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El director Will Gluck nos trae una nueva aventura Petter Rabbit. En esta nueva entrega tenemos la boda de Bea (Rose Byrne) y Thomas (Domhnall Gleeson) y la conformación de esta nueva y peculiar familia en la cual también sumamos a Petter y los demás conejos. Esta nueva entrega está llena de humor y diversión, resultando perfecto para ir al cine en familia con los chicos, quizás no tan chicos, pero si apta para todo público. Una película para nada aburrida y con momentos hilarantes.
Hay que resaltar el trabajo que se tomaron el realismo con el que hicieron a Petter y el resto de animales en la película, quizás no al cien por ciento, pero con una perfecta combinación entre lo real y lo caricaturesco. Algo que quizás hubiera estado bueno en cierta película de un leoncito huérfano (guiño, guiño), debido a que el exceso de realismo en animales parlantes hace que se pierda un poco las expresiones gestuales que los humanos tenemos y sabemos identificar en otros; no es lo mismo ver un animal de caricatura alegre y sonriendo que su versión alegre en la realidad. Siendo así una buena producción de modelado 3D. Quizás no tanto la animación en algunas escenas, que rompen un poco con la realidad, pero puedo llegar a pensar que quizás es debido a que es un mundo fantasioso y de alguna forma le suma al humor y se puede ignorar.
Para finalizar diría que la película da para una que otra aventura más, mientras mantenga la buena labor que han estado haciendo, pero sin explotarla como cierto estudio lo hizo con cierta ardilla (guiño, guiño).
Candyman película dirigida por Nia Dacosta y protagoniza por Yahya Abdul-Mateen II (Anthony McCoy), Tony Todd (Candyman) y Teyonah Parris (Brianna Cartwright).
La película relata la historia de Anthony, un artista visual, que pasa por una etapa difícil de su carrera debido un bloqueo artístico. Y dentro de la búsqueda de inspiración artística decide investigar sobre la historia urbana de Helen Lyle, luego de escucharla por parte de Troy (Nathan Stewart-Jarrett), hermano de Brianna, su novia.
Empecemos informando que para aquellos lectores que quizás no lo sepan esta película no es reboot o remake de Candyman(1992) sino que es la continuación de la primera, ya que tuvo otras dos películas luego de la primera. La historia se centra 30 años después de lo acontecido en la primera película e ignorando las otras dos que salieron en la década de los 90’s. Lo bueno es que la película se hace entender para aquellos que no vieron la primera, algo bastante acertado, ya han pasado mucho tiempo como para hacer una secuela. Pero luego de ver esta película quizás les interese ver la primera para aquellos no sabía de la existencia ésta.
La película en cuanto a concepto y estética se ve bien elaborada, mostrando un trabajo artístico integral desde el inicio de la película hasta el final. Es una historia que cumple con la agenda actual de la inclusión social. Planteada correctamente desde el simbolismo que podemos sacar de la primera película y así dirigirla en esta continuación de forma un tanto orgánica y natural. Para aclarar esto, la historia de la película es buena, pero si hubo un fallo, porque partiendo del género de terror de la primera, esta continuación carece de eso. No se podría calificar de película terrorífica, y no está cerca a sacarte un susto. Quizás Nia Dacosta se perdió un poco queriendo hacer una buena historia olvidándose sobre qué la base de qué genero de película de terror estaba basándose. Otro contra que hay para la película es se vuelve una historia algo extensa para lo que quiere el director nos quiere mostrar, casi como un relleno que no suma ni resta en la historia. Pero de todas formas la historia siguió siendo buena, pero no es recomendable para aquellos que busquen asustarse o ver cosas terroríficas, porque no habrá nada asombroso.
Al final si me gustaría agregar que quizás en la mente del director había la intención reflejar algo más horrífico que lo sobrenatural y es el horror que se vive en cuando a la violencia y abuso de poder policiaco.
Treinta años cumplen desde que se estrenó por primera vez esta obra llamada «Brujas», título que llego a convertirse en un clásico del teatro argentino, en el que se nota mucho el cariño por parte de las actrices que formaron parte del estreno original para con la obra, y que demuestra ser una gran comedia que sigue igual de vigente a pesar del tiempo.
