La escultura de nuestros tiempos

Desde siempre y desde ahora, los logros científicos y artísticos de las mujeres han sido y son invisiblizados. La historia reciente se han encargado de dar a conocer y reinvidicar la trayectoria de grandes personalidades.
Camille Claudel fue una escultora francesa cuya vida fue una tragedia, en especial sus últimos 40 años. Conocida en principio por ser hermana del poeta Paul Claudel, amante de Rodin y… por loca; aunque esté último adjetivo fue simplemente fue desafiar al sistema.

«Espectáculo unipersonal sobre Camille Claudel. Una artista excepcional en un mundo oscuro y represivo, que sólo tiene reservado para ella/s un papel secundario en el que los hombres prevalecen. Camille pasó gran parte de su vida en un manicomio por querer ser escultora y vivir intensamente la creación. Su amor por August Rodin, artista de la época, casado, fue también uno de los motivos que la enfrentó a la sociedad. Camille nos deja un legado artístico fabuloso que nos hace partícipes de su mundo femenino en lucha y echa luz sobre nuestros días». Es la sinopsis del monólogo de Hugo Barcia.

Zuleika Esnal es la gran estrella de este monólogo. Se pone en la piel de Camille Claudel tal cual lo hizo Isabelle Adjani en el 1988 y Juliette Binoche en 2013. Con una intensidad avasallante e impotente, la actriz comienza arrastrándose sobre el escenario con una sábana blanca que la cubre, tal cual como un fantasma que anuncia su presencia.

En una hora Esnal atraviesa todas las emociones posibles, desde la protesta, la ironía, el llanto, desesperación y la locura. Ella hace de Camille un personaje que si bien es difícil, es imposible no empatizar. La simpleza del escenario y iluminación de Héctor Calmet es acertadal contenido dea historia. Da la sensación de soledad y encierro.

Manuel Callau es capaz de ver la visión de Barcia sobre un personaje que fue marginado por la historia y ahora se le da el honor que mereció en su época. Zuleika Esnal hace una interpretación difícil de olvidar, por la cuál estaremos hablando por un largo rato.

Disponible los lunes a las 20:30 en el Teatro El Tinglado (Mario Bravo 948) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Montaña que sana

En lo personal nunca he visitado el sur del país. Seguramente ustedes, quienes leen esta reseña ya saben cómo es. Más que fotos y testimonios, las ganas de estar en la cordillera son inimaginables. La fantasía de acampar con amigos y una fogata, las largas horas de trekking y el desconectarse de una ciudad que tanto agobia, es lo que imagino y sé que es el sur. Por suerte esta obra nos transporta a ese lugar.

«Lorena regresa a la ciudad que abandonó treinta años atrás. Su hijo, Tomás, la acompaña. Tocan timbre en la casa vecina, se reencuentra con Marina y Jorge.
Quizás, el reencuentro no es tan casual. La noche, el alcohol y los discos avanzan. El calor de los cuerpos se filtra en los recuerdos, las palabras se embriagan y todo comienza a ser una avalancha de sensaciones. Cada segundo adquiere la espesura de la eternidad. Esta noche el amor, el deseo, la vida y la muerte se contagian en cada mirada, cada brindis, cada risa, cada palabra, cada silencio, cada canción y cada foto». Es la sinopsis de la obra escrita y dirigida por Pilar Ruiz.

Carlos Portaluppi, Clarisa Korovsky, Juan Tupac Soler y María Inés Sancerni forman parte del elenco de esta obra. Bajo una escenografía conceptual y delicada, la cuál representa una casa de algún pueblo patagonico, construida con herrerías. Este espacio representa un cálido lugar de encuentro. Sin ventanas ni puertas, los actores irán de un lado a otro del escenario. Este espacio es gracias a Ariel Vaccaro. Lucia Feijoó se encarga de la iluminación la recrea a la perfección una noche del sur.

Este cuarteto de actores tienen una hermosa química para una historia que en primera instancia es tensa, llena de misterios e incertidumbre. Mediante silencios y miradas fijas, los personajes irán interactuando entre si hasta ceder ante la clara noche y el perdón del pasado. Pilar Ruiz escribe y dirige una delicada y entrañable obra donde la amistad y las estrellas fugaces australes son los protagonistas.

