Reseña: Bonus Track

Por Victoria Seri

¿Quién no ha bailado o cantado alguna canción de Los Paralamas en algún momento de su vida? Imposible no haberlo hecho e imposible no conocerlos.

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La historia de Herbert Vianna, cantante del grupo brasilero es conocida por los obstáculos que tuvo que pasar. Después de haber visto Bonus track comencé a googlear para saber más sobre la historia de este artista y su presente. Porque lo que tiene este espectáculo es que, aunque a mi entender tenga un triste desenlace y un mensaje de superación, te deja con ganas de conocer más detalles sobre su vida, su recuperación y su familia.

La propuesta que realiza el multifacético Patricio Abadi desde la actuación y dramaturgia es muy interesante. Interpreta a la perfección dos personajes, a Vianna y a su mujer Lucy. La obra nos cuenta la biografía del cantante y se focaliza en el accidente que tuvieron ambos en el 2001.

El espectáculo atraviesa distintos momentos. Cuando se conoce la pareja y se enamoran, el accidente en el  avión ultraliviano, y como Vianna pudo recuperarse y volver a los escenarios nuevamente.

La puesta en escena es fantástica y muy creativa. El espacio está adaptado muy bien a los momentos que se cuentan. Fue armado de manera minimalista para poder contar el relato. Los efectos de luces y la música que se utiliza en la función son excelentes. Los recursos son utilizados de una forma brillante.

Disfruté mucho de la función. El teatro tiene un buen ambiente y el personal fue muy amable.

 

Ficha técnica:

Interpretación: Patricio Abadi

Voz en off: Isabella Merajver

Diseño de luces: Ricardo Sica

Concepto espacial: Patricio Abadi – Marcela Blanco

Vestuario: Ivana Nebuloni

Colaboración artística: Caro Babich, Florencia Bergallo, Valentina Fernández de Rosa

Entrenamiento vocal: Carmen Baliero

Colaboración en diseño de movimiento: Marina Otero

Diseño gráfico: Sofía Stead

Foto: Nora Lezano

Foto de escena: Noelia Vittori

Selección musical: Patricio Abadi

Prensa: Duche&Zárate

Community Manager: Candela Grinstein

Asistente de dirección: Marcela Blanco – Ivana Nebuloni

Dramaturgia y dirección: Patricio Abadi

Funciones: Sábados a las 20 horas

Localidades: $ 250.- Descuento a estudiantes y jubilados

Reservas: 4772-6092

El excéntrico de la 18 – Lerma 420 – CABA

 

Crítica: Happy Hour

Por Gonzalo Borzino

Luego de enviar a su hijo a vacacionar con sus abuelos, una pareja descubre el vacio que puede llegar a acontecer cuando dos desconocidos se dejan en soledad. Horacio (Pablo Echarri) es un profesor de literatura, quien una noche atropella accidentalmente a un famoso criminal de Rio y, en consecuencia, se convierte en figura pública. En paralelo, su esposa Vera (Leticia Sabatella) es lanzada como candidata a alcaldesa y su coalición política intenta utilizar a su marido como figura publicitaria, pero este tiene otras cuestiones en mente: nadando a través de su irrealidad, desarrolla el anhelo de estar con otras mujeres. La tensión en la pareja  se volverá insoportable mientras él lucha por imponer su deseo y ella por las apariencias.

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Estrenándose como director de cine, el documentalista Eduardo Albergaria (Arquitetos do Poder) propone esta comedia co-producida por Brasil y Argentina, que utiliza la malinterpretación para jugar con la realidad e hiperbolizarla. Es de un ritmo tranquilo y en cuestiones genéricas no resulta demasiado refinada, dejando la comedia en manos de las ocasionales y esporádicas intervenciones de Ricardo (Luciano Cáceres), un argentino que comienza a tener más y más presencia en la vida de Horacio. A su vez, se consigue a un Echarri doliente, viéndosele sufriendo en varias oportunidades, tendiendo levemente hacia algo dramático, o por lo menos, de tinte serio.

