Morir y vivir en Buenos Aires

«Morir y vivir en Buenos Aires»  es una obra cuya dueña intelectual indiscutida es Ana María  Fontán,  quien estuvo en la dirección general, autoría e interpretación inspirada  por los grandes maestros Piazolla y Ferrer. El dueño de casa ocupado de la dirección musical  es  el maestro Julián Vat encargado de internarnos en una ex-celente selección de temas de Astor Piazzolla y Horacio Ferrer.

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María es una mujer cosmopolita que, luego de vivir muchos años en el exterior, emprende un viaje de búsqueda y vuelve a suBuenos Aires querido tras el llamado de Juan, su primer amor. Intentará reconciliar y sanar las heridas de un pasado despiadado y cruel sin saber que van a hacerse aún más profundas, al punto de plantearse el sentido de su propia existencia. María hará todo lo posible paravivir, o en su defecto existir y en última instancia morir en Buenos Aires. Su destino, y lo que ella hará con el mismo, determinarán su final.

 Dicho por la misma Ana Maria Fontán, al finalizar la obra, lo más importante  de «Morir y vivir en Buenos Aires» es ser uno de los primeros espectáculos de tango que desembarca en las playas del Teatro San Martín. Haciendo salvedad, de la eterna discusión con final abierto, de si  las obras de Piazolla son tango o no.

Todos los méritos de haber llegado al Centro Cultural San Martín en la Sala Enrique Muiño se lo debemos a Ana María Fontán quien le ha puesto toda la garra para lograr una obra de profunda belleza  respetando el ritmo de Piazolla y Ferrer, envuelta en una poesía sutil con voces de Pepe Cibrián Campoy, Horacio Ferrer y  Graciela Borges.

 La historia de María, contada en un estilo cinematográfico, proyectada sobre una pared, con voces en off, relata las vicisitudes de  una muchacha que regresa a Buenos Aires, luego de vivir muchos años en el exterior, encontrando el amor.

Un argumento robusto, con la asistencia de imágenes áreas (drone) de Buenos Aires que nos comprometen en dar  una mirada panorámica y que vamos bajando a partir de la historia proyectada digitalmente gracias al excelente trabajo de diseño de multimedia de Marcos Capello y Ramizo Quartz (Holographix), a partir de la dirección escenotécnica y audiovisual de Laura Vega.

Este toque de contar una historia, en el marco de la música de Piazolla y Ferrer con temas como «Balada para un loco», «Siempre se vuelve a Buenos Aires», resultan una perfecta combinación.

Tampoco  sería justo, si omitiese comentar  el gran despliegue actoral de Ana María Fontán,  con un personaje sufrido, dispuesto a todo: amar, morir  y hasta resucitar por amor, todo eso siempre en  Buenos Aires.

En la función a la que asistí, luego de recibir Ana María Fontán, un hermoso ramo de flores, agradeció por la ayuda prestada a la Fundación Piazolla quien le permitió disfrutar de estar en el Centro Cultural San Martín.  El público con los aplausos agradecimos a Fontán que hizo un merecido homenaje a los maestros Piazzolla y Ferrer.

 La obra participó en el Festival y Mundial de Tango 2017 que se celebró en Buenos Aires, del 10 al 23 de agosto de este año, en el marco de los 25 años de fallecimiento de Astor Piazzolla e inaugurando el Ciclo de Tango del Centro Cultural San Martín.

¡Qué más les puedo decir! sobre la obra,  que tocó las fibras más intimas, porque entendí ese sentimiento de quienes vuelven a Buenos Aires, en mi caso,  luego de haber vivido unos años en el interior del país, y me he puesto a pensar, si tuviese que elegir donde nacer, si pudiese volver el tiempo atrás, si tuviese que elegir una ciudad en la cual vivir, aunque a veces despotrico, me peleo con sus personajes, ciertas cosas me desconciertan, sin dudarlo, ni por un segundo,  volvería y no podría respirar en otro aire que no sea Buenos Aires. Inclusive lo afirmo a partir de la experiencia de todos los años, al irme de vacaciones, el placer de conocer otros lugares, otras culturas, pero con la seguridad de volver a mi ciudad, esa ciudad a la cual conozco,  reconozco y como todo amor, nunca se puede abandonar y de quien  me enamoro todos los días. Así que les recomendamos ir a ver «Morir y vivir en Buenos Aires» que es como pasar por el Registro Civil para confirmar los votos de amor a esta ciudad.

