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Después de dos años completos de pandemia y de pura cuarentena, a partir del martes 19 de Abril el Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI) anuncia su edición 2022 con una programación impecable que nos ofrece una propuesta que hemos dejado un poco de lado a causa del encierro: volver a las salas de cine.
En esta nueva 23° edición, nos vamos a encontrar con un BAFICI que busca permanentemente formar públicos inéditos, que está en una ebullición constante con el objetivo de salir a buscar nuevos proyectos, nuevos espacios y miradas. Un BAFICI que apuesta por la diversidad en todo su esplendor y que se compromete por la vuelta al cine, por el regreso del entusiasmo antes de ingresar a la sala y el disfrute único que una película puede darte. El encuentro se vuelve fundamental a la hora de visualizar y hablar sobre los films, de discutir los distintos puntos de vistas y tener la posibilidad de encontrarse con los propios cineastas, convirtiéndo al BAFICI en una experiencia inigualable.
El festival, organizado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, se va a realizar desde 19 de Abril hasta el 1° de Mayo con la intención de reactivar el corazón porteño de la Ciudad. Éstas serán algunas de las emblemáticas salas de cine en las que las películas se van a reproducir: el Cine Lorca, Cine Cosmos, Cine Gaumont, el Multiplex Monumental Lavalle, la Alianza Francesa y la Sala Leopoldo Lugones van a conformar lo que sería el circuito central de programación. Luego el llamado circuito de salas periféricas va a estar integrado por el Museo del Cine, la Usina del Arte, el Centro Cultural 25 de Mayo, el Anfiteatro del Parque Centenario, los Espacios Arte en Barrios y el Buenos Aires Museo. Se van a presentar 290 películas con más de 450 funciones presenciales de las cuales 223 films se exhibirán también de forma online, y más de 60 actividades especiales, en más de 15 sedes.
Durante 13 días de programación, el cine nos va a envolver con su mística innovadora y creativa a partir de una combinación de cortometrajes y largometrajes en donde el cineasta va a poder ejercer con completa libertad su realización cinematográfica. Este año las competencias serán: la Internacional, Argentina y la vuelta de la Vanguardia y Género. La autonomía, flexibilidad y también la ausencia de los límites que divide al cine, generan una mirada distinta, moderna y única. La meta es generar nuevos puentes y oportunidades para que los cineastas argentinos recuperen la singularidad en sus películas y explotar al máximo su potencia creativa, que reconecten con su público y que lleguen a todas las audiencias posibles.
El BAFICI nos invita a disfrutar nuevamente de la magia del cine independiente, de la experiencia de abrirnos a las innovadoras historias que nos tienen por contar. El valor de la entrada general es de $150, donde habrá descuentos tanto para estudiantes como para jubilados que podrán conseguir a partir del 15 de Abril. La programación se encuentra disponible en la página web Vivamos Cultura o a través del whatsapp de BOTI (el asistente virtual de la Ciudad, 1150500147). No dejemos pasar esta experiencia imperdible en donde el cine nos brinda su espacio de encuentro y creación.
¿Qué más interesante que hablar sobre las relaciones actuales y lo tóxicas que se pueden volver con el tiempo sin darnos cuenta? De eso es lo que Pablo Bellocchio escribe en esta nueva pieza teatral “Tres”, dirigida por Antonela Scatolini Rossi y protagonizada por Gastón Cocchiarale, Pedro Risi, Mariana Blanco Vitorero y Lara Crespo. “Tres” los espera todos los viernes a las 20:30 hs en las salas de El Método Kairós (El Salvador 4530).
