Reseña : Radagast

El día viernes 15 de septiembre tuvimos el placer de asistir a la función de Radagast en el teatro Metropolitan Sura. Ha sido una función especial ya que se trataba del día del cumpleaños del mago y comediante Agustín Aristaran . Todos los espectadores nos encontrábamos con bonetes y bolsitas con golosinas como en cualquier fiesta de cumpleaños (de niños claramente). De este modo comenzamos a disfrutar de una función muy divertida , algo que el comediante siempre nos suele regalar.

Un show desopilante que genera asombro, tensión, complicidad y carcajadas a través de rutinas inverosímiles y disparatadas. En Radagast se unen el absurdo, lo contingente y el desparpajo. Un show de nivel internacional cuya calidad artística y técnica permiten al público una experiencia fascinante y única.

El público se acomoda en la sala, antes se ello se les entrega el programa de mano que incluye un troquelado con cartas en la que se encuentra la imagen de nuestro querido personaje al que estamos por ver, algo que será de importancia para más adelante. Radagast entra en escena y nos marca el comienzo de su show con un número musical en honor al rey León. Dicho número hecho obviamente de manera cómica , pero denotando la importancia que tiene dicha película en la vida del artista.

A través de un monólogo , nos hacen recordar que la factoría Disney ha marcado toda una generación, o más bien dicho que las creaciones del señor Walter Disney (Como suele mencionarlo ) es quien realmente ha jugado con la mente de muchos jóvenes ahora ya adultos, no deja a pensar sobre que sería de nuestras vidas si los descongelaran..

La magia y el humor siempre están en sintonía , es algo que Radagast sabe combinar perfectamente, además de parodiar la relación entre ambas profesiones. Sin duda uno de los mejores momentos de la noche ha sido la presentación de un gurú y mentalista que invita al público al escenario para demostrar su talento de forma sorprendente . La participación con la gente es constante y es algo que logra acercar al espectador con el artista , haciendo de este un show íntimo a pesar de estar en uno de los teatros más comerciales de la calle corrientes.

El espectáculo finaliza recordando los inicios de Agustín , cuando mostraba su talento como artista callejero. Resulta un final hasta emotivo , aunque trate de no mostrarlo de esa forma.

Radagast es un espectáculo que vale la pena ir a ver, se nota claramente el éxito que tiene en el teatro Metropolitan Sura se debe a la conexión que crea junto al público y la versatilidad que tiene el artista para brindar su humor. Ideal para terminar la semana con muchas risas.

Viernes 0:30 hs

Teatro Metropolitan Sura

Entradas por boletería o Plateanet https://www.plateanet.com/Obras/radagast_

Daniel Alvarez

Crítica: It (2017)

It es una novela de terror publicada en 1986 por el escritor estadounidense Stephen King. Cuenta la historia de un grupo de niños que son aterrorizados por un malvado monstruo al que llaman “Eso”, que es capaz de cambiar de forma, alimentándose del miedo que produce en sus víctimas.

Son los años 80 en el pequeño pueblo de Derry, en el estado de Maine. En
él vive un grupo de siete niños conocidos como ‘El club de los perdedores’, quienes suelen ser blanco fácil los matones de la escuela. La vida de estos siete chicos dará un giro inesperado cuando, durante las vacaciones de verano, una oleada de extrañas muertes provoquen el pánico y el terror entre los habitantes del lugar. Uniendo sus fuerzas, el grupo de amigos deciden buscar al asesino. Entonces descubrirán que los crímenes fueron cometidos por una entidad maligna: un sádico payaso llamado Pennywise, un personaje que data de varios siglos atrás con gran historial de violencia. ¿Serán capaces de luchar contra este engendro de apetito insaciable que se alimenta del miedo de los niños?

