Crítica: Doberman

Por Ignacio Festa 

“Si estás vestida así es porque esperas a alguien”, le dice Mirna a Mercedes después de recalcarle que se le ve la ropa interior. Está convencida que mercedes es la amante de su esposo y la ha visitado con el único objetivo de enfrentarla.

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Doberman es la primera película de Azul Lombardía, basada sobre la obra de teatro que presento en el ciclo de óperas primas del Centro Cultural Rojas en 2013. Interpretado por Mónica Riola y Maruja Bustamanente, el film trata sobre la conversación que Mercedes mantiene con Mirna en la cocina de su casa. Mientras espera que su hijo regrese, prepara un tuco para recibirlo con un plato de pastas. La visita de Mirna no es una casualidad: cree que su marido le es infiel con la dueña de casa y ha ido hasta allí en busca de una respuesta. El encuentro hará que las realidades de las dos mujeres se vean enfrentadas y termine de la peor manera: una tragedia doméstica.

La película busca retratar las habladurías que se gestan entre vecinos y como la envidia, el prejuicio y la hipocresía  repercuten en la vida de barrio. La personalidad de los personajes se va construyendo a través del diálogo. Si bien la conversación entre Mercedes y Mirna tiende a extraviarse, como suele ocurrir en cualquier charla ocasional, el espectador logra conocer la identidad de las protagonistas. El modo en que está filmada la película hace que el espectador se sumerja en ese mundo y presencie lo que ocurre en la película como si formara parte de la escena. A medida que la película avanza, las mujeres se irán embrollando cada vez más en la conversación, llevando al encuentro a un final inesperado.

A su vez, el film deja un mensaje de género acerca de una cuestión que afecta a ambas mujeres: la ausencia de la figura masculina. Mercedes es divorciada y, si bien vive con su hijo, pasa mucho tiempo sola porque el muchacho suele ausentarse en la casa. Mirna es madre de seis hijos, es consciente de que su pareja muestra poco interés en cumplir su papel de padre y esposo, pero se siente en la obligación de retenerlo para poder garantizar el sustento económico de su familia.

Doberman logra representar desde la cotidianeidad tanto miserias de estas mujeres como una problemática femenina que las damnifica a ambas. La cercanía de las circunstancias donde transcurre la historia hace que el mensaje que la película busca transmitir sea tangible para el espectador. La propuesta no carece de imaginación y creatividad como de verosimilitud. En un lugar cualquiera, donde parece que nada extraño puede llegar a ocurrir, suceden acontecimientos fuera de lo normal.

Calificación: 7/10

Reseña: Después de casa de muñecas

Por Bruno Glas 

La “Casa de Muñecas” original de 1879 terminaba con Nora abandonando la casa, librando a Thorvald y a su familia a su suerte. No quedaba claro si volvería o no, aunque uno se vería tentado a apostar que se había ido para no volver. Este final, revolucionario para su momento (yo diría que lo sigue siendo al día de hoy), es casi el punto de partida que toma Javier Daulte para hacer una secuela de la famosa obra de Ibsen.

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Nora vuelve a casa quince años más tarde, siendo ahora una famosa escritora, a causa de la extorsión de un juez que amenaza con llevarla a la cárcel. Se ve en la necesidad de pedirle ayuda a su antiguo esposo (Jorge Suárez), a su niñera Anne Marie (Julia Calvo), que tuvo que lidiar con la crianza de los hijos de ella, y a su hija (Laura Grandinetti), ahora una muchacha.
Si la obra de Ibsen causó en su momento tanto revuelo, era por su fuerte cuestionamiento a la institución del matrimonio y a los valores familiares, destacando el rol individual de la mujer por sobre lo que la sociedad espera de ella. Por esto mismo muchos consideran a “Casa de muñecas” la primer obra de teatro netamente feminista, aunque el mismo autor haya negado esta denominación. Y precisamente, la continuación de la original viene a plantear algunas de estas cuestiones en un momento histórico donde el feminismo tiene un lugar central. Pero lo más destacable de la obra es cómo logra evitar caer en el alegato o en el comentario demagógico. No hay discursividad intríseca a ella que habilite una única lectura. En el enfrentamiento de Nora con sus familiares se pone en discusión las consecuencias de su partida y su regreso. Hay una voluntad de juzgar a los personajes, pero también de entenderlos, de estrechar lazos con ellos. Si bien cada personaje tiene una postura diferente, Daulte deja que sea el espectador el que saque sus propias conclusiones de lo sucedido. De allí el correlato que se establece con la disposición espacial, puesto que el escenario no reproduce la típica estructura bien frontal del teatro alla italiana, sino más bien el semicírculo del teatro griego, donde el público tiene la posibilidad de observar todo lo que sucede desde arriba. Mención aparte para los actores, que dotan a los personajes de un registro que les permite jugar sin problemas con lo tragicómico.
La obra podrá verse a partir del mes de mayo en el Paseo La Plaza.

