Crítica: Macbeth, yo no me voy a morir.

BANQUO:- Ya eres todo: Rey, Cawdor, Glamis, como te prometieron

las mujeres fatídicas pero… sospecho que jugaste muy villanamente….

MACBETH:- No faltéis a nuestra fiesta! “

macbeth

Macbeth (W. Shakespeare)
Medioevo en Escocia. Macbeth y Banquo, generales del rey Duncan, regresan victoriosos de una cruenta batalla expulsando a invasores del reino. En un páramo neblinoso, se cruzan con tres brujas: a Macbeth le vaticinan que primero será barón y luego rey; a Banquo, que su descendencia será de reyes. Macbeth es nombrado barón, y este acierto en el vaticinio de las brujas da inicio a una desesperada fuga hacia adelante, camino de ambición y éxtasis de codicia, incentivado, constantemente acompañado por Lady Macbeth, su mujer, tanto o aún más jugada al todo o nada. Asesinan al rey Duncan que, huésped del castillo de los Macbeth creía honrarlos con su presencia, y vilmente culpan a los hijos del rey del cruel hecho. Los descendientes huyen, Macbeth es coronado rey y sabedor de las profecías, manda a matar a Banquo. Pero el hijo, Fleance, logra escapar.

Lo que sigue es una bacanal de muerte, persecuciones y asesinatos, de degradación, sombrías alucinaciones, conjuros, descenso a los infiernos de lo más impuro de las acciones humanas. Lo que maravilla es el exacto retrato de la tiranía, su ascensión encantadora, sus promesas vanas para que crean los deseosos de creer, el miedo, la aceptación servil, la observancia de la corrupción del poder, y queilimitado, corrompe a todos. El poder sin límites corrompe hasta a los mejores. Indefectiblemente.

Macbeth es una obra sangrienta, voraz, donde la razón se deforma al punto del espanto. Orson Welles la realizó primal, rústica, barbárica. Akira Kurosawa la llenó de vértigo. Roman Polanski, de seductora y sombría violencia. A cualquier persona que le interese la historia, la psicología, la sociología, la política, la literatura, etc. debería leerlo. Allí hay escrito un perfecto tratado del poder y sus consecuencias, cuando es mal utilizado.

Florencia Limonoff, como Macbeth, y Coni Marino, como Lady Macbeth, componen un trabajo minucioso y profundo. La escenografía: trastos, ropajes viejos, sogas, madera, invitan a un mundo ambivalente, a veces páramo, otras ominoso castillo medieval.

La adaptación y dirección de Jorge Eines es interesante conceptualmente. Ahora, hay algo en el orden de lo visceralmente bestial, que está enunciado pero no concretado. Para que las palabras no solo reflejen su intrínseca belleza, sino inquietud, temor, interpelen y revelen. Catarsis, que se dice.

Véanla, el trabajo del equipo que lo realiza lo vale. Entre otras minucias, uno es la medida de sus desafíos.

Ah… me olvidaba: la escribió un tal W. Shakespeare (1564-1616). No había celulares en esa época. Si hubieran existido, él posiblemente conocería el celular de Dios.

AGENDA:
Ree​streno: viernes 8 de septiembre, 20:15 hs.
Funciones: viernes, 20:15 hs. 
Lugar: El Grito (Costa Rica 5459)
Entrada: $200-. / $140-​Descuento jub. y est.
​Reservas: 011 4989-2620 
Duración: 60 min.
Trailer: Machbeth, yo no me voy a morir
FB: http://bit.ly/2upRbaW

Ficha técnica:
Dramaturgia y dirección: Jorge Eines
Elenco: Macbeth: Florencia Limonoff  /  Lady Macbeth: Coni Marino
Arte y vestuario: Lucía Maisano, Lucas Bombín
Iluminación: Juan Gonzáles​ Rotstein
Diseño gráfico: Diseño Bar
Asistencia de dirección: Anne Castillon 
​Fotografía: Carolina Morera​
PrensaOctavia Comunicación
Producción: Florencia Lorenzo/ ​Tejido Abierto Teatro Buenos Aires

Tejido Abierto Teatro Buenos Aires está integrado por Jorge Eines, Florencia Limonoff, Coni Marino, Anne Castillon, Lucía Maisano, Juan González Rotstein y Lucas Bombín.

 

 
A. R. Belano

Crítica:  La pasión de Toto

Debo admitir que no podré ser del todo objetivo con esta reseña, la obra en cuestión se llama «La pasión de Toto» cuyos temas principales en la obra se destacan el equipo Boca Juniors y el barrio de La Boca. No me interesa tanto el fútbol y no he conocido aún al barrio mencionado, así que toca arrancar desde cero. Se puede decir que se trata de una comedia costumbrista, con una excelente ambientación  de lo que se denomina un conventillo. Su argumento es sencillo, es lo que busca y usa para alzar los valores del equipo Xeneize y a su barrio.

