Reseña: En lo alto para siempre

El jueves 28 de febrero se llevó a cabo el reestreno de la obra En lo alto para siempre en la sala Oreste Caviglia del Teatro Nacional Cervantes. Una obra que además de tener presente una intensa labor actoral, con una excepcional María Onetto, nos coloca al espectador desde una vista privilegiada, mostrándonos el golpe de realidad que su historia presenta.

Esta obra se encuentra construida a través de textos del escritor estadounidense David Foster Wallace, un autor que forma parte de la cofradía de los escritores suicidas. Esta obra escrita por Camila Fabbri y Eugenia Pérez Tomas, nos cuenta la historia de Virginia, una mujer que se pasa todo el día en la terraza de su hogar, sitio donde tiempo atrás su hijo se había suicidado. Incapaz de superar esa pérdida, ella vive constantemente sintiendo el impulso de arrojo, denotando esa tensión que existe entre el cuerpo y el pensamiento. Ante la necesidad de realizar reparaciones en la casa, la aparición de la hija de Virginia y de un plomero, funciona como catarsis a la visión que cada uno de los personajes tienen sobre cómo la vida se ve desde arriba. El hijo, hace un reflejo de su presencia, recordándonos en repetidas ocasiones aquel arrojo, remarcando los quiebres que ocurren a lo largo de la historia.

Esta puesta en escena, se desarrolla a través de la excelente labor de los actores. María Onetto compone un personaje que transmite toda su sensibilidad en cada palabra y cada gesto. Por momentos los gestos hablan mucho más que el texto, el personaje del hijo no llega a emitir palabras pero aún así su mensaje es muy claro.

La escenografía está representado en un espacio mínimo e íntimo, donde la altura tiene un significado hacia la vista del espectador. A su vez tenemos un trabajo muy detallado en lo amoblado, que poco llega a usarse pero que en momentos logra desviar la atención en los momentos que los personajes transmites su incomodidad. La música juega un papel importante dentro de la obra, aunque en fragmentos determinados , cada melodía y letra pone a los personajes en su lugar, a la vista de todos los que nos encontramos debajo.

En lo alto para siempre es una obra que se aprecia desde su sensibilidad, una emotiva mirada de una madre que no puede evitar ver todo desde arriba, donde ves todo, pero no todo lo miras llegas a comprender. Magnífica interpretación de María Onetto, acompañada de una intensa labora actoral por parte de todo el reparto. Se trata de una propuesta más que recomendable, que nos ataca desde lo alto con un golpe de realidad que nos permite ver la fragilidad humana desde un lugar privilegiado.

En lo alto para siempre se presentará de jueves a domingos a las 21 h, desde el 28 de febrero hasta el 31 de marzo.
Con Sergio Boris, Pablo “Kun” Castro, Delfina Colombo, María Onetto
Localidades: 280 pesos.
50 % de descuento para jubilados, docentes y estudiantes de instituciones públicas, con acreditación

Análisis: Observer para Nintendo Switch

Por Matías Dinardo 

Viviremos un futuro distópico en un juego de género cyberpunk, dónde encarnamos la piel de un detective en búsqueda de su hijo desaparecido.

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En Observer estamos en el año 2084, en Polonia, donde la gente se hace implantes neuronales para escapar de la deprimente realidad. Nuestro protagonista, Daniel Lazarski, pertenece al grupo de los Observadores, profesionales que pueden hackear los implantes neuronales de las personas para entrar en sus mentes y así vivir los recuerdos para encontrar pruebas.

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Este título, mezcla de ciencia ficción y terror, nos dará una buena posibilidad de asustarnos, por la atmósfera excelentemente lograda y una historia súper oscura donde no se escatima en sangre, elementos escatológicos y podredumbre.

Los gráficos son impresionantes, con un gran nivel de detalle y una banda sonora para destacar en el apartado de voces originales (con subtitulos en español) con  el actor Rutger Hauer, que hizo de Roy Batty en Blade Runner. Otra cosa interesante es un protagonista en el rango etario de la tercera edad, cosa que no suele suceder en los videojuegos.

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Hay muchos puzzles por resolver dentro de nuestras investigaciones de escenas del crimen. Podremos agarrar objetos, abrir puertas y cajones, mirar e investigar con dos tipos de visiones especiales: electromagnética y de restos biológicos.