Para hacer un pequeño resúmen de la historia, en brujas somos parte de una reunión de un grupo de 5 ex compañeras de un colegio religiosos, ellas se juntan después de muchos años con la intención de celebrar su duradera amistad, aunque siempre hay algo detrás. La noche avanza, y gracias a unos tragos de más, empiezan a disparar algunas verdades que captan la atención y la incomodidad de estás amigas. No se trata solamente de la típica historia de sacar los trapitos al sol, sino que se abre una ola de misterios sobre hechos del pasado y estas mujeres se ven en la obligación de resolverlos sin importar el costo. Si bien se trata de una comedia que sabe jugar muy bien el juego de la reunión para hacer reír al público desde las anécdotas, y desde el trato sin filtro de estás amigas. También toca aclarar que llegado a un punto de inflexión, la historia toma un carácter dramático en aquel momento que debemos descubrir quién mintió, quien cometió traición, entre otras cosas.
En cuanto a las actuaciones, cada una de las actrices juegan muy bien su papel, siendo Moria casan, Nora Carpena y Thelma Biral, las que ya conocen de punta a punta la obra, que aunque sufre algunos cambios debido al tiempo en que transcurre, mantiene la escencia de lo que siempre fue aquella historia. Sandra Mihanovich y María Leal son las nuevas incorporaciones, que saben encontrar su hueco en el grupo de amigas, ya que la obra se lleva a cabo con mucha soltura. Aunque todas estuvieron excelentes, no puedo dejar de destacar a Moria Casan, en un papel que realmente le calza perfecto, ya que le permite desatar el histrionismo que es propio de ella, y que logra destacarse hasta en los momentos más dramáticos.
Algo también para destacar, es que la puesta fue también pensada para los tiempos que corren (Hablando de pandemia), ya que los personajes se sitúan estratégicamente para cumplir lo más posible con el distanciamiento social. Tenemos cinco sillones en la representación de una elegante casa, dónde estas mujeres ocupan un lugar e interactúan entre sí, en ningún momento se siente forzado, ya que hay hasta espacio para hacer un chiste sobre ello, así que es un logro que es necesario destacar.
Seguramente muchos medios ya lo habrán dicho en reiteradas ocasiones, pero no puedo terminar esta reseña sin decir que Brujas es un fenómeno del teatro argentino que merece ser visto. Que mejor oportunidad que este para ver por primera vez o volver a ver una comedia que ya es parte del ADN teatral de nuestro país.
Brujas se presenta de miércoles a domingo a las 19:30 horas, con función extra los sábados a las 21:30 horas en el teatro Multitabaris Comafi. Les escribió Daniel Alvarez para La Butaca Web.
Marvel se niega a morir! La empresa saco de la galera un personaje que los introduciría a un nuevo genero y, de yapa, haría felices a sus amos chinos. Shang Chi llega al MCU como una propuesta que acercaría al público al genero de las artes marciales que tanto gustó, gusta y va a seguir gustando. Basado en, obvio, el personaje de Marvel Cómics creado en 1973 por el magnífico Jim Starlin en sociedad con Steve Englehart. La idea en principio era lukear con todo el publico que en aquel momento miraba series como KUNG FU o películas de Bruce Lee. La casa de las ideas fue pilla y compro los derechos de FU MAN CHU, personaje creado por Sam Rohner, y a partir de ahí diseñaron al heroe titular como el hijo heroico y experto en artes marciales de éste villano.
La historia se toma un par de licencias copadas con respecto al material original. Se sigue a un Shang Chi (Simu Liu) haciéndose el boludo en California, huyendo de LOS DIEZ ANILLOS (sí, los mismos que secuestra a Tony Stark en la primera película), un grupo terrorista liderado por su inmortal padre, que es, nada mas ni nada menos, que EL VERDADERO MANDARIN, interpretado brillantemente por Tony Chiu. El protagonista cambia de enfoque cuando recibe pistas del paradero de su hermana Xialingv (Zhang Meng’er) y, en simultáneo, es atacado y asaltado por el clan maligno de su padre. Ésto lleva a Don Shang a irse a China a ayudar a su hermana en compañía de su insoportable amiga interpretada por Awkwafina.
