Por Victoria Seri

El 8/2 se estrenó la segunda temporada oficial de Piso 35 dirigida por Leticia Tómaz y escrita por Analia Mayta. Después de haber presentado en Europa la obra en el 2018, y de hacer funciones de manera aleatoria en Argentina, el espectáculo vuelve a Buenos Aires y a la calle Corrientes. Estarán por 2 meses en Belisario Club de Cultura todos los viernes a las 23 hs.

Piso 35 es una comedia, sin embargo durante el transcurso de la función me sentí como si estuviese mirando un capítulo de Black Mirror (serie dramática de ciencia ficción y fantasía que está disponible en Netflix). Es una interpretación que hago en base a los primeros momentos del espectáculo y la  estética que se muestra. La temática me remonta a la tecnología y sus usos con una mezcla de drama psicológico (aunque no lo sea).

La obra aborda con mucho humor y desparpajo, el complejo mundo laboral donde claramente todos nos podemos sentir identificados. Un mundo en el que se despliegan relaciones de compañerismo, competitividad, amistad y respeto.

Cuatro compañeros en una oficina del piso 35 se disputan un ascenso. Se trata de un puesto que ha quedado vacante, por el cual las situaciones que se experimentan sobrevuelan el poder, la lucha y la rivalidad que se genera entre colegas. Mientras tanto suceden otras cosas también.

Los actores utilizan bastante el humor físico lo cual genera, especialmente cuando se trata de una comedia, mayor disfrute y diversión en el espectador. Todos están geniales, cada uno con su ritmo y singularidad aportan una personalidad distinta. Así mismo destaco el vestuario, me encantó la mezcla de colores. Por otro lado recalco toda la puesta en general,  tanto sonido y visuales me parecieron brillantes.

Fue un estreno a sala llena. El público pasó un momento muy agradable y demostró con fuertes risas que la obra definitivamente vale la pena ser vista.

Ficha técnica:

Actores:

Analía Mayta: Szokolofsky

Ezequiel Olazar: Piccolinni

María Ema Mirés: Taborda

Federico Torres: Ramírez

Daniel Grbec: Rogelio

Concepción Espacial y Escenográfica: Leticia Tómaz

Asesoramiento Lumínico: Mariano Arrigoni

Diseño de Vestuario: Ana Julia Figueroa

Diseño de Maquillaje: Lis Iun

Diseño Gráfico: Pablo Peréz Rey, Ignacio Lavizzari

Fotografía: Evann Violeta

Producción ejecutiva: Grupo Subsuelo https://gruposubsuelo.wixsite.com/gruposubsueloteatro

Realización Audiovisual: Nicolás Isasi

Prensa: Correydile

Participación Especial: Sebastián De Marco, Miriam Castañeda

Dramaturgia: Analía V. Mayta

Dirección: Leticia Tómaz

Duración del espectáculo: 55 minutos

Fan Page del espectáculo: https://www.facebook.com/Piso35.Teatro/

Instagram: @35piso

segunda temporada oficial de Piso 35 dirigida por Leticia Tómaz y escrita por Analia Mayta. Después de haber presentado en Europa la obra en el 2018, y de hacer funciones de manera aleatoria en Argentina, el espectáculo vuelve a Buenos Aires y a la calle Corrientes. Estarán por 2 meses en Belisario Club de Cultura todos los viernes a las 23 hs.

Piso 35 es una comedia, sin embargo durante el transcurso de la función me sentí como si estuviese mirando un capítulo de Black Mirror (serie dramática de ciencia ficción y fantasía que está disponible en Netflix). Es una interpretación que hago en base a los primeros momentos del espectáculo y la  estética que se muestra. La temática me remonta a la tecnología y sus usos con una mezcla de drama psicológico (aunque no lo sea).

La obra aborda con mucho humor y desparpajo, el complejo mundo laboral donde claramente todos nos podemos sentir identificados. Un mundo en el que se despliegan relaciones de compañerismo, competitividad, amistad y respeto.