A lo largo del film se dejan entrever los tejidos similares que subyacen la construcción de un matrimonio y una coalición política. Se juega en numerosos momentos con la idea de perspectiva y construcción ideal del individuo: A Horacio lo pintan como héroe, a pesar de su accionar accidental, a Vera la juntan con un colega más conservador y la fuerzan a mantener su matrimonio a pesar de su incomodidad por las propuestas del marido. Todo alimentado por una interesante metáfora colocada en, nada más y nada menos, un par de anteojos sobre los ojos de alguien que no los necesita. La película propone hablar de los tamices de la verdad, de los espejismos dentro de los juegos de la apariencia y de cómo consumimos imágenes artificiales estratégicamente diseñadas para «comernos el verso». Definido en palabras del jefe de campaña de Vera «No importa si ves o no, importa cómo te hagas ver y oír«.

Siendo demasiado directa en detalles, como la implementación de música con tonalidades siniestras cada vez que aparece el asesor de imagen, pintándolo como el orquestador de un mal mayor, la película no logra arribar a un desglose satisfactorio de su temática. Todos los hilos de los que se podrían tirar quedan flojos y no se realiza un dialogo profundo sobre ninguna de las cuestiones que propone, dando la sensación que todo lo planteado fue casualidad o, peor aún, el verdadero artificio que ocultaba una película superficial y carente de razón. Es, si se quiere, una introducción a la reflexión; una invitación a la búsqueda de la verdad, reclamando las consecuencias. De verla pasarán, cuanto mucho, una hora feliz.

 

Puntaje: 6.5/10.0

Análisis de Jump Force para Xbox One

Por Daniel Alvarez

Para comenzar a hablar sobre el nuevo juego de Bandai Namco, tenemos que hacer alusión a Shonen Jump, la revista de manga más vendida y que cumple 50 años de publicación. Este juego llega para brindar un homenaje justo en el aniversario de la popular revista, reuniendo a los personajes de animé más icónicos, listos para repartir golpes entre sí. Es un título que cuenta con un apartado gráfico notable, introduciendo a los personajes del manga en un mundo realista creado por los desarrolladores del juego. Es así como podremos tener combates con personajes como Gokú, Vegeta (Dragón Ball); Luffy ,Zoro (One Piece); Naruto Ozumaki, Pegasus Seiya, entre otros personajes destacados.

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Este juego responde a un género que ya conocemos perfectamente, pero que nunca vienen mal la inclusión de personajes populares y nuevas mecánicas de juego. Sus más de 40 personajes jugables, hacen que el título de Bandai sea atractivo desde su premisa ¿Pero que hay del juego en sí mismo? Es un juego de combates sumamente disfrutable, y que a pesar de contar con algunos fallos, puede convertirse en un futuro en un título definitivo en el género de peleas de personajes del manga.

Jugabilidad:

El juego inicia con su modo historia, siendo Freezer el villano en este capítulo, luego de su breve introducción, el jugador debe crear un avatar personalizado , personaje que se encargará de ser el héroe de la historia. La jugabilidad dentro de la historia se basa en reunir a los héroes que se encuentran dispersos en el mundo y formar el equipo Jump Force , una élite que buscará solucionar los problemas del mundo. Todo este relato se trata de una excusa para iniciar el crossover, que a abunda en personajes, y que también promete brindar acción a través de sus horas de juego. Ahora vamos a lo importante, su sistema de combates es bastante ágil y entretenido, aunque quizá pueda resultar algo limitado en la cantidad de movimientos, y diferencias entre un personaje y otro. Los combates se desarrollan a través de equipos de tres contra tres, teniendo la posibilidad de ampliar la cantidad de personajes de tu equipo a medida que uno avanza en la historia. Así mismo hay que tener en cuenta las características de cada personaje, ya que cada uno de ellos podrá ser apto o no para la formación del equipo en cada uno de los combates, ya que las fortalezas o debilidades de los mismo harán que tú equipo salga victorioso o se te castigue por realizar una mala elección. En líneas generales, el sistema de combates es veloz, con un ágil manejo de la cámara que sabe aprovechar los escenarios de lucha. La jugabilidad es muy sencilla, por lo que el usuario no tardará mucho en acostumbrarse a sus controles y completar cada una de las misiones establecidas.

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Los modos multijugador y online, son complementos necesarios, que si bien no está explotado al máximo, en el sentido de que se presta más atención a la experiencia individual. Las partidas mantienen el frenetismo que promete el juego, con combates veloces y ágiles. Aparentemente Bandai ha anunciado algunas actualizaciones para mejorar los tiempos de carga, aunque no es algo que se aprecie con grandes excesos.