Dirigida por el argentino Andrés Muschetti (director de “Mama”) quién logró hacer a la perfección una nueva versión de este clásico del terror ,
respetando gran parte de la trama del libro original, logra atrapar al
espectador desde el primer minuto. Con un casting impecable, y la
destacable actuación de Bill Skarsgård, también se sobresalen el pequeño Finn Wolfhard que lo podemos reconocer por su papel en Stranger Things, y Sophia Lillis, quién dará que hablar. Muschetti contó en la conferencia de prensa, que quiso que se notara la relación de unión de los chicos, y para eso hicieron varios encuentros antes de filmar, como talleres de natación, bicicleta y tenían prohibido el uso de celulares, para que logren hablar más, conocerse y entablar una amistad, la cuál se nota en el film.

La película consigue tener puntos de humor, realmente graciosos, de
tensión y terror. Como sabemos, habrá una segunda parte de la historia, contada con los protagonistas ya de adultos, ya que esta primera parte, sólo cuenta la historia de los chicos, cuando en el libro es un flash back con la adultez.

Si bien la trama es de terror, la película tiene valores y demuestra lo
esencial del libro, que es la amistad de un grupo de chicos marginados que
cada uno tiene una carga personal, pero cuando están juntos se olvidan de eso.

TITULO ORIGINAL: It (2017)

ACTORES: Finn Wolfhard, Will Poulter.

ACTORES SECUNDARIOS: Jackson Robert Scott, Bill Skarsgård, Megan Charpentier, Jaeden Lieberher, Javier Botet.

GENERO: Terror, Drama.

DIRECCION: Andrés Muschietti.

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 135 Minutos

CALIFICACION: Apta mayores de 16 años

ESTRENO EN BUENOS AIRES: 21 de Septiembre de 2017

Crítica: Una Fuga de agua

Esos charcos que están aunque deje de llover, aunque pasen días y el asfalto se seque, aunque pasen días y no haya ni una garúa, en pleno verano, sequía, el charco siempre está. Una fuga de agua, explica Sergio. No es un charco, es una fuga de agua.

Cuatro hermanos distanciados, que han elegido caminos muy distintos en sus vidas adultas, se reencuentran en una situación familiar trágica y sensible: la madre, enferma, puede morir en cualquier momento; la hermana, rica, quiere comprarles su parte de la casa de la infancia. Las
relaciones entre hermanos son de lo más ambiguas, sobre todo cuando se trata de cuatro hermanos y especialmente cuando esos cuatro hermanos son tan distintos. Las situaciones límite suelen probar la fortaleza de los vínculos, pero también ponen a prueba la memoria. El pasado se vuelve subjetivo cuando se ponen en juego los diversos puntos de vista, un mismo recuerdo puede
ser muy distinto según quien lo cuente. La reconstrucción de la figura materna llegando a su momento de finitud se vuelve una ardua tarea, porque en esa reconstrucción se exponen las culpas, las penas, las presencias y las ausencias que cada hijo vivió. La fuga de agua que allí está, aunque haya pasado tiempo y aunque se hayan mudado lejos unos de otros, allí seguirá también
después de la muerte del ser amado.

“Una fuga de agua” es la ópera prima, muy bien lograda, de Gota, autor y director español que se formó con Javier Daulte y eso queda en evidencia en el texto. La temática de las relaciones humanas es recurrente en la primera dramaturgia de Daulte y tratar este tema desde la comedia
para descomprimir y exponer los conflictos es su modus operandis.

Creo personalmente que en el
nivel de la dirección de actores faltó explotar un poco más la comicidad, caricaturizar un poco más estos personajes con gran potencial, incluir algunos gags que corten en seco el clima dramático y nos permitan reírnos de nosotros mismos. Porque en definitiva es eso lo que vamos a buscar al teatro, al menos a veces.

Por eso al ingresar a la sala, vemos en el suelo un pequeño sillón
miniatura iluminado con un foco cenital y luego al sentarnos en la butaca vemos en el escenario
un sillón similar en escala real, como si el director estuviera tratando de decirnos que lo que vemos allí es una escala micro de lo que pasa afuera, en la vida real. Y es ahí donde se presenta el valor terapéutico del teatro. Freudianamente hablando.