La obra nos traslada al living en donde la pareja de Mario y Belén conviven. Ahí mismo también se encuentra Danilo, el hermano de Belén, que da comienzo a la obra a partir del relato de su más reciente separación y lo traumático que fue para él. El verdadero conflicto comienza cuando aparece Paula, amiga de la facultad de Belén, ya que se chocan dos mundos más bien opuestos en una misma habitación. La escena logra una armonía imponente gracias a la llamativa escenografía usada debido a que los colores brillantes y los muebles modernos adornan con su mejor estilo toda la sala. También es interesante la vestimenta que los personajes llevan puesto, fiel a un carácter monocromático que combinan de una manera equilibrada con la escenografía que ocupan.
A partir de aquí, “Tres” se caracteriza por ser una comedia que pone sobre la mesa un sinfín de mecanismos naturalizados dentro de una pareja. Cuestionando los conceptos de amor pasional y romántico que todo lo puede pero que en realidad enmascaran un machismo, o mejor dicho, un micromachismo y violencia que difícilmente es posible de visualizar. Los personajes comienzan a interpretar en escena estas formas de rebajar la opinión del otro y del maltrato indirecto hacia tu pareja de una manera sutil pero punzante. Se pueden presenciar tensiones, confusiones y revelaciones que obligan al espectador a no despegarse del asiento en la espera del siguiente acto.
La obra trata temas en donde todos nos podemos sentir identificados, tales como: las separaciones, los vínculos abusivos y tóxicos que no dejan respirar, pensar, ni visualizar la realidad asfixiante en la que convives con tu pareja. La ceguera, los engaños y el reinado eterno del miedo y la sumisión son puntos de inflexión que nos hacen pensar y cuestionar la realidad que habitamos. También nos muestran las nuevas formas de comunicarnos a través del whatsapp, del famoso “sexting” y el uso persistente de vocabularios modernos e inclusivos. Gracias a esto, logran una completa empatía con el público ya que la ausencia de límites con respecto al vocabulario permite al espectador relajarse y poder disfrutar, desde el humor, el viaje que la obra nos ofrece.
En un momento social de deconstrucción constante, “Tres” nos abre terreno y nos ayuda a no confundir el amor con la violencia a la hora de vincularnos con el otro. Los personajes nos llevan a seguir cuestionándonos las distintas formas en la que estos dos conceptos se pueden confundir y mezclar. Nos ayuda a abrir los ojos y a tener como primera opción el valor hacia uno mismo ante situaciones abusivas ya que sino, nos pueden marcar por el resto de nuestras vidas.
Siempre se habla de que la libertad tiene precio, lo que no nos dicen es qué tan caro es el valor que debemos pagar a la sociedad por ser quien somos y qué pasaría si decidiéramos hacer caso omiso a esa deuda, la de ser libres, pero lo que más duele es la elección del encierro, esto es incalculable y sus consecuencias son drásticas en nosotros.
El cine ha retratado los malintencionados esfuerzos de la sociedad para intentar convertir a las personas, quitarles la libertad mediante tortuosas terapias, tal es el caso de dos filmes que recuerdo: Boy earased (Joel Eagarton, 2018) y Temblores (Jayro Bustamante, 2019), pero esto no es una ficción, es una realidad latente hoy en día que puede estar pasando a cualquiera, incluso al más cercano.
«Diez años después de que su familia lo hiciera ir a una terapia de conversión para intentar eliminar su homosexualidad, un acontecimiento inesperado permite el reencuentro de Matías con Alejandro, su antiguo tutor y terapeuta. Las heridas de una vida trazada por la represión, el dolor, las luchas internas y el amor negado se exponen en un duelo entre estos dos hombres quebrados por el pasado» Es la reseña de la obra original de Paul Caballero.
Luego de la gira que realizó por Bogotá, Madrid, San Juan de Puerto Rico, Nueva York y Copenhague, Reconversos se estrena en Buenos Aires con únicas funciones los viernes de abril. Paul Caballero además del autor, es el escritor y coprotagonista de esta historia, junto a Cristian Mariani van a dejar en la mesa un drama sentido y realista. Mariani en este rol expresa la represión que el personaje le exige, el dolor contenido durante años y las ganas de querer expresar lo que realmente siente, quitarse las máscaras que la sociedad le impone. El actor cordobés realiza un ejercicio íntimo de Matías, un joven que puede ser cualquiera de los lectores de esta reseña.