Reseña: Maldita nada de nada

La compañía Comedias Negras, que viene trabajando desde 2003, nos sorprende una vez más con un espectáculo fiel a la estética y estilo que los caracteriza. En esta oportunidad, la historia se centra en un grupo de personajes que conforman parte de una orquesta, a la cual, les han robado y destrozado los instrumentos musicales. A partir de este evento, se desata el conflicto que dará inicio a una obra que podríamos encajar en la categoría de post-dramática, donde las marcaciones aristotélicas se encuentran difusas y el desarrollo de la obra va y viene en una lluvia constante de significantes.

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En Maldita nada de nada, el foco está puesto sobre la acción de los actores. A través de ellos y sus recursos corporales, se cuenta una historia que a fin de cuentas no será lo más relevante del espectáculo.  La escenografía es escasa al igual que los recursos lumínicos y sonoros, al mejor estilo de Grotowsky y su “teatro pobre”, pues lo importante aquí, es el trabajo del actor.

La estética que caracteriza a esta compañía (Comedias Negras), se centra en la búsqueda de nuevos lenguajes teatrales sobre la base del humor, explorar las posibilidades del idioma y en utilizar, como se dijo anteriormente, la menor cantidad posible de artilugios escénicos con el fin de obtener una suerte de estética del despojo.

Ficha técnica

Actores: Ana Margarita Wright / Julia Fiks /Ariel Osiris / Marita Otilia /Esmeralda Lerena / Haydee Arévalo / Erica Spósito / Ana Capistrano / Patricia Vasile / Micaela Veltani / Anabel Vartanian / Lourdes Isola / Ivy Centanni

Elementos escenográficos:René Morales y Tutti Santos

Vestuario: Dulcinea Gotbeter

Producción: Comedias Negras

Iluminación: Julio Rodríguez

Diseño gráfico: Andrés Vanney

Fotografía: Ricardo Brecher

Prensa: SMW

 

Funciones: viernes 20:30hs

Teatro: Payro – San Martín 766 . Caba

Localidades. $ 300.- en venta en boleteria del teatro o   www.alternativateatral.com.ar

Crítica: Pokémon: Detective Pikachu

Por Agustín Villegas

Pikapool Begins…

Hollywood ya estaba demorandose en llevar la franquicia POKEMÓN a la gran pantalla. Con la cantidad de elementos que la licencia tiene mas el excesivo numero de fanáticos que hay en el mundo el resultado es un éxito asegurado. Lo extraño es en la forma que decidieron entregarnos el primer film live action de este mundo. La película se basa en un extraño videojuego titulado «Detective Pikachu», exacto, igual que la película. Al leer la historia y ver unos gameplays llegue a la conclusión de que el juego parece existir solo para justificar la existencia de esta película. ¿hay algún problema con ésto? La verdad que no, bah … al menos no para mí. El juego resulta ser una antitrama que nos deja sin una respuesta al final de la historia, cuestión que no respetan en la película por fines claramente comerciales. Antes de seguir les alguna data de la historia.

Tim Goodman (Justice Smith) es un solitario joven sin rumbo fijo, atrapado en un empleo mediocre el cual considera perfecto para el. El conflicto inicial del personaje es bastante interesante y su desarrollo es bastante complejo y sorprendente por ser una película titulada DETECTIVE PIKACHU, a medida que la historia va tomando forma el personaje va rearmando su historia personal, revelando datos muy interesantes y, acompañados por una gran interpretación de Smith, nos llegan al cuore. El detonante de Tim se presenta mediante una llamada de la policia de Ryme City, en donde le informan que su padre policía aparentemente fallecio en un misterioso accidente. El protagonista tiene que, muy a su pesar, abandonar el pueblo e irse a la única ciudad de ese mundo en donde los Pokemón y los humanos conviven a la par, llevandolo a cruzarse con un PIKACHU parlante y con amnesia (Ryan Reynolds) que fue compañero de su padre.