FICHA TÉCNICA 
 
Idea original, autoría y dirección general: Ana María Fontán
Dirección Musical: Julián Vat
Dirección escenotécnica y audiovisual: Laura Vega
Puesta en escena: Ana Fontan y Laura Vega
Coreografía: Soledad Buss
Compañía: FONTANGO
Protagonizada por: Ana María Fontán
Saxo y Flauta: Julian Vat
Bandoneón: Damian Foretic
Piano: Cesar García
Participaciones estelares: Horacio Ferrer (Voz Original/Disco Pueblo Joven) y Pepe Cibrián Campoy.
Artistas invitados destacados: Esteban Meloni, Soledad Buss, Cesar Peral yJuan Cupini.
Con invitados honoríficos de la cultura y el arte Asistencia de dirección general: Laura Vega
Dirección de arte: Catalina Oliva
mara: Nucleo Audiovisual de Buenos Aires (NABA), Cueva Producciones y Marina La Bataglia
Diseño multimedia: Marcos Capello y Ramiro Quartz (Holographix)
Postproducción: Marina La Bataglia
Diseño de sonido y puesta de video: Patricio Pierantoni
Vestuario: Laura Vega, Catalina Oliva y Pedro Muñoz
Tela seda italiana vestido final: Obsequio Sra. Laura Escalada de Piazzolla
Diseño de luces: Claudio Del Bianco
Asistente de iluminación: Martín Fernández Paponi
Maquillaje: Adrián Llamosas
Maquillaje para gráfica: Mery Pastore Camino
Peinado: Fabian Sigona
Fotografía – imágenes aéreas (Drone): Nestor Barbitta
Diseño gráfico: Martín Costas
Cuadros: Gentileza Sra. Lulú Ferrer, Artista Plástica
Colaboradores: Matías Merlos y Pedro Muñoz
Prensa y comunicación: Tommy Pashkus
Asesor de producción y comunicación: Alejandro Veroutis
Asistente de producción: Tomás Agustín Herrero
Productor ejecutivo: Santiago Pasarin
Gestión cultural: Ana María Fontán.
Apoyos honoríficos: Fundación Piazzolla, Familia Ferrer, Warner Chappell, Pichuco Records, Norma Aleandro, Academia Nacional del Tango, Centro Cultural General San Martín, Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires
Funciones: jueves y viernes a las 20.30 hs.
 
Localidades a la venta en boletería o por Tu entrada
Valor: $200 
Diana Decunto

 

 

 

 

 

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Teatro: Eureka, el grito de un conejo

Es una obra poética, con humor, amor y música, que cuenta la relación de un Conejo con su pareja el Osito. Un proceso de separación, el encuentro con su soledad, sus miedos y pensamientos.

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Un oso de peluche sentado en una silla, escucha los reproches de su pareja, un conejo que ha sido abandonado.  Conejo necesita saber si Osito lo quiere, está devastado y se cuestiona muchas cosas de la relación, necesita una explicación a este abandono y canaliza este proceso de separación como puede, mediante una descarga amorosa, preguntas existenciales, escenas de celos, bronca, angustia y música, aunque por momentos necesita que su cerebro calle.

Un absurdo, llevado muy ingeniosamente por este personaje interpretado por Sebastían Poveda quién también es el escritor de este unipersonal, que cuenta  con la participación de un León, Lautaro Mackinze (Director de la obra) quién aporta una cuota extra de humor a una obra que invita al espectador a participar, escuchar y dejarse llevar por las diferentes facetas que nos muestra este Conejo con un humor muy particular y que permite al público reflexionar sobre el amor y el presente.

A lo largo del tiempo el material fue mutando gracias a diferentes colaboraciones y diversas presentaciones en espacios nacionales (CABA, Córdoba, Rosario) e internacionales (México, Uruguay).  Hoy, con todo este recorrido, proponen llevar este material a una obra llamada “Eureka! El grito de un conejo” que se presenta los sábados a las 20:00 en La Lunares.

Ficha Tecnica.

 

Intérprete: Sebastián Poveda. (Conejo)

Dirección y participación actoral: Lautaro Mackinze (León)

Asistente de dirección: Alejandra Amarilla

Producción: Elizabeth Cancino

Idea y texto: Sebastián Poveda

Vestuario: Virginia Vega.