Apartado Técnico:

Puede que su apartado visual se encuentre entre lo más destacado del juego, y también lo más controvertido del mismo. No cabe duda que en cuanto al diseño artístico del juego, y sobre todo el de los personajes, el título de Bandai se presenta con personalidad propia, pero al ser un homenaje a los personajes icónicos del animé puede que algunos se vean extraños. Esa pequeña crítica podrán hacerlo los fans más acérrimos de los personajes, pero la realidad es que el juego mantiene un apartado visual trabajado en detalles. Hay que destacar también el deleite visual que se presentan en los momentos de los ataques especiales, y la perfecta combinación que hay entre los movimientos de los personajes y el diseño de los escenarios de combate.

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Un dato a destacar de este producto, es que el juego se encuentra doblado solamente en japonés, obviamente con la posibilidad de incluir subtitulos en distintos idiomas, incluyendo el español. Esto ha sido un gran acierto, también porque incluye voces originales provenientes del animé, brindando un festín de diálogos y un efectivo homenaje al manga japonés. La banda sonora es acorde al estilo del juegos y a la fluidez que presenta los combates, puede resultar algo repetitivo pero funciona efectivamente.

Duración:

En cuanto a la duración del juego, la historia es bastante extendida y te permite la posibilidad de jugar durante más de 10 hs para completarla, donde también podemos superar las pruebas secundarias, que serán útiles para conseguir mejoras en nuestro avatar. Para aumentar la experiencia de juego, en el lobby del juego encontramos la opciones para combatir en multijugador tanto en el modo offline como en línea.

Conclusión:

Jump Force es un juego que se disfruta a lo grande peleando, que si bien posee algunas mecánicas limitadas, la experiencia en su modo historia es sumamente satisfactoria. Para los amantes del manga, se trata de un crossover potente y que puede convertirse en un producto definitivo, eso depende de que Bandai Namco pueda aprender de sus errores. No hay que olvidarse tampoco que el título es un gran homenaje a Shonen Jump, y que reúne a una gran cantidad de icónicos personajes en un título frenético y entretenido.

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Lo mejor:

Su modo historia, una experiencia completa que brinda la posibilidad de reunir a una gran cantidad de personajes del manga

Los combates ágiles y frenéticos

Su apartado gráfico detallado y realista.

Lo peor:

Quizá pueda ser un tanto limitado el sistema de combates en cuando a controles y habilidades

Si bien se saca buen provecho al multijugador pero se presenta como algo más secundario.

La banda sonora es repetitiva

Calificación 8/10

*Este análisis se pudo realizar gracias al código de revisión que nos ha proporcionado Bandai Namco. El juego fue analizado en su versión para Xbox One, también se encuentra disponible en PC y PS4 en formato físico y digital

Crítica: Tampoco tan grandes

Martes 12 de febrero, en el Dot Baires Mail a las 20 hs fue la avant premiere de la película «Tampoco tan grandes» de una productora nueva Ayar (rising stories).

Confiamos en la capacidad de esta productora en su crecimiento para seguir contando historias porque ha debutado con esta película y como botón de muestra cumple con creces las expectativas.

Del género comedia romántica, atrapa al espectador, desde el momento en que se apagan las luces de la sala manteniendo la tensión a lo largo del desarrollo. El espectador al finalizar la exhibición se levanta conforme porque paso dos horas disfrutando de cómo se puede contar una historia, con humor y frescura.

La trama es la de una joven profesional, quien trabaja en el medio publicitario, la protagonista es Lola, treinta años, soltera y con un perfil de superada. Hasta que empieza a desinflarse esa apariencia de recia, cuando la contacta al celular, el abogado para avisarle que debe ir a buscar la herencia que le ha dejado su padre, quien ha muerto en Mar del Plata. Ahí empiezan a derrumbarse los castillos, porque Lola se shockea ante la noticia, debido a que la madre le había ocultado que su padre estaba vivo. En paralelo su alma gemela, su media naranja, hace mucho que ha cortado la relación con Lola. El actual novio de Lola es un cero a la izquierda y cuando Lola llora su paño de lágrimas es su ex novio. Este príncipe, que está lejos de las historias de hadas, usa rastra y hace diez años que edita su propia, película, no quiere saber más nada con Lola, pero en el fondo es un caballero, dispuesto a acudir en auxilio , toda vez que esta dama se encuentre en apuros.