El genero de artes marciales cocinado a la Marvel Studios quedo mejor de lo que pensaba. En lo que es coreografías de lucha la película es un diez puntos, porque no solo anaboliza la acción frenética de películas como THE RAID, sino que también suma a los combates unas decisiones visuales loquisimas. En lo que es dirección, cortesía de Destin Daniel Cretton, el proyecto esta impecable, lo mismo con los colores utilizados para los personajes, homenajeando con total lealtad al cine de acción oriental que tan vivo se mantiene y que tanto amamos.
Los actores principales estan bien y solo bien, ninguno de los héroes brilla ni explota de carisma, son héroes y ya, nada del otro mundo ni nada que vaya a ser recordado, ahora cuando hablamos del antagonista ahi si la cosa se pone interesante. En el párrafo anterior no, en el otro, les conte que el malo es EL VERDADERO MANDARIN, esto hace referencia a que el personaje ya apareció en el MCU, mas concretamente, en IRON MAN 3. La idea en aquella película de Shane Black fue polémica en su momento, ya que se eligió a Ben Kingsley (quien tiene una aparición en Shang Chi) para que interprete al villano y, en los trailers, se nos había presentado al personaje como una suerte de Osama Bin Laden. El hype estaba por las nubes y los fans se vieron estafados al ir al cine y encontrarse con que esa versión del malo era literalmente un actor puesto por el personaje de Guy Pearce, que era uno de esos malos de traje y corbata que tan de moda estaban en aquellos tiempos. En lo personal el planteamiento me pareció copado, que el terrorista sea una creación de las grandes corporaciones fue una movida copada y que funciono, pero pocos estuvieron de acuerdo conmigo y ahora Marvel busco redimirse con los fans trayendo a EL MANDARIN a éste nuevo proyecto. Tony Chiu nos brinda a uno de los mejores antagonistas que tuvo Marvel Studios hasta la fecha, un Mandarin (que niega ese nombre y hasta lo considera una ofensa, prefiriendo su nombre original Xu Wenwu) motivado por el amor. Al personaje se le otorgan los diez anillos de poder que lo caracterizan y con un diseño renovado que actualiza el concepto, la motivación de éste guerrero inmortal se basa en el amor mas que en el poder, ya que su plan es rearmar a su familia, en ningún momento planea asesinar a sus hijos, sino que quiere que éstos se sumen en su cruzada para traer de regreso a su difunta esposa y así volver a renunciar a su inmortalidad. Cabe destacar ésta otra licencia, el padre de Shang Chi en los comics es Zheng Zu, una reinterpretación de Fu Manchu creada cuando Marvel Cómics perdió los derechos de éste ultimo, pero en la película se decidió usar al popular nemesis de Iron Man para darle continuidad al universo.
La película tiene algunas fallas con respecto al tono, un error común en las películas de Marvel. La comedia excede toda situación, cayendo en el cliche del chiste fácil y priorizando siempre al alivio cómico que, en éste caso, esta interpretado por la insoportablemente carismática Awkwafina. Simu Liu esta bien como héroe, pero no creo que su personaje logre transgredir demasiado, es poco probable que uno se pregunte por Shang Chi otra vez, al menos por ahora.
SHANG CHI es buena a pesar de que no sea memorable. Visualmente es bastante rica y a nivel historia tenemos una aventura digna y familiar que va a dejar a chicos y grandes con ganas de tirar patadas y piñas a todo aquel que se atraviese en su camino … Porque eso es cool. Marvel Studios se niega a morir!
En una noche de martes por la ciudad de Buenos Aires, tuvimos el placer de disfrutar de la obra «Te quiero hasta la Luna» una puesta que lleva 7 temporadas en cartel y que ahora se muda a la calle corrientes con una propuesta renovada y con nuevos actores. Julia y Pablo se conocieron a los siete años, fueron amigos, novios, y a los veintisiete años se separaron…, pero ya habían pagado su sueño: un viaje a la luna.