Ilustraciones: Julia Garibaldi Tobias.

Diseño Gráfico: Diego LoRusso (escarabajoambulante.com.ar) y

Federico Mackinze (F/machacko).

Desde el 12 de agosto todos los sabados a las 20 horas, en La Lunares (Humahuaca 4027).

Idea, texto y actuacion de Sebastian Poveda,
direccion y participacion actoral de Lautaro Mackinze.

Julieta Ale

 

Crítica: La Cordillera

Hernán Blanco llegó a la presidencia haciendose pasar por un tipo común y corriente y nadie sabe muy bien que esperar de su gobierno. Cuando se enfrenta a una cumpre presidencial en Los Andes con los presidentes de la región una crisis como ninguna otra se desatará en su vida. Por un lado un familiar amenaza con destapar un escándalo que involucra a su campaña presidencial y por el otro, en la misma cumbre, el enviado de Estados Unidos intentará acabar con la alianza petrolífera en la cual se basa la misma cumbre. 

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Hernan Blanco (Ricardo Darin) el presidente electo recientemente por los argentinos, un hombre común, de la provincia de La Pampa, tranquilo, de bajo perfil, se encuentra con su primer desafío importante como mandatario, participar de una cumbre  de presidentes latinoamericanos en Chile, donde se discutirá la posibilidad de establecer una alianza petrolera a nivel continental. Entre reuniones estratégicas, y actividades protocolares las cosas no se presentan fáciles, Blanco está padeciendo un drama familiar, el ex marido de su hija Marina (Dolores Fonzi) lo amenaza con denunciar por corrupción a su partido, lo cuál hace que su conflictuada hija quede a su cuidado y tenga que viajar con él. El círculo íntimo de Blanco decide tapar el tema y tratar de centrar la atención de la prensa en el evento chileno. Entre la oscuridad de la política y el costado humano de un presidente que enfrenta una complicada situación personal durante una cumbre internacional.

Un confuso juego de traiciones cruzadas, tanto dentro del equipo de Blanco, como en el de los demás mandatarios internacionales, y por otra parte, los conflictos íntimos y familiares que lo llevan a enfrentarse con sus propios demonios. Habrá quién se interese por el costado político y quiénes querrán saber  más de la relación padre e hija. La corrupción, el interés económico, los egos y las circunstancias personales son parte de esta película.

Mitre conduce por primera vez una superproducción, La Cordillera es una coproducción con Francia y España de casi 6 millones de dólares de costo, con un elenco estelar. Cuenta con una distribución local e internacional (Warner Bros).  Supo llevar a cabo este desafío a la perfección, una película que intriga de principio a fin y que posiblemente abra en el espectador muchas preguntas.

ESTRENO 17 DE AGOSTO

 

Dirigida por Santiago Mitre

Protagonizada por Ricardo Darín, Dolores Fonzi, Érica Rivas, Elena Anaya, Daniel Giménez Cacho, Alfredo Castro, Gerardo Romano, Leonardo Franco,

con la participación especial de Paulina García y Christian Slater.

 

Trailer en YouTube:

https://youtu.be/1QkBK7017KQ

Julieta Ale

“La bohème”, de Giacomo Puccini

Este domingo 13 de agosto, en un domingo diferente, un domingo de elecciones,  que no impidió a muchos a las 19 hs estuviésemos en el Teatro Avenida, esperando que se suba el telón, para formar parte como espectadores de  La Bohéme.

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    En esta oportunidad, Buenos Aires Lirica es quien organiza en el Teatro Avenida  hasta el 19 de agosto, la puesta en escena de La Bohème, ópera en cuatro actos con música de Giacomo Puccini y texto de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa.

    Al ver una obra, no puedo disociar el espectáculo con su público. Cada función es única, dependiendo no solo de quienes estén arriba del escenario sino también del aplauso y calidez del espectador. La sala y los palcos estaban prácticamente cubiertos de público. No es un tema menor, la fama que tiene el público de ópera por ser uno de los más exigentes. En esta oportunidad en el final de cada acto el público aplaudía entusiasmado, de pie, gritando Bravooo!! a la compañía y a la orquesta.

    Este es el mejor sello para marcar la calidad de un espectáculo, donde al  finalizar cada acto, el tiempo es imperceptible porque el espectáculo hace que el público se traslade a otra dimensión en sintonía con la historia que se está narrando.