Una de las mecánicas más interesantes del juego es cuando nos metemos en la mente de las víctimas o asesinos, y donde la lógica cambia y todo se vuelve surrealista y… terrorífico. Hay que enfrentarse a reglas propias internas, a miedos ocultos de la persona o a espacios de lo más extraños. A veces los diálogos son un poco lentos, cuando los personajes hablan tomándose todo el tiempo del mundo y eso puede ser realmente exasperante.

En definitiva es un juego muy interesante, con gran ambientación y mecánicas y un guión digno de cualquier otro formato. Si te interesa la temática, es un juego que sí o sí hay que jugar. Miedosos abstenerse.

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Lo mejor:

– Ambientación y atmósfera general

– El guión, los diálogos y el doblaje de voces

– Originalidad y riesgos asumidos.

Lo peor:

– Algunos personajes hablan lento…

– Cuesta acostumbrarse a las visiones especiales

– Es bastante corto pero intenso

Calificación 7/10

Análisis de Treasure Stack para Nintendo Switch

Esta semana se ha lanzado el juego Treasure Stack, título publicado por pixelakes. Se trata de un juego de puzzles con claras referencias a tetris, pero con algunos tintes de acción que hacen la experiencia muy particular. Un título que también se puede disfrutar a través del servicio online, con un mecanismo sencillo pero que a la vez necesita bastante práctica para acostumbrarse a él.

El juego se desarrolla a través de un tablero, donde el jugador controla a un personaje que es capaz de manipular cofres y demás elementos dentro de dicho tablero. Así como en un Puzzle como tetris o Candy Crush, debemos realizar combinaciones para evitar que los cofres lleguen a la línea que nos llevará a la derrota. Es un juego simple, aunque su jugabilidad requiere algo de habilidad.

Jugabilidad:

Nuestro personaje se mete dentro del tablero, recibe y manipula los cofres y objetos que van cayendo. Básicamente debe unir los cofres y llaves correspondiente a cada color, para ir eliminandolos y evitar que el tablero desborde. A su vez aparecen elementos y habilidades que complementan las características que posee el juego, siendo desafiante y muy competitivo para jugar con otros. El control es bastante simple, en el inicio del juego ya nos explican todo lo que debemos hacer para una correcta jugabilidad. A pesar de su simpleza, se requiere algo de trabajo el acostumbrarse a su control y combinaciones, haciéndose más entretenido cuando uno realmente le agarra la mano al juego. Algo muy positivo en el juego, es que cuenta con variedad de modos y contenido, teniendo la posibilidad de jugarse online a través de eventos o contra jugadores aleatorios, así como también utilizar el modo fiesta que puedes jugar hasta con cuatro jugadores, además del juego solitario obviamente. El título de disfruta mucho desde su competitividad, obligando casi tener con quién jugar, sea en forma local u online. El modo online realmente funciona bien, en las veces que se lo ha probado la conexión ha sido bastante rápida y las partidas muy dinámicas.

El juego también cuenta con la posibilidad de obtener elementos que se utilizarán para la personalización de tu personaje y su garfio, algo que complementa a la experiencia de su jugabilidad. El progreso es necesario para completar las habilidades de tu personaje, haciendo que puedas estar varias horas para completarlo. La dificultad es moderada, basta solamente con acostumbrarse a sus mecánicas de juego , para luego adentrarse en sus partidas que son dinámicas y entretenidas.

Apartado Técnico

En cuanto a su apartado visual, el juego cuenta con un diseño artístico correcto, desarollado a través de sus gráficos en píxeles. La cantidad de elementos para los personajes, hacen atractivo a este apartado, aunque podría ser mejorable en cuanto al diseño de escenarios. La música es armoniosa y se acopla muy bien al tipo de jugabilidad que posee. El título tiene un peso del alrededor de 200 Mb y cuenta con títulos en español, algo que se agradece siempre.

Duración:

La duración puede ser variable, ya que depende del interés del jugador en conseguir los elementos para tu personaje, algo que puede demorarte varias horas. El juego contiene características que aumenta la experiencia de su jugabilidad, como el multijugador entretenido y los modos online que realmente funciona bastante bien.