A nivel historia los primeros dos actos son excelentes, el caso que presentan los guionistas es atrapante. Uno esta agarrado de los huevos queriendo saber que fue lo que realmente paso con el padre de Tim, las secuencias de flashbacks y de reconstrucción de sucesos mediante tecnología holografica tratan de forma muy inteligente el misterio. Lamentablemente todo se descoca en el tercer acto, no es spoiler mencionar que Mewtwo tiene una gran importancia en el film, su diseño es un sueño hecho realidad para cualquier fan, pero la historia se va de eje con el fin de darnos un climax que hubiese sido mucho mas fuerte si se arriesgaban por ir hacia un lado menos clásico y más cercano a la escencia del videojuego o, de lo que a mí me hizo amar POKEMÓN, la serie animada.

Lo más groso de todo es que la película está filmada en celuloide, por lo que es evidente que el plan de hacer algo diferente estuvo más que presente … ahora si nos preguntamos si lo lograron la respuesta puede considerarse algo ambigua. El desarrollo del personaje protagonista que interpreta Smith tiene un drama muy fuerte, muy creíble y de fácil gancho para el espectador (¿quien no tiene problemas paternales? ¿quien no busca una catarsis al respecto?). Por lo que al ver un guión con cierta fuerza uno espera una conclusión un poco menos aparatosa, ya que no es necesaria. Con respecto a Ryan Reynolds como Pikachu no se puede negar que la gracia del actor hace querible a cualquier personaje que éste interprete. Mí temor era que al escuchar al personaje sienta que éste esta siendo burlado por Deadpool en un fake trailer, pero la verdad que se percibe genuino. Y no se puede dejar de lado lo PRECIOSO que es el diseño del personaje, es una maravilla a la vista, pero voy a pasar a lo visual en el próximo parrafo.

Ryme City tiene una gran ventaja y una gran falencia. Lo bueno es como esta pensada, no tiene nada que envidarle a la Los Angeles de «Blade Runner». La luz, los colores y los detalles son otra de las pruebas de que la idea no fue joda, de que la laburaron con amor y ganas. De hecho se modifico mucho con respecto al juego original, ya que en el mismo es mas similar a Amsterdam o a alguna ciudad europea, mientras que en la película se decidió ir mas por el lado de una metropolis futurista. El problema está en que se pierde un poco la escencia de POKEMON, no vemos pokebolas, peleas pokemon ni entrenadores. En sí la película carece de elementos clásicos de la franquicia, lo cual es un poco problematico ya que la personalidad de este mundo viene muy marcada desde hace rato. Claro que ésto no arruina la película, pero hace que una parte de las espectativas se vean afectadas.

«DETECTIVE PIKACHU» es una película de calidad, a pesar de que el estudio claramente metió presión para hacer un tercer acto cliche que mantenga al espectador en la zona de confort es claro que el equipo detrás de la idea laburo noche y día para brindar la mejor versión del proyecto posible. Gran sentido del humor, gran fotografía, grandes diseños. No podría estar más feliz de haberla visto.

La película tiene una secuela en desarrollo, junto a un spin-off de MEWTWO. La idea de Warner es crear un universo cinematográfico de POKEMÓN, pero por ahora los detalles de como van a manejarse con nulos … de mí parte les doy la derecha.

Calificación: 7.5/10

Reseña: Alfa, de Felicitas Kamien

Por Victoria Seri

Siempre es un placer volver a El camarín de las musas. Su cartelera es variada, el lugar es amigable y se come muy bien. El sábado fui a ver Alfa, obra que se presenta los sábados a las 20.30 horas.

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De la misma manera que en la novela El cuento de la criada (1985), su autora, Margaret Atwood plantea en un país gobernado por una dictadura teocrática, en el cual solo algunas mujeres pueden gestar,  entonces son apropiadas por la elite militar para embarazarlas y quedarse con sus hijos, en Alfa se trata una temática similar pero desde otra perspectiva.

Por una cuestión climático-política la población masculina de Buenos Aires, se vuelve infértil. Solamente algunos elegidos serán los machos alfas encargados de proveer con el objetivo final de poblar la comunidad. Como cuando hay escasez y clandestinidad aparecen los que hacen negocios, este desastre se convierte en uno para una familia. Más allá de los habituales conflictos que pueden suceder en el seno familiar todo se complica más cuando el amor se interpone ante la prosperidad económica.