LaPasiónDeToto_logo

Barrio de la Boca. 1925. Un conventillo frente al místico estadio de la Bombonera. Una familia apasionadamente boquense sueña con ver al pequeño Fermín debutar en las inferiores del club de sus amores: Boca Juniors. El deseo de la familia se obstaculiza por el médico personal de Don Toño, que siendo de la zona de la Recoleta y simpatizante de River visita asiduamente a la familia y conversa con el jovencito para que cambie sus colores por los de su club amado. La llegada de una carta con una suculenta oferta de compra del conventillo traerá un nuevo conflicto a la historia: ¿Qué hacer? ¿Vender? ¿O ser fiel al sentimiento por el barrio?

Convengamos que para la época donde se sitúa la obra,  la población no es tan inmensa como lo es en la actualidad. Esto hace que en una comunidad la mayoria de las personas se conozcan, más en un barrio mítico como lo es La Boca. Antes de ser un reconocido lugar de la ciudad de Buenos Aires es simplemente un barrio, en el que uno de sus habitantes le anticipa al público lo que será de este sitio en el futuro. El fútbol y el tango son parte de nuestra cultura y es lo que la obra acentúa en su historia y su música, presentando una comedia de peleas, enredos y disputas dentro de una comunidad. Hacia el final la obra presenta el planteo sobre cual amor es más importante ¿Al que se tiene por la camiseta o por la familia?  Claramente al ser reacio al futbol tengo mi respuesta,  aunque esa pregunta se puede trasladar hacia cualquier pasión que una persona pueda tener, que muchas veces resulta ser algo muy importante en uno.

Las actuaciones son correctas , la obraa abunda en personajes, donde casi todos tienen presencia en la historia de manera constante.  Muchos personajes se reflejan a traves de un estereotipo, como lo es el tanguero, los inmigrantes italianos y los apasionados por el futbol. Todo esto está en función de la comedia, que logra causar risas en momentos desopilantes.

Si toca decir que es una obra hecha para los amantes de Boca Juniors, resulta ser un sueño que quería realizar su director, en el cual ha recibido ayuda por parte de miembros del club. Puede suceder que el espectador ajeno a estos principios, llegue a sentirse fuera , de todos modos es algo que desde su portada ya te dicen que es lo que se va a ver,  así que queda a criterio de la gente si decide o no ir a ver el espectáculo.

La pasión de Toto es una obra que se realiza con esa pasión que muchos tienen por el futbol,  y mas precisamente por el club Boca Juniors. No falta el humor  y los momentos desopilantes en una comedia simple pero efectiva.

Pd: No apta para hinchas de River.

El elenco está integrado por Julio Marticorena (Don Toño), José Mastronicola (Fermín) Ramiro Calero (Tino) Analía Gracia (Marita) Antonio Mastronicola (Carlo) Lihue Lit Taborda (La Turca) Soledad Vázquez (Felisa) Alejandro Marticorena (Federico) Patricia Simeone (Choriza) Anna Morrone (Alfonza) Pablo Rodríguez Andreoli (Matienzo) Iván Pedernera (Toto).

Músicos: Bandoneón: Rodrigo Mercado Violín: Ezequiel Moyano Contrabajo: Leonardo Páez Voz: Luz de Olano Bailarines de tango Luz de Olano y Javier Molina

Funciones: a partir del 6/9 todos los miércoles a las 21 hs

Teatro: La Comedia – Rodríguez Peña 1062

Localidades $ 350.-

 

Reseña: Frecuencia onírica

Piensa en tu fantasía más recurrente y probablemente la verás en “Frecuencia Onírica”, un espectáculo erótico multisensorial que explora, a través del cuerpo de los actores y la participación del público, representar las escenas eróticas que viven en nuestro imaginario.

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«Frecuencia Onírica» es una experiencia multisensorial para viajar por las historias eróticas que
habitan en los sueños. El espacio y el tiempo se resignifican en una sinfonía de estímulos que seducen
la imaginación y «despiertan» fantasías en el espectador.
Recortes eróticos que se entrelazan en la rutina y permanecen como ecos, una y otra vez. Escenas
cotidianas que se dejan espiar, rozar y degustar sin prejuicios. Cada uno elige qué tan cerca quiere
percibirlas.
Un recorrido expectante que se descubre a medida que se transita. Deseos inconscientes despiertan en
un vuelo sensorial que sugiere al espectador completar las historias en su imaginación.
¿Con qué frecuencia imaginas lo que te gusta?
Wide Night te propone sintonizar tu frecuencia onírica y despertar en tus sueños eróticos.

Desde que entras en el Galpón Guevara ya estás participando en la obra y luego, al ingresar en un espacio aparentemente vacío tendrás que moverte con los actores que estarán mostrando microescenas de fantasías que, hay que admitir sin tabú, todos hemos tenido alguna vez.

 

Para entrar a este espectáculo recomendamos ir con la mente abierta porque cualquier cosa podría pasar por tu mente y si hay algún tipo de pared por normas de la sociedad no podrás vivir esta experiencia con agrado.