Este viaje a la luna se lleva a cabo de todos modos, a pesar que nuestros protagonistas se encuentren separados, ya que este resultaba ser el sueño que tenían desde que nació su amor en la niñez. Obviamente este viaje sirve para poder aclarar los tantos sobre lo que sucedió con sus vidas, y con ello, recordar aquellos tiempos en la que los sueños podían contra cualquier cosa.
Los actores que forman parte de esta obra renovada son Alan Madanés y Carolina Kopelioff . Este dúo tiene una química y simpatía increíble, transmiten ternura y risas a los espectadores. La puesta en escena de Matías Puricelli y Francisco Ruiz Barlett y Sofía González Gil hacen posible esta atmosfera de amor lunar.
Te quiero hasta la luna funciona por lo que es, una comedia romántica simple pero aún así puede convencer su simpático viaje, debido a la energía que entregan los actores y que nos deja pensando en la siguiente pregunta: ¿Es posible un amor incondicional desde la niñez hasta el fin?
Te quiero hasta la luna está disponible los martes a las 21 horas en el Teatro Metropolitan Sura (Av. Corrientes 1343).
Al pensar en Ballet una sola imagen se nos viene a la cabeza: Elegancia. Cuerpos esbeltos, delicadeza, meticulosidad, coordinación y belleza es lo que caracteriza una puesta en escena. Nuestras pupilas siempre estarán dilatadas a ver un show del Cascanueces o del Lago de los cisnes, al salir nuestras emociones estarán a flor de piel, mas si vemos este espectáculo en el Teatro mas importante del país, el siempre admirado e imponente Teatro Colón, pero… ¿Qué pasa cuando se cierra el telón?
»Luciana y David son dos bailarines del Teatro Colón capaces de obrar milagros. Fueron bendecidos con la gracia, el ritmo y la plasticidad. Pero sus privilegios de bailarines de élite no los protegen de la fatalidad: viven acechados por el error, la falla, el azar. ¿Luciana y David dominan sus cuerpos o sus cuerpos los dominan a ellos?». Es la sinopsis de la obra de Alejandro Quesada y Florencia Werchowsky.
Luciana Barrirero y David Gómez son bailarines pertenecientes al equipo de Ballet estable del Colón, por primera vez vemos a figuras angeladas cara a cara y desnudos, aunque no en el sentido literal, sino de forma humana. Sus miedos, inseguridades, presiones e historias son parte de lo que vamos a conocer en esta obra.
Florencia Werchowsky es quien dirige esta obra interactiva, donde los actores (bailarines) estarán interactuando de manera rígida con una voz en off (Alejandro Quesada) que les indica qué hacer, les da instrucciones de lo que pueden comer y no, los confronta y contradice. Los personajes (reales) se verán sometidos por la presión de nunca fallar y no perder la figura necesaria para ser estrellas de ballet (hasta que la fecha del vencimiento del cuerpo se los permita)
Barrirero y Gómez nos regalan una hora de intimismo, revelaciones personales que nos hacen conectar pues más allá de ser estrellas son personas con problemas reales. También veremos un despliegue de su talento (orquestado por una coreografía de ellos mismos) que nos dejarán deslumbrados.
Esta obra irá a desnudar el alma de dos estrellas del Teatro Colón y nos permitirá ver que hay más allá del show, espectáculos que han maravillado a lo porteños y visitantes.
Dos bailarines desnudos está disponible los lunes a las 20 horas en el CC 25 de mayo (Av Triunvirato 4444 ). Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
El año pasado en los Game Awards, entre gigantes de la industria como The Last of Us II, Animal Crossing: New Horizons y Doom Eternal, asomaba un pequeño juego independiente, nominado a nada más ni nada menos que Juego del Año. Su desarrolladora, Supergiant Games, ya contaba con cierto renombre en la industria, y algunos de sus títulos gozaban de un éxito moderado. En lo personal, disfruté mucho de Bastion. Pero en Hades nada es moderado. Sumerjámonos en los rincones del Inframundo y entendamos el porqué del éxito de este título.