Paul Caballero por su lado maneja su texto de la mejor manera, Reconversos es todo el imaginario de él representado en esta obra. Su personaje es ambivalente y nos lleva desde el humor hasta el desprecio, mostrando el perfil típico de las personas manipuladoras: El carisma y el «poder de la verdad» cómo medio de control hacia las personas vulnerables. Reconversos es una obra que es capaz de atravesar la comedia, el suspenso y el melodrama sin confundir los géneros. Los actores trabajan bien a sus personajes por lo que se pueden entender y empatizar desde el comienzo.
Reconversos nos muestra las consecuencias de no pagar el precio por nuestra libertad, la condena social y sobre todo, la cruz que cargaremos siempre por no decir quienes somos. «No se puede corregir a la naturaleza, árbol que nace torcido jamás su tronco endereza».
Reconversos está disponible los viernes a las 22:30 en el Teatro Buenos Aires (Corrientes 1699) Escribió Sebastián Arismendi para la Butaca Web. Instagram: cachalote94
¡Todos quieren ver a Metallica! Así lo reconfirmaron los fanáticos al agotar todas las localidades para ver a la banda el 30 de abril de 2022 en el Campo Argentino de Polo.
Presentado por Flow Music y producido por DF Entertainment, el esperado regreso del grupo liderado por James Hetfield, que tendrá a Greta Van Fleet como banda invitada, ya se encontraba Sold Out al momento de la reprogramación, por lo que se habilitaron unos pocos tickets disponibles para aquellos fanáticos que no llegaron a adquirir los tickets anteriormente y ¡los agotaron en menos de 30 minutos!
Metallica se encuentra celebrando el 30 aniversario de The Black Album, uno de sus discos de mayor éxito. Su lanzamiento en 1991 fue #1 en múltiples países y constituyó el formador de algunos de los Hits más importantes de la historia: «Enter Sandman», «The Unforgiven», «Nothing Else Matters», «Wherever I May Roam» y «Sad But True» impulsaron el ascenso de la banda a la cabeza de cartel de estadios y con un crecimiento descomunal inconmensurable a escala mundial.
En el marco del aniversario de su disco más exitoso, la banda presentó The Metallica Blacklist, el disco donde más de 50 artistas sin precedentes que abarcan una gama increíblemente amplia de géneros, generaciones, culturas, continentes y más, reversionan su canción favorita de The Black Album.
Apunta, dispara y corre. Bajo esta simple premisa se esconde un título con una profundidad jugable muy a tener en cuenta. Nos encontramos ante el último lanzamiento de Neon Giant (estudio sueco fundado en 2018) compuesto por desarrolladores implicados en algunos títulos tan destacados como Doom (2016), Far Cry 3, Gears of War y Wolfenstein entre otros. Después de casi un año de exclusividad en consolas de Microsoft por fin podemos hincarle el diente a este divertido juego de disparos con vista isométrica.
La historia nos sitúa en un futuro distópico donde nuestro protagonista vive en un planeta llamado Veles. La vida de los habitantes gira alrededor del Grupo Ascensión, una metrópolis que se alza hasta el cielo dirigida por una gran corporación (de reputación cuestionable) y habitada por criaturas de toda la galaxia. En esta historia asumimos el papel de un auténtico desconocido, un mero trabajador esclavizado por la empresa, cuyo único fin es trabajar sin descanso. Sin embargo, un buen día se ve envuelto en un torbellino de sucesos catastróficos y el Grupo Ascensión cierra por motivos desconocidos, arrancando así una narrativa dominada principalmente por temas políticos y laborales bastante complejos.
