunidad para reencontrarse o conocer algo de las piezas de tan ingenioso autor.

En el teatro Maipo, los martes a las 20:30, una obra escrita por Diego Peretti y por Sebastián Suñé, éste último además fue el director de esta comedia, titulada «Por H por B».

La intención de la obra es reírse con situaciones confusas, aunque el personaje de Peretti, Gerardo, no la pasa del todo bien. Hace quince años que está en pareja con Barbara, ambos son arquitectos, y Barbie como la llama él, empieza a apretar porque quiere formar una familia, hijos pero Gerardo está algo indeciso.

En paralelo, para ese momento, conoce a una señorita Helena, con la cual le van a pasar cosas, por un año.

Todo lo que le pasa, está al tanto, su terapista, Gregorio, que lo escucha en cada sesión, y es quien más lo conoce. Como les digo, es una comedia para pasar un buen momento, no le vamos a dar data del final porque tienen que venir a verla.

El protagónico, es Diego Peretti, quien personaje muy logrado, es el típico macho que en realidad no entiende a las mujeres, pero igual, está dispuesto a morir en el intento. Luego está Barbie, interpretado por la actriz Paula Staffolani, que tiene mucho peso, y lo logra excelente, porque su personaje la obliga a fácilmente alterarse, y la actuación imita excelentemente bien, a esas típicas mujeres italianas,que se enojan, gesticulan y gritan. Y por el otro lado Helena, esa dama, que aparenta ser liberal, encarnado por la actriz Agustina Cerviño, que logra dar con el perfil de la mujer que no quiere repetir la historia de su madre, de sufrir por una situación de amor y la obra nos demostrará que aunque parezca un hielo, todos en algún momento nos aflojamos y demostramos que la máscara de coraje se cae.

Junto a Gregorio, acompañaremos a este enredo, donde por H o por B, la risa del público brota con un Gerardo, que a pesar de las dificultades seguirá intentando, a pesar de las dificultades, con la mayor naturalidad del mundo, que no sabe bien cómo, pero siemrpe alguien se puede volver a enamorar.

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com