En el Arenal Teatro Bar, un domingo, que mejor para evitar los síntomas de la depresión pre-lunes, a las 19:00, reírse con muchas ganas, con la obra teatral: La penúltima oportunidad, donde tenemos la chance de compartir la historia de dos mujeres, cuyas almas vagan por un cementerio.

En su segundo año consecutivo, con dramaturgia de Rafael Bruzza, presentado por el grupo teatral Osadas Mujeres y dirigido por Cristina Miravet. Esta pieza teatral participó en el 8° Festival del Amor y 3° Festival de Teatro Larroque 2019.

El argumento es el de dos mujeres, jóvenes: Marta y Juana, cuya vida terrenal transcurrió en un pueblito pequeñito, y que por cosas del azar, sus almas se reencuentran en el más allá, compartiendo las mismas pasiones, con diferentes lápidas, con las mismas calaveras a las que Shakespeare le dedicó “to be or not be”, ambas se se celan, porque tienen un pequeño conflicto de intereses: codician al mismo hombre. La pieza teatral se la podría encasillar dentro del género del humor negro, porque la historia transcurre dentro de un cementerio y además cuenta con diálogos imbuidos de un estilo sarcástico, en un lineamiento de sátira, con las maravillosas actuaciones de estas dos damas, buscando afanosamente la lápida del amante compartido, para que él decida con cuál de ellas se quedará, para toda la eternidad.

El argumento y la línea conductora son excelentes. Ahora también es justo reconocer el mérito propio de esta dupla actoral, que demuestran lo que mejor saben hacer, que es el género comedia. Me refiero a las actuaciones de Thelma Demarchi (como Marta) y Marcela Grasso (encarnando a Juana) que realmente capturan la atención desde el momento cero, es discutible definir o no a la pieza teatral de humor negro, porque las situaciones y diálogos se acercan a esa delgada línea que separa la sátira de la comedia.

La escenografía a cargo de Fabián Orfano y el vestuario por Belén Rubio, son otros dos grandes aciertos en la obra. El vestuario, hace que estas dos bellas féminas de la actuación, se destaquen entre medio de las sombras, con una vestimenta de hermosos colores pastel y la escenografía, es simple, en cuanto a la cantidad de elementos que la componen pero, logra una atmosfera especial y armoniosa, que es un logro generar un espacio que es agradable a la vista del espectador, cuando se mezcla lo prosaico con lo inmaterial.

Las alusiones a los hábitos pueblerinos, la deslealtad de la una con la otra, la lista de candidatos compartidas por ambas, la infructuosa búsqueda de la lápida, el milagro de hablar con Dios, hacen que sea una obra fresca, de mucho contenido humorístico, donde demuestran que encontrar la lápida que buscan es La penúltima oportunidad, pero les aseguro que el público tendrá la ocasión de reír los sesenta minutos que dura la obra.

Ficha técnico artística

Autoría: Rafael Bruza

Actúan: Thelma Demarchi, Marcela Grasso

Vestuario: Belen Rubio

Diseño de luces:Ernesto Giannone

Realización de escenografia: Fabian Orfano

Fotografía:Hugo Mouján

Diseño gráfico: Laura Maribel Sosa

Asistencia de dirección:Cristina Sisca

Prensa:Mutuverría Pr + Media + CM

Producción ejecutiva:Cristina Sisca

Dirección:Cristina Miravet

Reseña Diana Decunto – mail: inboxmatutino@gmail.com

En el Espacio Polonia, un domingo a las 17.30, en un escenario teatral se despiertan las saudades. Para quienes desconozcan el significado de la palabra galaico-portugués Saudade, al español equivaldría a melancolía, ese vacío temporo-espacial que nos aleja de algo amado y que sentimos la necesidad de recordar y volver a él.

Esta pieza escrita por Lucas Santa Ana y Francisco Ortiz abrirá el juego en el living de un departamento,  cajas en el suelo, sábanas cubriendo un sofá, donde  se encuentran Germán, un cuarentón y Sergio, un joven  músico de  entre veinte y treinta años. Germán y Sergio abren la escena, liberando a las saudades,  cajas encerrando una historia, la cual está aprisionada hace mucho tiempo y que exige salir a la luz y ser contada.  Germán, en tiempo presente,  logra que un tocadiscos,  vuelva a funcionar y se deleiten escuchando los pegadizos ritmos del cantante,  Roberto Carlos, de los años setenta.