 

Todos deberíamos vivir un momento sólo para disfrutar de nuestra sexualidad y sensualidad sin tapujos, al menos una vez en nuestras vidas, y te aseguro que en “Frecuencia Onírica” podrás conectarte con ese espacio para ser libre sin ningún tipo de prejuicios.

 

Galpón Guevara (Guevara 326)

Teléfonos: 4554-4588

Web: http://www.galpondeguevara.com

Entrada: $ 250,00 – Sábado – 23:00 hs – Hasta el 09/09/2017 y 23/09/2017  

 

Ficha técnico artística

Idea: Wide Night

Guión:Maximiliano Cargnello, Valentina Lecuona, Samanta Lukesch, Felicitas Plos

Texto: Felicitas Plos

Actúan: Nicasio alvarez, Facundo Cano, Maggie García, Sol Gomez, Valentina Lecuona, Adrian Lezcano

Narración: Rocío Pawluk

Voz en Off: Jimena Gonzalez

Vestuario: Angel Key

Diseño de luces: Maximiliano Cargnello

Visuales: Samanta Lukesch

Música original: Wide Night

Sonido: Liza Castignani

Operación de luces: Leandro Fretes

DJ: Liza Castignani

Diseño gráfico: Samanta Lukesch

Entrenamiento actoral: Valentina Lecuona

Producción general: Maximiliano Cargnello, Valentina Lecuona, Samanta Lukesch, Felicitas Plos

Colaboración general: Valentina Magna

Dirección artística: Maximiliano Cargnello, Valentina Lecuona, Samanta Lukesch, Felicitas Plos

Dirección: Valentina Lecuona

 

Ariana Marín

Reseña: El Regreso 

Los recuerdos son esas imágenes de situaciones pasadas que aparecen en nuestra mente a veces con claridad, a veces con cierta duda de si ocurrieron así. Ahí transcurre la obra “El regreso”, en el recuerdo colectivo de la familia Butler de, se supone, uno de los días más felices de sus vidas. Los recuerdos son dirigidos por un señor que posee el libro donde están escritos los sucesos tal cual pasaron y él es el encargado de que estos recuerdos se mantengan en orden, pero también servirá de confidente a los integrantes de la familia para poder descargar su reflexión respecto a los sucesos.

Es metateatro, es decir, una obra dentro de una obra, esto es lo que hace interesante el montaje de “El regreso”, que no es una manera común de narrar las cosas ya que el papel del narrador influye de manera significativa en el flujo de la historia, o mejor dicho, del recuerdo.

El manejo de la tensión y de los silencios están tan  bien trabajados que no importa en qué momento te vayan a decir una gran noticia, tu solo te aferras a tu asiento como quien sabe que va a ser golpeado y solo espera el momento.

Sin duda es un texto maravilloso que te llena de alegría solo para luego tumbarte, porque así es la vida, dando altos y bajos sin que uno los vea, y todo eso se debe al gran manejo de información que se da.


Volvería solo para analizar más, así como los integrantes de la familia Butler se reúnen una y otra vez para recordar aquel día que cambió sus vidas.


Jueves a domingo a las 20:30 hs. Las localidades se pueden adquirir en la boletería del teatro (todos los días de 11 a 21 hs) o reservando vía internet en la página del complejo www.cc25.org 

ELENCO:

Carlos Kaspar –  El Señor

Claudio Amato – Charlie

Alejandro Fain – Anna

Sol Fassi – Tina

Bernardo Forteza – Padre Tom

Stefania Koessl – Anna

Lorena Saizar – Helen

Federico Tombetti – Sean

Magela Zanotta – Myriam


EQUIPO CREATIVO:

Dirección: Agustín Alezzo

Asistente de Dirección: Edgardo Millán

Escenografía: Marta Albertinazzi

Adaptación Escenográfica: Jorge Ferrari

Asistente de Escenografía: Luciana Uzal

Diseño de Vestuario: Analía Morales

Iluminación: Chango Monti

Asistente de Iluminación: Magdalena Berretta Miguez

Música: Grupo The Oxers + The Border Reivers

Productor Ejecutivo: Ezequiel Procopio

Traducción de Texto: Marina Durañona

Producción Artística: Sebas Rojas



Ariana Marín

Crítica: Ser de nadie 

Desde que estoy escribiendo aquí,  trato de no pensar mucho en sobre de que va el argumento de una obra antes de ir a verla. Esto permite no generar una expectativa previa, siendo más sencillo ser objetivo a la hora de escribir la reseña.  En el caso de Ser de nadie, me ha sucedido que he imaginado muchas cosas sobre su argumento con solo divisar el flyer de la obra, que a ssimple vista  te muestra una combinación entre lo sexualmente perturbador y la religión.  Con esa base he disfrutado en el espectáculo, que en algunos aspectos ha sido como lo imaginaba y en otros, totalmente lo contrario.  