Cuatro compañeros en una oficina del piso 35 se disputan un ascenso. Se trata de un puesto que ha quedado vacante, por el cual las situaciones que se experimentan sobrevuelan el poder, la lucha y la rivalidad que se genera entre colegas. Mientras tanto suceden otras cosas también.

Los actores utilizan bastante el humor físico lo cual genera, especialmente cuando se trata de una comedia, mayor disfrute y diversión en el espectador. Todos están geniales, cada uno con su ritmo y singularidad aportan una personalidad distinta. Así mismo destaco el vestuario, me encantó la mezcla de colores. Por otro lado recalco toda la puesta en general,  tanto sonido y visuales me parecieron brillantes.

Fue un estreno a sala llena. El público pasó un momento muy agradable y demostró con fuertes risas que la obra definitivamente vale la pena ser vista.

Ficha técnica:

Actores:

Analía Mayta: Szokolofsky

Ezequiel Olazar: Piccolinni

María Ema Mirés: Taborda

Federico Torres: Ramírez

Daniel Grbec: Rogelio

Concepción Espacial y Escenográfica: Leticia Tómaz

Asesoramiento Lumínico: Mariano Arrigoni

Diseño de Vestuario: Ana Julia Figueroa

Diseño de Maquillaje: Lis Iun

Diseño Gráfico: Pablo Peréz Rey, Ignacio Lavizzari

Fotografía: Evann Violeta

Producción ejecutiva: Grupo Subsuelo https://gruposubsuelo.wixsite.com/gruposubsueloteatro

Realización Audiovisual: Nicolás Isasi

Prensa: Correydile

Participación Especial: Sebastián De Marco, Miriam Castañeda

Dramaturgia: Analía V. Mayta

Dirección: Leticia Tómaz

Duración del espectáculo: 55 minutos

Fan Page del espectáculo: https://www.facebook.com/Piso35.Teatro/

Instagram: @35piso

La puesta teatral Diciembre, llegó para quedarse, a Nün Teatro Bar, los viernes a las 20:30 hs.

Esta historia se la podría imaginar, a pocos días del 25 de diciembre, en medio, de una térmica rondando en los 40 grados, las compras navideñas, los reclamos en las calles. Teatralmente, Diciembre, brilla con luz propia en el escenario, colgada como regalito del amigo invisible en cualquier arbolito cambiario de la city porteña.

Con dramaturgia de Diego Leske y Mariana Armelin, ponen en el tapete, las miserias de esos personajes siniestros de una cueva cambiaria, que lo único que saben es especular, con un kilometraje importante pedaleando en la bicicleta financiera. El personaje turbio que solo piensa en la oportunidad, con plata mal habida, excelentemente recreado por el mismo Diego Leske. Quien en el escenario lo comparte junto a la actriz Florencia Sacchi, que personifica y se destaca por lograr mostrar la otra cara de la moneda.A una muchacha, venida de la provincia de Corrientes, con acento guaraní, secretaria del malandra financiero y testigo de este ambiente contaminado. Es buena, pero la necesidad es la que la ha llevado en ese antro de corrupción. Hay un tercero en discordia, encarnado por el joven actor Matías Corradino, con un personaje creible, muy logrado.

En la historia, este tercer personaje, con una mente privilegiada, con la capacidad de armar modelos matemáticos aplicando la fórmula matemática de la serie de Fibonacci,es inocente, no sabe que es usado e indirectamente es el culpable de las manifestaciones que se escuchan desde la calle.

No vamos a contarles más, dirección de Diego Leske, una propuesta blindada en todos los sentidos, un elenco maravilloso, que aceptó el desafío de apostar a una puesta poco convencional en cuanto a la temática e inclusive en el desenlace. Un guión sólido con un mensaje claro, mostrando la frialdad numérica con que operan estos ladrones de guantes blanco, desde lujosas oficinas y de generaciones que le van sucediendo, inmersos en la especulación.