Elenco: Silvina Katz, Carolina Pfaffenbauer, Mara Guerra, Luli Torn y Jorge Gentile.

Escenografía: Esteban Siderakis / Vestuario: Jam Monti / Diseño de Luces: Sebastián Francia / Fotografía y gráfica: Daniela Pantané / Asesor Coreográfico: Diego Jaraz / Prensa: Duche&Zárate / Asistente de dirección: Rocío Literas / Supervisión Dramatúrgica: Javier Daulte / Producción General: Casa de Fieras.

Dramaturgia y Dirección: Gonzalo de Otaola (Gota)

Funciones: Viernes a las 20 hs.

Entrada General $ 200.- / Descuentos Est. Jub. $ 160.-

Reservas: Alternativa Teatral

Facebook:https://www.facebook.com/fugadeagua/

Espacio Callejón Humahuaca 3759 – C.A.B.A.

Sol Grunschlager

Reseña: Rock of ages

Desde hace un tiempo sucede que cada martes en el Teatro Maipo se celebra una fiesta, refiriéndose al teatro musical. Hasta hace poco era The Rocky Horror Show el espectáculo que atraía a gran público a celebrar aquel musical de culto. Ahora es el turno de Rock of ages , que aprovecha el éxito de convocatoria de su antecesora para brindarnos un gran musical que nos trae el mejor Rock de la década de los 80′.

Es el final de los grandes y malos años ´80 en Hollywood, y la fiesta ha estado haciendo mucho ruido. Lycra, encajes, y licores fluyen libremente en uno de los últimos lugares legendarios del Sunset Strip, el Bourbon Room, un legendario club de Los Ángeles, que supo ser la cuna del rock. Las canciones nos llevan a cómo una chica de pueblo llega a Los Ángeles para convertirse en actriz, y conoce a un chico de ciudad, que quiere ser estrella de rock. Al mismo tiempo, vemos cómo el dueño del Bourbon Room es amenazado por empresarios alemanes que quieren demoler el club para hacer sus negocios. Durante la obra, los personajes suelen romper la “cuarta pared”, dirigiéndose directamente al público haciéndolo no solo un musical a puro rock sino también cómico y deslumbrante.

Además de regalarnos canciones más que conocidas del rock, la obra sirve como una parodia al género , en el que no tiene miedo de romper la cuarta pared de manera constante. Con un narrador , la obra comienza diciéndole al público de que esto se trata de una comedia musical, y para ello es necesario presentar una historia de amor. Sherrie es una chica de pueblo, llega a la gran ciudad para probar suerte como actriz pero acaba trabajando de moza en el legendario Bourbon Room, en el Sunset Strip de Los Ángeles, donde se enamora del tímido Drew, cuyo sueño es componer sus propias canciones. A partir de ese hecho comienza una disparatada y divertida historia que se relata a través de hitos del Rock de los 80′. La participación del público es constante , la obra en todo momento tiene en cuenta en que hay gente presenciando la historia, ya que en momentos realiza quiebres para interactuar directamente con la gente . Sobre la música antes de adelantar sobre las canciones que tocan es mejor decirle a la gente que se deje llevar por ella, toca aclarar que los temas están interpretados en inglés , cosa que ha sido un logro lo que en realidad pudo suponer una dificultad. El relato prosigue con la relación entre Sherrie y Drew, mientras se desatan otros conflictos , como la aparición de un exitoso Rockstar que viene a complicar la relación. También la aparición de unos sujetos Alemanes que intentan eliminar todo lo que hay en el Suncet Strip (Incluyendo el Bourbon Room) para construir una ciudad limpia y aburrida. La puesta es rica en personajes y subtramas, la idea es que la gente pueda disfrutar de su música , divertirse y cantar desde sus butacas. Un claro ejemplo es cuando tocan Don’t stop believin, el público se alza para cantar la letra junto a los personajes , haciendo de esta obra otra fiesta más.