Aislados de un mundo que consideran aberrante, rodeados de una nieve impenetrable, esquivos de su propio pasado inconfesable… Entre rezos, cánticos, confesiones y penitencias, un grupo de monjes y su Abad viven entregados a Dios. Pero algunos sólo lo aparentan.

La obra se situa en un templo donde conviven un grupo de monjes, donde desde el inicio, somos testigos del secreto de dos hombres que se desean (¿Y aman?) en secreto. De conocimiento obvio, sabemos que en este tipo de grupos religiosos el amor carnal entre hombres está prohibido, considerándose un pecado muy grave.  Por otro lado, la persona de mayor rango en ese templo (desconozco los términos apropiados de referencia) guarda también un secreto, se encuentra con un niño a escondidas de todos, en el cual llega a abusar de el tanto fisica como psicológicamente. Estas historias se entrecruzan, llevando a una lucha por los intereses personales de cada uno, intentanto buscar la libertad de aquella prisión que los atormenta. 

La historia resulta muy interesante en su argumento, como había anticipado antes, la sexualidad es recurso importante en cuanto al conflicto de la trama. El ambiente represor , las historias del pasado y los sentimientos llevan a los personajes a realizar actos que están en contra de sus principios morales inculcados en aquella sociedad. La puesta no deja cabos sin resolver , así que es un punto a favor que permite a espectador sumergirse en el suspenso que la historia brinda. 

La actuaciones son correctas , cada personaje tiene su rol definido y actúa de forma individual según sus propias necesidades. Cabe destacar la representación de quien debe mostrarse como un niño, que es victima del abuso de quien dice ser su padre y dueño , a quien debe entregarse sexual y emocinalmente a el aunque no sea lo que realmente quiere. Este logra convertirse en un adulto en el cuerpo de un menor , que realiza lo imposible para buscar esa libertad que le han robado. 

En el momento que me han acercado la información de la obra,  había un apartado en el que comunicaba que la puesta contenía escenas de desnudos y que no era recomendable para menores de edad. Si bien las escenas suceden , aunque con una sutileza quizá excecivamente cuidada. Como algo personal quizá haya aportado algo mas que esto se maneje con mayor libertad y sin miedos , de todos modos se entiende perfectamente lo que quieren transmitir cada una de las escenas y en la que cada espectador sabrá apreciar individualmente lo visual de estos actos. 

Ser de nadie es una obra interesante que merece ser vista en función al conjunto de su argumento y su representación escénica. Es una historias que representa el amor (real y enfermizo) a traves de la sexualidad y las emociones, dentro del marco religioso. Buenas actuaciones e interesantes momentos que deja a espectador disfrutar y reflexionar con este relato.
AGENDA


Estreno: sábado 5 de agosto, 22:45 hs.
Funciones: sábados 22:45 hs. (Hasta el sábado 25 de noviembre)
Lugar: Teatro La Mueca (Cabrera 4255, CABA)
Entradas: $200 / Desc. jubilados y estudiantes: $150
Reservas:4867-2155 | Alternativa Teatral
Duración: 80 min.

 Contiene escenas de desnudos


Ficha técnica


Dramaturgia: Mariana Coronado

ElencoFernando Álvarez (Marko), Pablo Valvez (Abad), Luciano Alanis (Bjork), Amilcar Ferrero (Judas), Denis de Vita Fernández (Friorik)

Música en vivo: Verónica Mihura

Diseño de iluminación: Carlos Guida

Música original: Verónica Mihura

Realización de vestuario: Mirta Moreira

Escenografía: Martín “Chino” Díaz

Fotografía:  Sebastián Romero

Arte y video: Manuel Saratella

Asistencia de dirección: Francisca Tiscornia y Juan Uriel Dujo

PrensaOctavia Comunicación 

Puesta en escena y dirección: Mariana Coronado


Daniel Alvarez 

Crítica: La empresa siempre perdona

ORLANDO FURIOSO
Orlando Nuñez, trabajador metalúrgico, 20 años de trabajo en la empresa, tiene
un brote violento a partir de un accidente de trabajo que padece un aprendiz, y  rompe equipos, grita, insulta a la patronal. Todo un episodio.
Orlando siempre fue un hombre tranquilo y un buen trabajador. El
acontecimiento produjo inquietud en los obreros. Accidentes de trabajo en mayor cantidad, posibles sabotajes (sospechan los directivos), baja del rendimiento, el sindicato que interviene, todo hace para que la empresa tome una decisión:
deriva el trabajador al área de RR. HH., y una psicóloga lo entrevista.

la empresa siempre perdona

Un hombre: trabajador obrero.

Una mujer: la psicóloga de la empresa.

Un accidente laboral.

En una sociedad signada cada vez más por el individualismo,

¿podrán dos seres instalados en apariencia en lugares opuestos reconocer que comparten un destino común?