Este planteamiento aunque no es muy original me ha resultado interesante y por momentos me ha recordado a la película “Desafío total” de Paul Verhoeven. Al comienzo de la historia podemos seleccionar el género del personaje, apariencia física (corte de pelo, color de piel o tatuajes), tipo de arma (precisión, escopetas o armas excesivas) así como los diferentes atributos (velocidad, fuerza, equilibrio,etc). Según vayamos avanzando en la historia podremos acudir al Grafter (NPC) para personalizar aún más la apariencia física.
Por lo que respecta al apartado gráfico nos encontramos ante un título de estética cyberpunk lleno de neones y visualmente muy atractivo. Los escenarios son amplios con multitud de detalles que deberemos observar para aprovecharlo de cara a nuestros enfrentamientos con hordas de enemigos con muy malas pulgas. Por lo que respecta al apartado jugable nos encontramos con una acción frenética que no nos dejará muchos momentos de pausa y donde deberemos ser inteligentes y saber dosificar esfuerzos. Me ha gustado la profundidad que aporta el componente de rpg dando importancia a los aumentos y los módulos. El primero añade una habilidad única al personaje (como por ejemplo drones para atacar a los enemigos) mientras que el segundo te ofrece un aumento pasivo (incluyendo el aumento del HP máximo). A lo largo de la aventura podemos equipar dos aumentos y dos módulos al mismo tiempo, que junto con las diferentes mejoras que realicemos en nuestra armadura, determinarán nuestro éxito o fracaso en la batalla.
El manejo del personaje es fluido y no he sentido ningún tipo de lag en los controles. En el lanzamiento del título se produjeron diferentes críticas de jugadores que se han pulido y ahora funciona a las mil maravillas. Por lo que respecta al apartado sonoro es una auténtica maravilla y cumple su papel de inmersión de manera muy exitosa. Las voces en segundo plano, los disparos, el sonidos de los robots e inclusive los efectos metálicos al acceder a los diferentes menús te hacen sentir que estás dentro de un mundo futurista, al más puro estilo de películas como “Blade Runner” o el reciente videojuego Cyberpunk 2077.
En resumen nos encontramos con un shooter de acción frenética con dosis de rpg que le otorga cierta profundidad y con un apartado sonoro de calidad. En mi opinión se trata de un buen juego que ojalá tenga una secuela en breve. Espero que os haya gustado este análisis y nos vemos pronto en La Butaca Web.
Si ya ha creado su cuenta, por favor, disfrute del juego.
El juego que ya nos cautivó en PS2 llega, tras haberse hecho unos arreglillos, al fin a nuestra Nintendo Switch (ya estaba disponible en PS4 y PC). .Hack es una saga de juegos de simulación de MMORPG donde tenemos a nuestro personaje viviendo toda una aventura en The World, el juego.
Como se trata de una remasterización, creo conveniente analizar el juego desde dos vertientes. Primero hablar de .hack y luego hacerlo de esta remasterización en concreto. Así, no doy más la lata, ¡vamos a empezar nuestra aventura!
Bienvenido a The World .hack cuenta la historia de Haseo quien tras muchas horas de juego se ha convertido en un aniquilador de PK. Los PK son aquellos jugadores que se dedican en exclusiva a acabar con otros jugadores. Esto, aunque pueda parecer una nimiedad, deja claro desde el principio que no es así pues el jugador que acaba muerto en el juego resulta en coma en la vida real. Pues bien, a Haseo le han arrebatado así a una amiga y, tras su primer encontronazo con el presunto culpable, Haseo termina siendo rebajado al nivel 1 y teniendo que fortalecerse para poder vencerle de una vez.
Y aquí comienza nuestra historia, una historia que se desarrollará a lo largo de tres entregas (más un epílogo) y que desde luego es de las cosas que más enganchan de .hack. El gran problema reside aquí en la barrera del idioma y es que el juego no llegó traducido y solo podemos disfrutarlo en inglés o japonés. Personalmente creo que se merece una traducción completa ya que incluye muchísimas escenas de video y textos constantes que explican todas las complejidades del juego. Una lástima.