Este espectáculo ha hecho un gran trabajo en cuanto a su casting, ya se había mencionado que el musical es rico en personajes, también en artistas. Si bien el protagonismo en la obra es repartido , pero en esta ocasión toca destacar la participación de Federico Coates, quien ya ha participado en numerosos musicales y se merecía ya un reconocimiento como este. En el gira el argumento , siendo un aspirante a estrella de rock, se enamora de una forajida pero la vida le trae complicaciones en la que debe tomar la decisión sobre lo que quiere para su futuro. Lonny quien actúa como personaje y narrador de la historia, esta interpretado por Matias Mayer, su presencia denota histrionismo y es quien lleva a la obra por el camino humorístico. La obra está llena de talento y de artistas que ya son más que conocidos dentro del género musical. Siempre es bueno poder ver a Melania Lenoir con su imponente registro vocal , a Mariano Zito que se ha convertido en una revelación del teatro música, así como la participación de CAE, quien se ha atrevido a incursionar en el Teatro para presentarnos a un personaje gurú del Rock hecho a su medida.

La puesta es vistosa, cuenta con la presencia de músicos en vivo, algo que siempre es de agradecer cuando es posible. En cuanto a la música , ya se ha aclarado que las canciones no están traducidas , es algo que quizá podría haber dificultado el entendimiento de la obra para muchos , pero en realidad no habría sido justo traducir canciones como Any Way You Want It aunque sea en función de la obra. Los personajes hacen parodia de ello , y tratan de que no dificulte la relación entre la música y el relato, algo bastante bien logrado.

El Teatro Maipo ha encontrado un nuevo espectáculo para invitar a la gente a festejar cada martes, con mucho Rock . Se trata de una gran apuesta, un musical lleno de talento, que se lleva a cabo con una energía impresionante, la necesaria para ponerse a rockear.

Elenco: Federico Coates – Micaela Racana – Matias Mayer – Cae – Melania Lenoir – Mariano Zito – Lucía Mundstock – Hernán Kuttel – Marcos Rauch – Federico Yernazian – Pilar Muerza – Alejo Salinas – Mery Armellin – Pedro Ochoa – Tali Lubi Sacha Bercovich

DIRECCIÓN DE ARTE: Tato Fernandez

DIRECCIÓN COREOGRÁFICA: Matías Napp

DIRECCIÓN VOCAL: Sebastián Mazzoni

ASISTENTE DE DIRECCIÓN VOCAL: Ana Durañona

VESTUARIO: Alejandra Robotti

DISEÑO DE LUCES: Gaspar Potocnik

DISEÑO DE MAQUILLAJE: Veronica Fox

DISEÑO DE PEINADOS: Martina Gradin

STAGE MANAGER: Mica Monti

DISEÑO GRÁFICO: Lucila Gejtman

COMMUNITY MANAGER: Belén Maffei

MARKETING: Vane Pellizzeri

COMUNICACIÓN Y PRENSA: Marcelo Boccia – Carlos Mazalán – Ariel Zappone para BMZ Comunicaciones

ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Juan Zorraquín

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Mercedes Villegas – Juan Coni

PRODUCCIÓN GENERAL: Nicolás Dal Farra – Estanislao Otero Valdez

DIRECCIÓN MUSICAL: Mariano Cantarini

DIRECCIÓN GENERAL: Pablo Drutman

TEATRO MAIPO – Esmeralda 443 – CABA – 5352-8384

Funciones: Martes 21.00 hs.

Localidades: $400 – $500 y $550

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Reseña: Pelonintensivo

Esto no es una crítica de teatro, es más bien una declaración de amor. Sigo a Roberto Peloni desde su protagónico en La Parka, musical multipremiado del under porteño y fui, a lo largo de estos años, testigo de su talento tanto en tele como en vivo, llegando al clímax del fan del teatro musical con su Frank N Furter de culto.