La melancolía nos retrotraerá a Germán siendo un niño de unos ocho años y a Sergio quien estaba por nacer.  Los padres de Germán, son Elvira y Horacio. Regresaron de Brasil, después de haber  vivido varios años, allá, y que aparentemente por temas laborales ha vuelto a la Argentina. Mientras la música sigue girando, las imágenes se comienzan a superponer y se trae la evocación del nacimiento de Sergio,  cuyos padres Nazareno y Ana eran vecinos del Germán niño.

La narrativa con las nostalgias de la década del ’70, con “la toca” como el peinado obligado de las mujeres, se mezcla con un Sergio, de hoy, algo tímido, potencial compositor de canciones pero que lo inhibe cantarlas en público.

La obra hace un paralelo de los padres de Sergio y Germán con las vidas de Horacio  y Nazareno.  Muestra como las vidas se cruzan,  las diferencias generacionales de  temas tabués, dejan expuesto como eran tratadas en el pasado y cuanto hemos avanzado como sociedad en cuanto a su aceptación.

Desde el punto de vista de la dirección, Lucas Santa Ana,  vale la pena rescatar, una excelente tarea, que no es fácil en el teatro, que no cuenta con los recursos del cine, para poder representar historias en diferente tiempo, en el mismo espacio escénico, con agilidad salta del presente al pasado o  viceversa, con la  versatilidad necesaria, para permitir al espectador, conocer dos historias: presente y pasado y  lograr en el público, despertar esa necesidad de comparar dos mundos paralelos, parecidos pero no iguales, permitiéndole saltar de un río a otro, donde la esencia es la misma, el momento histórico es lo que hace que sus personajes deban vivirlo de distinta manera. Las excelentes actuaciones en los roles femeninos de Pilar Abentín y María Lía Bagnoli, sacando a relucir el coraje con que dos mujeres pudieron llevar adelante la separación de sus respectivas parejas-.  Los maridos y los hijos son interpretados por los actores Agustín Aguirre, Gabriel Gavila, Dario Miño y Patricio Witis, personajes que logran exitosamente, dar una cuota de naturalidad para transitar en la vida de dos familias donde  un  adulto se convierte en niño y viceversa, con una cintura actoral: admirable.

 Una obra que exalta al amor, por sobre todas las cosas, donde por momentos, los adultos son egoístas y no piensan en los sentimientos de un niño, al ser abandonado por un padre y donde la verdad flota  y emerge en esa habitación donde la melancolía se hará presente para permitirnos escuchar la música de un viejo tocadiscos  con la capacidad de reproducir las voces de ayer, de hoy y de siempre.

Reseña Diana Decunto, mail: inboxmatutino@gmail.com

Por Pedro López

La muerte nos atraviesa a todos de una manera particular: nos enojamos, lloramos, comemos sándwiches, puteamos al otro, nos reímos, saldamos cuentas y nos ponemos a pensar. Es en estos momentos bisagra donde redescubrimos a nuestros pares y a nosotros mismos.

Roberto es un intelectual que cual romano decidió que era su hora de partir. Detrás de él deja una voz que se impregna en los que alguna vez amó y una casa que solo él conocía enfrente de una playa. Hay una sola foto colgada, algunos libros, una guitarra desafinada, dos botellas de whisky, un poco de té importado, una pipa y un muelle. Tal como lo planeó, su familia y su última amiga llegan para despedirlo y resolver algunas cuestiones vinculares.

“Para partir” es una maravillosa comedia con diálogos afilados y personajes estupendamente desarrollados. Una lección de humor escrita y dirigida por Ignacio Sanchez Mestre con actuaciones estupendas donde se destacan Mara Bestelli, Mónica Raiola y Luciano Suardi

Ficha Técnica

Por Pedro López
Una experiencia dominguera meta teatral, pues al comenzar la función hay un recibimiento culinario conformado por empanadas y vino que alegran a más de uno. El espacio para el público está distribuido como un bar, con mesas y sillas para poder disfrutar de este tentempié y ver la obra al mismo tiempo.

Elaborada desde múltiples improvisaciones y dirigida por Bernardo Cappa esta comedia nos ubica dentro una familia que festeja un compromiso en la década de los cincuenta. Un bullicio constante decora los diálogos mientras los enfoques viran y se organizan en el alboroto de esta familia que nos cuenta su historia a través de sus discusiones y arreglos.
Una obra dinámica con humor, música en vivo y comida deliciosa.

Por José Rossi 

Ni te cuento cuanto, es una comedia dramática que transcurre todos los jueves a las 20:30hs en “El camarín de las musas” (Mario Bravo 960).