La recomendamos, porque la obra propone intentar llegar a Enero, con muchos billetes de por medio y plagado de desafíos. El público será testigo por las pruebas que cruzarán donde nada es como parece ser. Quiero rescatar la frase de la cartelera sobre la obra «en medio del derrumbe, un amor improbable».

Diana Decunto

anahidec5@gmail.com

Por Victoria Seri

“Lo que se me canta” se presenta en el teatro Maipo los viernes y sábados a las 21.30 hs. Es un espectáculo divertido, en el que se tocan temas de actualidad y también tiene música en vivo. Es ideal para distraerse y relajarse después de la semana laboral.

La sala Maipo Kabaret es una sala un poco más pequeña que la principal y está ubicada en el segundo piso del edificio teatral. Lo que tiene de atractivo el lugar es que su estructura es parecida a la de un café concert. Se puede comer y beber mientras se disfruta de la función.

Andrés Ini, no Andrés Iniesta, como repite en el show varias veces, pide a su público que para que lo recomendemos de boca en boca, solo recordemos que la diferencia entre Ini e Iniesta es ésta.

Él es comediante, actor, cantante y licenciado, entre otras tantas cosas y nos entretiene en “Lo que se me canta”, una mezcla de stand up y musical. Es inevitable la risa porque el show logra que te sientas identificado con las situaciones que presenta y las cosas de las que habla. Y ahí está la cuestión: encuentra en lo cotidiano, en lo naturalizado una forma de canalizar esas experiencias en entretenimiento. También realiza un análisis sobre nuestra coyuntura, que provoca risas y distención con la ayuda de la participación del público.

Adicionalmente, incorpora la música, elemento muy importante en el unipersonal. Al artista Ini lo acompaña otro artista, el músico y compositor, Daniel Pragier. Toca el piano y es cómplice/espectador durante el espectáculo.

Definitivamente es super recomendable esta propuesta, una hora y veinte de pura alegría y distención.

Ficha Técnica:

Autor e intérprete: Andrés Ini

Dirección Musical y piano: Daniel Pragier

Coordinación de producción: Romina Rodríguez Acha

Asistencia general: Agustín Belloli

Colaborador artístico: Santiago Leiro

Vestuario: Le Bon Marche

Prensa: Duche&Zárate

Web: www.andresini.com.ar

Funciones: Viernes y sábados a las 21.30hs

Localidades: $ 400.- En venta por www.Plateanet.com

Boletería: Lunes a lunes de 10 a 20 horas / 5352-8384

Maipo Kabaret – Esmeralda 443 – CABA

“Madre Coraje” es una obra de teatro del gran Bertolt Brecht que fue escrita en 1939, y que aún sigue teniendo vigencia en nuestros tiempos. Si bien no estamos viviendo ninguna guerra como las de antes, los temas que abarca esta obra pueden ser trasladados a nuestro cotidiano, sorprendiendo así al espectador, quien encuentra en esta pieza teatral un reflejo de lo que es el ser humano.

Esta versión del reconocido director José María Muscari se presenta este año en su segunda temporada. Luego de haber pasado por el Teatro San Martín, el carromato de Madre Coraje desembarca en la bella sala del Teatro Regina para seguir demostrando que es una excelente opción para disfrutar de un gran clásico mundial. Una versión que no presenta apagones, pero sí, en su lugar, un estilo musical con un juego de luces que transforman esta obra en una pieza con una característica muy Muscari y que llama la atención. Con los mismos personajes como narradores, y movimientos corporales que acompañan al delicado texto de Brecht, demuestran la sublime dirección actoral que lleva adelante su director.

Claro está que no hay otra actriz para representar a Madre Coraje, porque Claudia Lapacó es inmensa y es la única que puede llevar adelante un personaje con estas características. Durante una hora y cuarto no sale del escenario, brindando al público una clase magistral de actuación, con pequeños gestos faciales que demuestran una composición exquisita de esta mujer, cuyo único objetivo es sacar rédito de sus objetos en venta en medio de la guerra.