La empresa siempre perdona, ¿cuál es el enigma?
Orlando, se presenta con el interrogante de su futuro laboral. Y la profesional,
con el objeto de conocer las causas por detrás del suceso, y desactivar la crisis.
En la entrevista, que comienza con el convencimiento de Orlando que será
echado y con una actitud distante y gélida de la profesional, saldrá a la luz las condiciones paupérrimas, la deficiente calidad de vida del obrero; cómo fue que llegó a la ciudad desde el campo; su nula formación académica; su vivienda, prácticamente un rancho; su multiplicada prole; algún episodio de robo, hace tiempo ya, acosado por el hambre; el asesinato de su hijo mayor a manos de la policía, acusado de robo, pero en verdad muerto por expresar sus ideas,pidiendo que el estado de las cosas cambie. Éste episodio, el del primogénito asesinado, estudiante universitario, aquel cuyas esperanzas depositaban todos, es de un dolor insondable, humillante para Orlando.
La profesional sigue su plan, sugiere, más bien ordena, realizar algunos
ejercicios de psicodrama: recrear el episodio del robo, descargar su violencia golpeando un muñeco (que representa a los dueños de la empresa), hablar ante sus compañeros… y aquí está la cuestión: la empresa está dispuesta a perdonar su acción violenta, su descontrol, si Orlando habla en el próximo aniversario de la firma, ante sus compañeros y directivos. Le darán una licencia paga, un plus económico, una medalla, y el perdón….en contraprestación a un discurso de
unión y agradecimiento. Nada,
Agradecer el sometimiento.

Buenas actuaciones de los dos protagonistas, Sofía Castiglione y Roberto Romano. La escenografía: un despacho de oficinas con escritorio y sillas, una gran fotografía del dueño, adecuado continente de lo que se contiene. Luz y sonido, funcionales al relato. Criteriosa la dirección de Rosa Celentano.
El texto del venezolano Roberto Santana (1944-2012), se viene representando
desde 1974 en muchos países, tiene adaptaciones para la T.V. y el cine.
Básicamente, porque está bien escrito y a que las condiciones que relata han
variado muy poco. En Latinoamérica, cuanto menos, todavía hay gerentes de lo privado y de lo público, que solo conciben quedarse con todo. Que pueden enviar a sus hijos a universidades prestigiosas y que nada aprenden, de lo humano por conocer. Que pueden colgar un cuadro que vale millones en sus salas, lugares que limpian los desamparados del mundo. Y llegan a pensarse cultos. Y algunos se ven a si mismos, como personas de bien.
Es así como gira el mundo, ¿No? Nada. Nada que no sepamos todos.
Por eso…
“Cambia lo superficial
cambia también lo profundo
cambia el modo de pensar
cambia todo en este mundo…”
(Julio Numhauser)

Autor: Rodolfo Santana

Actúan: Sofía Gala Castiglione y Roberto Romano

Dirección general: Rosa Celentano

Diseño de escenografía: Alejandro Mateo

Diseño de arte: Nogma Diseño

Fotografía: Majo Malvares – 1174estudio

Diseño lumínico: Rosa Celentano y Sebastián Crasso

Realización de banda sonora: Resientelo Producciones

Producción ejecutiva: Luisa Kuliok y Rosa Celentano

Asistente de dirección: Santiago Luna

Funciones: Sábados a las 18 hs.

Localidades: $ 280.-

Venta en el teatro y porwww.alternativateatral.com

El Tinglado Teatro – Mario Bravo 948 – 4863.1188

 
A. R. Belano

Crítica: El Faro

Mientras ingresamos a la sala, un faro, luz azul y sonido oceánico. El sonido del mar suele traer tranquilidad, hay quienes gustan de dormir con él de fondo, pero en este caso no nos prepara para un momento de calma y relajación, sino que más bien nos predispone de esa manera para luego sorprendernos con secretos no tan pacíficos a medida que nos introducimos en la trama. “El faro es la historia que vive en vos”, es la historia de un grupo de amigos que vivían en el bosque muy contentos, pero que vivieron algo que los hizo crecer de golpe, distanciarse, echarse culpas, vivir con culpa. Con una culpa que no sólo carcome la amistad, sino la propia conciencia.

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Ezequiel (Lautaro Aguilar) ha estado internado durante varios años y está pronto a ser dado de alta. Solo ansía volver a su pueblo a descansar y recomponer su vida, aquella que abandonó después del accidente en

La historia se reconstruye en dos tiempos: el pasado, donde vemos la plenitud de la amistad preadolescente, donde las canciones son divertidas y las situaciones, cómicas. Y en el presente, 10 años más tarde, donde vemos los resultados de aquel secreto compartido, un grupo de adultos turbados, oscuros, que se expresan en canciones tristes y melancólicas.

Lo que este musical nos muestra es una dinámica de grupo como la que todos vivimos en el pasaje de la adolescencia a la adultez, y que deja entrever distintos temas tan relevantes hoy en día, como el bullying o el peer pressure (la presión de los pares), y otros tan atemporales como el volver al hogar de la niñez, el reencuentro con los fantasmas del pasado y el miedo a crecer.