El joven dueto actoral de la actriz Paula Reca, y el actor Andrés Ciavaglia, es un verdadero duelo de talentos, que esperemos la dupla participe en otros proyectos, porque hay muy buena sinergia frente a la cámara.

Continuando con el argumento, el personaje del ex novio de Lola, reacciona en función a los comentarios de su hermana, que a su vez, también tiene sus problemitas de depresión, pero quiere mucho a Lola, y es su mejor aliada. Excelente actuación de la joven actriz María Canale,
Cuando llegan a Mar del Plata, Lola, con su ex novio, quien manejo toda la noche, su ex cuñada, y se presentan en la escribanía se encontrarán con el personaje de Miguel Ángel Solá, del que nadie puede dudar de su maravillosa interpretación. No daremos mayores detalles, pero el papel encarnado por Miguel Angel Solá, es clave en el desarrollo de la historia porque es la Celestina de este relato. Quien logra convencer a Lola, para que lo acompañe a cumplir con la última voluntad del padre: arrojar sus cenizas a un lago, cerca de Bariloche.

El desenlace se lo dejaremos librados a su imaginación, lo que le podemos dar como pista es que estos cuatro personajes, siguen con la combi hacia el sur. Y le recomendamos que vengan al cine, no se la pierdan, porque con mucho humor, es muy interesante como cada uno de estos cuatro personajes van despojándose de ,la armadura, se van relajando y pueden mostrarse tal cual son, dando cabida a una deliciosa comedia romántica.

Esta película ha sido premiada en el 33 festival internacional de Mar del Plata en noviembre del año pasado. Excelente guion de Máximo Reca con dirección de Federico Sosa.
Al salir del cine, me preguntaba cuál es la fórmula secreta de las comedias románticas para que dejen un gusto agradable en el espectador al finalizar, porque si lo analizamos con simpleza, el desenlance.es conocido. También me puse a pesar que suerte que en el siglo XXI, seguimos apostando al género. A medida que iba repasando la buena película que vi, me fui contestando estos interrogantes, porque la respuesta se basa en un guion con la capacidad de hacernos reír, inclusive de nosotros mismos, porque todos alguna vez, hicimos algo ridículo, en temas del amor, y también como espectadores disfrutamos con emoción, ver como el amor se las ingenia para triunfar a pesar de que tenga todas las cartas de la baraja en contra.

La recomendamos, prepárense a pasar un buen momento, acompañando en los vaivenes de esta pareja y aplaudamos a Miguel Ángel Solá que sigan los éxitos y dándose el gusto de poder lucirse frente a la cámara. Lo cual a su vez, nos permita demostrar la capacidad de la industria cinematográfica nacional.

Calificación 10/10

Reseña. Diana Decunto
consignas.de.radio@gmail.com

Crítica: El príncipe encantador

EL PRÍNCIPE ENCANTADOR – Guión y Director: Ross Venokur – Voces: Demi Lovato, Wilmer Valderrama, Sia, Nia Vardalos, Avril Lavigne, Ashley Tisdale. / Estreno Argentina 21 de febrero de 2019 – Crítica: CJ COLANTONIO.

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Quiero adelantar que la versión será en español y las letras de los temas musicales en inglés sin traducción, por lo que los niños se perderán algo de información emocional.  Algo parecido a las películas de mayor éxito en este momento como “Bohemian Rhapsody” o –en específico- “Nace una estrella” donde para quienes no están cancheros con el inglés se pierden algunas luchas fundamentales que contienen las letras.  Claro está que es una invitación a que la busques en YOUTUBE y la viralices con subtítulos, no son tontos.

A pesar de ello, los temas musicales de esta animación no son como “Hakuna matata” o “Frozen”.  Detrás está Demi Lovato quien hubiera ayudado si la escuchábamos previamente en el personaje de la heroína, porque cuando el tema principal por fin aparece, se produce un choque con los personajes de animación que parecen estar grabadas en DUBSMASH o MUSICALITY; hubieran sacado mejores ideas con “Las aventuras de Priscilla”.

    La desprolijidad también recae en una animación pobre y el guión, que se apresta a flashback para contar la situación del presente que a mi modo de ver desconcentran lo importante y le restan a los personajes secundarios, en la que sólo se destaca un pajarito, el único que parece salvar en definitiva a la chica “Tom Raider” y al príncipe con barba sospechosa.