Conclusión:

Treasure Stack es un juego que resulta entretenido y ocurrente dentro del género de puzzles. Es un título que se disfruta más si tienes con quién jugar, ya sea con amigos en modo local o a través de sus modos online, que funcionan bastante bien. Cómo dato negativo, el juego cuenta con un precio de 19,99 dólares, algo que resulta un poco excesivo para la oferta de títulos independiente que hay en la eshop, y que puede ahuyentar a posibles nuevos jugadores.

Lo mejor:

Jugabilidad dinámica con variedad de contenido

Multijugador entretenido

Modo online que funciona bastante bien

Lo peor:

Diseño artístico mejorable

Puede que resulte algo complicado acostumbrarse a sus mecánicas de juego

El precio resulta algo excesivo comparándolos con la variedad de títulos independientes disponibles en la eshop

Calificación: 6.5/10

Análisis: Zombie Night Terror para Nintendo Switch

Por Matias Dinardo

“Zombie Night Terror” es un juego del tipo “lemming”, si podemos decirlo así. ¿Recuerdan  a esos pequeños seres que teníamos que evitar que se maten? Bueno, acá hay una premisa parecida pero con zombies. En vez de evitar que se maten, nuestro objetivo es infectarlos a todos. Somos el cerebro detrás de los sin cerebro, capaces de hacer que nuestra horda de no muertos infecte y aniquile a todos los seres humanos. Y no será fácil.

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Al principio vamos aprendiendo a controlar nuestros zombies básicos, aprenden a saltar, correr, explotar hasta llegar a diferentes clases de zombies con los que podemos lograr una infinita cantidad de opciones, como despertar cadáveres, saltar de un edificio a otro, o romper una seguidilla de drones con metralleta.

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La versión para Switch es la novedad, ya que es un juego que ha salido para PC y otras plataformas. La jugabilidad se ve algo afectada ya que necesitamos apuntar y clickear, como si de una computadora con mouse se tratara, y esa función se puede cumplir en Switch de dos maneras: con los joy-con moviendo las manos “en el aire” o poniendo la consola en modo portátil y tocando la pantalla para activar nuestros movimientos.

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El juego es muy entretenido y las visuales con pixel art están muy bien logradas, a todo fan de películas y series le puede llegar a gustar, además de ser asiduo de juegos de estrategia. El juego tiene infinidad de referencias al subgénero zombie, desde George Romero hasta una aparición de Rick de The Walking Dead. A veces se hace muy difícil y eso puede ser algo molesto. Pero lo recompensa con una creatividad inmensa a la hora de crear tipos de niveles y puzles. Hay que destacar una banda sonora de 8 bits que es magistral.

Zombie Night Terror es un juego fresco, como mucho amor no muerto, que les gustará a todos los amantes de los lemmings… eh, digo, zombies.

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Lo mejor:

– Banda sonora de 8 bits excelente

– Gran diseño de niveles y variantes

– Referencias por doquier

Lo peor:  

– En Switch los controles por movimiento son bastante frustrantes

– La dificultad es muy grande por momentos

– No hay checkpoints o puntos de guardado dentro de los niveles

 

Calificación: 8/10

Crítica de cine: Maligno

Por Gonzalo Borzino

Luego de mucho tratar, Sarah (Taylor Schilling) y John (Peter Mooney) logran cumplir su mayor deseo: tener un hijo. Miles (Jackson Robert Scott), resultando ser un niño sumamente inteligente, es enviado a escuelas especiales para desarrollar su jovial mente de genio, incentivado por sus padres que lo ven como alguien único. Sin embargo, a medida que crece comienza a mostrar facetas oscuras de su mente, revelando una psiquis perturbada por algo que él describe como una entidad que despierta mientras él duerme. Sus padres, sin saber qué hacer, solo pueden ser testigos de cómo su pequeño se va convirtiendo en otra persona, hasta el punto en que ellos mismos no se sienten seguros con él. Lentamente, Sarah se percatará de lo que tiene que hacer para curar su malestar y salvar a su familia.

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Nicholas McCarthy (Home, El Pacto, Holidays) vuelve a meterse de lleno en el terror junto al guionista Jeff Buhler (cementerio de animales, Jacob’s Ladder) con este film del subgénero de niños diabólicos que se siente bastante cercano a la saga de La Profecía (The Omen) y a La Huérfana. Con varios jumpscares bien colocados y una fotografía agradablemente lograda, la película narra la historia de forma poco personal, dándole un rastro de dejadez y, quizás, sacrificando un poco la sensación de urgencia y pánico ante un niño que no es lo que parece.