En Aire de Montaña las relaciones afectivas y de madre e hijo hacen enternecer al espectador sin endulzarlo, se vuelven muy humanas, haciendo que el resultado final sea transportar al espectador ante la calidez de una noche patagonica. Aire de montaña es el abrazo de la naturaleza y el perdón.

Disponible los martes a las 21 horas en el Espacio Galpón de Guevara (Guevara 326) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
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Dios me chicanea

Todo mal cuando arranca alguna reunión y ya hay tensiones previas. Las botellas de vino van a destapar todas las verdades y chicanas. Hay que tener valor para decir la verdad disfrazada de chiste y luego justificarla
¿Qué tan descarado se puede ser?, Dios provee pero también chicanea.

«Una cena, dos parejas. Ellas hermanas, ellos amigos. Un pedido muy particular que desata las mezquindades de cada uno. Un encuentro que revela una inesperada mirada sobre los otros… y sobre si mismos». Es la sinopsis de la obra original de Victoria Sarchi. Matias Broglia, Fausto Guerra, Lourdes Invierno y Victoria Sarchi forman parte del elenco de esta comedia dramática.

Una reunión de sábado aparentemente tranquila para desconectar y reunirse con los amigos sale muy mal. Facundo Veiras es el encargado de ambientar este living mediante escaleras, sillas y mesas de madera. Una guirnalda de luces y apagones sutiles (hechos por Agustín de Martini) que van a marcar los entreactos de la obra.

Silvana Sanetta dirige a este cuarteto de actores y hace posible que el libreto de Sarchi (la cual hace un papel espléndido en esta obra) se haga realidad. Dios me odia es tensa, con una comedia incómoda llena de chicanas y reproches. Personajes realistas pero marcados por el ego y prejuicios. Dos estilos distintos de pareja que van a entreverse en puntos de quiebre. Matias Broglia tiene momentos explosivos que dejan atónito al espectador. Lourdes Invierno representa la visión liberal y actual de las parejas de hoy en día. Fausto Guerra encarna a la perfección al arquetipo de cineasta de autor y Victoria Sarchi se vuelve el personaje más centrado en la realidad.

Dios me odia es una comedia dramática con giros y tensiones interesantes bien ejecutados. Más que una prueba de que Dios nos odia, es el claro mensaje que siempre está dispuesto a tocar la llaga.

Disponible los miércoles a las 20 horas en el Teatro El pueblo (Lavalle 3636) Escribió Sebastian Arismendi para La Butaca Web.
Instagram: cachalote94

Por Sofía Luna Roberts

La directora y dramaturga Irina Alonso nos presenta una obra única: “La mudita”, un unipersonal escrito, dirigido e interpretado por ella misma. Que nos abre las puertas hacia la propia reflexión sobre el paso del tiempo, la nostalgia, la familia y los amores de toda una vida. “La mudita” se presenta todos los domingos a las 16 hs en el Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral (Celcit) situado en la calle Moreno 431.

La obra nos sumerge al interior de una peluquería de barrio en un día domingo 14 de Julio del año 1975, en donde nos encontramos a Inés Bianco, la tía abuela de Irina Alonso. Mientras Inés empieza a limpiar y ordenar las sillas, las revistas, levanta los ruleros que están tirados en el piso y quita el polvo de las mesas, nos comienza a contar pedacitos de su vida pasada. De una manera ingeniosa Inés nos aconseja sobre la vida, nos brinda sus experiencias con el amor o con el trabajo y, al mismo tiempo, nos da tips de belleza, de maquillaje y bienestar personal. Es interesante cómo en el relato, Irina logra complementar y unificar estos polos, es un ir y venir de consejos sobre la vida y sobre peluquería en general.

“La mudita” es una obra biodramática que da lugar a una historia tabú. Inés comienza a tener voz y habla que a través de una forma sutil, nos cuenta algunos hechos de violencia que sufrió por quien era su marido. En el interín intenta trabajar en su peluquería, atender a sus clientas habituales y es así como conoceremos su filosofía de la pulcritud, un refugio para mantenerse en pie a base de estudios de peluquería por correspondencia, nos muestra las revistas femeninas de la época y también nos invita a escuchar canciones significativas para ella en la radio. Pero los recuerdos, las emociones escondidas y la profunda tristeza empiezan a cobrar peso y, de esta manera, Inés pronunciará por primera vez la verdadera historia de su vida.