Variedad a lo grande El mundo de .hack es enorme. No solo contamos con varias ciudades donde realizar diversas actividades como aceptar misiones, comprar o vender objetos y tener nuestro gremio para conseguir mejoras. También tenemos las zonas de exploración y batalla propiamente dichas. A ellas llegaremos a través de portales que funcionan de una manera realmente curiosa. Debemos introducir hasta tres palabras que crearán el bioma al que iremos a parar y que variarán tanto el contenido, como la dificultad como los enemigos que encontremos (y tesoros).
Cuando entramos en una zona de las que acabo de decir, encontraremos todo tipo de enemigos desperdigados por el mapa dando paso a uno de los aspectos que creo, es de lo mejor que tiene el juego.
Se acabó el pegar por pegar En The World no basta con darle constantemente a la A para acabar con los enemigos. En primer lugar, habrá zonas que requieran que vayamos acompañados y es que no hay nada mejor que conocer gente a través de un juego. Así, cuando hablamos con ellos, nos dan su “código” para así poder invitarles a nuestras partidas y poder hacer frente a lo más temible.
En segundo lugar, una vez que ya tenemos nuestro equipo formado, debemos prepararnos para la batalla. Un amplio inventario con bastante variedad de armas, amuletos y objetos se despliega para que podamos llevar lo que mejor nos venga y salir airosos de cada combate. En tercer lugar, el combate propiamente dicho se divide en diferentes partes. Lo primordial será empezar el enfrentamiento que hará que se generen unas paredes invisibles para reducir el campo de batalla. Si empezamos nosotros la pelea, pillaremos desprevenidos a los enemigos pudiendo asestarles un primer golpe notorio y comenzar con cierta ventaja. Durante el combate, debemos tener en cuenta nuestros combos, la posibilidad de hacer una habilidad más potente, así como ir subiendo la moral del grupo que generará que se vuelvan mucho más fuertes durante unos segundos pudiendo darle la vuelta a la tortilla si nos vemos en apuros. Después de cada zona, habrá una pantalla donde nos indiquen qué tan bien lo hemos hecho y nos darán una calificación.
Aunque es un combate muy dinámico con muchas cosas para tener en cuenta, los enemigos pueden resultar algo repetitivos y sus ataques todavía más. Si dedicamos un par de tardes a levear antes de avanzar en la historia, la mayoría de los combates serán sencillos y se superarán sin mayor problema. Cierto es que, en gran número de ocasiones, podremos simplemente avanzar por el mapa evitándolos.
Es hora de desconectar Como no podía ser de otra forma, The World no deja de ser un juego por lo que podemos desconectarnos cuando queramos. Si lo hacemos, tendremos acceso al ordenador que nos permitirá revisar los vídeos guardados, contestar mails, e incluso jugar a alguna otra cosilla bastante curiosa. Si bien no es nada que nos mantenga entretenidos demasiado tiempo, sí que ofrece un toque diferente a lo que encontramos en otros juegos. Además, será necesario en muchas ocasiones revisar y contestar mails para poder seguir avanzando.
También es fuera del juego donde podemos intercambiar datos con los jugadores que vayamos conociendo y conseguir así mejorar nuestras relaciones y, por supuesto, conocer las actualizaciones del juego y las novedades que incluyan los eventos temporales (sí, los hay y al protagonista le cansan tanto como a mí).
¿Por qué un remaster? Bueno, pues eso sería .hack. Una de mis sagas favoritas de pequeña y que Bandai Namco ha tenido para bien remasterizar. Y, personalmente, lo ha hecho fenomenal. Destaco, sin lugar a duda, el excelente capítulo inédito que ata algunos cabos que quedaban sueltos a lo largo de las tres entregas por lo que ha sabido poner el broche perfecto. Por su parte, las cinemáticas han sido rehechas y se ven muy bonitas y cuidadas. Respetando la estética original. Sí hecho de menos algo más de trabajo y que, por ejemplo, muevan la boca cuando hablan, pero bueno, son tan bonitas y hay tanto por mostrar, que queda en ocasiones, relegado a un segundo puesto.