    Para aquellos que no conozcan la trama, es un relato sobre estudiantes de escasos recursos, que pasan frio, son jóvenes, alegres que viven en Parìs. Los personajes principales son Mimi y Rodolfo que viven en una buhardilla, están muy enamorados, él es muy celoso y no deseamos contar más de la historia para que cuando la vayan a ver  tengan la oportunidad de sorprenderse con su desenlace.

    Los diálogos de la pieza son simples pero de una extraordinaria poesía como así también la letra y música.

    En la puesta en escena y escenografía a cargo de Marcelo Perusso es destacable la banda musical que se suma a la propuesta  tocando  piccolo (flautín) , trompetas, y tambores.

    La dirección musical estuvo a cargo de Mario Perusso quien ha dirigido espectáculos líricos y sinfónicos en teatros de Europa, América Central y América del Sur. Fue director artístico del Teatro Colón y del Teatro Argentino de La Plata. La orquesta acompaña a la obra con violines, violas, violoncelos, contrabajos, flautas, oboe, clarinetes, fagotes, cornos, trompetas, trombones, percusión y arpa.

    Participa el coro de Buenos Aires Lírica, cuyo director Juan Casasbellas coordina las escenas corales con una puesta de más de cuarenta cantantes en escena, con sopranos, mezzosopranos, tenores, bajos y barítonos. A este enjambre de personajes puestos en escena maravillosamente ensamblados mencionamos a Rosa Bravo, Directora del coro de niños Petis Coeurs, que hacen más real la puesta con la inserción de niños y niñas en el escenario.

    El vestuario es excelente a cargo de Ramiro Sorrequieta quien ha obtenido premios y menciones por su labor como vestuarista y caracterizador.

    El personaje de Mimi es encarnado por la soprano Monserrat Maldonado quien participó como solista en el teatro El Círculo de Rosario en la Sinfonía Nro 2 “Resurrección” de Mahler. Su partener en el papel de Rodolfo es Nazareth Aufe quien desde 2005 integra el coro estable del Teatro Colón, Abordo los roles protagónicos de tenor en La traviata y Rigoletto (Verdi).  

    En el papel de Minette, amiga de Mimi, la soprano María Belén Rivarola, quien cantó los primeros roles de las óperas: Carmen, La traviata, la Bohéme. Y el barítono Ernesto Bauer, amigo de Rodolfo, cantó en el teatro Colon, Argentino de La Plata, Avenida, El Círculo de Rosario y Vera de Corrientes.

    Teniendo en cuenta que La Bohéme es la ópera que más se ha representado en nuestro país, retrotrayéndonos a la historia, cuando Giacomo Puccini, llegó a Buenos Aires en 1905 en lo que fue su primer viaje a través del Atlántico. Sigamos con la suerte de contar con más representaciones de esta niña mimada adoptada por el mundo lírico: La Bohéme y continuemos elevando las copas agradeciendo por otro domingo que hemos tenido la oportunidad en democracia de revalidar los votos de confianza.

Funciones: viernes 11, jueves 17 y sábado 19  de agosto a las 20 hs. Domingo 13 de agosto a las 19 hs.
Lugar: Teatro Avenida (Av. de Mayo 1222. CABA).
Localidades: Precios desde $250 a $1900. En boletería del Teatro Avenida, martes a domingo de 13 a 20 hs., en efectivo o con tarjeta, o por Plateanet  al 5236-3000 owww.plateanet.com/Obras/la-boheme
Duración: Obra en cuatro actos y dos intervalos. 2 horas 45 minutos.
Todas las funciones están sobretituladas en español
 
FICHA TÉCNICA
Elenco: Monserrat Maldonado (Mimì), Nazareth Aufe (Rodolfo), Ernesto Bauer (Marcello), María Belén Rivarola (Musetta), Luis Loaiza Isler (Schaunard), Walter Schwarz (Colline), Sergio Carlevaris y gran elenco.
Dirección musical: Mario Perusso
Puesta en escena y diseño de escenografìa: Marcelo Perusso
​Diseño de vestuario:​ Ramiro Sorrequieta
​Diseño de Iluminación: ​Rubén Conde 
Prensa: Octavia Comunicación

Diana Decunto

Crítica:  Así de simple 

No sabría como comenzar a abordar esta reseña, debo confesar en que ha llegado a afectarme muchas cosas de las que suceden en Así de simple.  Una comedia que aborda la vida de una pareja desde los momentos más felices hasta los que no lo son tantos,  con una mirada que permite idemtificar las distintas emociones de los protagonistas a través de distintos personajes. Estamos ante una comedia con tintes de drama que retrata la realidad de muchas parejas simplificando el vaivén de emociones mediante el desglose de emociones, algo que quiza he llegado a identificarla con la pelicula Intensamente de pixar. Toma este recurso para brindar una historia rica en semtimientos y conmovedora para cualquier persona que ha vivido una relación.