La dirección y dramaturgia están a cargo de Felicitas Kamien quien logra  poner en escena un espectáculo completo en el cual el drama juega constantemente con la comedia y el absurdo. La música, os efectos sonoros y las luces que se utilizan colaboran con la generación de un clima intenso, sombrío, turbio y misterioso que permanece en la sala hasta el final.

Todos los personajes son especialmente graciosos. Particularmente la dinámica que se construye entre el padre, madre e hija es genial. Los actores realizan un trabajo excepcional y eso se transmite al público ya que fueron ovacionados a sala llena.

 

FICHA TÉCNICA

Duración 70 minutos
Actúan: Mariana Cavilli, Marta Haller, Abian Vainstein, Valeria Roldán, Diego Quiroz
Escenografía: Victoria Kamien
Realización: Mariano Sivak
Iluminación: Matias Sendon
Asistencia de Dirección: Sebastián Sabio
Prensa: Simkin & Franco
Dramaturgia y Dirección: Felicitas Kamien

Reseña: Un domingo

Todos los viernes a las 23 hs. y los sábados a las 20 hs., El Galpón de Guevara, se engalana para presentar un claro exponente del género “circense” con la dirección del francés Florent Bergal.

Se trata de una creación colectiva del Proyecto MIGRA, La Cía. NIDO y Florent Bergal, e impulsada desde el Festival Internacional de Circo Independiente, en el cual se presentó por sólo tres funciones durante su 4° edición en el 2018.

El argumento de la obra me es inevitable a asociarlo a la serie de los años ’60, los Locos Adams. El argumento se basa en que nadie está cuerdo, donde hay dos clases de hombre, los que atacan y los que se defienden. En una pelea donde los contrincantes se debilitan pero nunca terminan de caer.

Todos los objetos y las personas, tienen cualidades especiales: brincan, saltan, rebotan y hasta vuelan. Un circo, que reviste las características de social.

Tomás Sokolowicz, uno de los integrantes de este electo, nos tiene acostumbrados a obras de alta calidad, desde la simpleza. El año pasado en esta página recomendamos La ceremonia, un unipersonal, donde les redoblamos la apuesta, para este año, a que no se la pierdan.

El elenco tiene el mérito que por una hora, lograrán que los objetos tomen vida. Vale la pena destacar la participación en el elenco de nuevas generaciones circenses, que se las traen como son Florencia Valeri, Gabriela Parigi y Sofía Galliano. Los actores Tato Villanueva y Juan Fernández, junto a Tomás Sokolowicz conforman en escena un equipo sólido, con la adecuada cuota de humor, logran que esta familia de la ficción, algo excéntrica, al finalizar la pieza, para el público sea convierta en algo «muy normal» y entrañable.

Como dice la remañida frase que una imagen vale más que mil palabras, me pareció que para reseñar esta la obra, hay que velos en acción sobre el escenario. Para ello, hay un video levantado en la página de youtube, con un resumen sobre la obra. Haga click aquí: Un domingo

Recuerden ver un viernes o un sábado, una obra llamada Un domingo, es el fin y el comienzo de un antes y un después de verla.


Lugar: El Galpón de Guevara (Guevara 326, CABA)
Duración: 60 min.

Ficha técnica

  • Elenco: Tato Villanueva, Florencia Valeri, Gabriela Parigi, Juan Fernández, Sofía Galliano, Tomás Sokolowicz
    Asistencia de dirección: Leticia Vetrano
    Producción general: Pier Paolo Olcese
    Producción ejecutiva: Tomás Sokolowicz
    Vestuarios: Celina Santana
    Asistencia de iluminación: Carolina Rabenstein
    Prensa: OCTAVIA Comunicación
    Producción: FICI – Galpón de Guevara, Proyecto MIGRA
    Dirección: Florent Bergal


    Reseña Diana Decunto. inboxmatutino@gmail.com

Reseña: Notas para la montaña

Dentro de las tendencias experimentales de la danza contemporánea, en el Centro Cultural San Martin, con funciones jueves y viernes de abril y mayo a las 20.30hs , la bailarina Quio Binetti, bajo la dirección de Gustavo Lesgart y con escenografía de Mariana Tirantte, deja escrita una página en la danza con el uso de objetos bajo el título: «Notas para la montaña».