    Calificación: 4/10.

Reseña: Juegos de amor y de guerra

Los domingos a las 20 hs, en el Centro Cultural de la Cooperación, en la Sala Solidaridad con puesta y dirección de Oscar Barney Finn, con libro de Gonzalo Demaría, la actriz Luisa Kuliok encarna a un personaje que prefiere que la llamen señora antes que mujer, mostrando como la vida le pega bofetadas, pero manteniéndose en pié, por la fuerza que le da el odio.

Una historia que se sitúa en Argentina, cuando Castillo era presidente, en plena 2da guerra mundial, donde nuestro país por el momento se había declarado neutral. Los radicales, habían permitido el ingreso como oficiales a las Fuerzas Armadas, de la chusma (aquellos que no tenían el privilegio de pertenecer a las familias patricias), accedían los hijos de verduleros.
Un cadete del Colegio Militar, se le toman fotos comprometedoras, de su vida privada. Normalmente, una historia de este tenor, concluiría con la fuerza silenciando la prensa, y el infrascrito seria expulsado. Pero no es fácil, cuando el cadete pertenece a la clase aristócrata de Buenos Aires y el teniente instructor del Colegio Militar se está por casar con su hermana. Además las fotos deshonran a la familia y a la institución, porque demuestran relaciones que para la hipocresía de esa época eran pecaminosas, en la medida que se hicieran públicas.
Un excelente trabajo de Luisa Kuliok, encarnando una madre controladora, ambiciosa, donde el apellido de la familia está por encima de todo. Con el mismo tenor profesional, la acompaña , el actor Diego Mariani, con una personificación excelente del teniente, que ha llegado, desde el Abasto al Colegio Militar, dos odios de clases se juntan y el actor Sebastián Hölz, un espía ruso, que habla en francés y que trae la guerra a estas tierras, la de verdad, donde se debate si triunfará el Eje o no, y que papel tomará Argentina.
Una obra que merece ser vista, un duelo actoral en escena, el libro y la dirección son impecables, la puesta está cuidada en el mínimo detalle: vestuario, peinados de época, zapatos, para ofrecer al público, una propuesta sólida.

Una pieza abocada a relatar al odio, en todas sus formas porque desde que el mundo es mundo, no se los puede separar a los juegos de amor y de guerra.


Dirección y puesta en escena Oscar Barney FinE

Elenco: Luisa Kuliok es la madre

Diego Mariani es el teniente

Walter Bruno el hijo

Sebastián Hölz es Celeste Imperio

Sebastián Dartayete es el cadete

Escenografía: Alejandro Mateo

Vestuario: Moni Zuccheri

Iluminación:Leandra Rodriguez

Musicalización: Sergio Kanfler

Peinados: Paula Molina

Maquillaje: Juan Manuel Pont Ledesma

Realización escenográfica: Los Escuderos

Realización de vestuarios: Marta Dieguez, Jorge Maselli

Realización de zapatos: José Luis Romeo, Albergó López.

Asistente de iluminación: Sofia Montecchiari

Fotografía: Jorge Mollo

Diseño gráfico: Leandro M. Correa

Comunicación visual CCC: Claudio Medin

Prensa: Duche & Zárate

Asistente de dirección y producción: Mauro J. Pérez

Producción ejecutiva: Sol Vannelli

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Diana Decunto

consignas.de.radio@gmail. com

Análisis: Jack Quest: Tale Of The Sword para Nintendo Switch

Esta semana pudimos probar y analizar el juego Jack Quest: Tale Of The Sword para la consola Nintendo Switch. Se trata de un juego Metroidvania en 2d que nos trae una premisa bastante explotada, donde debemos rescatar a una damisela a través de desafiantes niveles. No es un juego que se caracteriza por la innovación, pero aún así se trata de un juego correcto y entretenido.

Mientras Jack y Nara daban un paseo por el bosque, ella es secuestrada por el malvado por el malvado Korg, justo en el momento en que el le estaba por declarar su amor. Luego de eso, este chico decide demostrar su valentía para salir a su rescate, donde por suerte se encuentra con una espada poseída que será de gran ayuda para superar los inmensos desafíos que trae el viaje. Se trata de un juego de plataformas en 2D, con una premisa sencilla pero que aún así puede resultar un gran desafío superar cada uno de los niveles.