Acompañada por un elenco de notables actores y actrices, Iride Mockert merece una especial atención. Representa a la hija de Madre Coraje, a quien la guerra le quitó sus cuerdas vocales, y su actuación es eximia. En teatro, dicen, la voz y la palabra es lo que salva al actor, por lo que hay que indagar mucho en lo que se expresa con los movimientos, e Iride deja su cuerpo y alma para llevar adelante a este personaje que representa la esperanza en tanto caos. No es nada fácil transmitir lo que transmite Mockert, por lo cual queremos felicitarla frente a su brillante trabajo. Por otro lado, Silvina Bosco, como la cocinera, Esteban Pérez y Martín Slipak, como hijo mayor e hijo menor, también tienen su destaque y llevan adelante sus personajes de manera espléndida.

“Madre Coraje” muestra las consecuencias de la guerra, o mejor dicho, las consecuencias de la avaricia y la ambición. También nos muestra cómo el ser humano, en tiempos de crisis, vuela por conveniencia. Cuando creemos que la paz es el objetivo mayor -una utopía-, para muchas personas la guerra es la que ofrece más dinero y un pan sobre la mesa. Es por eso el espectador se encuentra en esa disyuntiva, y así como Madre Coraje no aprende su lección, quedando sola en el mundo, el espectador es quien tiene la función de entender, aprender y reflexionar sobre las decisiones humanas.

Viernes, sábados y domingos a las 20hs son los días para disfrutar en el Teatro Regina de este clásico de Brecht bajo la dirección de José María Muscari.

De Mauricio Kartun, con la actuación de Luciana Dulitzky y dirección de Paula Ransenberg, estrena temporada 2019 en el Teatro Picadero con funciones los días domingos a las 18 hs., la obra teatral La suerte de la fea.

La pieza ya tiene tres años en cartelera, con excelentes devoluciones por parte de la crítica especializada.

La obra ambientada a comienzos de siglo, es un unipersonal, que representa un verdadero desafío para un artista, donde el espacio físico reducido, donde la actriz Luciana Dulitzky se desenvuelve, logra simbolizar lo que la vida significa en el personaje de esta mujer, aprisionada, bastardeada, por la incomprensión de un machismo, donde la sumisión, aún hoy es moneda corriente de ser padecida por el género femenino. La historia narra como una violista toca en lugares donde es despreciada por el sexo opuesto, donde el único y peor de los pecados que esta mujer arrastra es la vergüenza de ser fea. Los patrones de los lugares donde trabaja para ganarse la vida, no son capaces, de diferenciar una violista de una violinista y como carece de los atributos de belleza es confinada al foso, para que interprete las piezas musicales, mientras que una figurante, joven y hermosa hace que toca. Ese foso simboliza, la oscuridad, la soledad, la represión sexual a la que está sometida.

En el avance del parlamento, a la fea, le surge la chance de tocar, de lucirse como intérprete musical, de lograr fama, pero esa mujer sueña, y resulta excelente el desempeño de la actriz para lograr el clima dramático adecuado donde esa luz de esperanza es la ventana que le ofrece la oportunidad de ser igual al resto de las mujeres. En este caso, la esperanza no es lo último que se agota, una brisa con facilidad la apagará provocando la resignación porque la única suerte de la fea, es ser confinada y escondida. «No sirve».

En escena hay un gramofono y Kartun, no sólo lo usa como objeto formando parte del material escénico, sino que además nos aggiorna sobre lo que debe haber sido el efecto de poder grabar la voz humana y ser reproducida. Me hizo reflexionar sobre la revolución tecnológica que debe haber producida en ese momento.

No vamos a contar más, para que ustedes personalmente, se enteren en que forma la afecta el gramófono en la vida de esta mártir.