La obra plantea el desafío de preservar los bosques del daño del hombre. En un estilo muy personal, donde la la bailarina demuestra tener una excelente técnica, en una muestra de perfomance unipersonal, en la que va arrastrando muchas estacas de madera, las cuales une, para luego desfragmentar. Se vale de este noble material, para arrastrar el peso y desde abajo del escenario, la compañía busca “despertar conciencias”.

La pieza es para un público muy selecto, diletantes de lo experimental dentro del género de la danza contemporánea, y que se encuentre abiertos a nuevas formas de expresión. Para los que no están sumergidos en estas técnicas, podrían alegar linealidad en el mensaje.

Quio Binetti, tiene una sólida trayectoria como bailarina, docente, creadora y gestora en danza contemporánea independiente.

Desarrolla con una particular capacidad artística y de gestión, multiplicidad de acciones generadoras de nuevos contextos y posibilidades para la expansión del campo de la danza experimental y la interdisciplinariedad. Coordina el área danza del Centro Cultural Paco Urondo de la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA -Universidad de Buenos Aires-, crea y coordina las Residencias BROTE , dirige las ediciones de Revista Labra (destacada por los premios Teatro del Mundo 2017 en el rubro Revistas Independientes). Vinculada fuertemente al campo de la creación, ha desplegado una intensa labor como directora y bailarina; en 2010 recibió el Premio Mejor Obra de Danza y Mejor Coreografía en el Festival Iberoamericano de Teatro y Danza. Entre 2015 y 2017 participó como coreógrafa invitada en el GEAM -Grupo de Experimentación en Artes del Movimiento- de la UNA.

Mientras que su director, Gustavo Lesgart, coreógrafo, bailarín y maestro de danza contemporánea. entre los años 1994 y 2002 dirigió la compañía de teatro físico Lesgart-Sanguinetti, creando trabajos de repercusión a nivel nacional e internacional. Como actor y bailarín colabora además con los grupos argentinos Núcleodanza,

Recibió el Premio Clarín como Mejor Bailarín por su trabajo en “Hondo” -obra de la cual es además coreógrafo- y el Diploma al Mérito a la Trayectoria de la Fundación Konex de Argentina. Es maestro invitado del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín de Buenos Aires (2004-2014), en el Taller de Danzas del mismo teatro, y en la Fundación Julio Bocca. Participa de las últimas tres ediciones de la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires como maestro formador y tutor de obra, y del programa LAB Prodanza 2016, 2017 y 2018 como tutor de obra.

El silencio en esta obra es lo que predomina, la música, despierta los sentidos, la imagen será la que generará interrogantes.


Reseña Diana Decunto. inboxmatutino@gmail.com

Análisis: Trüberbrook para PS4

Por Jorge Marchisio

En Trüberbrook, controlamos al joven científico Hans Tannhauser, quien va a pasar unas necesarias vacaciones en la campiña alemana, debido a un premio que sorpresivamente ganó. Pero nada parece ir bien, cuando en su primera noche en el lugar, un extraño irrumpe en su habitación, llevándose partes claves de su actual investigación.


Hoy nos toca hablar de Trüberbrook, un juego del más que nunca, revivido subgénero de la aventura gráfica, que por desgracia no hace evolucionar a este estilo de juegos.
¿Por qué decimos esto? Por la simple razón de que Trüberbrook subestima la inteligencia de los jugadores. En el 99% de las aventuras gráficas, nosotros tenemos que rompernos el cerebro viendo que ítem o zona de la pantalla, es la que nos va a ayudar a seguir avanzando en la historia; haciendo que, en más de una ocasión, nos estanquemos hasta que descubramos un minúsculo objeto que siempre pasamos de largo. Bueno, en el juego que nos compete, esto no pasa, porque con apretar un simple botón, se nos marca con una X roja, toda zona interactiva en la pantalla…


A esto debemos sumarle lo poco carismático que es el personaje principal. No tenemos problemas con que Hans Tannhauser sea el cliché del científico apacible nerd; pero no tiene ni un ápice que lo haga querible, pese a que comenta en voz alta, cualquier zona interactiva de la pantalla. Y ya sabemos que, en esta clase de juegos, donde los personajes y la historia lo son todo; mal vamos con un protagonista apático.
En cuanto a la historia; por suerte si es interesante, con varios toques sobrenaturales, que le dan un toque de particularidad como para atrapar al jugador. Pero, como decimos, que el protagonista nos diga todo y el juego nos viva ayudando, quita bastante de esa sensación de ir descubriendo la trama poco a poco.