Esta es una obra de teatro de estética realista-naturalista. Donde nos aventuramos en el ínterin de una pareja adulta y comenzamos poco a poco a observar sus vicisitudes y miserias. La escena está compuesta por dos personajes (hombre y mujer) que integran el núcleo de su pequeña familia, constituida también por su hija menor, a quien evocan constantemente en toda la obra.  

Durante el trascurso de la representación, los personajes empiezan poco a poco a darse cuenta y a revelar las desdichas que los acosan en sus vidas personales y ahora en su vida marital. A repensar algunas decisiones que tomaron desde jóvenes y a sentirse miserables por el hecho de no poder retractarse con alguna de ellas.

El sentimiento de ser una pareja fracasada, de no tener la vida del todo resuelta, de sentir que sus sueños no se están cumpliendo (ni van a hacerlo), la frialdad, la indiferencia y el desentendimiento están hundiendo lentamente a esta pareja.

La puesta en escena consta de un espacio prolijamente organizado, compuesto por un sillón de tres cuerpos en el centro de la escena, una mesita ratona en frente, con libro, celulares, una notebook y otros accesorios propios de la casa de una pareja de adultos jóvenes.

A pesar de tratarse de un tema muy sensible y de poder contemplar (como espectador) la mismísima decadencia de una pareja, la obra jamás pierde su toque de humor y siempre es capaz de soltarnos una risa debido al ingenioso texto y a la destreza de los actores.

Por Candela Otero

«A veces el futuro es simplemente poder desear algo. Tener una ilusión que nos permita seguir creyendo.»

Una obra que,según su autora (Paula Marrón), habla sobre «una vida desde el fin, una vida que no quiere dejar de ser».

Una puesta sobria, sencilla: Dos actores (María de Cousandier y Fausto Guerra), un solo escenario: una habitación de hospital; y un vestuario. «Chela» es una mujer mayor que está enferma. De fuerte carácter y apasionada por la lectura. Está cansada de pasar sus días en el hospital. Siempre recibe la visita de un hombre de gran corazón, bastante más joven, al que trata como a un hijo (no se sabe si son amigos o exactamente qué vínculo los une). Este hombre hace todo lo que puede para ayudarla y que sus días en el hospital sean mucho más llevaderos.

El hecho que rompe con la monotonía de los días en el hospital y le cambia el humor a Chela, es la llegada de una carta en la cual la invitan a abrir un festival de tango en 9 de Julio. A partir de allí, sus días están atravesados por la ilusión de poder bailar en el festival, a contrarreloj con su enfermedad, que cada día la encuentra peor.

Una obra que no debe ser fácil de interpretar, ya que en ningún momento los actores salen del escenario. Las actuaciones cumplen, pero no se destacan. De ilusiones se vive es una obra de ritmo lento, donde predomina el texto y las emociones de los personajes son las protagonistas.

Elenco: María de Cousandier y Fausto Guerra

Dramaturgia y dirección: Paula Marrón

Domingos 20 hs

En El Camarín de las Musas, Mario Bravo 960.

Reservas en http://www.alternativateatral.com

Entradas: $ 350. Descuentos a estudiantes,jubilados y menores de 30.
Duración del espectáculo: 60 minutos

LA SUTIL DEBILIDAD DEL REY (2da. temporada – 90 minutos – adultos) Autoría y Dirección: Rubén Mosquera / Actúan: Matías Alarcón, Mario Campodónico, Gastón Chamorro, Martin Di Paola, Mariana Fraga, Víctor Frisardi, Hilario Laffitte, Ariel Li Gotti, Justina Ovejero / Producción ejecutiva: Antonella Agüero / Crítica: CJ COLANTONIO.