Una obra que tienen muchos puntos en común con el Cyrano de Bergerac, cuyas diferencias son, en nuestro caso, el dolor es padecido por una mujer y tiene el inconfundible estilo de Kartun, en cuanto al humor y cinismo.

Para el público que lea esta nota, y que pertenezca a mi equipo, el de los que desconocemos la diferencia entre violinista y violista, les comento que la viola es un instrumento musical de cuerda, similar en cuanto a materiales y construcción al violín pero de mayor tamaño y sonido más grave. Su tesitura se sitúa entre los graves y medios del violoncello y los agudos del violín. La viola es considerada como el contralto o el tenor dramático de la familia de las cuerdas. Al intérprete de este instrumento se lo denomina «viola» (también «violista», si bien esta última forma no está en el Diccionario de la Real Academia Española.

Les recomiendo que no se pierdan la oportunidad de ver esta pieza teatral. Serán testigos de los padecimientos de una mujer que reclamará arriba del escenario por su suerte. Pero les puedo asegurar que el púbico tiene todas las de ganar, al presenciar un espectáculo de calidad.

Ficha técnica

Mauricio Kartun / Dramaturgia

Luciana Dulitzky / Actriz

Paula Ransenberg /Dirección

Fede Berthet / Composición Musical e intérprete en escena

Marcelo de León / Asistente de dirección

Alejandro Mateo / Diseño de escenografía y vestuario

Fernando Balcells / Diseño de Iluminación

Fernando Balcells / Diseño de Iluminación

Granado / Pelo

Alejandro Ojeda / Fotos

ZkySky / Diseño Gráfico

Marisol Cambre / Prensa y difusión

Vilmanjar / Repostería

Reseña Diana Decunto

consignas.de.radio@gmail.com

Por Yamila Juan

Si en esta época, caracterizada por vínculos tan espontáneos, frágiles y poco duraderos como burbujas, se sufre por amor, entonces aún hay esperanzas. En este sentido, “Así de simple” da cuenta de que el amor no se ha perdido del todo.

Joaquín llora. Su hombre emocional y su hombre racional, también. Lo hace porque no encuentra palabras que expresar y con el llanto logra apagar el diálogo interno. En ocasiones como esa, nadie puede expresar mejor lo que pasa por dentro que una canción vieja y melodramática. Suena “Ella ya me olvidó” de fondo. Y ahí justo una llamada alerta a Joaquín y a sus voces: Clara toca el timbre. Se apaga la música, no se le puede mostrar debilidad.

Clara entra seguida de sus voces. Una decidida a no volver, que sin embargo está ahí, y una desmayada de ganas de quedarse.

Los dos están frente a frente después de haber vivido una historia juntos, con muchas cosas por decirse. Pero lo que logran articular suena a poco, a frases repetidas de otras separaciones, a balbuceos indecisos. Y es que la palabra en voz alta intenta resumir, a veces, un debate imposible de conciliar entre las antípodas que nos constituyen, las mismas que hablan a gritos cuando nadie nos oye.

A partir de esa escena inicial en un departamento (escenográficamente bien armado) que recrea la despedida de una pareja, se cuenta cómo fue el comienzo, el apogeo y el desenlace de la relación desde las voces con las que luchan o concuerdan los protagonistas, no solo para entender al otro sino a ellos mismos.

“Así de simple” es, en principio, una obra para pensar en las complejidades de la comunicación humana, en la influencia de los YO que nos subyacen; y después, una obra para reír o conmoverse.

La idea del desdoblamiento de los personajes principales es original y da para explotarla mucho más aún, dotando quizás de mayor dinamismo y diferenciación a los discursos racionales y emocionales, ya que el conflicto de toda la obra gira en torno a esa tensión. Es también una de las mayores virtudes del guión que, a través de los actores, logra desde el inicio la complicidad con el espectador, puesto que tiene acceso a lo que piensan los protagonistas sin presenciar el recurso consabido del monólogo.