Jugabilidad:

El juego nos introduce en un escenario dentro de una gran mazmorra, donde el personaje principal debe acabar con todo tipo de monstruos con los que se va topando, además de explorar el lugar para obtener nuevas habilidades y descubrir secretos. El control de Jack resulta bastante preciso, desde un principio tenemos control de la espada, además de que el personaje podrá saltar en repetidas ocasiones cuando se encuentra sobre una pared. El juego requiere mucha práctica, paciencia y precisión de los movimientos para ir avanzando, ya que su dificultad es un poco más que moderada, y no resulta extraño que el jugador muera decenas de veces antes de llegar a cada uno de los jefes. Pese a la dificultad, el juego cuenta con numerosos puntos de guardado que te permite avanzar en el juego sin la necesidad de tener que hacer completas repeticiones cada vez que uno muerte. También cuenta con pasajes secretos, que permite juntar monedas y también la posibilidad de obtener habilidades especiales. La experiencia del juego es productiva, aunque el desafío que propone puede que no sea para todos.

Apartado Técnico:

El juego está desarrollado para ser un plataformas 2D en 8 Bits, teniendo en cuenta esos aspectos, el apartado visual y el diseño artístico del juego son más que correctos. Al igual que su música es acorde al estilo que el juego tiene, siendo quizá un tanto repetitiva. El título tiene inspiración en juegos como Castlevania, el diseño de los monstruos son ocurrentes, al igual que los jefes, manteniendo también variados y coloridos escenarios donde se desarrolla el juego. El juego pesa aproximadamente 90 Mb, por lo que no habrá ningún problema a la hora de guardar espacio para tener este juego.

Duración:

El juego es relativamente corto, la realidad es que su dificultad puede hacer que la experiencia sea más extendida, también la búsqueda de los pasajes secretos influyen en esto. Si una vez que te haces amigo de la dificultad del juego, se termina bastante rápido y se echa falta algunos jefes más , que son los desafíos mejor presentados en el juego.

Conclusión:

Jack Quest: Tale Of The Sword es un juego que no resulta innovador en el terreno de los plataformas en 8 Bits, pero aún así , lo que tiene esta bien logrado. Brinda una experiencia entretenida aunque sumamente desafiante, en el que tal vez algunos lo abandonaran antes de comenzar. Mantiene un diseño artístico correcto, al igual que su rendimiento, ya que su control es ágil y preciso. Para los amantes de la Metroidvania, es una buena opción para pasar un buen rato con este juego que resulta un entretenido desafío.

Lo mejor:

La jugabilidad es ágil y los controles precisos

Un diseño artístico colorido y bien logrado.

Los pasajes secretos y sus numerosos puntos de guardado.

Lo peor:

No es un juego que nos presenta una experiencia nueva , aunque su jugabilidad sea entretenida.

Puede resultar una experiencia desafiantes

Falta de jefes, y un enemigo final acorde.

Calificación 6/10

Cobertura: 10° ciclo Teatro de títeres y objetos 2019

Cobertura del 10° Ciclo de teatro y objetos en el centro cultural de la cooperación.

Por Diana Decunto

Para niñez, adolescentes y adultes, en el Centro de la Cooperación, podemos decir que tenemos la suerte de ser espectadores de este 10mo. ciclo de Teatro de Títeres y objetos, con un febrero 2019, a pleno, con muchas opciones para traer a los peques y la familia pasar un excelente momento.
El sábado 16 de febrero a las 19.30 en la Sala González Tuñon, tuve la oportunidad de ver Fausto Criollo, opereta folclórica. Es una hermosa historia que inicia en el Teatro Colón, es un teatro con ventanas donde los actores Mariano Cossa y Miguel Mur, vestidos de gauchos, Anastasio, «El Pollo» y Laguna dan marco a la narración. Donde Fausto, disfrazado de lobo, hace sus andadas, con un escribano, una mulita de las Pampas, que se enamora de una bella blonda dama, perteneciente a la raza bovina.
Por supuesto, fiel a la historia, el escribano vende el alma al diablo. A medida que avanza la puesta, se recorren diversos estilos folclórico: escondidos, chacareras, huainas, coplas, chamamé, coplas, gato, cielitos, zambas, con música y canciones interpretados por un coro de sopranos, tenores que nos terminan haciendo conocer esta historia, con una calidad acústica, bajo el mismo estilo que la Misa Criolla de Ariel Ramírez.
La sala, cabe destacar está preparada para hipoacúsicos, que pueden leer lo que se habla y/ o canta en carteles, como la ópera.