También han incluido un nuevo modo de juego consistente en tener todas las habilidades desde el principio por lo que las partes de combate serán un mero trámite y podrás centrarte exclusivamente en la historia. El modo Parody le da un toque jocoso al juego pues permite acceder a todas las cinemáticas vistas hasta la fecha con algún cambio como si de tomas falsas se tratase. Y por último, tenemos el Terminal Disc que nos brinda algo de información sobre lo acontecido previamente de manera que empecemos a jugar sabiendo de qué va la cosa.
Conclusiones
Me ha encantado poder disfrutar de estos títulos al fin en mi Nintendo Switch. A pesar de que salió hace ya años en PS4 y PC, no han metido ningún cambio y en cierto modo esto sí me ha decepcionado. Esperaba alguna mejora o de manera idílica el idioma español en el juego, pero no ha sido así. Es un muy buen remaster que facilita el acceso a esta gran saga y que ha mejorado lo suficiente tanto visualmente como técnicamente para no resultar pesado de jugar. No obstante, Bandai ha hecho un gran trabajo y ofrece un juego que nos dará una media de 25 horas por título (salvo el último) en las que seguramente no tengamos ratos tediosos o de aburrimiento y es que genera una historia tan profunda y turbia que no podemos parar de jugar para saber qué pasa.
Con esta obra tengo una cuestión muy personal, la estaba por ir a ver un jueves de marzo en 2020, ese día me llamaron para decir que la obra se suspendía por motivo de que habían llegado los primeros casos de COVID a la Argentina y el país de encontraba en alerta, luego de eso se dicta la cuarentena obligatoria y lo demás es historia conocida. Tras dos años de ausencia este musical regresa en un momento en el que la nueva normalidad nos permite nuevamente asistir al teatro y festejar un musical de estás dimensiones.
En cuanto a la historia, nos llevan a una fábrica de zapatos y que tras la muerte de su dueño, su hijo Charlie debe tomar las riendas de una empresa que va en picada. Este personaje llevaba tiempo huyendo de lo que fue su herencia, pero al encontrarse con la responsabilidad de muchas personas que dependen del trabajo en ese lugar, decide buscar alguna forma para volver a poner en pie la fábrica. Tras encontrarse con una dama en apuros, conoce a Lola, quien es una Drag Queen que a pesar de saber defenderse sola, tiene problemas con sus botas taco aguja, que no resisten su fuerza en todas sus presentaciones. Es así como sale la idea de que la empresa de zapatos empiece a realizar botas para Drag Queens, lo que lleva a qué el emprendimiento caiga en en los prejuicios de la gente de un pueblo chico que debe aprender a aceptar al otro tal cual es.
Actualmente es una de las obras teatrales que mejor despliegue escénico cuenta, con una producción que seguramente no es fácil de hacer pero que aún así se tomó el riesgo de llevarla a cabo en estos tiempos. Su primera temporada, aunque corta, resultó bastante exitosa y uno de los motivos además de su producción es la convocatoria que tiene personalidades como Martin Bossi y Fernando Dente. El musical es muy querido en Buenos Aires, y se nota la pasión este trabajo denotado también en la presencia de un ensamble impecable. La idea de esta propuesta es hacer una fiesta, y además colocar un mensaje de aceptación, que se logra con creces.