TODOS LOS MIÉRCOLES 21 HS

TEATRO PICADERO – PASAJE SANTOS DISCÉPOLO 1857

Entradas a la venta en boletería del teatro o por Plateantet

Ficha técnica

Libro: Ignacio Bresso y Sofía González Gil

Actúan: Ignacio Bresso, Julieta Gonçalves, Francisco González Gil, Magdalena Pardo, Andrés Passeri, Ailin Zaninovich

Diseño y realización de escenografía: Lula Rojo y Gastón Segalini

Diseño de luces: Manuel González Gil

Música original: Francisco Ruiz Barlett

Diseño gráfico e ilustraciones: Malena Papanicolau

Coreografía: Carolina Pujal

Fotografía: Guido Wain

Comunicación y prensa: Varas Otero

Asistencia de dirección: Manuela González Gil

Producción: Loli Crivocapich

Dirección: Sofía González Gil

Reseña de la obra Quién mató al hijo de Pooh?

Por Diana Decunto

En Teatro Porteño, todos los sábados, se devela el enigma sobre quien mató al hijo de Pooh. Una comedia para pasar el verano, con un asesinato de por medio, la investigación policial tomando declaraciones, buscando evidencias, en el elenco, todos sospechosos, en otrora todos ellos hicieron la serie televisa «La vida es una tómbola». La muerte ocurre en un lugar alejado, mientras están grabando un programa infantil, en donde se esfuerzan cada uno de los que participan para que salga lo mejor posible y volver a los tiempos del estrellato. Los sospechosos son la animadora infantil encarnada por Fiamma Curtosi, un papel muy logrado como Pilar Piedrabuena, una estrella, actualmente de programas infantiles, que había llegado luego de desplazar a su competidora. Su pareja en la ficción, Juanjo Jauregui, que viene de una buena familia, muy bien llevado adelante por el actor Agustín Magarola. Una productora incisiva, con un personaje muy internalizado en la ficción como Vanesa Villafañe, encarnado por la actriz Micaela Tripodi, luego la actriz Marité, interpretando el personaje de Luz, con mucho talento y por ultimo el actor Victoriano Pololla, en el papel de Dylan Dangelo.

La obra es un permitido de sábado, para reírse, pasarlo bien. La propuesta en el dossier ofrece una esquizofrenia teatral. La idea y dirección es de Dany Frissolo Forni y Victoriano Pololla. Con guion de Nicolás Sorrivas y Eliana Fuino.

Un elenco joven, con mucha garra y ganas, para ofrecer un espectáculo para pasarla bien, porque como lo dicen todo el tiempo y es indiscutible. La vida es una tómbola.

Ficha Técnica:

Idea y dirección es de Dany Frissolo Forni y Victoriano Pololla

Guion Nicolás Sorrivas y Eliana Fuino.

Elenco: Micaela Tripodi, Agustín Magarola, Fiamma Curtosi, Victoriano Pololla y Marité

Teatro El Porteño

Diana Decunto,

consignas.de.radio@gmail.com

En el Teatro La Comedia, los viernes a las 21 hs , con guion de Víctor Winer, una obra en tono amable, titulada Freno de Mano.

La historia transcurre en un cuarto de hospital, donde está internada Matilde y llega su esposo José a visitarla. Es un matrimonio en la linea de los cuarenta, mantienen entre ellos, una buena relación. Matilde, aprovechará la visita, para avisarle a su esposo, que el médico ha decidido anticipar la fecha de la operación, para el día de mañana. Acá es donde se desata el problema, José no se puede quedar cuidando a su esposa, porque mañana tenía previsto cumplir un sueño, lo que más desea en la vida, que es viajar a New York y vivir en los EEUU. Su prima le da la facilidad de ofrecerle el pasaje con el cual José habrá de tocar el cielo con las manos, el encontrar el mundo perfecto, el paraíso terrenal. Matilde, obvio, se enoja con José porque ademas de dejarla sola, ella sabe que él tiene algunos ratones con su prima.