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Clara y Joaquín se conocen, se gustan, se seducen, se enamoran y comienzan a convivir. Clara y Joaquín son dos, pero son muchos a la vez: son todas las voces que los habitan. Son dos personajes con seis actores. Son los protagonistas de una historia que dispara la pregunta: ¿qué pasaría si todas nuestras voces hablaran igual de fuerte?

Así de Simple, de Sofía González Gil e Ignacio Bresso, escenifica, con mucho humor, los clásicos conflictos de las parejas a la hora de llevar una relación adelante; pero también nos invita a pensar qué es lo que sucede cuando el amor no alcanza.

 

La obra comienza con la llegada de tres hombres de similar apariencia e idéntica vestimenta que se reposan llorando en el sillón, sonando de fondo la canción Ella ya me olvidó de Leonardo Fabio, remarcando un inevitable rompiemiento de una pareja. Consiguiente a ello llegan tres mujeres con las mismas características que los hombres, desde ese momento identificamos que la pareja es una sola y que los demás personajes son el reflejo de sus emociones más presentes. Por un lado tenemos a quien controla la razón,  que intenta analizar las cosas con cautela y despues tenemos al apasionado, que se deja llevar por los impulsos, motivos por el cual la pareja no termina de cerrar su historia facilmente. Deste modo vivimos el antes y después de estos jovenes, desde cuando estaban enamorados y su relación seguía en la etapa del romance, alternando con los momentos en que la relación se ha vuelto conflictiva pero que aún así les cuesta despegar los lazos. Lo más interesante de la obra , es como a través del uso de personajes teóricamente imaginarios o no presentes, logran relatar esta historia con tanta simpleza y realidad. Es casi imposible que el espectador no logre identificarse con los personajes o las situaciones, ninguna relación es sencilla, somos personas cargadas de infinidades de emociones y allí se encuenta lo interesante de lo complicados que somos al relacionarnos con otros. La obra quema etapas constantemente , relatando con con mucho ingenio la intimidad de una intensa relación.

En cuanto a los actores , cada uno ha hecho un excelente trabajo con el papel y la personalidad que se les ha designado. Se entiende perfectamente el lugar que la pareja protagonista (La que vive en la realidad) combinando las personalidades y dejandose llevar por las decisiones de sus alter ego.  Todos se relacionan entre sí , aun así no llega a confundir al espectador sobre lo que se quiere contar, además de manejar perfectamente el humor que la puesta requiere.

El trabajo de dirección es verdaderamente impecable , Sofia Gonzalez Gil utiliza librememte los espacios de la sala más pequeña del Kairós, ya siendo un lugar hogareño para la actirz y ahora directora. El espacio se utiliza perfectamente para adentrarnos en la vida de esta pareja, y de sus personalidades, en el hogar donde su historia se desarrola desde el incio y donde los problemas han iniciado y culminado.  Las luces y la música acompañan el relato con armonía, lo simple se mantiene como escencia de la puesta, aunque debamos saber que lo sucedido en una relación no siempre es tan sencillo de entender.

Asi de simple es una historia sencilla, real y muy conmovedora. Estamos ante una ingeniosa que combina perfectamente la comedia y el drama que surge entre los dilemas de una relación.  Con excelentes actuaciones, acompañado del notable trabajo de dirección de Sofía Gonzales Gil, la obra nos invita a que podamos ser parte de una historia sincera y conmovedora que llegará al corazón de todo espectador.