A nivel actoral, Taylor se ha lucido transmitiendo un gran sentido de ahogamiento a través de sus expresiones de terror. A medida que el personaje de Sarah se va haciendo más consciente de lo que el espectador ya descubrió en la última media hora, su rostro se transforma progresivamente, acompañando el ritmo de la película. Y que decir de Jackson, una promesa actoral que ya participo del genero como Georgie en la remake de IT. El juego de miradas que posee es superlativo y su dicción pausada y clara da a lugar a los momentos auténticamente perturbadores de la película, para disgusto de algunos debido a la naturaleza de los mismos.

Lamentablemente la premisa acaba sufriendo de un vacío de contenido, dejando pocas preguntas a desarrollarse a lo largo de la trama, consecuencia de una pequeña sobredosis de información que se le da al espectador muy tempranamente en la cinta, de forma injustificada. Se alimenta de personajes sosos que no siguen su sentido común y de conveniencias demasiado especificas y poco practicas que generan un daño en el verosímil. Asimismo, intenta ponerle reglas a lo paranormal, pero las deja lo suficientemente difusas como para frustrar al consumidor atento.

Este es un ejemplo de dos creadores de género, volviendo a hundirse en terreno conocido. Con un nivel actoral fenomenal, fotografía y locaciones interesantes, todo parece indicar que sus problemas provienen de un guion que jamás se leyó en voz alta. A su vez, sufre de publicidad engañosa, vendiéndose con un trailer atractivo y la atrevida frase «debimos eliminar escenas porque resultaban demasiado fuertes para el público«, cosa que desde luego no se llega a saborear ni por asomo en el producto final. Para determinar que esta película es regular, no hace falta ser ningún prodigio.

 

Puntaje: 5.5/10.0

Crítica: La Naranja Mecánica

La adaptación teatral de La Naranja Mecánica, resulta una experiencia muy particular. Se trata de un proyecto con características de teatro comercial, pero que ha sido montado en un espacio del circuito independiente. La idea de este tipo de producción es método para probar cómo encaja el proyecto en el público, teniendo la posibilidad de que en el futuro pueda presentarse en otro tipo de salas. La realidad es que su estreno en El Método Kairós le ha sentado muy bien, ofreciendo una producción vistosa y que a su vez ofrece una mirada íntima de la obra de Anthony Burgess.

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Existen dos tipos de públicos ideales para esta obra, primero para los que tienen conocimiento de la novela de Anthony Burgess y/o la adaptación cinematográfica de Stanley Kubrick, teniendo esta adaptación mayor relación con el último. El otro tipo de público, es aquel que no ha conocido ninguna de las dos obras, siendo una ocasión ideal para acercarse a este complejo relato sobre la violencia y su relación con el conductismo. No creo que sea necesario dar detalles sobre su historia, aquel que no la conoce debería simplemente acercarse ciegamente a ella. Sobre la adaptación mantiene gran fidelidad al material original, obviamente adaptando algunas cuestiones del lenguaje siendo más cercano a lo nuestro, pero aún así manteniendo la universalidad que le es característica. Si bien se trata de una versión más simplificada de la obra de Burgess, logra captar su escencia y comunicar el mensaje que esta deja, sobre todo en su excelente último acto.

Lo más destacado de esta propuesta radica en la forma que han logrado adaptar la historia en el lenguaje teatral. El director Manuel González Gil ha brindado un trabajo eficaz al montar una obra vistosa, rica en contenido y escenarios, pero manteniendo un trabajo simplista en su puesta escénica. Acompañan algunos recursos musicales, que si bien la obra no se la puede catalogar como una propuesta musical, resulta un añadido que se refleja en el desarrollo de la historia y nos pone en el lugar donde esta transcurre. Lo único que quizas puede llegar a cuestionarse, es la forma en que se adapta la escena del crimen en el cual atrapan a Álex, mostrándose de una manera resumida, siendo un fragmento que tiene mucha importancia dentro de la historia. Recordemos que la novela también refleja una visión futurista que el autor ha plasmado en su obra en el año 1962, por lo que al día de hoy mantiene una estética que mezcla lo punk con lo clásico, perfectamente ambientado en el espacio que brinda el Kairós.