La escenografía nos brinda un espacio muy reconfortante para la trágica historia que vamos a escuchar. La peluquería se encuentra muy bien ambientada en los años ‘70, tanto las notas de las revistas que Inés nos lee, como los productos de belleza que pone sobre la mesa en forma de exhibición. La vestimenta es impecable, acorde a los colores brillantes y llamativos del espacio y, no hay que dejar de lado, la estupenda actuación de Irina Alonso. La interpretación de una historia tan familiar y conocida permitió un desplazamiento tanto en el espacio como en el personaje que deja a la audiencia con deseos de más. Logra generar una empatía muy directa con el público a través de chistes de la época, íntimos pensamientos de Inés sobre ciertas formalidades del trabajo o del amor, en donde el humor nunca faltó para que el relato sea más dinámico y ligero ante la escucha de los espectadores.

La directora nos invita a visualizar una obra basada en hechos reales, basada en su propia historia de familia y nos revela los secretos que sus ancestros se guardaron por tantos años y le prohibieron volver a hablar de ello. “La mudita” cobra vida en esta sala mostrándonos el valor y coraje, la constante lucha por la verdad y el deseo interrumpido del reencuentro con su más preciada persona.

Cocina perversa

La cocina de alta categoría siempre ha tenido fama de hostil, más allá del cliché del/la típico/a chef principal, lo que se cocina puede ser un caldo de secretos, oscuridad e injusticias.
Somos lo que comemos y nos comportamos por como cocinamos, ¿Sabemos la receta de quién somos o alguien más nos la dicta?, sea en una cocina actual o una del siglo XXI siempre estará una Elisa.

«En una cocina de estancia, se establece un extraño y siniestro vínculo entre una cocinera Nicole, y su ayudante Elisa. Mientras la inexperiencia de Elisa se hace cada vez más notable y su ingenuidad y juventud invaden la tradicional cocina, Nicole inicia una secuencia de maltratos y sadismo que tornará el aprendizaje de su ayudante en una tortura.
A través de la metáfora culinaria y la intertextualidad esta obra alude a los mecanismos de violencia represiva implementados durante la dictadura». Es la sinopsis de la obra original de Lucia Laragione, la cual le fue otorgada el premio María Teresa de León en 1994, estresandose en Madrid y Buenos Aires en ese año, exhibida nuevamente en el Teatro Beckett.

Luciana Procaccini y Gabriela Villalonga son las protagonistas de esta tragicomedia. Bajo una interpretación histriónica, ambas actrices serán polos opuestos en esta cocina, podrán congeniar mediante alt alta cocina francesa, más allá que establecer un rol jefa de cocina y cocinera, sus historias se van a entrelazar.

Luciana Proccini interpreta a una inocente Elisa, algo despistada en la cocina entre medio de recetas en francés que intentará recordar. Gabriela Villalonge será la mademoiselle Nicole, una exigente y estambrotica mujer abnegada y dedicada a la cocina del monsieur. Alejandro Mateo con su meticulosa escenografía recrea esta cocina sin geografía clara, con una precisión muy definida, con una amplia utilería, la cual recuerda al viejo teatro. Fernando Chacoma por su lado aportará con su diseño de iluminación cargado de sombras, un ambiente lugubre que junto a la música de Martin Pavlovsky, van a remitir a un filme noventero de terror.

Mariana Giovine dirige esta obra de una manera audaz, las actrices estarán compenetradas entre si, el ritmo se mantiene y la tensión aumenta, se aprovecha el uso de materiales y el espacio. Giovine lleva a Elisa cocinar una buena oferta teatral para un sábado por la tarde.
Cocinando con Elisa es una deliciosa obra de tarde sabatina cuyo texto podrá degustarse y disfrutarse.

Disponible los sábados a las 18:30 en el Teatro Beckett (Guardia Vieja 3556) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web
Instagram: cachalote94