Esta obra se siente más libre, subjetiva, ya que en ella crea personajes inéditos y, a su vez,
finaliza con un musical de autoafirmación identitaria. Con producción de Lino Patalano y en
conmemoración de los cincuenta años del café concert, Peloni decide hacer un unipersonal muy personal. Cinco personajes con individualidades muy marcadas, políticamente incorrectos tal como nos adelanta el programa, se suceden haciéndonos reír de manera
exponencial para cerrar con un gran final donde conocemos al personaje detrás de los personajes.

Lo increíble es cómo, a lo largo de la obra, Peloni se va transformando en seres muy diversos, cambia su cara, cambia su voz, construye desde el cliché y así y todo logra ser convincente. Lo paradójico es que tenga que explicarse, cantar su currículum artístico y construir un personaje de sí mismo para autoafirmarse en su talento y llegar a la conclusión aparentemente contradictoria de que, si el público general no conoce su nombre, es porque algo está haciendo bien.

Roberto Peloni es su nombre y todo lo que este actor hace, definitivamente lo hace bien. Sus personajes nacen de lugares comunes, pero sin aburrirnos con los mismos chistes de siempre. Putean pero no nos hacen reír desde el humor burdo. Recurren a la comedia física, pero desde la construcción realista de la observación. Descontextualiza a las
personas que los inspiran, pero no desde el sinsentido.

Enrique Pinti presenció la misma función que yo, quizás para supervisar con recelo en manos de quién está el futuro de la comedia. Quizás porque son pocos los actores de esta generación cuya capacidad de hacer reír se empareja con su talento para componer personajes y es su responsabilidad estar al tanto de ellos. Sea cual fuere el motivo, lo que
es seguro, es que es una señal de buen augurio.

Libro: Sebastian Meschengieser – Roberto Peloni
Colaboración autoral: Elio Marchi

 

Escenografía y vestuario: Vanesa Abramovich

 

 

Diseño de luces: Gonzalo González

Diseño y grabación musical: Miguel Angel Cino

Arreglo vocal: Raul Oliveira

Diseño de maquillaje: Santiago Castro

Vestuarista: Susana Signorini

Fotografía: Nacho Lunadei

Diseño grafico: Pablo Sultani

Dirección audiovisual: Talo Silveyra (Nebraska Films)

Producción audiovisual: NUBE contenidos

Colaboración artística: Malena Guinzburg y Claudio Tolcachir

Asesor de comunicación: Alejandro Veroutis

Coordinador de producción: Sebas Rojas

Producción ejecutiva: Tamara Bur

Producción artística: Lino Patalano

MAIPO KABARET – Esmeralda 443 – CABA – 5352-8384

Funciones: Viernes y Sábados 23.15 hs

Localidades: $250 y $300

Entradas a la venta en boleterías del teatro o por Plateanet

https://www.plateanet.com/Obras/pelonintensivo

Sol Grunschlager

Reseña: La panadera de los poetas

Hemos tenido el placer de disfrutar en el Teatro La comedia, la obra La panadera de los poetas, que nos trae a Virginia lago como protagonista de la historia. Una panadera ha resultado ser la fuente de inspiración y consejo de dos grandes escritores: Federico García Lorca y Miguel Hernandez. Estamos ante una obra poética y conmovedora.