En el terreno teatral, el papel de Álex lo interpreta el actor Franco Masini, quien últimamente se ha involucrado bastante en propuestas teatrales. Desde mi opinión, me ha costado ver al actor en el papel de Álex, si bien estéticamente mantiene ese rasgo angelical que denota el personaje, puede que no se haya desarrollado del todo el costado violento y sádico que representa al personaje. De todos modos cabe destacar que hay un gran trabajo actoral de todo el equipo en su conjunto, siendo que también es una obra muy compleja para adaptar y transmitir su mensaje, algo que se ha podido mostrar de manera sobresaliente.

La Naranja Mecánica es una propuesta teatral que merece ser vista , primero por la correcta adaptación que se ha hecho a una obra maestra de Anthony Burgess y que se refleja mucho con la adaptación cinematográfica de Kubrick. Esta adaptación es recomendable para aquellos que le interesen ver una nueva mirada desde lo teatral de este relato, pero es más recomendable para aquellos que aún no conocen está historia que nos invita a reflexionar sobre la condición cruenta y destructiva del hombre.

Ficha técnica

De Anthony Burgess

Versión Manuel González Gil

Traducción Pablo Rey

Elenco: (por orden alfabético)

Escritor / otros: Lionel Arostegui

Ministro / otros: Enrique Dumont

Madre Alex / otros: Stella Maris Faggiano

Deltoide / otros: Francisco González Gil

Brodsky / otros: Toto Kirzner

Alex: Franco Masini

Capellán / otros: Fran Ruiz Barlett

Alcalde / otros: Tomás Wicz

Músicos en vivo:

Bruno Caro Langwagen

Rodrigo Caro Langwagen

Asist. Vestuario: Victoria Wallace, Luciano Huentecura

Arreglos vocales: Eugenio Perpetua

Comunicación y prensa: Varas Otero

Director asistente: Matías Puricelli

Diseño de escenografía: Lula Rojo

Diseño de luces: Caio Senicato – Manuel González Gil

Diseño de movimiento: Agustina Seku Faillace

Diseño de vestuario: Pablo Battaglia

Fotografía: Nacho Lunadei

Diseño Gráfico: JARDINBA.COM

Producción ejecutiva: Valeria de Luque

Realización de vestuario: Irma Melo, Ignacio Estigarribia, Daniele Szczepanik

Funciones: De viernes a domingos 21 hs

Sábados doble función 21 y 23 hs

El Método Kairós (El Salvador 4530)

Crítica: Rey de ladrones

REY DE LADRONES (King of Thieves) Duración: 108 min. / País: Reino Unido / Género: Robos & Atracos / Dirección: James Marsh / Guión: Joe Penhall, Mark Seal / Reparto: Michael Caine, Jim Broadbent, Tom Courtenay, Charlie Cox, Michael Gambon, Ray Winstone. / Estreno en Argentina: 28 de Febrero de 2019 – Crítica: CJ COLANTONIO.

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El gran documentalista de “Man on Wire” y “Proyect Nim”, como también de la película “La teoría del todo”, intenta con malabares sacar adelante una trama que ya había sido interesante en dos versiones anteriores –aunque menos conocidas- sobre el robo sucedido en Inglaterra, en el año 2015.  Conocido como “El robo del siglo”, fue un asalto que sucedió durante “Semana Santa” y que fue perpetrado por ladrones veteranos, quienes usaron métodos a la vieja usanza; a cara descubierta y como quien se lleva el mundo por delante.

Capaz eso sea lo más desaprovechado en esta cinta malograda donde los actores muestran su oficio, pero no se lucen en absoluto.  La falla más evidente es cómo el personaje principal va perdiendo protagonismo, al igual que su partenaire secundario que fue quien -en definitiva- determinó el robo, y la trama recae en otro asunto que tiene que ver con la ambición de logros no concebidos al llegar a la vejez, y que desata la traición entre ellos y convierte el relato en obsoleto y superficial.

Lo que pudo haber sido divertido y afinado, cae una y otra vez con recursos de edición, el que pareciera decisiones de dirección, más que de guión.  Cada uno a lo suyo. No todos entienden la profundidad de una buena historia aunque se perciba un rico aroma.