En donde si brilla Trüberbrook es en el apartado gráfico. No solo por los bellos colores, sino por el diseño de los lugares, que en más de una ocasión, los más veteranos, van a tener una sensación de “a lo Twin Peaks” bastante marcada. Es una lástima que no se buscara explotar este parecido, que seguramente fue buscado.

Trüberbrook termina siendo un juego apenas aceptable. Sin un protagonista atractivo, y con un fallido sistema de juego que implica al máximo cualquier reto que se nos pueda dar; es un claro ejemplo de videojuego que subestima al jugador. Una lástima que solo podamos destacar lo visual.

Lo mejor: el apartado visual, bastante parecido a Twin Peaks.
Lo peor: demasiado fácil, y carente de retos y atractivo para enganchar al jugador casual

Calificación: 5/10

Reseña: Jaqueline, Hada

Por Pedro López

Un musical queer apto para todo público

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En un mundo donde las hadas y sus deseos están regulados por un estatuto, Jaqueline el último eslabón de la cadena de mando, deberá cumplir solo un deseo al viejo de la calle O’brian. Pero se encontrará con obstáculos que deberá sortear rompiendo algunas reglas. Ahora, el hada superiora la persigue para castigarla en su afán de respetar el reglamento al pie de la letra. Jaqueline, esta vez prófuga tendrá que cumplir su misión con la ayuda de sus amigues, unas ratitas de constitución.

 

Un musical que aborda reflexiones sobre el deseo, la transformación, las normas y las amistades. Unas ratas que quieren ser cangrejos. Un tigre que no quiere estar encerrado. Un hada que no quiere ser rosa. ¿Hay deseos más importantes que otros? ¿Más urgentes?

 

“Jaqueline, Hada” es una infantil que surge dentro de la UNA, y es construido a partir de ese deseo de poner en escenario aquellas representaciones que no les fueron habilitadas en su infancia a los miembros del elenco. Representaciones  heterodoxas que en la actualidad son necesarias, porque por suerte, el mundo no es estático, está en constante transformación y no para de evolucionar

Análisis: Days Gone para PS4

Sony ha lanzado hace unos días una de sus más fuertes propuestas en lo que va de este año. Days Gone en un juego exclusivo de Playstation que nos mete en una historia de acción y supervivencia dentro de un mundo apocalíptico invadido por zombies o engendros, cómo se les quiera llamar. Se trata de un juego del que se ha hablado mucho de cara a su lanzamiento, manteniendo a los usuarios y a la prensa dividida entre comentarios negativos y halagos. Ya habiendo pasado unos días desde su lanzamiento, y aprovechando nuestro análisis, podemos decir que Days Gone es un juego ambicioso que funciona y entretiene, aunque no esté exento de algunos fallos.

Como había mencionado antes, Days Gone es un juego de supervivencia, desde el inicio nos cuentan que el mundo ha sido invadido por unos engendros. Deacon St. John se encuentra con su mujer herida en el momento de la invasión, y para salvar a su mejor amigo de un inminente ataque, la deja en un helicóptero de rescate para que pueda salvarse. Lamentablemente eso no sucede, y el juego nos transporta tiempo después del inicio de la invasión, donde pertenece a un grupo de supervivientes, en el que hacen todo lo posible por subsistir. Los zombies no son el único enemigo, sino que también lo son las mismas personas, donde existen grupos de fanáticos y gente que solo quiere hacer el mundo arder. Nuestro protagonista sobrevive a un mundo que es realmente hostil, que se ha vuelvo alguien duro luego de perder a la mujer que amaba, junto a ese viaje de supervivencia vamos conociendo un poco sobre el pasado, que también nos sirve para develar misterios sobre el presente.