La obra se lleva a cabo con muchos pasos de comedia , si bien nos tomamos un tiempo para la reflexión sobre los prejuicios hacia el otro, nunca olvida de su espíritu alegre y la idea de en todo momento sacar una sonrisa al público. Es cierto que en algunos momentos, el personaje de Lola (interpretado por Martin Bossi) suele resultar un poco excesiva en la realización de chistes aunque la experiencia en general es más que satisfactoria. Dente y Bossi son los que mayor presencia cuentan en la obra , Bossi haciendo de Simón y Lola, siendo está última que regala momentos de de esplendor y más cuando se encuentra en compañía de su equipo de Drag Queens. En el caso de Dente, sus números musicales van más por el lado del desarrollo del personaje , con un tono más reflexivo pero que al final llega a unirse a la fiesta. También toca destacar la incorporación de Laura Esquivel, quien hace de una de las trabajadoras de la fábrica y quién resulta tener un interés más personal con el protagonista
El teatro astral es ideal para esta producción, no solo se ha trabajado en la escenografía de la obra en el mismo escenario sino que esto también involucra a todo el teatro, como en la iluminación. En un momento el brillo y las luces tipo neon se hacen presentes y nos sorprendemos de la producción que se ha hecho en toda la sala para que en los momentos más festivos sea toda la sala la que participe.
Kinky Boots es una de las obras más festivas y alegres que podés encontrar actualmente en la cartelera teatral. Se trata de una obra enorme en su producción en el que también se nota que se le ha dado mucho cariño. Sus protagonistas son muy carismáticos y también cuenta con un ensamble que hace la experiencia más grande de lo que es. Una mención especial para las Drag Queens que además de las Botas, son las grandes protagonista de un show muy alegre y que también nos regala un lindo mensaje de aceptación.
El show de Maroon 5 era de los más esperados por el público argentino. Luego de su postergación en 2020 a raíz del advenimiento de la pandemia, el ansiado reencuentro de la banda con los fans fue la gran estrella de la noche: más de 50.000 personas conquistaron el Campo Argentino de Polo a puro hit y energía Pop.
Producido por DF Entertainment y presentado por Flow Music, la banda más icónica del Pop contemporáneo hicieron un recorrido por “Jordi”, su último trabajo discográfico, con canciones como “Memories”, “Beautiful Mistakes” y “Lost”, así como también deleitó al público (donde no faltaron los gritos y la tan reconocida a nivel global pasión argentina) con hitazos como “Payphone”, “Moves Like Jagger”, “Maps”, “Love Somebody”, “She Will”, “Sugar”, entre otros.
A su vez, el show de Maroon 5 en Argentina se pudo disfrutar a través de la transmisión de Flow desde cualquier punto del país y a través de cualquier dispositivo. Más de 100.000 personas pudieron ver la presentación de la banda en vivo por el canal 605, donde también hubo contenidos exclusivos.
Con la apertura de DJ Mailbox y Zoe Gotusso, que llenó de dulzura el Campo Argentino de Polo con una muestra de lo que será su “Ganas Tour”, la cuarta visita de Maroon 5 revivió el espíritu Pop argentino que sólo la música en vivo puede lograr.
El sexo seduce, vende, mueve las piezas de una sociedad y su política, es capaz de acabar con la guerra. El gran poder del sexo se subestima, sabemos que nuestra forma de relacionarnos y tomar decisiones está relacionada con el. ¿Puede la prohibición del mismo acabar con los conflictos entre pueblos?, la idea no suena tan descabellada y más aún en la última etapa del imperio griego.
«Lisístrata es una de las comedias más leídas y representadas de la historia de la humanidad. Con objeto de terminar la guerra contra Esparta que desangra a toda Grecia desde el año 431, las mujeres se apoderan de la Acrópolis donde se guarda el tesoro que los atenienses necesitan para hacer la guerra». Esta es la sinopsis de la obra que no es ayer tampoco de hace rato, Aristófanes la escribió hace 2500 años, Agustina Gatto y Silvia Gómez Giusto adaptan este clásico a una manera más canchera y moderna, dejando a claro que los tiempos no han cambiado.
Matías Broglia, Fabian Carrasco, Camilo Polotto Javkin y Marcelo Pozzi forman parte de este elenco que irá mutando entre sus personajes, pues sus actuaciones irán más allá de la edad y género, dándole a esta comedia un toque ligero y fresco. Este cuarteto hará de atenienses y espartanas pero también de los opresores. Con todo carisma, se volverá un concierto de carcajada el perfomance de estos.