Todo esto con recursos muy bien utilizados, como la iluminación, el vestuario y la utilización del espacio. El musical es un género que crece día a día en la escena teatral de Buenos Aires y debemos aplaudir el trabajo de equipo y el buen aprovechamiento de los recursos, especialmente cuando hablamos de teatro independiente. Son destacables también las actuaciones, logradamente individualizadas, cada una en su tono, lo cual resulta en una obra polifónica y no enteramente melancólica, o enteramente cómica.


 

ELENCO

LAUTARO AGUILAR

LAURA BERTONAZZI

PAULA DOPICO DÍAZ

RICHARD MANIS

VERÓNICA PACENZA

NICOLÁS SERRAITI

DEBY TESCIONE

BELÉN UCAR

FICHA TÉCNICA

LIBRO Y LETRAS:  JUAN MANUEL BESTEIRO

MÚSICA ORIGINALJOAQUÍN STRINGA

COLABORACIÓN AUTORALJUAN PABLO SCHAPIRA

DISEÑO DE ESCENOGRAFÍALULA ROJO

REALIZACIÓN ESCENOGRÁFICAKENNETH ORELLANA GALLARDO

VESTUARIOANDREA VALDEZ-NATALIA GIOIOSA

DISEÑO GRÁFICOWILFREDO PARRA

FOTOGRAFÍA & VIDEOAGUSTINA BORIA (para BORIA AUDIOVISUALES)

PRENSABELÉN BADÍA

DISEÑO Y OPERACIÓN DE LUCESCAIO SENICATO

DISEÑO Y OPERACIÓN DE SONIDONICOLÁS LOMORO

PRODUCCIÓN ARTÍSTICA-AUDIOVISUALNATALIA GIOIOSA

PRODUCCIÓN EJECUTIVATATIANA BORIA 

PRODUCCIÓN GENERALNÁPOLI-BESTEIRO

ASISTENTE DE DIRECCIÓNTOMÁS SABATÉ

ARREGLOS Y DIRECCIÓN CORALLOURDES DE MARTINO

PUESTA EN ESCENA Y DIRECCIÓN GENERALJUAN MANUEL BESTEIRO

Domingos 21hs en El Metodo Kairos (El Salvador 4530) 

Entradas por Alternativa Teatral

 

Sol Grunschlager

Reseña : La desgracia 

El musical es un género que particularmente me gusta, uno de los motivos puede ser que este tipo de obras han sido los primeros espectaculos que he visto en teatro, y ha logrado cautivarme. Los musicales que se realizan en Buenos Aires son realmente cautivadores, sumando a esto a los artistas que forman parte de ellos.  La Desgracia es una obra tan entretenida como delirante, contando con caras ya conocidas en este ambiente, además que de por sí muy talentosas.Esta es una de las piezas musicales imperdibles de este año y se la puede disfrutar los lunes en el Galpón de Gevara.

Una terrible en enfermedad mortal llega al pueblo de Terranova sembrando el pánico en todos sus habitantes. El único doctor del pueblo trabaja arduamente junto a su enfermera Nora para encontrar la solución.  

La intendente Leonor pone el grito en el cielo al enterarse de que su hija Anita está infectada. Nada parece poder empeorar la situación hasta que, inesperadamente, el doctor es asesinado en su consultorio. 

A través de los testimonios de las tres principales sospechosas haremos un viaje en el tiempo para saber quién y por qué mató al doctor en medio de tan delicadas circunstancias.

En el pueblo de Terranova, una enfermedad asusta a toda la comunidad, causándole la denominada «Desgracia»  aquellos que se encuentran infectados. Resulta que dicha infección es transmitida por la vía sexual, y nada menos que la hija de la intendenta de la localidad ha sido una de las desgraciadas. Un médico, junto a su peculiar asistente y enfermera, se dedican a tratar a esta chica con el fin de curar esta enfermedad. La gran desgracia es que este doctor ha sido asesinado, así que la obra hace cuenta atrás para que el público se entere lo que realmente ha sucedido.

Si bien el argumento es simple,  es la forma en la que está planteada la que resulta imteresante. La desgracia no es una sola, sino que es el conjunto de los males que atraviesan a todos los personajes, desde los problemas más serios a los más bizarros.  La puesta no tiene un protagonista único,  la mayoría de los personajes tienen su momento para contar su historia, aunque cambie radicalmente el camino que recorre la obra. Es así como en un principio vemos como esa chica enferma pasa por el trauma de estar muriéndose,  pero aún así sim arrepentirse de haberse entregado al amor y el placer, aunque tenga consecuencias. Luego nos topamos con la historia de una enfermera ( con la particularidad de ser interpretada por el actor Mariano Condolucci) quién se siente apasionadamente atraida por el doctor del pueblo, que luego es asesinado, pero que antes deja muchos motivos para levantar sospechas de la gente que ha estado a su alrededor.  Al final se convierte en un absurdo que engloba de la mejor manera lo anteriormente sucedido, aunque no entendamos el porqué del homicidio o de la reacción de la gente ante los hechos.  Su desenlace es alocado y muy divertido , y sobre todo, musical.