Las otras dos profesionales del arte de las marionetas son Sandra Antman y Ema Fernández Peyla. Los titiriteros en escena ponen lobos, mulitas, búhos, vacas y toros.
Tenemos al coro a sopranos: Melina Salem y Carolina Fernández, contralto Analía Castro y Lorena Rojas, tenor es Mario Esteban, Jonathan Tótoro, como barítono: Federico López, Bajo a Walter Uranga. Lucho Sellan Guitarrista, Damián Tepman ( pianista), Nicolás Tindiglia como percusionista, con musica original y adaptación del texto por Mario Esteban con la dirección general de Mariano Cossa.

La puesta en su integridad es un verdadero disfrute para los sentidos y para los adultos volver a la niñez.
Fausto la próxima y última puesta del ciclo, el sábado 23 de febrero.
Otras opciones son: Tundra, mujeres de cajas tomar, el domingo 17 y 24 de febrero, que contiene 6 obras, cada domingo es una caja, la del 17/2 es Fruto de Pamela Vallejos, el 24/2 es Desencájate de Cintia Santa Cruz y los anteriores fueron Di tu palabra de Leila Simone, Basta de Julieta Viveros y Guajojó, la mujer pájaro de Daniela Ocampos, Tomasa de Karina Gozzi, Florece de Florencia Caiero,Tejiendo Historias de Lorena de la Fuente. Recomendado para adolescentes y adultes.
El domingo 17, estuvo 9 y 10 de febrero Lo que esconden los libros, inspirado en El gato manchado y la golondrina Sinha de Jorge Amado. En la sala Osvaldo Pugliese con interpretación de Daniela Calbi y Ariel Varela.

Domingo 17, 24, Sábado 23 y viernes 22, No quiero morir desnudo, de autoría de Jorge Onofri y César Brie realización de la Compañía atacados por el arte de Cipoletti, Río Negro. Público recomendado adultos y jóvenes a partir de 15 años, Sala Gonzalez Tuñon.
Sábado 23 y domingo 24 La vuelta en 80 días donde Fernán Cardama con premios nacionales e internacionales, recomendado para público a partir de los 6 años. Sala Osvaldo Pugliese.
Este abanico de opciones, para que la imaginación vuelva a volar, para ver un teatro distinto, donde solo el ingenio y el amor por la historia que se quiere contar lo hace posible.

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Reseña: La omisión de la familia Coleman

En el Complejo La Plaza, en la Sala Picasso, todos los viernes a las 20.00 hs, la historia de una familia ensamblada y disfuncional con guion de Claudio Tolcachir.

La familia ensamblada, se compone de una abuela, quien mantiene económicamente al resto de la familia. Ella a su vez es el punto de referencia y de reencuentro para una hija, el personaje es Memé, rara vez la llamarán mamá. Quien a su vez tiene cuatro hijos, todos adultos, de los cuales son de la misma madre pero dos hermanos pertenecen a padres diferentes. Los maridos abandonaron a sus hijos, toda vez que se separaron de la madre.

Sobre lo de familia disfuncional, es una palabra que puede sugerir mucho y explicar poco. Al inicio de la trama, transcurre en la casa de abuela, uno de los nietos, tiene problemas con la bebida y se pelea con el resto de la familia porque, en actitud de víctima, se defiende y todo el tiempo los acusa al resto de hostigamiento. El otro hermano, no se despega de la madre. Otra de las nietas, la más sensata, Gaby, que tiene los pies en la tierra, trata de coser y vender ropa, para afuera. Y una segunda nieta, Verónica, que también es consecuente con su abuela, tiene una buena posición económica, pero su familia la avergüenza. Tan es así que nunca llega a presentar a sus hijos, al resto de la familia, los hijos de Verónica, por temor a que los dañen, se veran privados de conocer a su bisabuela, a su abuela y a sus tíos.

La obra pertenece, por momentos al género de la comedia y por otros a la parodia. Nos reiremos, a partir de las peculiaridades que presenta una familia que va en declive, no tienen gas, no tienen que comer, carecen de todo, pero hay algo que los une y ese vínculo se va deshilachando a medida que la obra avanza.