Ficha técnica

Libro: Ignacio Bresso y Sofía González Gil

Actúan: Ignacio Bresso, Julia Dorto, Francisco González Gil, Agustina Montiel, Magdalena Pardo, Andrés Passeri

Diseño y realización de escenografía: Lula Rojo y Gastón Segalini

Diseño de luces: Manuel González Gil

Música original: Francisco Ruiz Barlett

Fotografía: Martina Bajour

Diseño gráfico e ilustraciones: Malena Papanicolau

Coreografía: Carolina Pujal

Asistencia de dirección: Manuela González Gil 

Producción: Loli Crivocapich

Dirección: Sofía González Gil

 

ASÍ DE SIMPLE, no sé quién sos pero te sigo buscando

Dirección: Sofía González Gil

MIÉRCOLES 21 HS

El Método Kairós – El Salvador 4530, CABA. 

Reservas por Alternativateatral.com

 

Pettinato Café Concert, en Ciudad Cultural Konex

Este viernes 11 de agosto, a las 21 hs.,  junto a una amiga, con paraguas en mano, fuimos a  ver Pettinato Café Concert, teniendo muchas expectativas sobre el  excelente momento que ibamos a pasar.

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El espectáculo se ofrece en el Konex, lugar que hace honor a su nombre completo Ciudad Cultural Konex. Porque una vez que se accede a ese amplio patio a cielo abierto, uno se empieza a internar en el corazón del “arte underground”. Una de las características del Konex es ofrecer sin necesidad de ostentosas carteleras, espectáculos de alta calidad a  un precio accesible para el público, lo cual lo hace más meritorio, aun.  Luego de traspasar la frontera de la calle y penetrar a ese mundo mágico,  nos olvidamos de la lluvia y de los problemas de la semana. Esperaba la apertura de sala mientras me regodeaba viendo la variedad de pro-puestas artísticas para satisfacer a diferentes públicos.

 

Hay que aprovechar los dos viernes que quedan de agosto: 18 y 25  para aprovechar la oportunidad de ver a Roberto Pettinato subirse a un escenario para desplegar un monologo distendido, irreverente, descontracturado, donde se dicen muchas verdades que van aflorando.

 

El arte del monologo es uno de las expresiones artísticas más difíciles, porque el público focaliza todas sus expectativas en la persona que está arriba del escenario. Generalmente quienes acuden a un café concert, van a este tipo de espectáculos porque están cansados del trajín de la semana, no se la quieren complicar  y  buscan liberarse de las tensiones para entrar de lleno al fin de semana. El público pretende  desde una tarima, que el artista logre el milagro de hacernos reír. Porque la risa es contagiosa y es una excelente terapia sanadora.

 

Roberto Pettinato con su simpatía, su inteligencia, magnetismo  y virilidad logra que ese público a los diez minutos de iniciado el show, se relaje,  aflorando las carcajadas, risa a más no poder, a partir  de un monologo que no llega a ser tan monologo, porque Pettinato interactúa con su público estableciendo una comunicación interesante con la platea que le permiten al show man  potenciar el espectáculo.

 

Si alguien  me pregunta sobre cuales son los temas  que toca Pettinato en su monologo mi respuesta es dar un pantallazo  de  la realidad, sin recargar, las tintas en  ningún tema en especial.

La otra pregunta sería cómo hace para que hasta  las piedras se rían.   Mi respuesta seria en base al tono irónico con que toca algunos temas de la política nacional, critica algunos personajes de la farándula, relata anécdotas  de su vida personal, mofándose de sí mismo y de sus múltiples divorcios, ridiculiza algunas situaciones en la relación de pareja, toma humor a partir de su victimización como hombre rescatando experiencias que pasó con mujeres que pasaron por su vida. También hay que resaltar la seducción que despierta Pettinato. Los años le han sentado de maravillas,  está muy atractivo.

 

Se  crea un excelente clima en la sala, donde el público se integra con el humorista, donde ambos terminan riéndose  de la realidad.

 

El broche final, es cuando Pettinatto pela el saxo  cerrando el espectáculo después de tocar una pieza musical que permite al público ir despacito bajando de la nube, admirar el ingenio,  inteligencia y excelente sentido del humor de este señor artista del espectáculo.

 

Cuando mi amiga y yo, salimos de la función, nos aguardó una tenue garua, la cual ni le prestamos atención, muy satisfechas de habernos reído tanto. Nos fuimos a picar algo en el bar del Konex, nos volvimos a casa con una sonrisa a flor de piel para iniciar felices nuestro fin de semana, con muchas  ganas de recomendarlo a  amigos y conocidos para que pasen  una excelente velada.