Calificación: 4/10.

Crítica: La misma sangre

LA MISMA SANGRE – Dirección Miguel Cohan / Guion: Ana Cohan, Miguel Cohan (Idea: Ana Cohan, Miguel Cohan, Walter Rippel) / ACTORES: Oscar Martínez, Dolores Fonzi, Paulina García, Diego Velázquez, Luis Gnecco / GENERO: Thriller / Estreno en Argentina: 28 de Febrero de 2019 – Crítica: CJ COLANTONIO.

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Oscar Martínez es sinónimo de calidad.  Quien sea argentino, creo que los españoles también, estarán de acuerdo conmigo que amamos a este actor porque cuando uno lo ve en la pantalla grande, logra descubrir la cantidad de recursos que posee y cómo no se duerme en los laureles, sigue ejercitando, y cada vez nos muestra algo nuevo; es evidente su compromiso para con el público.

Aquí, acompañado por Dolores Fonzi, Diego Velázquez y dos actores chilenos extraordinarios como lo es Paulina García (“Gloria” y un listado importante de películas); hacen elocuente lo que se sostiene con pocos hilos.

Ése es el truco de esta película, los actores, y lo digo sin desmerecer la trama, pero su guión es un simpático truco que se agradece porque incita al espectador a pensar de cómo el ser humano se la pasa juzgando a los demás.  Este artilugio está logrado aquí con el uso de los puntos de vista, lo que para mí no es algo original, pero sin duda una inteligente manera de hacer mucho con poco, y cuidar “eso poco” con otra serie de trucos de producción.

Calificación: 7/10

Crítica de cine: Obsesión

OBSESION (SERENITY) Director: Steven Knight / ACTORES: Matthew McConaughey, Diane Lane, Anne Hathaway / GENERO: Thriller / Estreno en Argentina: 28 de Febrero de 2019 – Crítica: CJ COLANTONIO.

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Se podría decir muy poco sobre esta película para no spoilearla.  Sin embargo es evidente, pasada la mitad del metraje, de qué va todo, aunque se las ingenia para confundir, con el objeto de poner en duda lo que algún hábil espectador logró descifrar.

Aquí el personaje, desde un principio tiene la obsesión de atrapar a un gran pez espada y la película tiene un aire a Moby Dick, pero llega una mujer con un encargo que torna la película hacia otro género, el thriller, y el espectador se pregunta, “pero… ¿qué quiere realmente?”  Claro, porque el protagonista parece no tomar las decisiones aunque parezca tener enormes convicciones sobre lo que quiere y lo que no quiere. Ahí está el básico error que no tiene que ver con la trama. El personaje es pasivo y sólo hace alarde de algo que termina no siendo claro ni para él, pese a que quiera justificarse en el desenlace.

Desaprovechar a estos dos enormes actores –quienes lograron una inolvidable dupla en Interestelar- es seguramente lo peor de todo, pero que no se hayan dado cuenta de líneas de diálogo tan repetitivas y pobres, llama mucho la atención.

Calificación: 4/10

Análisis de Anthem para PC

Anthem es un juego que venía con muchas expectativas, una de las razones principales es que de trataba de un juego que EA se traía entre manos con Bioware, desarrolladora de títulos como Dragon Age y Mass Effects. Teniendo el placer de probar y analizar su último título debemos decir que se trata de un producto ambicioso, que a pesar de contar con algunos fallos, el juego ofrece una sensacional experiencia en el terreno de la acción y todo su apartado visual.

Haciendo un repaso breve sobre su historia, Anthem nos introduce a Himno, que se trata de una tierras que son fuente de creación. Allí aparecieron monstruos y bestias colosales, por lo que los humanos en su intento por sobrevivir, crearon unos trajes con habilidades sobrehumanas llamadas Alabardas. Es así como Anthem nos introduce en su mundo, en un juego que combina sus elementos de acción y ciencia ficción, con mecánicas propias de RPG en un mundo abierto acechan por todos lados.