El nuestro sin duda es un país de inmigrantes. Muchos de nosotros descendemos de españoles, y no solo hemos heredado un apellido, un idioma, sino por sobre todas las cosas, hemos heredado los cuentos… Como este, el de María Candelaria Seoane, la de los panes con embrujos de amores. María Candelaria, la de las recetas milenarias. María Candelaria, la panadera de los secretos…

En un pueblo blanco, de esos que nacen en la montaña en la bella España transcurre esta historia. Mediados de la década del treinta. Mientras María Candelaria cocina sus manjares, la revolución se inicia como preámbulo siniestro de la Guerra Civil Española. Ella no lo sabe. Ella solo sabe de recetas, de confituras, de panes con sabores mágicos, y de poetas… Si, ella es la amiga de los poetas. En su panadería se encuentran Federico el de Granada, y Miguel, el humilde poeta de las cabras de Orihuela. Se provocan, se divierten, se quieren… Juegan a pelearse y se pelean jugando. Y es María Candelaria, la inquebrantable, la fuerte, la ingobernable, la solterona, la misteriosa la que trata de enseñarles a sus poetas la receta para un mundo mejor. María Candelaria, la de las mercaderías con amor, este es su cuento…

En un pueblo español se sitúa una panadería que es atendida por una mujer que siente amor por lo que hace. Ella suele tener unas visitas bien particulares, la de Federico García Lorca y Miguel Hernandez , el primero ya un escritor reconocido y el otro recién dando sus primeros pasos. Cada uno de ellos inician una relación con esta mujer , que gracias a su sabiduría y sinceridad, les ha ayudado a conseguir grandes logros tanto en su vida personal como profesional. La historia juega con el humor , como en los momentos en que nos enteramos que María Candelaria fue la inspiración de las más aclamadas obras de Lorca , siendo en realidad chismes y anécdotas que la panadera le relataba al escritor. También la puesta busca reflejar el momento histórico y la posición que tenían estos personajes en cuanto a los conflictos políticos y sociales de la época . En España se vivían momentos duros , y estos escritores han dejado su vida por expresar su ideología a través de la escritura, la obra usa estos hechos para mostrar al público lo que han dejado estas celebridades para la posteridad.

Virginia Lago es la gran protagonista de la obra , si bien ella sirve como un hilo conductor en el que se refleja la vida de dos reconocidos escritores , resulta de suma importancia su presencia , carisma y sabiduría. Su panadería es un punto de encuentro , donde todos dejan sus sentimientos dentro del local. Ella es quien siempre deja abiertas las puertas del lugar , siendo un gran apoyo para Federico y Miguel , quienes confían sus secretos y problemas. Francisco Gonzalez Gil y Jorge Seleme acompañan con sus respectivos personajes , ambos escritores y poetas , y como tales brindan parte se su poesía en escena. La participación de ambos es relevante, si bien no llegan a tener una relación estrecha entre ambos, reconocen la admiración que se tienen el uno por el otro, más que correctas interpretaciones.

La escenografía es simple pero efectiva, una mesa y varios panes alrededor bastan para crear el ambiente que se rodea de masas e historias. El acompañamiento musical es algo que también se destaca, siempre en función de embellecer el relato, aún en los momentos más dramáticos.

La Panadera de los poetas , es una obra sencilla pero cautivadora, sirve como un homenaje a dos personajes importante de la literatura universal. Virginia Lago es quién interpreta a un personaje con gran fortaleza y sabiduría, que logra hacer del lugar donde hace lo que ama un lugar de reunión y reflexión. Se trata de una obra cómica , poética y que logra conmover al espectador .

Ficha Técnica

VIRGINIA LAGO es María Candelaría Seoane, la panadera

FRANCISCO GONZALEZ GILes Miguel Hernandez, el poeta de Orihuela

JORGE SELEME es Federico García Lorca, el poeta de Granada

MARIANA GIOVINE es la Directora

MARCELO ALVAREZ es el Músico.

MARIA DE LAS MERCEDES HERNANDO es la autora

FUNCIONES SÁBADOS Y DOMINGOS 18.00 HORAS

LOCALIDADES DESDE $300 PESOS.-

Las entradas ya se encuentran a la venta en la boletería del teatro y por sistema de plateanet.

www.plateanet.com

5236 – 3000

Reseña: Cadáveres Show

Un presente distópico. Un grupo de adolescentes de un secundario católico con la sexualidad a flor de piel y diversas formas de expresarlo. Pasan cosas extrañas y misteriosas en el FUCKing Instituto, cosas que no tienen explicación lógica porque, claro, son acciones dictadas por la pasión.