Esta piezca teatral hace 15 años que permanece en cartel. Fue la primer obra que escribió Tolcachir, en el 2004, en un PH de Boedo, que ademas de casa, fue teatro. Estuvo en 54 festivales internacionales, 24 paises y fue traducida a 8 idiomas. Lleva a sus espaldas los aplausos de 1960 funciones.

Un elenco, destacable, no solo por las actuaciones individuales sino por crear esa atmósfera que hace reír y que deja un ambiente enrarecido, por la durezca de los personajes. Muy difícil en un actor/ actriz, lograr la parodia de Tolcachir. La abuela es protagonizada por la actriz Cristina Maresca, excelente su desempeñó, jugando con la actriz Miriam Odorico en el personaje de Memé, una madre, cariñosa, por momentos y un témpano en otros. Con un excelente intercambio de diálogos con la actriz Inda Lavalle, una de sus hijas, Verónica, a la que Memé trata de seducir para tener mas afecto y una hija que sufre al no poder evitar el dolor que le provoca el pertenecer a esa familia. Los dos actores, jóvenes, que hacen de hijos, Diego Faturos encarnando a Damián y entrando en conflicto con el personaje de Marito, interpretado por Fernando Sala, muy buenos los encontronazo de ambos hermanos. Es imprescindible mencionar a la actriz Tamara Kiper, en el rol de Gabi. También, Andrés Ciavaglia, que actuó en la reciente película de Tampoco tan grandes, es un remisero que le ha gustado a Gaby y él busca ser algo mas que un amigo.

Hay que ir a verla, para ver si nos confirma o no ese axioma que dice que la familia no la elegimos, sino es la que nos toca.


Ficha técnica

Libro y dirección Claudio Tolcachir

Actúan: Cristina Maresca(abuela) , Miriam Odorico (Memé), Inda Lavalle (Verónica), Fernando Sala (Marito), Tamara Kiper (Gaby), Diego Faturos (Damián), Gonzalo Ruiz (Hernán), Jorge Noguera (médico)

Asistente de dirección: Macarena Trigo

Diseño de luces Ricardo Sica

Diseño gráfico Pauli Coton

Fotografía Giampaolo Samá

Prensa Marisol Cambre

Producción Máximo Seugué y Jonathan Zak


Diana Decunto

consignas.de.radio@gmail.com

Crítica: Venganza

Crítica de Cold Persuit por Agustín Villegas

Me niego a llamarla ‘VENGANZA’….

Las películas de Liam Neeson se convirtieron en un evento que todo fan del cine de acción busca acudir. Éste nuevo proyecto, dirigido por Hans Peters, no solo cuenta con tiros, peleas y mafias varias … sino que nos brinda una historia atrapante.

La historia, basada en la película noruega ‘KRAFTIDIOTEN’ (dirigida también por Peters), sigue a Nelson (Liam Neeson), un quita nieves laburante que se enfrentará a la peor de las mafias para vengar la muerte de su hijo. El nevado y montañoso pueblo se tiñe de sangre cuando éste hombre decide salir de cacería solo con conocimientos de detective adquiridos por las novelas policiales que tanto ama.

Los manejos que el director hace con la camara dejan en evidencia que no estamos ante una película de acción mas del montón. Esta remake atrapa al espectador con una historia dura y cargada de elementos brutales. El camino de éste maduro vengador cuenta con una narrativa fluida y oscura, quizás un poco opacada por los villanos. Mí problema con estos personajes es que son tan odiosos que deja en evidencia que existen para justificar la sed de venganza de éste personaje principal, entiendo que sea difícil apagar el carisma de Neeson pero que la película gire exclusivamente al rededor de «el lado bueno» le quita objetividad y tridimensionalidad.

Como fan de «FARGO» (la película y la serie) me sentí gratificado con los sutiles homenajes que le hacen a la obra de los Coen. Los ambientes nevados son perfectos para la violencia, el blanco queda hermoso empapado con el color rojo sangre, por lo que el apartado visual es una de las cosas que le dieron carisma y fuerza a ésta idea.

«COLD PERSUIT», traducida perezosamente como ‘VENGANZA’, es una película de acción con tintes de comedia negra digna de ser vista. No se que vaya a pasar con la carrera de Liam Neeson luego de sus polémicos dichos, pero en lo personal quiero seguirlo viendo para siempre pateando trastes en todo ecosistema habido y por haber.