Para aquellos despistados que este título les fue esquivo, encarnaremos a Zagreo, hijo de Hades y príncipe del Inframundo, cuyo único objetivo es salir a la superficie. Pero el camino no va a ser nada sencillo; decenas de enemigos estarán dispuestos a darnos caza y, si nuestra vida llega a cero, volveremos al punto de partida. Pero ninguna partida será igual a la otra. Por supuesto, estamos ante un título roguelike, en donde cada muerte es sinónimo de experiencia y la próxima vez que volvamos a intentarlo, tendremos más recursos a disposición que la anterior.
Su gameplay es sencillo. Desde una perspectiva isométrica, deberemos abrirnos paso por las diferentes mazmorras, con un puñado de armas a disposición. El sistema de combate no es mucho más que golpes sencillos, especiales y dasheos. Podría estar horas tratando de buscar una palabra que defina lo perfecto que se siente jugar Hades, pero no le haría justicia. La sensación al ponerse al control es espectacular. Adictivo como pocos, será muy difícil limitarse a jugar un rato.
En el apartado artístico no existe una mínima imperfección a ser corregida. Los entornos en los que se mueve el jugador son fascinantes, el diseño de los dioses que nos ayudan a lo largo de la aventura es excelso y la paleta de colores que tiñen este mundo no podría ser más adecuada. La banda sonora es digna de ser aplaudida de pie, poco más que decir respecto a eso.
Técnicamente, nada que reprochar. Títulos así exigen que la fluidez esté presente a todo momento, y así sucede. El festival de proyectiles, enemigos y luces en pantalla en ningún momento reducirá los 60 FPS constantes de esta versión.
Alcanzar la superficie no es el final de este viaje. Un sinfín de quehaceres nos mantendrán pegado al control, así que este título durará todo lo que nosotros queramos. Y les aseguro que será mucho más que un puñado de horas.
Hades es un cóctel excelentemente preparado, donde cada ingrediente nutre al producto final. ¿El resultado? Un videojuego perfecto. No me sorprende que haya sido nominado para Juego del Año, lo que me sorprende es que no lo haya ganado.
Mafalda es un espectáculo teatral protagonizado por Celeste Campos y que desde el viernes pasado se trasladó al horario de las 22:30 en el Teatro Border de Palermo. Es un acierto el cambio de horario, ya que al aprovechar la flexibilización de las restricciones horarias, podemos disfrutar de una excelente previa de viernes a la noche a pura carcajada.
Mafalda es un monólogo creado por la misma Celeste Campos, dónde interpreta a una mujer de 80 años pero con una vitalidad mayor de quién les escribe de 30. Para no andar contando todo lo que sucede en este relato, vamos a decir que nos cuentan la gran gira que se mandó nuestra protagonista. Una salida en la que conocemos anécdotas que incluyen sexo, drogas, música y disparatadas situaciones. Si, la locura la sentimos desde un principio, el espectador también es participe del show, ya que si queremos se nos permite grabar para subir alguna historia o interactuar con la misma Mafalda.
La obra tuvo un cambio de horario y consigo un cambio de espacio. Pasando de la tradicional sala de teatro, a un salón del mismo teatro, donde se ofrece una experiencia más descontracturada. Con la posibilidad de pedir una picada y algo para tomar, somos los amigos de Mafalda a los que nos va a contar su alocada anécdota.
Mafalda es un espectáculo que se disfruta de principio a fin, es un monólogo que no se priva de lo políticamente incorrecto y con ellos nos regala muchas risas durante la velada. Mafalda es bastante guaranga, pero tiene un gran carisma para hacernos reír mucho en un viernes a la noche, y así olvidar los problemas de la semana.
Mafalda está disponible los días viernes a las 22:30 horas en Border Teatro (Godoy Cruz 1838). Les escribió Daniel Alvarez para La Butaca Web
¿Qué tan malvado puede ser el humano?, ¿Nacemos o nos hacemos personas oscuras?
Son preguntas que la sociedad y la ciencia intentan explicar, ¿Qué pasa por la mente de una persona cuando asesina? Hay casos que dejan conmocionada a la población, hoy en día se registran en los archivos criminales y en las manchas históricas oscuras de una localidad.