 

Cierro mi nota diciendo PETTINATO, gracias. ¡No aflojes! ¡Seguì siempre igual!.

 

Diana Decunto

Teatro: La música del viento

“La música del viento” encierra una original comedia romántica con tintes dramáticos, donde se experimentan sensaciones como el amor, odio, egoísmo, envidia, drama y sobre todo que invita a reflexionar sobre la confianza intrapersonal, y derribar los prejuicios en materia del amor.

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Julia es una joven investigadora científica dedicada al trabajo académico. Para acceder a su doctorado realiza su primera salida de campo para recolectar muestras de suelo en un lugar del desierto de Atacama, en la puna jujeña. La acompaña Pedro, un joven vaqueano conocedor del mundo natural, quien será su guía y protección durante el tiempo que lleve la travesía. Los desencuentros entre dos culturas, dos formas opuestas de ver el mundo, los llevan a vivir una situación límite donde el mayor conflicto se manifiesta con el ambiente y donde el amor nace de la diversidad.

Cuando se observan obras de esta calidad, se hace evidente la sensibilidad de la directora, que puede llegar a lugares dentro de uno que solo un ser con esa capacidad puede lograr.

La dirección y el libro están a cargo de Merceditas Elordi, quien pudo haber caído en la clásica historia de “La Bella y la Bestia”, pero decidió darle unos giros interesantes con ribetes contemporáneos que mantienen expectante al público hasta el final.
Sin embargo, el punto más importante a resaltar en su trabajo es que, dentro de una producción donde hay dos actores en escena durante la totalidad del espectáculo, éste nunca pierde su atractivo, ni aburre a quien lo observa.
La aparición de los personajes desde que la gente ingresa a la sala, es tomado por el público como una propuesta interesante, que ya comienza a analizarlos desde el vamos.

Uno de los puntos altos del espectáculo es la labor de Edgardo Aguilar que, a través de una precisa puesta luces y también escenográfica en cuanto al aprovechamiento del espacio, genera una estética de aislamiento propia del desierto de Atacama. Para lograr ello, utiliza una gama de colores que van desde un frío celeste, hasta un cálido colorado, digno del infierno. Este complemento de iluminación dinámica y escenografía estática logra crear una realidad e introducir al espectador en ella.

Es altamente valorable la química que existe entre los protagonistas.

El personaje de Julia, representado por Sofía González, atraviesa un interesante recorrido interpretativo. En un principio, se muestra como una porteña “de edificio” que sólo piensa en su tesis y no tiene interés alguno por conectarse con la naturaleza, ni con su compañero, Pedro, a quien trata como un subordinado. Con el correr de la obra, Julia comienza a mostrar su lado más natural, saliendo completamente del molde anterior e ingresando en una etapa más sincera y humana. Es aquí donde se alcanza a comprender la estupenda calidad actoral de Sofía, quien interpreta sostenidamente dos facetas, y ambas resultan convincentes. Incluso también hay tiempo para sacarle sonrisas al público con sus saludos a la Pachamama.

El otro protagonista, Pedro (Patricio Paz), ya se gana la simpatía del público desde su primera línea. Conducido por un acento norteño que resulta amigable, logra un buen contrapunto con la irritable actitud Julia, en la primera parte de la obra. Así como su compañera, Pedro también comienza a desdoblarse y dejar de lado esos modismos antiguos de hombre cerrado de campo, y mostrar sus emociones, las cuales son interpretadas con una espontaneidad digna de un actor de su calaña.

Aquí es donde ocurre esa magia teatral, en donde el espectador siente la necesidad de un final feliz en esta historia de amor.
Una obra que está en cartel todos los sábados  a las 20 horas, en el teatro Patio de Actores, Lerma 568. C.A.B.A., Argentina.

 

FICHA TÉCNICA

Autora y directora: Merceditas Elordi.
Intérpretes: Sofía González y Patricio Paz.
Asistencia de dirección: Lucía Cibini.
Diseño de Iluminación y puesta de luces: Edgardo Aguilar.
Diseño y realización de escenografía: Edgardo Aguilar.
Diseño de vestuario: Edgardo Aguilar.
Arte gráfica: Paula Carranza.
Ilustración: Edgardo Aguilar.
Fotografía: Cristian Holzmann.

 

Nicolás Rodríguez Camino