– Funciones del viernes 29 de marzo. Viernes 5, 12 y 19 de abril. / TEATRO COLUMBIA Av. Corrientes 1537 / CABA / Entrada: $300.-
Una propuesta teatral del circuito UNDER bastante arriesgada por la cantidad de texto, el que requiere un gran esfuerzo por parte de los actores. Ese diálogo por momentos tan informativo le quita permeabilidad y resta en complicidad para con el público. Por otro lado, la falta de recursos vocales de parte de algunos actores, sumado a una escenografía que no ayuda, conlleva a una puesta en escena que corporalmente no funciona.
Sin embargo -más allá del comienzo- la estructura de la dramaturgia se acomoda para algo bien interesante que tiene que ver con los diferentes puntos de vista que suceden en el relato de cada uno de los personajes, que desfilan en este policial, a partir de la muerte de un integrante, en esta especie de conventillo de departamentos.
Se podría decir que en ése momento es donde el espectador comienza a disfrutar de la comedia que aparece, en esos instantes donde los personajes masculinos comienzan a justificar -con gracia- cómo es que “el asesinado” fue quitándoles -con sublimes partidas de ajedrez- lo inimaginable, y convirtiendo sus vidas en miserables.
Ficha Técnica extra:
Asistencia de dirección: Antonella Lorenzo.
Diseño de luces: Daniel Zappietro.
Puesta De Luces: Rubén Mosquera.
Vestuario: Vanesa Yael Abramovich.
Escenografía: Vanesa Yael Abramovich.
Visuales: Camila García, Gigi Kiferling, Ricardo Roldán.
Sonido: Ricardo Roldán.
Fotografía: Cecilia Dornell, Lucia Fluck.
Diseño gráfico: Antonella Agüero

Por Daniel Alvarez 

El estreno de Chingu Containers empezó despertando polémica a través de las redes sociales. Cómo promoción de esta nueva experiencia, se había lanzado en un portal inmobiliario reconocido, que parte del Konex se encontraba en alquiler. Esta noticia no tardó mucho en causar revuelo en Twitter con el hashtag #KonexEnAlquiler, pero no era lo que parecía, ya que se trata de una experiencia de teatro inmersivo que parte de una premisa bastante interesante.

Aparentemente una empresa llamada Chingu Containers ha alquilado parte de las instalaciones de ciudad cultural Konex, y en los horarios que la empresa no funciona, la señorita Chin Gu subalquila los contenedores vacíos ubicados en el lugar para organizar actividades clandestinas de dudosa legalidad. Es así como inicia está propuesta de teatro inmersivo que propone tres tipos de encuentros.

Una vez ingresa el público en la función, todo puede resultar bastante confuso. Estamos en una especie de galpón, encerrados y fuera de conexión con el exterior. Allí aparecen un serie de trabajadores, algo alterados y en movimiento, todo por la aparición de la señorita Chin Gu. Luego de eso, separan al público según el tipo de entrada con la que cuentan, ya que actualmente existen tres experiencias distintas para que la gente se introduzca en estas actividades de dudosa legalidad. Las experiencias disponibles son: El Club, La Graduación y La Paciente

Nosotros tuvimos el placer de experimentar  La paciente, y su premisa es la siguiente.

Cuando un profesional quiere ayudar a su paciente, ya probó todo lo imaginable y nada funcionó, se empiezan a considerar alternativas poco convencionales y arriesgadas, pero la desesperación es una mala consejera. El doctor Heredia pide a sus colegas que lo acompañen a salvar a una persona. O quizás a toda la humanidad. Está propuesta nos convierte a todos en terapeutas, con guardapolvo puesto, entramos en el container para intentar hacer funcionar el tratamiento con esta peculiar paciente. De este modo el espectador tiene que encontrar la manera de ganarse la confianza de la paciente, donde en esta ocasión tuvimos que cantar, bailar y hacer todo lo posible para que ella responda. En este juego con el público, hay que reconocer el buen trabajo actoral tanto del doctor como de la paciente, ya que se encuentran obligados a trabajar con la improvisación, debido a la interacción con la gente y las distintas respuestas que puedan tener.

Chin Gu Containers es una propuesta alternativa, interesante por su premisa y que obliga al espectador ser participativo en esta experiencia clandestina. Podemos destacar el trabajo de todos los que forman parte de este espectáculo, ya que han logrado brindar algo inmersivo y a su vez muy entretenido. Y como plus, al final podremos tomar una copa de vino o champagne y sacarnos una foto con los integrantes de esta más que interesante experiencia.

Funciones:

• 28, 29 y 30 de marzo. 4, 5 y 6 de abril.
• Entradas: $500
• Sala Galería
• No es recomendable para menores de 14 años (solo podrán ingresar acompañados por un adulto responsable)
• No se suspende por lluvia

Ciudad Cultural Konex

Por Agustín Arosa 

Petróleo es un éxito, así dicho sin rodeos, así sonando con la sorpresiva inmediatez de un ¡eureka!, ¡caso cerrado!, ¡último momento!, y comenzar por una suerte de conclusión tiene mucho sentido: sus efectos no pueden esperar.