»El pasado y los pensamientos nocturnos se entrecruzan en un viaje interminable. Un relato que gira en círculos hipnóticos en un intento feroz por sobrevivir al silencio. La violencia machista y la incapacidad de huir de las propias limitaciones brotan con el sudor de un cuerpo eufórico y abatido. Lo que se oculta y no se dice. Lo que no sucede y se inventa. Chancho está basada en un suceso real ocurrido en Córdoba Capital. el primer caso caratulado como “femicidio” en esa ciudad. La obra recompone de manera ficcional la biografía del asesino sin dejar de lado aquel hecho brutal y aberrante.» Es la sinopsis de la obra de Agustín Meneses, la cual dirige Mercedes Jacobo.
Javier Medina se pone en la piel de este femicida, lo vemos en ropa deportiva moviéndose por todos lados y jugando una pirámide de aluminio, nos lleva hacia lo más profundo de la psiquis y somos testigos de los orígenes de la maldad de su personaje.
Tal cual como si estuviéramos en un episodio de la serie de David Lynch »Mindhunter», quedamos horrorizados ante el perfil psicocriminal del personaje, todo esto gracias a una buena actuación de Medina, que va desde la inocencia en primera instancia hasta ir descendiendo hasta lo más oscuro.Vamos construyendo los hechos en base a la información dosificada.
Los relatos criminales vistos desde la perspectiva del quien lo comete suelen ser interesantes pues no buscamos empatía, queremos conocer el porqué, hay una cierta morbosidad casi innata hacia la maldad ajena y sobre chismear cada detalle de los hechos. El texto de Agustín Meneses nos da esos recursos con este monólogo bien ejecutado y perturbador, donde una canción de Sumo nos hará no hablar de ciertas cosas.
Chacho está disponible los viernes a las 21 horas en el Teatro La Gloria (Yatay 890) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
La historia ha retratado de manera injusta a Juana I de Castilla (alias La Loca), su escepticismo religioso y el amor fueron la condena que la llevó a más de cuarenta años de encierro, cuestionando su cordura, incluso hoy en día. La sucesora del trono de Castilla pagó las consecuencias de sus decisiones en vida, los historiadores hacen revisión de los hechos, ¿Estaba Juana realmente loca?
»Juana La Loca es una épica romántica sobre una de las mujeres más famosas de la historia. Su prisión durante más de cuarenta años fue su paraíso, pues allí voló un alma pura rodeada por la crueldad y la ambición de los hombres. Traicionada por su padre, su marido y su propio hijo, Juana La Loca no es un unipersonal. Se trata de una magnética obra en donde esta convive con su madre, Isabel La Católica; su nieto Felipe II su incondicional Leonor y fundamentalmente, con el causante de su supuesta locura: Felipe El Hermoso. Juana La Loca habla de la locura del amor no correspondido. De las brutales pasiones del poder, y de la magia del deseo fabricado.» Es la sinopsis del texto de Pepe Cibrián Campoy, monólogo lírico dirigido por Ana Padilla.
Una silla antigua, una sólida y segura actriz reflexionando luego de un sueño, al despertar hablará consigo misma y sobre sus deseos. Su madre, su esposo y su familia serán aquellos quienes hablarán con ella durante su cautiverio. María Seghini da potencia a este monólogo, su actuación es asombrosa, potente e histriónica. Durante 80 minutos mantiene el ritmo, su voz no flaquea al usar el texto cortesano y poético de Cibrián, memoriza cada línea sin titubear. se demuestra una habilidad que solo da la experiencia para conservar la voz y que esta no se quiebre.
Seghini, nos hace entrar en la cabeza de Juana de una manera en la que podemos ver otra versión de este personaje histórico, no desde su locura sino sus pensamientos reales, su visión disruptiva para aquella época hacia la sexualidad, el amor, la corte real y Dios.Juana La Loca es la versión que necesitamos de Juana I de Castilla, una mirada profunda, poética de una mujer condenada por la historia.
Juana La Loca está disponible los jueves a las 20:30 en el Patio de actores (Lerma 568) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
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