Jugabilidad:

Convengamos que Anthem se centra mucho más en su jugabilidad que en la historia del título, siendo este primer ítem lo que más se resalta en el juego. La exploración y el combate con las características que más se desarrollan en el juego, siendo también el multijugador la experiencia más entretenida de este videojuego. En la mayor parte del tiempo, el usuario forma parte de un equipo de cuatro jugadores armados con aquellos trajes llamados Alarbadas. Existen cuatro tipos de personajes que contarán con características especiales y distintas habilidades que serán útiles para el desarrollo del juego. Los personajes del juego son:

– Tormenta: Un mago con ataque de largo alcance que sirve para pelear con enemigos a distancia. Puede provocar un nivel de daño muy alto pero es bajo su nivel de vida.

– Interceptor: Es el personaje más ágil, capaz de acercarse y alejarse de los enemigos de manera fugaz

– Coloso: Un personaje con gran artillería, que mantiene bastante poder de resistencia y salud. Capaz de causar gran daño a enemigos a corta distancia.

– Comando: Es un personaje que mantiene sus características de forma equilibrada, posicionándose sus habilidades en un término medio entre todos los demás personajes.

En términos de jugabilidad, la acción es frenética y puede dejarnos muchas horas de entretenimiento puro. Si es posible que las misiones puedan resultar un tanto repetitivas a medida que se va avanzando en el juego, pero aún así, las posibilidades de combate que ofrece son muy interesantes. Los controles son muy precisos, sintiéndose muy bien a la hora de manejar los trajes y repartir tiros por donde sea.

Dónde realmente falla el juego es a nivel narrativo, si bien su historia y ambientación son muy interesantes, pierde terreno si lo comparamos con su frenética jugabilidad. A medida que el jugador va avanzando en el juego, se va topando con escenas de conversación que aparentemente funciona para desarrollar el arco argumental del juego. La realidad es que esto queda en un término medio, ya que la trascendencia que esto tiene en el desarrollo de la historia es bastante pobre.

Apartado Técnico:

El apartado visual que el juego posee, es uno de los aspectos que Anthem logra destacarse notablemente. Realmente se nota la mano de Bioware en el diseño de sus escenarios, presentando un mundo rico para su exploración. Es así como se siente una real libertad para moverse en los escenarios, algo que resulta necesario tener un mando para los jugadores de PC, así se puede lograr una experiencia mucha más dinámica explotando todo el potencial que tienen las mecánicas del juego. Este título está llevado a cabo a través del motor gráfico Frostbite, usual en los juegos EA. Anthem le saca bastante provecho al motor de la empresa desarrolladora de juegos como Battlefield, manteniendo una experiencia visual imponente y un rendimiento bien optimizado en los sistemas de combate. Uno de los puntos fuertes de Anthem es la posibilidad de recorrer junto a tus equipos de combate el escenario que el juego ofrece, brindando una experiencia visual satisfactoria y provechosa en su mundo. Y al ser un juego que requiere mucha movilidad, el rendimiento de FPS es dinámico y estable.

Duración:

Haciendo incapié en su historia principal, el juego es capaz de ofrecer alrededor de 30 horas de jugabilidad, algo que se saca mucho provecho cuando te metes de lleno en la acción. Si llega a un punto en que las misiones no cambian demasiado respecto a las anteriores, salvo por la dificultad, pero aún así vale la pena llegar hasta el final. Cómo dato positivo, el título de EA está pensado también para mantener la rejugabilidad, a través de sus misiones secundarias, y la inclusión de una nueva hoja de ruta para una nueva actualización, donde se incluirán mazmorras y eventos de cataclismo adicionales.

Conclusión:

Anthem es un juego del que realmente vale la pena acercarse a el , si bien no es un producto perfecto, brinda una experiencia visual y jugable que denota el sello de Bioware. Nos podemos quejar quizás de la dinámica de su historia, en qué algunas misiones son repetitivas, pero aún así es un juego repleto de acción que te mantiene en su frenetismo por muchas horas. Es un juego que se disfruta mucho en cooperativo, y que la experiencia puede mejorar con el contenido que sus desarrolladores añadan con las próximas actualizaciones.

Lo mejor:

La experiencia visual y gráfica

La jugabilidad frenética, con buen manejo de los controles.

Es un juego que se disfruta mucho en campaña cooperativa

Lo peor:

El desarrollo de la historia sabe a poco, conversaciones que no aportan mucho al juego.

Campañas que se tornan un tanto repetitivas.

Calificación 8/10

Anthem es un juego publicado por Electronic Arts, se encuentra disponible para PC, Xbox One y Playstation 4

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