La quinta obra del grupo “Piel de Lava”, reestrenada en esta ocasión en el Teatro San Martín, viene a mantener e incluso innovar la intensidad creativa y espectacular de la trayectoria grupal que Carricajo, Correa, Gamboa y Paredes han cultivado. En ella, 3 trabajadores petroleros verán transformada su rutina (y algo más) por la llegada de un cuarto, suscitando de este modo las más interesantes situaciones.

Usted dirá que argumentos así sobran; yo diré esto: petróleo es un éxito, y es justo decir por qué. Uno, deben resaltarse las formas de organización y realización al interior de “Piel de Lava” caracterizadas por relaciones horizontales donde los roles se habitan y no se perpetúan, dando como resultado un teatro de experiencia total, recorrido por todas sus esquinas. Dos, el tratamiento de la forma y las actuaciones son admirables en su producción de texturas, todo allí es un suceso provocador e interesante. Tres, la pieza no es indiferente a las tensiones de su tiempo y halla en el género y su construcción un material que le da vida. Ahora bien, por supuesto que las formas de organización horizontales en la construcción teatral no son nuevas, como tampoco es un asombro que las mismas alimenten o se reflejen en la estética de la pieza o se comprometan socialmente; lo invaluable de petróleo es otra historia: su potencia política y dramática, para la política y para el drama.

En medio de lúcidos y necesarios debates en torno al género, la obra de “Piel de Lava” viene a mostrarnos no una respuesta, sino una alternativa concreta a la pregunta sobre la problemática construcción de masculinidad. Ni reflejar, ni aludir, ni dejarse afectar, ni portar la voz de su tiempo, ni todo ese blablá al que una y otra vez se busca reducir la participación política del teatro, sino a proponer entre tantas preguntas, a decirnos “aquí hemos construido con herramienta marginal” porque lo demuestra con hechos, para colmo, dramáticos. Y por medio de este acto militante del que la coyuntura se enriquece, también el teatro agradece, porque se ha desplazado la pregunta del “qué” al “cómo”. Entonces, cuando al experimentar “Petróleo” preferimos preguntar cómo lo lograron en vez de qué quisieron decir, las políticas grupales, sus procedimientos, dejan de ser la cocina o el dato de color y su visibilización es ya la obra. El resultado es el mismo procedimiento político como criatura viva.

Experimentar petróleo es más que una sugerencia, debiera ser al menos un compromiso, en esta obra un grupo de mujeres en vez de esperar todas las preguntas han elegido un hacer impostergable. Tan impostergable como la lúdica de un ejercicio teatral. Así es la conclusión: sus afectos no pueden esperar.

Por Pedro López

Nüremberg” es un diálogo apabullante con la mente de un skinhead momentos antes de cometer un atentado. Su pasado, su ideología, sus recuerdos se entremezclan en un unipersonal en donde el cuerpo y el odio son protagonistas.

De la manera más cruda asistimos a observar lo irracional y horrífico del nazismo, sin dejar de la lado lo personal y privado de la vida de este muchacho capaz de sacrificar su cuerpo para mantener su dogma y su sangre.

El odio circula y se esparce con facilidad. Los límites desaparecer en el fervor, y la carne iracunda resiste hasta que se estrella contra la devoción absoluta. ¿Cuánto es capaz de sacrificar uno por defender un dogma? ¿Cuántos de nosotros defendemos algo con la más ávida irracionalidad?

Una crítica que nos penetra en su revuelta violencia, y nos invita a pensar si en verdad no han quedado vestigios de aquellas estructuras irracionales. Aquellas estructuras repletas de emociones que rastrean un enemigo en común, un dogma distinto, y depositan en aquello todos sus rencores, alimentándose de la propaganda que hierve la sangre y divide a la humanidad.

Ficha técnico artística

Autoría: Santiago Sanguinetti

Actúan: Mateo Chiarino

Vestuario: Nicolás Nanni

Diseño De Objetos Lumínicos: Claudio Del Bianco, Nicolás Nanni

Música original: Tomás Carnelli

Diseño gráfico: Pablo Vega

Asistencia de dirección: Agustín García

Prensa: Cecilia Cósero

Producción: Cecilia Cósero

Dirección: Pablo Finamore

Duración: 55 minutos

Estreno: sábado 2 de marzo, 20 hs.
Funciones: sábados 20 hs. (Hasta el 27 de abril)
Lugar: Teatro El Ópalo (Junín 380, CABA)
Entrada: a la gorra
Teléfono: 4951-3392
Duración: 60 min.
FB: Nüremberg
IG: Nüremberg