Deacon es tan protagonista como su motocicleta, que el su compañera de viaje y tiene gran importancia a nivel jugabilidad. Hablando de su jugabilidad, puede que de principio resulte algo complicado el dominio de la moto pero es algo de lo que uno se va acostumbrando a media que siguen las misiones. En términos generales el juego es ambicioso en su producción, y también en su historia, que se encuentra muy bien elaborada y mantiene el interés durante todo el camino. Si es posible comparar , se pueden encontrar ciertos paralelismo con los juegos de la saga Assasins Creed, debido al desarrollo de jugabilidad y cinemática, el sigilo e incluso los bugs. Lamentablemente en el juego se aprecian algunos bugs, y que por experiencia personal , en una ovación no me ha dejado completar la misión de asesinar a una cierta cantidad de engendros , mientras dos quedaban vivos y los podías atravesar con tu personaje. Ese puede ser uno de los problemas de Days Gone, porque sin dudas es un buen juego, aunque le haya sido falta lanzarse un poco más pulido, ya que apenas a días del lanzamiento hemos tenido varias actualizaciones para corregir errores y mejorar el rendimiento.

Que no les asuste estos errores técnicos a la hora de apreciar este juego por lo que es, ya que es una aventura muy interesante con una jugabilidad fluida e intensa por momentos. El desarrollo del juego se basa en la exploración, cumplir misiones, ir despejando campamento, y obviamente, eliminando al enemigo. Existe un completo diseño de misiones, en el que puedes optar de completar las secundarias que aportan habilidades y armas, así como también ir por aquellas que te permiten avanzar en la trama. Si hay algo que alienta a la exploración, es la mejora en habilidades, que van desde la salud, la habilidad de lucha cuerpo a cuerpo, o contra animales, entre otros ítems. También hay una variedad de armas, que no solamente son armas de fuego, y que pueden ser útiles dependiendo las características y la cantidad de enemigos que tienes presentes.

Al enemigo le queda mejor la palabra engendro, aunque nos encante hablar de zombies, pero lo apropio a algo más terrorífico quizá. Estos seres cuentan con una actitud más animal, salvaje u obviamente letales. Existen varios tipos de seres con los que te puedes encontrar. Entre ellos tenemos a los zánganos, que son los tipos más comunes con los que te encuentres, que si bien no suponen gran peligro cuando se encuentra en solitario, pero en grandes cantidades si lo son. Están los renacuajos, que son niños y adolescentes infectados, que son de un tipo más débiles y suelen atacar cuando estás débil o atacas su territorio. Están lo tremendos, con gran resistencia y fuerza, así como también a los animales mutados que pueden suponer un gran peligro. Por eso mismo el juego se basa en la estrategia de reconocer a cada tipo de horda y buscar la manera de eliminarlos, algo que supone un gran divertimento dentro de el juego. Si no se le escapa que algunas misiones resulten repetitiva o algo tediosa, pero aún así Days Gone mantiene un ritmo ágil, que se desarrollan a través de sus más de 40 horas de juego.

A nivel visual si hay que destacar lo que se ha hecho en el juego, su ambientación apocalíptica nos recuerda a productos como la serie the walking dead, producto del cual se alimenta al menos en términos estético. Su mundo es enorme, y está muy bien cuidado en cada uno de los detalles visuales. Si hay algo que resulta una espectacularidad, tanto visual como sonora, es en el momento en que te atacan las horas, que se convierte en una de las grandes virtudes del juego, también a nivel de jugabilidad. El juego también presenta una buena cantidad de cinemáticas , que están bien implementadas dentro del juego, aunque si se nota que por momentos desarrollan más de lo que deben para extender la duración del juego.

Hablando también de los aspectos técnicos, hay que mencionar el doblaje español que el título contiene. Existe un notable trabajo del equipo de doblaje, acompañado muy bien a las cinemáticas del juego. El título fue doblado en múltiples idiomas, dando importancia al mercado hispano, tanto en el doblaje español como el castellano para Latinoamérica.

A no engañarse, Days Gone es un buen y más que entretenido juego, pero que seguramente le haya sentado mejor lanzarse un poco más pulido para no tener que andar con tantas actualizaciones desde el principio. En líneas generales, es un juego de supervivencia y acción muy entretenido, con una trama interesante que se desarrolla de manera eficaz. Por eso, a pesar de algunos errores técnicos, es un buen juego con más luces que sombras.

Lo mejor:

Su imponente apartado visual

Una jugabilidad dinámica y entretenida

Las hordas

Es un juego sumamente entretenido a pesar de sus fallos técnicos

Lo peor:

Los bugs y los tiempos de carga, que han mejorado con las actualizaciones.

Misiones un tanto repetitivas

La trama puede llegar a alargarse un poco de más..

Calificación 8/10