Juan Pérez Pardo y Axel Sthaler componen y tocan la música en vivo, además de entonar los coros. En Lisistrata se nota un ambiente rock que va desde la vestimenta inicial de los actores hecha por Lucía García hasta en el lenguaje corporal. Silvia Gómez Giusto compone a una Lisistrata postmoderna, de cuero y rockera que más que una revolución sexual para hacer la paz, es la muestra de que los tiempos no han cambiado.
Lisistrata esta disponible los domingos a las 17 horas en el Espacio Callejón (Humahuaca 3759)
Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web. Instagram: cachalote94
Creía que luego de la segunda entrega de animales fantásticos la saga estaría muerta, no porque fuese una mala entrega, sino porque tanto la taquilla comos las opiniones no la habían acompañado del todo. A pesar del exceso de Fan Service , defendía al film sobre todo por un carismático Dumbledore interpretado por Jud Law, y que daba un anticipo de una de las tramas más interesantes que podía dejar esta serie, el enfrentamiento entre Dumbledore y Grindelwald.
Luego de que si segundo film nos trajo a Jhonny Depp como Grindelwald, se vino la polémica por el cambio de actor. La realidad es que Mads Mikkelsen trae un villano mucho más carismático aunque con un guión que no acompaña al desarrollo del personaje. La trama se concentra en la relación de ambos personajes, dando un anticipo a lo que sería la batalla que nombrada en pasajes de la serie de Harry Potter. Vamos a decir la verdad, los animales fantásticos ya casi no existen, y por más carismático sea Newt Scamander, no supieron que hacer con el , aunque cuente con el momento gracioso del film. Y eso es lo que pasa con el resto de los personajes, no saben dónde están ubicados, sus acciones se vuelven irrelevantes al punto que la cosa podría funcionar si ninguno estaba involucrado, cómo hicieron con Tina, con la excusa que ascendió en su puesto en el ministerio estadounidense, y se la excluyó de toda la trama.
Ahora sí, Jud Law y Mikkelsen interpretan con mucha fuerza a aus personajes, y aunque no hay muchos secretos revelados, lo importante es el lazo que había entre ellos y las consecuencias que pueden traer su rompimiento. También el film trae una trama política, pero que está desarrollada tan vagamente. Se llevan a cabo unas elecciones para elegir los líderes de la confederación de magos, por algún motivo Grindelwald está involucrado ahí. Y lo que suceda ahí determinará el futuro del mundo mágico y la relación con los no magos. Básicamente es la premisa, en las que las cosas irónicamente se presentan mágicamente y así se esfuman sin traer consecuencia alguna. Quisiera dar spoilers, pero lamentablemente no los hay, porque en más de dos horas de película, no sucede nada. Bueno, volvemos un rato a Hogwarts.
Si hay algo que funciona es toda la factura técnica, contamos con escenas de acción que son muy atractivas visualmente. Además de la aparición de escenarios y criaturas que denotan un buen trabajo desde lo artístico. La vuelta a Hogwarts, por más nostalgia que de, tampoco resulta muy impresionante, aunque se agradece un poco que no haya tanto exceso de fanservice intencional como había sucedido en la entrega anterior.
Se esperaba muchísimo más de esta entrega, por lo que suponía la batalla entre dos personajes que resultaba muy atractivo para todos los fans de Harry Potter. El problema fue la idea de querer seguir estirando el chicle, en un conflicto que se podría haber resuelto en este film y que nunca sucedió. La película tiene cosas muy interesantes y no todo es un desperdicio, pero lamentablemente toca decir que su metraje de más de dos horas es aburrido y con una historia que jamás avanza. De no morir acá esta saga, esperemos que le den un buen final al enfrentamiento que todos están esperando.
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