Si hablamos de las actuaciones, estamos ante esas joyitas que derrochan talento desde lo artístico,  siendo uno de los puntos más fuertes de la obra.  Así podemos destacar a Mariano Condoluci en el rol de la enfermera, extremadamente histriónica y que sirve como enlace para mostrar el resto de la historias. Belén Ucar compone a un personaje simpático y rebelde, aquella chica que ha sufrido la desgracia y no le queda otra más que encontrarle un sentido a lo que resta de su vida. Otra sorpresa ha sido Andrea Lovera, en un principio pareciera que se trataba de un personaje de relleno, interpretando a la autoridad del pueblo, si bien en un principios no tiene tanta interacción en el relato, pero como había comentado antes, esta cambia radicalmete cambiando los protagonismos de la historia. Así,  nos encontramos con alguno de los momentos musicales más delirantes de la puesta, provocando risas aseguradas al público. El resto del elenco está más que correcto, todo al parecer se encuentra perfectamente pensado y coroeografiado , destacándose todo el trabajo artístico en su conjunto.

El galpón de guevara es un teatro que brinda un gran espacio para este tipo de producciones, La desgracia es un musical con todas las letras y aprovecha este lugar para desplegarse con soltura y brillantez. La recreación de los escenarios son notables, al igual que el uso de los vestuarios, en una combinación de un ambiente pueblerino con algunos toques modernos.

La desgracia es un excelente musical argentino , que reúne a los mejores talentos de este aclamado género.  Se trata de una obra cómica,  bizarra y sobre todo musical. Imperdible para los amantes , que no son pocos, de la comedia musical y muy recomendable para aquellos que quieren divertirse y disfrutar de muy buen teatro.

Libro y Letras: Juan Martín Delgado

Música original: Francisco Martínez Castro

Elenco: Andrea Lovera – Mariano Condoluci – Patricio Witis – Belén Ucar – Micaela Romano – Nahuel Adhami – Sol Bardi – Lucas Noacco – Chechu Vargas – Antonella Fittipaldi – Federico Stegmayer – Evelyn Basile.

Músicos: Francisco Martínez Castro (Piano) – Rodrigo Martínez Castro (Flauta/Guitarra acústica) – Nicolás Roldán (Batería) – Leandro Biera (Bajo) – Tomás Martin (Chelo) – Andrés Liendro (Violín) – Luis Aragona (Guitarra).

Dirección Vocal: Vicky Loescher

Coreografía: Juan Martín Delgado

Produccion Ejecutiva: Enrique Jáuregui

Asistencia en dirección: Evangelina Romero

Asistencia en coreografía: Maia Delgado

Dance Captain: Sol Bardi

Vestuario: Marisol Castañeda

Escenografía: Magalí Acha

Prensa: Bmz comunicaciones 

Maquillaje/Peinado: Adrián Llamosas

Diseño de sonido: Benjamin Engraff

Diseño de luces: Silvia Otero y Leandro Fretes

Diseño gráfico: Andrea Rodríguez Montelongo

Fotografía: Nacho Lunadei

Dirección Musical: Francisco Martínez Castro

Dirección General: Juan Martín Delgado

 

EL GALPÓN DE GUEVARA – Guevara 326 -CABA – 1531814102
Funciones: Lunes 21.00 hs. 
Localidades: $ 250
Daniel Alvarez



 

 


Reseña: Murder Ballad, en Maipo Kabaret

​​

 

“No me gustan esos musicales en los cuales cantan hasta cuando van al baño”, es un típico comentario de algunas personas sobre este tipo de espectáculos, pero la adaptación argentina del musical de Julia Jordan “Murder Ballad” en el Maipo Kabaret va a ser la excepción.


Sara, tras finalizar un apasionado pero tormentoso idilio con Tom, se cruza en el camino con Michael con quien inicia una relación calmada y estable y forma una familia. Años después Tom vuelve a aparecer en la vida de Sara y no podrá resistir la tentación de revivir la obsesiva relación que mantenían. La historia es contada por una narradora que pone de relieve el poder del amor, la pasión, la traición y la obsesión.


A través de canciones en todo momento, conoceremos la historia de Sara, quien de joven tuvo un gran amor con Tom, un chico que trabajaba en un bar en Nueva York, pero luego, la llama se apagó. Al pasar un tiempo la ilusión regresa con Michael, con quien encontrará otra vez el amor y una nueva vida como esposa y madre. Después de cierta estabilidad, Sara extrañará su vieja vida cuando se cruza nuevamente con Tom. Toda esta historia con su desenlace será contada por una narradora que merodea misteriosamente todo el tiempo.