Lo mejor que tiene la obra, radica en este jugar de los personajes, en reconocer los limites propios y los del otro, en indagar la capacidad de renunciamiento de cada uno a sus necesidades individuales para lograr mantener viva la pareja. En ningún momento, sale del tono amable, donde los personajes, discuten pero se escuchan porque en el fondo se quieren y se respetan.

La dirección es de Rubén Pires, ha logrado este clima de distensión, en un trabajo con un elenco conformado por la actriz María José Gabin, que le ha dado al personaje el toque adecuado, para interactuar con su partenaire masculino Esteban Prol, con quien muestra una gran sinergia, que les permite lograr una pareja como la de Matilde y José, donde muestran una relación diáfana, pero donde cada uno aprieta su freno de mano, para no dejarse invadir por el otro. Donde la tercera en discordia de la historia, el personaje es encarnado por la actriz Iaderna Stilman.

Les recomiendo que vengan un viernes a las 21 hs, para enterarse como se puede usar el freno de mano en el momento oportuno, para desacelerar y cuando es necesario avanzar sin ponernos limites.

Ficha Técnica

Libro: Victor Winer

Director: Rubén Pires

Elenco: María Jose Gabin, Esteban Prol, Iaderna Stilman

Asistente de dirección: Lola Winer

Diseño de escenografía: Di Sarro – Pires

Realizacòn de escenografía: Gustavo Di Sarro

Diseño de luces: Carlos Rivardero, Ruben Pires

Diseño de vestuario: Juan Miceli

Música y banda de sonia Sergio Vainikoff

Diseño gráfico: Nahuel Lamoglia

Reseña Diana Decunto

consignas.de.radio@gmail.com

Con libro y dirección de Ernesto Medela, en el Teatro Regina, los viernes a las 22:30 se estrenó una comedia muy divertida llamada “Convivencia obligada”.

Es una típica comedia de enredos, pero muy bien lograda. La historia se basa en un chanta, simpático, comprador, y que estafa a tres jóvenes, que es la primera vez que se van a vivir solos.

La convivencia en el mismo departamento por parte de dos estudiantes, una bella dama joven y Emi, el “chanta” que promete soluciones mágicas, será una “convivencia obligada”, con puertas que se abren y cierran todo el tiempo, mal entendidos, mentiritas blancas.

Un elenco tan joven, le da a la obra, un toque de frescura. Todos quienes participan tienen una trayectoria actoral, se ponen en el zapato de los personajes y tenemos al actor Facundo Gambandé, que interpreta maravillosamente a un cordobés, tomador de fernet y después estudiante. El actor Bautista Lena, que descolla en ese personaje de embaucador nato pero que se lo perdona porque en el fondo es bueno, mientras que el actor Esteban Recagno, en su personaje de pertenecer a la clase adinerada y estar de novia en la ficción con la actriz Lourdes Mansilla, quien lleva con mucha altura el personaje de damita joven. La actuación especial de Silvia Peyrou, que es la madre que sufre y se va a enterando de a poquito de los infortunios de la nena. Y además Samuel Nascimento, que participó de la película de High School Musical, es el conserje de la casa de departamento y tiene un texto divertido igual que el resto. También ha sido el debut teatral del actor Facundo Calvo, que no me quiero imaginar las próximas obras, porque la rompió esta vez, con un personaje excelentemente logrado, andando con una valija durante toda la obra y discutiendo, con su mamá, por celular.

Y quiero cerrar esta reseña con lo que dice Medela, que comparto absolutamente:

“Aprender a convivir, conocerse, enojarse, entenderse, enamorarse, descubrirse, pero sobre todo a reírse”. Es lo que van a encontrar en esta comedia vertiginosa que apunta a los jóvenes de todas las edades, porque los grandes fuimos y siempre es lindo volver a esa edad., al menos por un rato y de manera divertida”.

Reseña Diana Decunto

Consignas.de.radio@gmail.com