La acción tiene lugar en el campus del Instituto FUCKing (Federación Unidos en Cristo King). Una exclusiva escuela en un presente distópico. En el 5to. año una historia de amor revela un entramado de violencia y muerte. Situaciones cotidianas por las que la gran mayoría de las mujeres pasan de adolescentes y que marcan un mandato, una obligación de seguir siendo parte de un anquilosado sistema patriarcal.

La desaparición de dos compañeras alerta al grupo, que parece enloquecer de violencia contenida pero cotidiana, familiar. Una violencia que se expresa tanto en los cuerpos, que viven, mueren y danzan en coreografías extrañas, como en las expresiones verbales que, en muy variados registros y tonos, dejan entrever los discursos establecidos de la violencia, esos que no reconocemos como tales porque nos son ya inherentes.

“Cadáveres Show” es un musical bizarro, juvenil y ¿tragicómico? sobre la violencia de género. Si logramos atravesar las capas de lenguaje poético, después de un rato,
descubrimos que ese es el verdadero tema de la historia, pero debo confesar que no resulta
de lo más sencillo. La superposición de signos hace de esta obra un texto espectacular demasiado denso, que no se deja decodificar fácilmente.

Personalmente, destaco la
intención de tocar un tema sensible e importante desde un lenguaje posmoderno, pero considero que cuando se quiere dar un mensaje claro, y más aún cuando dicho mensaje implica responsabilidad social, menos es más. La historia de amor y celos teen como excusa para hablar de violencia resulta un tanto rebuscada, si bien comprendo que la adolescencia es un momento donde muchos de estos discursos del patriarcado se fijan en el lóbulo frontal en desarrollo de estos futuros adultos que, en definitiva, tendrán la responsabilidad de romper con los patrones. Destaco también la capacidad de los jóvenes actores para aprender tanta cantidad de texto, y tanta densidad de lenguaje, aunque muchas veces no se logre entender lo que dicen.

En resumen, es una obra compleja,
densa, larga, ruidosa e incómoda.
Pensándolo bien, quizás sea esa la intención: incomodar al espectador tratando un tema incómodo, logrando una incomodidad al cuadrado que se auto-anula y nos obliga a hablar
de nuestros cadáveres.

Dramaturgia: Ezequiel Bianchi – Elián López

Actúan: Camila Bastida, Lucia Cisneros, Clara Ferrer Diez, Candela González Tonon, Sofía Kali, María Agustina Mirás, Enzo Cejas, Facundo Cohen, Agustín Chenaut, Ignacio Mamonde, Nicanor Ochoa y Juan Ignacio Piasentini

Músicos: Chino Sircman, Ramón Espinosa y Cesar Javier Romero.

Música original:César Javier Romero

Audiovisuales: Ezequiel Bianchi, Leandro Irión y Elián López.

Diseño gráfico: Francisco Hnilo

Prensa & difusión: Simkin & Franco

Producción Musical: Camila Bastida, Ezequiel Bianchi, Cesar Javier Romero y Santiago Mirás

Producción ejecutiva: Camila Bastida, Lucia Cisneros y Clara Ferrer Diez.

Producción general: Los Perros De Pavlov.

Supervisión dramatúrgica: Martin Salazar

Supervisión de Arte: Ariel Del Mastro

Diseño de Luces: Ezequiel Bianchi

Diseño de Sonido: Matías “Naipe” Noguera

Diseño de Multimedia: Ezequiel Bianchi

Producción y Dirección Musical: Ezequiel Bianchi y Cesar Javier Romero

Dirección de actores: Elián López

Asistencia de dirección y Stage Manager: Liliam Zarreth

Dirección General: Ezequiel Bianchi.

Sol Grünschläger