A pesar de ser un musical en toda su extensión, no sentirás ningún ritmo repetido, ni una canción una y otra vez como disco rayado, al contrario, cada nota, cada melodía, te mantendrá al tanto de la historia y no querrás perderla en ningún momento.

Hay que aplaudir el talento de sus actores por cómo a través del canto construyen las voces de los personajes,  y definitivamente Florencia Otero, Germán Tripa Tripel, Patricio Arellano y Sofía Ragnone, fueron correctamente escogidos para el elenco. La dirección musical está muy bien trabajada, al igual que el entrenamiento vocal de los actores, y esa combinación hará que se te  pongan  los pelos de punta de tanto talento.  

En definitiva, por encima de la estética y puesta en escena están las potentes melodías  y voces que cuentan la historia de Sara y será muy difícil que no la quieras escuchar todos los miércoles a las 21:00 Hrs en Maipo Kabaret.


Ficha Técnica

Escrita por Julia Jordan

Música y letra: Juliana Nash

Adaptación: Marcelo Kotliar

Vestuario: Alejandra Robotti

Escenografía: Santiago «Tato» Fernández

Asistencia de dirección: Teresita Biafore

Dirección musical: Hernán Matorra

Dirección General: Juan Alvarez Prado

Producción ejecutiva: Juan Pablo Martínez – María Eugenia Martínez

Elenco: Florencia Otero, German Tripa Tripel, Patricio Arellano y Sofía Rangone

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Ariana Marín

Crítica: Los que aman, odian.

PATOLOGÍA DE UN HOMEÓPATA

El doctor Huberman llega al apartado hotel de Bosque de Mar en busca de una deleitable y fecunda soledad. Poco imagina que pronto se verá envuelto en las complejas relaciones que los curiosos habitantes del hotel han ido tejiendo. Una mañana, uno de ellos aparece muerto y otro ha desaparecido. Bajo la amenaza de los cangrejales y del mar, aislados por una tormenta de viento y arena, las ya frágiles relaciones entre los personajes se tensan

los que aman odian
Años ´40/´50. El maduro Dr. Huberman viaja en tren a Ostende, con la intención de descanso y soledad. Su destino es un apartado y coqueto petit hotel
manejado por su prima. Allí no encontrará soledad, ni descanso, hallará un variopinto grupo de personas: un solitario, jugador de “solitarios” (el juego de cartas); dos bellas y jóvenes hermanas, Emilia y Mary; Atwel, el prometido de Emilia; Cornejo, el apoderado de los bienes de las hermanas. Y un chico, Miguel,
recientemente huérfano, ahora a cargo de su tía, la dueña del hotel.
Descubrimos que el maduro Dr. tiene un tórrido amorío con una de las hermanas, Mary, y al parecer su viaje tiene menos de descanso y más de persecusión, de esa suerte de fuerza de gravedad en torno al ser adorado que la pasión induce, a veces, en algunas personas.

Mary es atractiva, sensual y caprichosa (combinación fatal), y también tiene como amante a Atwel, el novio de su hermana. Emilia, sensible y un tanto depresiva,los descubre y tiene un ataque de nervios. Todo se desencadena en una terrible
noche de tormenta de arena: la huída de Emilia, y posterior encuentro, en medio de la tormenta. Y Mary aparece muerta en su cuarto, envenenada.
Se acusan unos a otros y en todos recaen las dudas. El comisario de Ostende interroga a los sospechosos. El Dr. Huberman es uno de los principales, debido a su condición de amante despechado y, en algún sentido, acosador de Mary. Huberman piensa que el asesino es Atwel; cierto cinismo y cualidad de “vividor”
del prometido, lo muestran como posible de serlo.
El Dr. ayuda en la pesquisa y convence al comisario, de que el prometido de
Emilia es el asesino.
Atwel es trasladado a Dolores en calidad de envenenador de Mary.
Pero ¿Es un policial, no?
Una nota dejada por…otro enamorado, también despechado, se adjudica la
muerte. Y todo cambia. Para todos en ese pequeño hotel de la costa.
Para el Dr. Huberman, todo cambia.
El guión está basado en la novela de Bioy Casares y Silvina Ocampo, de nombre homónimo, publicada en 1946. La película está estructurada en código de policial, con ligeros toques de
melodrama. El tratamiento de la imagen, de J. Apezteguia y la dirección de arte, de M. Alfonsín, sobresalen en los rubros técnicos, todos ellos de muy buna factura. La dirección de Alejandro Maci es firme, con un buen manejo de actores y una puesta prolija, narrativamente efectiva y bien dosificada dramáticamente.

FICHA TÉCNICA

TITULO ORIGINAL: Los que aman odian

ACTORES: Guillermo Francella, Luisana Lopilato.

ACTORES SECUNDARIOS: Marilú Marini, Juan Minujín.

GENERO: Thriller, Drama.

DIRECCION: Alejandro Maci.

ORIGEN: Argentina.

ESTRENO EN BUENOS AIRES: 07 de Septiembre de 2017